Tema: Roman Polanski: revisando sus películas

Muy curioso. Me he puesto a buscar:
https://en.wikipedia.org/wiki/Death_and_the_Maiden
Y existen la tira de obras que recurren a este tema. Una que me viene a la cabeza que no sale ahí es Conoces a Joe Black? con Brad Pitt personificando la muerte, camelándose a Claire Forlani mientras chupa cucharas. Y está inspirada en una que tengo en mi watchlist eternamente: La muerte de vacaciones.

Para poner un poco de contexto personal al asunto, decir que al film le tengo un especial aprecio y cariño, ya que sorpresivamente, nos las pusieron en mi carrera inacabada de Criminología, concretamente en Historia del pensamiento criminológico, fue mi primera vez y la disfruté mucho, bueno disfrutar en un decir, padecer mejor. Claro en mi primer visionado una está en tensión constante en saber si realmente Gerardo lo hizo o no. Ya en este segundo visionado, con invitación a mi mujer también, cosa que no suelo hacer en estos nuestros ciclos, no disfrutó tanto como servidor, y con un breve diálogo entre ambos, cosa que no suelo hacer en medio de pelis y más si se trata de algún razonamiento sobre la peli, pero mi mujer quería saber si lo había hecho o no, la misma pregunta que interiormente uno se formula en el primer visionado, pero no se si acerté en decirle en dicho segundo del film: "pregúntate si lo va a matar o no". Para mi esa es la clave y el éxito de Polanski en el film, crea un ambiente ambiguo, sin posicionamiento político (esto es casi marca de la casa, tengo curiosidad como aborda esto en "el pianista"), y con la duda permanentemente en el aire, incluso después de la confesión, porque quizá Gerardo se agarra al clavo ardiendo de las palabras Paulina, que si confiesa, según ella, le dejaría con vida, y confiesa sin ser el autor, todo hace indicar que si, pero, para mi, la duda queda ahí sostenida.

Es apasionante el personaje de nuestra Ripley, su rostro transmite desquiciamiento permanente, esos minutos previos de soledad en la casa, son canela pura, cenando en el suelo, supongo como en los viejos tiempos de cárcel. Gerardo (Gandhi) está también inmenso, si bien es cierto que no deja muchas pistas claras sobre, ya no su posicionamiento, sino del como es y lo que piensa, pero en algún diálogo con Roberto, ya cuando Paulina se llevó a pasear el coche, si que se podría intuir un poco algo de mezquindad en Gerardo, claro jugando a favor en un segundo visionado!!! Stuart Wilson, actor que sólo asocio a esta peli, he visto algunos films suyos, pero no recuerdo su papel, pues eso, no es que esté mal, es que los otros dos son unes titanes, y a parte, los personajes de Gerardo y Paulina son algo más interesantes que el típico chaquetero político de Roberto.

Lo que no me cuadra es personajes con el nombre de Gerardo, Paulina y Roberto, me hablen en inglés, claro cuesta más de creérselos, ya que entiendo que son nativos del país X sudamericano (teniendo todos los números de ser Chile), la solución? difícil, ya que si buscamos actores latinos, se nos priva de la Ripley y Gandhi, y estar a su nivel no es fácil, y ser extranjeros en el país X, se necesitaría minutos de explicación y situación, cosa que Polanski, como ya hemos visto, no es muy dado a eso, no se, supongo que es pedir mucho.

Resumiendo pues, quien crea que vaya a ver un film sobre la dictadura o política, lo tiene crudo de verdad, y no me atrevería a decir que la clave política del film es un McGuffin (o quizá si), pero si que es un elemento totalmente secundario o terciario, importante sólo para contextualizar la situación de los personajes, pero a la hora de la verdad va por otros derroteros. Polanski vuelve al trío que tan bien le funcionó en "el cuchillo en el agua", pero con mejores actores, y nos da, para mi, un thriller psicológico referencial, ni más ni menos.

Para acabar, lanzar una pregunta: es Polanski el director que se desenvuelve mejor y que mejor domina los espacios cerrados (interiores)? A bote pronto no se con quien compararlo, pero tiene tantas obras totales!!!!: "Repulsión", "Semilla del diablo", "Quimérico inquilino", "Un dios salvaje" y of course, el film comentado.

Lo tengo que admitir, me da pereza revisionar "la novena puerta"!!!

Querido Alex, me temo que has confundido en tu comentario los nombres de los personajes. Gerardo es el marido de Paulina, Stuart Wilson, mientras que el temible Dr.Miranda es Roberto, Ben Kingsley.

Lo de hablar en inglés, ciertamente, es algo distanciador, pero en este caso hay que tener en cuenta que la obra teatral de Dorfman, él mismo instalado en Estados Unidos durante muchos años después de huir de Chile debido al golpe de estado de Pinochet, ya había recorrido los escenarios de medio mundo, incluido Broadway. Por tanto, se trasladaba a la pantalla una obra prestigiosa también en Estados Unidos (montaje exitoso de Mike Nichols e interpretaciones de Glenn Close, Gene Hackman y Richard Dreyfuss). Se mantienen los nombres latinos y algunas referencias, pero la conclusión es que, aunque sea fácil vincular la película con Chile (el propio Dorfman fue colaborador de Salvador Allende), acaba adquiriendo un carácter universal.

Tal como avancé, este fin de semana he leído el texto de Dorfman. Más tarde lo comentaré un poco, destacando las diferencias con el film de Polanski.

Y respecto a lo del dominio cinematográfico de los espacios cerrados, no sé si Polanski será el director que mejor se desenvuelve en ellos, pero desde luego será uno de los mejores, un auténtico maestro de las atmósferas asfixiantes, cerradas, opresivas. Su trabajo de puesta en escena en este film es soberbio. Volveremos a esos espacios en varios de sus próximos films.

Pues he tenido suerto de que no tengan nombres compuestos a los Gerardo Luis, Miguel Roberto, Paulina de la Encarnación!!!!

Alargo un poco el comentario de La muerte y la doncella con algunas notas sobre el texto de Dorfman.
Primero de todo, el texto no recoge ese prólogo en la sala de conciertos, con el cual Polanski (fuera o no idea suya) le da un cierto aire circular a la película y debido al cual alguien puede tomarse todo lo que viene después como un recuerdo, rememoración e incluso construcción mental de Paulina.

Spoiler:

El final, en cambio, sí acontece en la sala de conciertos, pero el autor apunta que cuando Paulina ve a Roberto (pero no a la mujer e hijos) puede ser real o una ilusión formada en su cabeza. Algo que también podría hacer pensar de hasta qué punto todo lo que hemos visto (en la pantalla o en el escenario) ha sido real. Recordemos que se hace hincapié en la afectación emocional, mental, que Paulina sufre todavía, después de tantos años, debida a lo traumático de su experiencia.

La obra va más al grano, carece de esa especie de preparación para el espectador, esa forma de mostrar la compleja psicología de Paulina, mediante la visualización de la preparación de la cena o lo de comer en el suelo. Tampoco hay ningún corte de luz ni se oye la noticia del nombramiento de Gerardo por la radio, detalles todos ellos que a mi modo de ver dotan de densidad a la película. Recordemos, no obstante, que Dorfman participó en el guion, o sea que quizá estamos en buena medida ante mejoras o ajustes al medio por parte del autor, aunque supongo que, poco o mucho, Polanski participaría en la versión final, aunque no esté acreditado.

Luego hay más diferencias, la mayoría no muy relevantes (se habla de la madre de Paulina; esta no arroja el coche por el precipicio; ata y golpea a Roberto mientras este duerme; ni él ni Gerardo han advertido que Paulina se ha marchado; no han de llegar unos enviados del presidente; no hay nada relacionado con la llamada a Barcelona, etc.).

Lo más significativo ocurre al final, en el momento de la confesión de Roberto.

Spoiler:

Mientras en el film esa confesión, una vez verbalizada de forma muy creíble por el Dr.Miranda (y mediante una escalofriante interpretación de Kingsley) marca el final del “juicio” y es desatado y dejado en libertad, en la obra, Miranda confiesa ante Paulina (en ausencia de Gerardo), en la casa y a punta de pistola. La escena finaliza con Paulina apuntándole y sin darse por satisfecha con la confesión que considera falsa, un montaje perpetrado por Roberto con la ayuda de Gerardo. ¿Lo matará o lo acabará dejando en libertad? Esa duda subsiste durante el epílogo en el concierto, con esa acotación del posible carácter ilusorio de la aparición de Roberto, que supongo que da mucho juego a la hora del montaje teatral.

O sea que, tal como había leído en alguna ocasión, la película es más explícita, más clara en su desenlace, que la obra teatral, más ambigua. Al parecer Polanski no estaba muy de acuerdo con el final, pero se impuso el criterio del autor. Habrá que rastrear más información para aclarar estas diferencias. Lástima que Polanski acabe sus memorias antes del rodaje de Piratas.

DEATH AND THE MAIDEN (1994, LA MUERTE Y LA DONCELLA).



Copyright by Behind The Scenes Ltd. 1994.

Lo primero de todo lamentar que no exista a nivel mundial ningún edición en BD de esta excelente (y ambigua) película de Roman Polanski, algo difícil de entender dada la presencia de dos grandes estrellas del cine como son Sigourney Weaver y Ben Kingsley.

Película que jamás había visto hasta esta mañana (salvo algún fragmento inconexo en algún pase televisivo) lo cierto es que como bien decís LA MUERTE Y LA DONCELLA recupera ese mundo opresivo y de pesadilla de sus primeros años y que el director parecía haber abandonado en sus últimos trabajos.

Una cinta que podríamos incluir en ese grupo de historias que el cineasta centra en un único espacio (como la famosa “trilogía de los apartamentos” - que como ya vemos el autor expandió a más títulos-) y que además transcurre también en unas pocas horas. Por tanto, unidad de espacio y de tiempo.

Como bien sabéis mis referencias culturales cuando me enfrento a películas modernas son mucho más escasas que cuando comento películas del periodo clásico (sea cuál sea éste). Por ello me limitaré simplemente a dejar caer algunas reflexiones que me ha provocado el visionado de la cinta.

Lo primero comentar que no deja de ser curioso que la película que antecede en la filmografía de Ben Kingsley a ésta es nada más y nada menos que SCHINDLER LIST (1993, LA LISTA DE SCHINDLER) de Steven Spielberg. Ciertamente no pueden encontrarse personajes más antagónicos que los encarnados por el actor británico en una y otra cinta.

Por su parte Sigourney Weaver tenía todavía reciente su participación en la (injustamente) menospreciada ALIEN ³ (1992, ídem) de David Fincher y su personaje, Ripley, sí parece más cercano (por su carácter y fortaleza) al de Paulina Escobar.

Aunque parece que la intención original de Polanski era la de que ninguno de los tres puntos de vista de los personajes predominara sobre el de los demás y dejar por tanto a criterio del espectador el averiguar la verdad de los hechos (por supuesto, si existe una sola verdad) lo cierto es que yo me decanto porque como bien afirma Paulina, el Dr. Roberto Miranda es, efectivamente, su captor y su torturador.

Probablemente hubiera sido una opción más arriesgada (y tal vez más original) el que Paulina, convencida de la culpabilidad de Roberto, hubiera acabado con su vida, para más tarde demostrarse que se había equivocado de persona.

[Algo similar a lo que acontecía en el excelente western de Henry King THE BRAVADOS (1958, EL VENGADOR SIN PIEDAD) donde el protagonista encarnado por Gregory Peck iba matando uno a uno a los violadores y asesinos de su mujer para darse finalmente cuenta de que ellos no habían sido…].

La ambigüedad con la que Polanski envuelve toda la trama, donde uno no sabe a ciencia cierta con qué carta quedarse, es disipada en buena medida en la confesión de Roberto cuando está al borde del acantilado. Una confesión demasiado precisa en cuanto a detalles como para pretender que se la ha inventado sólo para evitar la muerte. La calma y la sinceridad con la que se expresa es, creo yo, imposible de falsificar.

Quizás para Paulina le sea suficiente el que Roberto admita su culpa (aunque sin un atisbo de arrepentimiento, más bien todo lo contrario - “me encantaba” -) pero uno tiene la sensación o más bien la certeza de que finalmente Roberto ha vencido y no sólo eso sino de que su presencia (como podemos apreciar en el tramo final en el teatro) nunca abandonará completamente a Paulina (esa mirada de ella y de su marido hacia el palco donde está (yo creo que sí) Roberto con su familia es ciertamente demoledora).

En cuanto a la significación del título de la película, “La Muerte (con mayúsculas) y la doncella”, yo la circunscribiría a esa relación entre el verdugo (representado por la Muerte) y la víctima (una Paulina virginal – no en el sentido sexual sino por su juventud cuando los hechos acontecieron -). Si en un principio la doncella parece el elemento de la pareja dominante, siempre alerta y tomando rápidamente la iniciativa, finalmente la Muerte será (como en aquella hermosa de Ingmar Bergman - ¿verdad, querido amigo Earle? -) la que (lógicamente) acabe triunfando.

Y repito. Aunque Polanski introduce suficientes elementos como para hacernos dudar de si efectivamente Roberto es o no el torturador de Paulina yo creo que todo apunta a que sí.

Quizás por ello el final (aparte de ambiguo) me parezca profundamente desazonador.

Otra de esas historias cíclicas que tanto gustan a Polanski y que sirven para dejarnos una duda buñueliana en nuestras conciencias.



Feliz tarde.

Iniciado por Alcaudón

...
Aunque parece que la intención original de Polanski era la de que ninguno de los tres puntos de vista de los personajes predominara sobre el de los demás y dejar por tanto a criterio del espectador el averiguar la verdad de los hechos (por supuesto, si existe una sola verdad) lo cierto es que yo me decanto porque como bien afirma Paulina, el Dr. Roberto Miranda es, efectivamente, su captor y su torturador.

Probablemente hubiera sido una opción más arriesgada (y tal vez más original) el que Paulina, convencida de la culpabilidad de Roberto, hubiera acabado con su vida, para más tarde demostrarse que se había equivocado de persona.

Como he reseñado en el post anterior, en el texto de Dorfman no queda tan claro si es o no culpable (y si sobrevive o no) como sí parece quedar en la película. Con todo, Dorfman también firma el guion del film (junto a Yglesias), además de ser uno de los productores, con lo cual es difícil decir si los matices son propios de Polanski o una variación del autor sobre su obra original. En esta ocasión la película fue en cierta manera un encargo, se le propuso a Polanski y este aceptó, supongo que porque el texto marida muy bien con el grueso de su obra.

Iniciado por Alcaudón

La ambigüedad con la que Polanski envuelve toda la trama, donde uno no sabe a ciencia cierta con qué carta quedarse, es disipada en buena medida en la confesión de Roberto cuando está al borde del acantilado. Una confesión demasiado precisa en cuanto a detalles como para pretender que se la ha inventado sólo para evitar la muerte. La calma y la sinceridad con la que se expresa es, creo yo, imposible de falsificar.

Quizás para Paulina le sea suficiente el que Roberto admita su culpa (aunque sin un atisbo de arrepentimiento, más bien todo lo contrario - “me encantaba” -) pero uno tiene la sensación o más bien la certeza de que finalmente Roberto ha vencido y no sólo eso sino de que su presencia (como podemos apreciar en el tramo final en el teatro) nunca abandonará completamente a Paulina (esa mirada de ella y de su marido hacia el palco donde está (yo creo que sí) Roberto con su familia es ciertamente demoledora).

Ese relamerse de Roberto (excelente Kingsley) no está presente en la obra teatral, es algo que parece dejar poco espacio para las dudas.
¿Realmente ha vencido Roberto? No lo tengo tan claro, pero lo que sí que tengo claro es que Paulina no ha vencido y que, como bien dices, ese ángel de la muerte no se separará de ella jamás. ¿Se llegó a establecer un vínculo de atracción entre víctima y verdugo que, años después, se reproduce? Ese es otro tema que apunta en el film (y que nos puede hacer pensar en aquella El portero de noche de Liliana Cavani, con Bogarde y Rampling, objeto de escándalo en los 70).

Iniciado por Alcaudón

En cuanto a la significación del título de la película, “La Muerte (con mayúsculas) y la doncella”, yo la circunscribiría a esa relación entre el verdugo (representado por la Muerte) y la víctima (una Paulina virginal – no en el sentido sexual sino por su juventud cuando los hechos acontecieron -). Si en un principio la doncella parece el elemento de la pareja dominante, siempre alerta y tomando rápidamente la iniciativa, finalmente la Muerte será (como en aquella hermosa de Ingmar Bergman - ¿verdad, querido amigo Earle? -) la que (lógicamente) acabe triunfando.

No del todo, Alcaudón. De hecho la Muerte (con mayúscula o sin, de hecho en algunos idiomas, como el alemán, los substantivos siempre se escriben con mayúscula) es burlada y el matrimonio de comediantes consiguen escapar con su hijo, en una suerte de Sagrada Familia, símbolo de una vida más pura e inocente.




¡Buen viaje!

Pero la Muerte, más tarde o más pronto, siempre acaba ganando...

Iniciado por Alcaudón

Pero la Muerte, más tarde o más pronto, siempre acaba ganando...

Pero lo importante es el "mientras tanto", ese es nuestro terreno. Si te interesa darle vueltas a la parca (manteniéndola a distancia, por supuesto), te sugiero una inmersión en el cine de Bergman, donde la huesuda siempre va acompañada de la vida, y viceversa, porque una no puede ser sin la otra.

La novena puerta (The Ninth Gate) (1999)



Con La novena puerta, Polanski regresa al terreno comercialmente seguro de Frenético. Adaptación de una novela de éxito, “El club Dumas” de Arturo Pérez-Reverte (que no he leído, ni tampoco ninguna de sus otras obras; además confieso que el personaje como tal, tan dado a las declaraciones campanudas, me resulta profundamente antipático), se trata de un proyecto gestado al margen de Polanski. El primer tratamiento fue obra de Anthony Shaffer, el guionista del Frenesí hitchcockiano (detalle que luego relacionaré con una escena del film) y autor de la obra de teatro que se adaptó en La huella de Mankiewicz. Antonio Cardenal, uno de los productores (estamos ante una coproducción hispano-francesa, con participación norteamericana) trasladó el encargo al bilbaíno Enrique Urbizu (director de films como La caja 507, La vida mancha o No habrá paz para los malvados) que escribió el guion definitivo junto al propio Polanski y a uno de sus colaboradores habituales, John Browjohn.

Como en Frenético, a pesar de que, salvo la primera parte en un “supuesto” Nueva York (ya sabemos que Polanski no podía rodar allí), la acción transcurre en España (Toledo), Portugal (Sintra) y Francia (París y otras localizaciones), el protagonista es norteamericano y los personajes hablan básicamente en inglés. El protagonista, además, es un actor de talla, como lo era Harrison Ford: Johnny Depp, que vivía una de sus mejores épocas como actor. Le acompañan en el reparto la bergmaniana Lena Olin o el draculiano Frank Langella, junto a Emmanuelle Seigner.

Dean Corso (Johnny Depp) es un especialista en libros antiguos, un “detective de libros” como se le llamará, que se dedica sin demasiados escrúpulos a tasar libros, mediar en las compras o las ventas, localizar extraños ejemplares o certificar su autenticidad, siempre poniendo su interés material por encima de todo. Es contratado por un multimillonario obsesionado con los estudios satánicos, Boris Balkan (Langella), para que confronte su ejemplar de “Las nueve puertas del reino de las sombras”, que ha adquirido a un coleccionista que poco después de venderlo se suicidó, con los otros dos únicos ejemplares existentes, uno en Portugal y otro en París.



Corso, antes de salir para Europa, intenta averiguar algo de su anterior propietario, para lo cual se entrevista con la viuda, Liana Telfer (Lena Olin), que le dice que compraron el libro en Toledo y que no cree que su marido lo vendiera. Liana intentará seducirlo para recuperarlo, pero fracasará (lo cual le provoca una reacción de furia extrema, se transforma casi en un animal que ataca a Corso).



Corso recoge el libro, escondido en la librería de un amigo (al que han asesinado), y vuela a Europa: primero va a Toledo, para hablar con los anteriores poseedores de la obra, los hermanos Ceniza; luego a Portugal, para cotejar el ejemplar de Balkan con el de Fargas, un aristócrata portugués completamente arruinado; y finalmente, a París, para hacer lo mismo con el libro que posee la baronesa Kessler. A su paso va dejando un rastro de cadáveres (como en muchas novelas detectivescas), además de salvarse él mismo de la muerte en más de una ocasión, para lo cual contará con la ayuda de una misteriosa joven, que lleva calcetines de colores distintos, una especie de ángel o demonio de la guarda, con poderes sobrenaturales (Seigner, que salvo en contados momentos en que ha de mostrarse “inquietante”, “misteriosa”, “demoníaca”, no abandona la misma expresión bobalicona a lo largo de todo el film, en una composición que, comparativamente, deja sus interpretaciones en Frenético y Lunas de hiel al nivel de una Bette Davis o una Katharine Hepburn,).





En París, en la Fundación Kessler, encontramos una referencia clarísima a Frenesí: no solo veremos a la baronesa estrangulada, con la lengua afuera, sino que además Corso, en su huida del piso, se cruza con la secretaria, que nos recuerda la hosca colaboradora de la desdichada esposa de Jon Finch en el film del inglés.



A lo largo de sus investigaciones, Corso ha comprobado que en los tres ejemplares hay diferencias en sus 9 grabados. Tres en cada uno de ellos están firmados con las iniciales LCF (“Lucifer”, obviamente), lo cual se supone que es una prueba que el mismísimo diablo colaboró en la confección del libro, que escondería en su interior una fórmula para invocar a Lucifer y adquirir un poder sobrenatural, tras el cual va Balkan y una denominada Orden de la Serpiente de Plata, de la que forma parte Liana Telfer.

Nos queda media hora de película y lo que se ha aguantado con pinzas hasta entonces , aunque el film ha resultado hasta entonces más o menos distraído y con buen ritmo, naufraga en un final pirotécnico y ridículo hasta decir basta, con el momento culminante de la cópula entre la misteriosa joven y Corso (del mismo mal gusto y ordinariez que muchas escenas de Lunas de hiel) ante el castillo donde Balkan ha intentado invocar al diablo sin éxito (escena la de la invocación sacrificial que, aunque ridícula, nos ofrece, eso sí, un alarde de efectos especiales, francamente muy convincentes).



Con anterioridad, Corso y la chica sin nombre irrumpen en una mansión donde la Orden, dirigida por Liana, lleva a cabo una ceremonia satánica, que el propio Balkan ridiculiza y aborta (en otro de los momentos ridículos del film, que podría avalar la opinión expresada por Polanski de que el film es, ante todo, una parodia de las películas satánicas... no esa metáfora de la crisis de la civilización contemporánea como nos cuenta Vallet en su libro).



Se salva del balance negativo la interpretación de Johnny Depp (aunque al parecer su relación con Polanski fue conflictiva, ya que no comulgaba con la forma de dirigir, detallista y perfeccionista, del franco-polaco) y la habitual habilidad de Polanski de sacar partido a los espacios cerrados: las diversas bibliotecas, la mansión de Fargas, la librería de su amigo, las habitaciones de hotel, etc., con una cámara que a menudo sigue a los personajes. Aunque no en su totalidad (por ejemplo, la secuencia inicial nos muestra el suicidio de Telfer), la película no se separa casi en ningún momento de Corso. Firma la fotografía (en formato scope) en esta ocasión el iraní Darius Khondji, en su única colaboración con Polanski, mientras que la música es obra del polaco Wojciech Kilar, al que volveremos a encontrar en El pianista, el film de la semana próxima, la película que Polanski suele citar como la que más aprecia de su filmografía.

En mi primer visionado la recuerdo (levemente) que me dejó una sensación fría, en este segundo visionado, la cosa ha mejorado algo, pero no para tirar cohetes.

Partiendo de que desconozco la novela de Reverte “el club Dumas”, leo que hubo peleillas para el nombre del film, el grupo del novelista y guionista (Urbizu) preferían titularle “el club Dumas”, al final ganó Polanski.
Creo que es un film que va a piñón fijo, con su inicio interesante, pero con pocos golpes de efectos, cambios de ritmo, subidas y bajadas, es todo muy lineal, bastante distante y fría, como el personaje de Deep, el cual deja claro ya en la introducción de que pie cojeo, un cabroncete mercenario de la cultura, supongo que se hace difícil empatizar con dicho personajillo, de ahí esa frialdad que transmite el personaje y en su mayoría, el film.

El reparto me satisface, no soy santo de devoción de Deep, sobretodo de sus últimos 15 años de carrera, puedo contar con los dedos de una mano sus películas de dicha época que me parecen interesantes, y creo que me sobrarían dedos. Curiosamente Deep el mismo año de “la novena puerta”, rodó un remake encubierto de “la semilla del diablo”: “la cara del terror”, un film más interesante de lo que aparente; y unos años después interpreta un papel muy parecido al de Corso en “la ventana secreta”, un film parecido a la gran “haute Tension” de Aleksandre Aja, eso si, menos explícito, más comedido y, para mi, de no tanta calidad cinematográfica, pero se deja ver. En el film de Polanski, con Deep tengo sensaciones encontradas, el personaje es interesante, pero dicha frialdad crea una barrera con el espectador a veces extrema (cosa que no pasa con Mia Farrow en “la semilla del diablo”), teniendo la sensación, quizás falsa, de que es sólo un encabezador del proyecto. Eso si, personaje principal, marca de la casa, volvemos a no tener ninguna información sobre él, como el de Nicholson en “Chinatown”, sólo lo que vemos en pantalla.

Los otros personajes son todos secundarios, me gusta aquí Frank Langella, Lena Olin, implacablemente seductora y repartidora de leches cuando se requiere, James Russo, Jack Taylor (siempre llenando pantalla con su presencia) y hasta me ha parecido interesante Emmanuelle Seigner, no por su interpretación, pero si por su personaje, de lejos, el más interesante, evidentemente porque plasma los elementos fantásticos/sobrenaturales del film, y con matices interesantes, y no me refiero a su Nudie, que seguro que es lo primero que os viene a la cabeza, siempre asociándome con las picardías!!!….eso si, se agradece el nudie!!!. Pues eso, corregídme si me equivoco, pero el personaje de Seigner parece ser que sólo es visible por Corso, aunque tengo mis dudas en dos escenas, cuando Corso sale de una casa y es casi atropellado, el matón sale del coche, va hacia él pero da media vuelta de repente, no se si por la presencia de ella o no. creo que si, pero no lo tengo claro. Después cuando Corso está en una pelea, ella le ayuda, pero en ningún momento los matones van a por ella, como sino estuviera. Más claro se ve en la escena final, ella le habla, actúa también, pero nunca interacciona con nadie que no sea Corso, está claro que los otros no la ven. No se, que piensan? es un producto del universo Corso, o sea de su mente, vemos lo que él ve (o en su universo) y no lo que realmente sucede, quizá es él con un extra power, cosa que ya hace en un film posterior de Deep que ya he citado anteriormente.

Como he dicho, el film es muy lineal respecto a mis sensaciones, pero lo peor es el final, me sabe a poco, y los efectos especiales finales del fuego (como no, un incendio para finiquitar la trama) son LAMENTABLES, dignos de ASylium & CO, y lo peor de todo, leo que el film tuvo 70 especialistas en el aera de los FX!!!!! pues menos mal!!!!

Vamos acabando, de un film de Polanski me espero más, no me conformo con lo que he visto, eso si no deja de ser visible e interesante, pero, aquí un servidor, quiere más!!!! Yo hubiera preferido más thriller psicológico y menos vaivenes de aquí para allá, el film casi es una road movie!!!.

Iniciado por Alex Fletcher

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El reparto me satisface, no soy santo de devoción de Deep, sobretodo de sus últimos 15 años de carrera, puedo contar con los dedos de una mano sus películas de dicha época que me parecen interesantes, y creo que me sobrarían dedos. Curiosamente Deep el mismo año de “la novena puerta”, rodó un remake encubierto de “la semilla del diablo”: “la cara del terror”, un film más interesante de lo que aparente; y unos años después interpreta un papel muy parecido al de Corso en “la ventana secreta”, un film parecido a la gran “haute Tension” de Aleksandre Aja, eso si, menos explícito, más comedido y, para mi, de no tanta calidad cinematográfica, pero se deja ver. En el film de Polanski, con Deep tengo sensaciones encontradas, el personaje es interesante, pero dicha frialdad crea una barrera con el espectador a veces extrema (cosa que no pasa con Mia Farrow en “la semilla del diablo”), teniendo la sensación, quizás falsa, de que es sólo un encabezador del proyecto. Eso si, personaje principal, marca de la casa, volvemos a no tener ninguna información sobre él, como el de Nicholson en “Chinatown”, sólo lo que vemos en pantalla.

A mí me gusta la interpretación de Depp, aunque es cierto que es muy fría. Para mí es lo mejor en el capítulo actoral. Cuento una anécdota personal: ya cuando la vi por primera vez en cines, me hizo gracia su caracterización porque era clavado a un profesor de filosofía que corría en esos años por la UB (Antonio Aguilera, he buscado la foto en Internet pero se nota que no ha destacado como para encontrarla mediante Google, algo que tampoco es muy extraño siendo del gremio de la filosofía).

Iniciado por Alex Fletcher

Los otros personajes son todos secundarios, me gusta aquí Frank Langella, Lena Olin, implacablemente seductora y repartidora de leches cuando se requiere, James Russo, Jack Taylor (siempre llenando pantalla con su presencia) y hasta me ha parecido interesante Emmanuelle Seigner, no por su interpretación, pero si por su personaje, de lejos, el más interesante, evidentemente porque plasma los elementos fantásticos/sobrenaturales del film, y con matices interesantes, y no me refiero a su Nudie, que seguro que es lo primero que os viene a la cabeza, siempre asociándome con las picardías!!!….eso si, se agradece el nudie!!!. Pues eso, corregídme si me equivoco, pero el personaje de Seigner parece ser que sólo es visible por Corso, aunque tengo mis dudas en dos escenas, cuando Corso sale de una casa y es casi atropellado, el matón sale del coche, va hacia él pero da media vuelta de repente, no se si por la presencia de ella o no. creo que si, pero no lo tengo claro. Después cuando Corso está en una pelea, ella le ayuda, pero en ningún momento los matones van a por ella, como sino estuviera. Más claro se ve en la escena final, ella le habla, actúa también, pero nunca interacciona con nadie que no sea Corso, está claro que los otros no la ven. No se, que piensan? es un producto del universo Corso, o sea de su mente, vemos lo que él ve (o en su universo) y no lo que realmente sucede, quizá es él con un extra power, cosa que ya hace en un film posterior de Deep que ya he citado anteriormente.

En esto discrepo completamente. No solo no me gusta la interpretación de Seigner (como he repetido más de la cuenta en mi comentario, me parece simplemente ridículo, calcetines desiguales incluidos), sino que su personaje me parece metido con calzador, como para justificar que salga una chica joven y dar pie a alguna escena de sexo (aunque sea tan grotesca como la de la cópula al raso). Lo del carácter sobrenatural parece que solo se da en la película, no en la novela. Como no la leeré (uno ha de poner algún límite a su curiosidad), a ver si alguien que conozca la obra de Pérez-Reverte lo puede confirmar. Sobre lo de que solo es visible por parte de Corso, no lo tengo claro. Realmente parece que el sicario de Liana se retira de la acción ante la mansión de Fargas porque aparece ella con su moto. También a la orilla del Sena participa claramente en la pelea. Luego es verdad que no participa en la escena del ritual invocador de Balkan. A mí en general no me cuadra nada del personaje.

Iniciado por Alex Fletcher

Como he dicho, el film es muy lineal respecto a mis sensaciones, pero lo peor es el final, me sabe a poco, y los efectos especiales finales del fuego (como no, un incendio para finiquitar la trama) son LAMENTABLES, dignos de ASylium & CO, y lo peor de todo, leo que el film tuvo 70 especialistas en el aera de los FX!!!!! pues menos mal!!!!

¿A cuáles te refieres? Si es al incendio del castillo, estoy de acuerdo. Pero los de la cremación voluntaria (completamente absurda, por cierto) de Balkan, a mí me ha parecido de una gran perfección y verosimilitud. Luego, durante la cópula, esas llamas saliendo por los ventanucos del castillo parece un decoración de fiesta mayor.

Si la del castillo, y después la fornicación, que parece un disco de trash metal satanicum pandemonium.

Sobre Seigner, he dicho que no me gusta su interpretación y si su personaje, por las referencias sobrenaturales que representa y he comentado. En cuanto a mi teoría, si me hubiera gustado mucho la peli, la volvería a ver para analizar esto, pero no será el caso .

Bueno, y ahora "el pianista", al principio me daba pereza, ahora tengo ganas de verla, estoy pensando en hacer una sesión familiar el sábado por la noche, ya que mi hijo, de 11 años, me está pidiendo pelis de dicha temática, había pensado en "Ilsa la loba de la SS", pero quizá mejor "el pianista" no?

Pues no sé qué decirte. La de Ilsa no la he visto, pero seguro que no puede ser tan deprimente como la de El pianista. A mí también me da una cierta pereza, porque ya la revisé hace poco (cuando me la compré en T-79 en un pack de dos DVD junto a Hollywoodland), y lo cierto es que no es de mis preferidas de Polanski (ni Adrian Brody es un actor que me guste demasiado). Pero antes es la obligación que la devoción.

Me extraña como Mad dog ha dicho de pasada que el compositor ya había trabajado con Polanski... Lo mejor de La novena puerta en mi opinión es la música!

No que hubiera trabajado ya con Polanski, sino que lo volvería a hacer en El pianista. La música está bien, aunque reconozco que es un apartado para el que soy menos receptivo que para el visual o el argumental. Aquí el músico es el amigo Alex. Yo creo que Polanski buscaba en Kilar un resultado próximo al de Komeda en sus primeros films (en especial en Rosemary's Baby), pero aunque es un capítulo bien cubierto en el film, me parece que no llega a ese nivel.

Si, perdón a eso me refería. Dudo que yo pueda expresar técnicamente que es lo que me parece bueno de ésta en concreto. Pero lo puedo resumir en que la pieza Vocalise (reprise) la suelo escuchar con frecuencia y me pone los pelos de punta.

Iniciado por mad dog earle

No que hubiera trabajado ya con Polanski, sino que lo volvería a hacer en El pianista. La música está bien, aunque reconozco que es un apartado para el que soy menos receptivo que para el visual o el argumental. Aquí el músico es el amigo Alex. Yo creo que Polanski buscaba en Kilar un resultado próximo al de Komeda en sus primeros films (en especial en Rosemary's Baby), pero aunque es un capítulo bien cubierto en el film, me parece que no llega a ese nivel.

Nein, nein!!! a los punkrockeros no se les considera músicos. Para valorar de manera precisa la BSO, acudir al compañero Brannagh/Doyle, músico y sabio del foro. Tampoco me concentré en el aspecto sonoro del film, me falta aún un buen home cinema para apreciar los matices de una BSO.

THE NINTH GATE (1999, LA NOVENA PUERTA).



Co-producción franco-española.

Copyright 1999 by R(oman) P(olanski) Productions.

Aunque visionada hace un par de noches no había tenido oportunidad hasta ahora (lo siento, queridos compañeros de fatigas) de poder hacer el correspondiente comentario. La vuelta al trabajo tras una baja de un par de meses y mis problemas de cuello, espalda y epicondilitis (en ambos codos) me hacen doloroso permanecer demasiado tiempo delante del ordenador tras una larga jornada laboral.

De cualquier forma siquiera de forma sintética ahí va mi comentario.

Lo primero decir que al igual que LUNAS DE HIEL y la próxima EL PIANISTA es una de las pocas películas de su director que he tenido oportunidad de ver cuando se estrenó en salas comerciales en nuestro país (en reestreno creo que llegué a ver CHINATOWN aunque no pondría la mano sobre el fuego…).

Y aunque tenía un recuerdo agradable de ella (tal vez porque Johnny Deep era uno de los actores favoritos de mi actual (ex)pareja) lo cierto es que este último visionado me ha decepcionado muy notablemente.

De hecho y creo que sin dudarlo la situaría en el pelotón de cola de la filmografía del cineasta francés, sólo por delante de ¿QUÉ? y (lo siento) por detrás de LUNAS DE HIEL.

No he leído la obra original de Pérez-Reverte (un autor por el que no siento ninguna atracción – nada personal -) por lo que no sé hasta qué punto es fiel la adaptación de Polanski.

Pero independientemente del grado de fidelidad lo cierto es que pese a ser una producción del propio Polanski (el copyright está a su nombre) - lo que debería indicar una implicación más intensa del mismo sobre el material filmado - lo cierto es que el resultado final es un producto impersonal que carece del más mínimo rasgo que podamos atribuir a las inquietudes e intereses artísticos de su creador.

Si Johnny Deep (que en aquella época estaba en su mejor momento) no logra insuflar la suficiente empatía al personaje que encarna (un inverosímil “detective de libros” que se supone que es un experto en la materia y que trata con volúmenes de varios millones (de euros, aunque en aquella época eran pesetas) con un perpetuo cigarrillo en la comisura de sus labios y un vaso de (¿whisky?) en la mano lo cual haría peligrar con total seguridad la integridad de tales obras (¡!)) menos utilidad tiene el papel que interpreta (es un decir) la esposa de Polanski (que además recuerda en cierta manera al que interpretaba en FRENÉTICO – incluida la moto… -) que cualquier actriz de mayor enjundia hubiera, al menos, defendido con dignidad (compárese al respecto el de Lena Olin – que tampoco es como para tirar cohetes… -). Sólo el siempre elegante Frank Langella logra clavar ese obseso coleccionista de libros satánicos tal vez recordando sus prestaciones como el mismo conde Drácula en la reivindicable (aunque no tan buena como algunos exclamáis a los cuatro vientos…) DRÁCULA de John Badham.

El mayor problema que tiene la película que, como bien decís, va de más a menos (y muy menos en los tramos finales) es que al contrario que en sus otras incursiones en el género de terror, Polanski no se decanta abiertamente por la comedia (como en la deliciosa EL BAILE DE LOS VAMPIROS) ni, por el contrario, por el horror cotidiano marca de la casa (como sus grandes cimas – REPULSIÓN, LA SEMILLA DEL DIABLO o EL INQUILINO -).

Y lo cierto es que la inclusión de elementos de comedia en la película (incluso he creído ver un guiño al Hithcock de LOS PÁJAROS – lo siento, tendréis que averiguar cuál es -) no hace más que dejar al descubierto lo endeble del guión elaborado por Brownjohn, Polanski y Urbizu (¿o es que la obra original es igual de mala?).

Al final (o más bien, al principio) lo único que nos acaba por atraer de la propuesta (y más a aquellos que amamos los libros – y los cómics, y las películas, y… -) es esa búsqueda enfermiza del protagonista (y de Balkan – el auténtico protagonista en las sombras (nunca mejor dicho) -) del único ejemplar verdadero del libro escrito (¿e ilustrado?) por el mismísimo Belcebú…

Lo cierto es que si de libros malditos se trata prefiero quedarme con el mítico Necronomicon de las historias de Lovecraft que no sería un gran autor (estilísticamente hablando) pero que sabía narrar con verdadera pasión y con mucho más talento que el cuarteto arriba citado.

Porque, seamos sinceros, ¿no es ciertamente ridículo que el propio Satanás (que tendrá otras preocupaciones más acuciantes que atender) se iba a dedicar a escribir y a ilustrar (y, joder, qué mal dibujaba el cabrón) un libro con el que tampoco sabemos muy bien a ciencia cierta para qué c… vale? Y encima el de "abajo" firma como LCF (vamos, como el Alucard de SON OF DRACULA (1943) de Robert Siodmak (e imitadores))...

Y el final con Corso y la Chica haciendo el amor con ardoroso (nunca mejor dicho) frenesí es todavía más ridículo que escenas similares en la más denostada LUNAS DE HIEL.

Un final abierto (en este caso no hay una historia cíclica) que nos acaba por dejar con una cara de atontados de aquí te espero.

Finalizo.

Una de las peores películas de Polanski.

Una historia notablemente absurda y unos diálogos que a veces son francamente sonrojantes.

Unas interpretaciones (salvo la de Langella – que al menos sabe reírse de sí mismo -) penosas.

Sólo me gustaría destacar la subyugante (por momentos) banda sonora de Kilar que por momentos me ha recordado al DRÁCULA DE BRAM STOKER de Coppola (¿o sería el DRÁCULA de Badham?).

Dulces sueños y a ver qué tal EL PIANISTA, película que no he vuelto a ver desde su estreno. Anuncio, eso sí, que es una película que no tengo en mi poder. Espero subsanar el problema en breve (mañana me pasaré por el FNAC) o si no…

… ya sabéis.

Un abrazo, compañeros.









No he conseguido la colección completa...

Sin duda quedará entre lo más flojo de Polanski. Yo soy algo menos duro que tú, porque al menos en sus dos primeros tercios me parece entretenida, aunque el guion no da para mucho. El tercio final es rematadamente malo. Con todo, en mi caso creo que en el cuestionario Alex final quedará por encima de Lunas de hiel, que me resulta mucho más irritante que esta, quizá precisamente porque se partía de un material más atractivo.

Quizá influya algo en el sindiós (nunca mejor dicho) de La novena puerta el hecho de ser un proyecto que pasó por diversas manos. Tres guionistas (y al parecer un cuarto, Shaffer, que dejó la película muy pronto, antes de la implicación de Polanski) y un montón de productores, demasiado para que Polanski le de un toque suficientemente personal a un film de encargo. En esta ocasión no daré el paso de leer la novela para comparar.

¡Ah, Alcaudón!, ahora de cabeza a El pianista. Esta tarde publico mi comentario.

Si es que el personaje que interpreta (es un decir) Johnny Deep es totalmente inverosímil. No por sus conocimientos enciclopédicos sobre libros antiguos y valiosos pero sí por la forma que tiene de tratarlos. Ningún coleccionista permitiría que un libro que vale millones ande libremente por ahí protegido (¡!) por un paño. Ese tipo de libros cuando son expuestos son tratados con un mimo exquisito, usando guantes y desde luego no permitiendo que la persona que los usa (con enormes restricciones) esté fumando y bebiendo o sea dejando caer más que probablemente ceniza o gotas del líquido sobre las páginas. No hay Dios que se lo crea. Yo tengo algunos cómics "de coleccionista" y los tengo metidos en bolsas de plástico y con un cartón por detrás. Y no creas que son especialmente caros (ciertamente no como ese nº 1 de "Superman" que vendió (y antes compró) Nicholas Cage... ). Incluso mis cómics "normales" los trato yo con el máximo respeto y no dejo acercarse a ellos a mis sobrinas.

Y desde luego la considero inferior a LUNAS DE HIEL que al menos era más gamberra (a veces más parecida a una comedia negra) y con menos ínsulas.

A ver si consigo esta tarde una copia de EL PIANISTA.

De las siguientes sólo me falta OLIVER TWIST (me dan ganas de comentar la versión de David Lean... ).

Iniciado por Alcaudón

Si es que el personaje que interpreta (es un decir) Johnny Deep es totalmente inverosímil. No por sus conocimientos enciclopédicos sobre libros antiguos y valiosos pero sí por la forma que tiene de tratarlos. Ningún coleccionista permitiría que un libro que vale millones ande libremente por ahí protegido (¡!) por un paño. Ese tipo de libros cuando son expuestos son tratados con un mimo exquisito, usando guantes y desde luego no permitiendo que la persona que los usa (con enormes restricciones) esté fumando y bebiendo o sea dejando caer más que probablemente ceniza o gotas del líquido sobre las páginas. No hay Dios que se lo crea. Yo tengo algunos cómics "de coleccionista" y los tengo metidos en bolsas de plástico y con un cartón por detrás. Y no creas que son especialmente caros (ciertamente no como ese nº 1 de "Superman" que vendió (y antes compró) Nicholas Cage... ). Incluso mis cómics "normales" los trato yo con el máximo respeto y no dejo acercarse a ellos a mis sobrinas.

Y desde luego la considero inferior a LUNAS DE HIEL que al menos era más gamberra (a veces más parecida a una comedia negra) y con menos ínsulas.

A ver si consigo esta tarde una copia de EL PIANISTA.

De las siguientes sólo me falta OLIVER TWIST (me dan ganas de comentar la versión de David Lean... ).

Pues si ves la serie Gigantes (que NO recomiendo) todavía es más escandaloso: circulan con un crucifijo y un retablo, que se suponen valiosos, metidos en una mochila (pero ni siquiera del todo: el crucifijo asoma libremente), bajo la lluvia y por en medio de la montaña. Ahora bien, para escándolo, y es algo real, cómo están (o al menos estaban hace unos 10 años) algunos cuadros en el Museo del Vaticano: sala con ventana abierta, sin ningún control de temperatura o grado de humedad. En concreto, me escandalizó ver un impresionante Caravaggio al que le daba el sol de pleno, sin ningún tipo de protección. Y no es una película (aunque parezca una de terror).

El Oliver Twist de Polanski lo recuerdo como un film muy convencional y poco atractivo, muy por debajo del de Lean. Lo he visto solo una vez, por televisión. Veremos qué tal la revisión la semana que viene.

El pianista (The Pianist) (2002)



Llegamos a la película que Polanski ha señalado repetidas veces como su preferida. Lo puedo entender desde un punto de vista autobiográfico, aunque no comparto su opinión, a pesar de que se trata sin duda de un buen film. Con ella consigue llevar al cine, por fin, sus experiencias en la Cracovia (y por extensión Polonia) ocupada por los alemanes, sus vivencias en el gueto de la ciudad, aunque vicariamente, a través de la mirada también autobiográfica del pianista Wladyslaw “Wladek” Szpilman, en su caso confinado en el gueto de Varsovia. Szpilman consiguió sobrevivir y plasmar después lo que vivió allí en un libro que Polanski ya conocía desde hacía muchos años (se publicó en 1946 y Polanski conoció al autor unos treinta años antes de realizar el film). Aunque el director no se enfrentó directamente con el guion (lo encargó a Ronald Harwood, uno de los guionistas de la estupenda Viento en las velas de Alexander Mackendrick), es evidente que lo nutrió de sus recuerdos, que lo hizo suyo.

Con El pianista, volvía a rodar en su país después de 40 años (desde El cuchillo en el agua, de 1962). Producida por sus amigos y colaboradores en otros proyectos Alain Sarde y Gene Gutowski (que ya había sido el productor de Repulsion), contó está vez con los recursos necesarios para un proyecto de envergadura, y se nota (quizá no siempre para bien). El rodaje, además de en Polonia, se realizó también en Alemania: en Berlín (en los estudios Babelsberg) y en la antigua base aérea de Jüterborg (que se convirtió para la ocasión en un campo de ruinas). Para este proyecto tan personal, Polanski se rodeó de algunos habituales como el montador, Hervé de Luze; repitió el músico de La novena puerta, Wojciech Kilar (con una banda sonora atractiva aunque el tema principal me resulta un tanto empalagoso), e incorporó como director de fotografía a un colaborador de Andrezj Wajda, Pawel Edelman, al que volveremos a ver trabajar con Polanski en todos sus siguientes films, que da a la película un tono cada vez más gris-azulado, más frío, a medida que Wladek va quedándose más y más solo en una ciudad en ruinas.

¿Por qué no comparto la opinión de Polanski y no considero El pianista su mejor película? Porque supongo que debido al peso de la historia, al drama personal y familiar, creo que abordó el film con una concepción demasiado convencional, al menos en buena parte del metraje, demasiado restringida a contar unos hechos históricos (de ahí esos persistentes rótulos con la fecha exacta que identifica el “momento”). Una vez más, como tantas otras veces en su filmografía, la película gana enteros a partir del momento en que se centra en un personaje a la deriva, cuando Szpilman se queda solo en medio de un mar de ruinas e intenta sobrevivir como si fuera un náufrago en la isla desierta en que se ha convertido el gueto y buena parte de Varsovia. Ahí, en el último tercio del film, es cuando la película para mí muestra sus mejores virtudes.

Se comprende que no era un film cualquiera para su director. Emociona hondamente verlo contar sus experiencias en el gueto, incapaz de contener las lágrimas, en el documental Roman Polanski. A Film Memoir, atendiendo las preguntas de su viejo amigo Andrew Braunsberg. Quizá para evitar caer precisamente en lo lacrimógeno, buena parte del desarrollo de El pianista parece estarse rodando un poco con el freno puesto, o con la salvaguarda de las referencias históricas.

El film arranca con unas imágenes documentales en blanco y negro, previas a la guerra, como si nos quisiera mostrar una fugaz normalidad antes de la tragedia. Inmediatamente después, vemos a Szpilman tocando el piano (Chopin, claro) en la radio, en una emisión que se interrumpe por los primeros bombardeos sobre Varsovia. Estamos en septiembre de 1939.



La película va a moverse en el tiempo a grandes saltos, con enormes elipsis, lo cual deja evidentemente muchos huecos en la compresión de lo que estamos viendo: de la entrada de las tropas alemanas pasamos a la obligación de que los judíos se identifiquen con un brazalete con la estrella de David (diciembre 1939). En 1940, la familia Szpilman ha de trasladarse al gueto: primero al pequeño gueto, donde se amontonarán en un piso de reducidas dimensiones, y más tarde, en 1942, al gran gueto, esta vez habitando una especie de almacén. Durante ese período asistimos a algunos episodios, ya conocidos por otros films o por documentales, aunque no por ello menos dolorosos: abusos, burlas, humillaciones, represión y asesinatos nocturnos que tienen a los judíos como víctimas (por ejemplo, ese escalofriante momento en que un inválido es arrojado desde un balcón). En agosto de 1942 llegamos a lo que podemos considerar el fin de la primera parte del film (en 50 minutos han pasado tres años de conflicto): buena parte de la población judía, incluidos los Szpilman, son forzados a subir a los ominosos trenes de carga que los llevarán a los campos de exterminio, sin que lo intuyan. Wladek es apartado del resto gracias a un conocido que ocupa un cargo en la policía judía (y que sabe del destino de los trenes), lo cual le salva la vida. De este modo, Polanski no oculta la participación de los propios judíos en la organización de los transportes de la muerte.



Wladek, destrozado, deambulará por las calles vacías, llenas de objetos abandonados y de cadáveres.



Conservará el pellejo trabajando en una brigada que se ocupa de realizar obras. Al cabo de un tiempo, entra en contacto con una amiga polaca, cantante, que le proporciona refugio en un piso deshabitado. Desde su escondite, sigue en la distancia los acontecimientos provocados por la resistencia judía en el gueto, en abril de 1943, enfrentamientos que acaban en mayo en fracaso, con los fusilamientos de los rebeldes. Cada vez más aislado, Wladek pasa el invierno con el miedo constante a que un registro lo fuerce al suicidio (hay un momento en que se prepara para lanzarse al vacío por la ventana... pero los alemanes pasan de largo). Pero un día provoca un ruido accidentalmente y ha de huir, ante el acoso de una odiosa vecina polaca que lo denuncia voz en grito.

Encontrará un nuevo refugio en casa de una conocida, una violonchelista que hemos visto al inicio del film. De nuevo, se esconde en otro piso abandonado, donde hay un piano, en el que “interpreta” a Chopin sin tocar las notas (uno de esos momentos emocionalmente álgidos de la película), y donde una patata grillada nos señala el paso del tiempo (como en Repulsion). Sabremos del desembarco en Normandía y del ataque de la resistencia polaca en agosto de 1944. La represión de los alemanes le obligará a abandonar de nuevo su habitáculo, para sumergirse cada vez más en un mundo irreal (un hospital abandonado, después un caserón en ruinas), casi abstracto, de soledad infinita, como viviendo en una pesadilla inacabable... hasta la aparición de un oficial alemán, el capitán Hosenfeld (Thomas Kretschmann), que le ayudará a sobrevivir durante los últimos días antes de la liberación. Uno de los momentos más intensos y más bellos es la relación que se establece entre Szpilman y Hosenfeld a través de la música, del piano, como si el pianista mostrará su alma al oficial, y este, asqueado de la guerra, encontrara en esas notas una forma de reconciliarse con la vida, con la humanidad.



Después, un Szpilman demacrado, irreconocible, enfundado en un abrigo militar cedido por Hosenfeld, está a punto de morir en manos de los libertadores, que lo confunden con un alemán.



Polanski cierra el film con otra elipsis que nos lleva hasta el momento de la recuperación de una cierta normalidad (Wladek vuelve a tocar en la radio) y a un final salvífico: Szpilman actuando con una orquesta en una sala de conciertos. Sobre sus manos aparecerán los títulos de crédito. Ha sobrevivido.



Aunque Adrien Brody no es un actor muy de mi gusto, reconozco que su interpretación es brillante, sensible sin caer en el sentimentalismo ni en la afectación, sabe transmitir una fragilidad que, a pesar de todo, se transforma en una férrea voluntad de vivir, aunque sea a costa de casi la deshumanización en la fase final (arrastrando ese pote de pepinillos, detalle que reproduce una experiencia propia que Polanski cuenta en sus memorias).



Brody recibió un Oscar merecido, premio que también recayó sobre el guion y la dirección (aunque el director no pudo recoger la estatuilla por razones bien conocidas). Además, el film también mereció la Palma de Oro de Cannes. O sea, unanimidad en reconocer los méritos del film, aunque para mí, todo y ser una película brillante por momentos, queda algo ahogada por el peso de la temática y por la voluntad de resumir la historia de la Polonia ocupada, y en especial la de la comunidad judía simbolizada por Wladek Szpilman. Cuando Polanski toma una cierta distancia sobre los acontecimientos es cuando el film se eleva sobre el retrato historicista.

La semana que viene, Oliver Twist, un clásico literario en un film por lo que recuerdo demasiado convencional.

Es inevitable hacer comparaciones con “la lista de Schindler” , que siempre tenía en la cabeza una de las escenas más brutales que recuerdo, la del personaje de Ralph Fiennes, levantándose de mañanita y ejecutando arbitrariamente a judíos desde su balcón como si de un juego de mesa se tratase. Pues bien en “el pianista” hay varias, pero la que se lleva el top1 de devastadora, es la escena del abuelete en silla de ruedas, no la recordaba, ahora ya SI. Leo que Spielberg ofreció dirigir “la lista de Schindler” a Polanski, este la rechazó por, según él, no estar preparado emocionalmente para hacerlo.

La de Spielberg tiene un carácter más aventurero, con más acción, dentro del drama claro, y con más posicionamiento y emotividad. Polanski vuelve a ser neutro, sin posicionamiento, y eso es muy difícil en este tipo de films, nos da una deconstrucción de un survival; la frialdad se traslada al personaje de Adrien Brody, y sin ser ventajistas, ya que se ve dicha frialdad cuando las cosas todavía eran sostenibles en Varsovia, y la relación de este con su familia, friita, friita. Otro ejemplo, cuando la cosa va empeorando el pianista le dice a su hermana que le gustaría haberla conocido mejor. Parece que Szpilman tenía en mente sólo la música, y su relación con su familia era distante.

Es curioso el comportamiento infantil del protagonista, mostrándose ya antes del survival, por ejemplo los primeros contactos con una bella joven polaca, en Spilzman no parece tener deseo sexual, si profesional. Las reacciones ya en plena tragedia, no son sorprendentes, porque hay motivo a ello, pero si parece que estemos delante de un niño, cuando se pone a llorar a lágrima viva cuando es separado de su familia, para después huir de casa en casa, sólo con el objetivo de esconderse, poca ayuda a la causa realiza. También antes con su hermano, más activista que él, da muestras de no ir con el la cosa, de estar ausente de la realidad, pero la realidad le golpeo y duro, y lejos de enfrentarse a ella, se esconde una y otra vez. Claro que viendo el resultado de sus compañeros de la resistencia, el tiempo le dio la razón. Otro ejemplo de que estemos posiblemente delante de un crío con cuerpo de hombre (por lo menos de nariz seguro), es cuando tocaba en el bar, y las insinuaciones recibidas por parte de una mujer, son respondidas con un saludo de cordialidad, en su cabeza no había espacio para los coqueteos en el trabajo, primero la música (como ya se ve en la primera escena del bombardeo). A mi esa inoperancia del protagonista, aunque a veces exaspera, es acertada, está claro que no estamos delante de un héroe y si delante de un voyeur de la guerra, marca de la casa, habiendo varias escenas donde a través de la ventana observa varios acontecimientos.

La pregunta es, tiene el film el sello Polanski de sus mejores trabajos? Para mi es difícil de hacerlo, porque Polanski le da prioridad absoluta a los hechos acontecidos que al desarrollo psicológico del personaje sobretodo en su inicio y durante 2/3 del film, es cuando está en soledad cuando se vuelve más polanskiniana. En “Repulsión”, “Quimérico Inquilino” y otras, los personajes deforman la realidad hasta adaptarla a su mundo interior, en “el pianista” hubiera sido muy arriesgado hacerlo, quizá hubiera sido muy polémico y fallido, quien sabe, así que entiendo que se centre más en lo hechos acontecidos que el submundo del personaje de Brody, y se centra más en la involución física de Szpilman. Lo que si es marca de la casa Polanski es la escasa información que nos da sobre Szpilman y su familia, acentuándolo en que al final de la película no hay ninguna mención a la familia por ejemplo, si sobrevivieron o no, hay un par de frases sobre Szpilman y poco más.

Resumiendo, la he disfrutado más que en su primer visionado, es un film que no te emociona pero te deja hecho polvo y con mal cuerpo, la diferencia, por lo menos en mi, con “la lista de Schindler”, es que SI emociona y te deja igualmente hecho polvo, y en ambas hago sostentar mi teoría que si mañana revienta el mundo, nos lo tenemos bien merecido. El mérito de Polanski es mantenerse al margen del posicionamiento emocional, eso era casi imposible de hacerlo, pero oigan, no se como, pero lo ha hecho. Dice Polanski que es su film más personal, entiendo que es por los hechos acontecidos, aunque pienso que formalmente no lo es, si que lo podría ser como una especie de memorias, al vivir situaciones parecidas al del pianista Szpilman.

Y ahora “Oliver Twist”, dice que película dedicada y hecha para sus hijos, yo la recuerdo con bastante insatisfacción, pero bueno le daremos otra oportunidad y más si es una oda a sus hijos, porque peor que Robert Rodriguez es casi imposible, el cual ha hecho “Spy Kids” y otras bazofias para sus hijos…..ahí pongo en duda la existencia del amor de padre, eso no se les hace a los hijos!!!!!

Iniciado por Alex Fletcher

...
Es curioso el comportamiento infantil del protagonista, mostrándose ya antes del survival, por ejemplo los primeros contactos con una bella joven polaca, en Spilzman no parece tener deseo sexual, si profesional. Las reacciones ya en plena tragedia, no son sorprendentes, porque hay motivo a ello, pero si parece que estemos delante de un niño, cuando se pone a llorar a lágrima viva cuando es separado de su familia, para después huir de casa en casa, sólo con el objetivo de esconderse, poca ayuda a la causa realiza. También antes con su hermano, más activista que él, da muestras de no ir con el la cosa, de estar ausente de la realidad, pero la realidad le golpeo y duro, y lejos de enfrentarse a ella, se esconde una y otra vez. Claro que viendo el resultado de sus compañeros de la resistencia, el tiempo le dio la razón. Otro ejemplo de que estemos posiblemente delante de un crío con cuerpo de hombre (por lo menos de nariz seguro), es cuando tocaba en el bar, y las insinuaciones recibidas por parte de una mujer, son respondidas con un saludo de cordialidad, en su cabeza no había espacio para los coqueteos en el trabajo, primero la música (como ya se ve en la primera escena del bombardeo). A mi esa inoperancia del protagonista, aunque a veces exaspera, es acertada, está claro que no estamos delante de un héroe y si delante de un voyeur de la guerra, marca de la casa, habiendo varias escenas donde a través de la ventana observa varios acontecimientos.

Hombre, Alex, me parece de lo más previsible ponerse a llorar a moco tendido en una situación como esta, no veo en ello nada infantil. En cuanto a que no adopta el papel de héroe, en definitiva es un artista, un pianista, no un hombre de acción, ni siquiera parece estar demasiado politizado, a diferencia de su hermano, como bien dices. Tiene miedo, y por qué no, seguramente es un cobarde, pero quién sabe cómo actuaría cualquiera de nosotros en unas circunstancias extremas como estas. En todo caso, sobrevivió, que es mucho más de lo que pudo decir la mayoría de los judíos de Varsovia, quizá no de una manera vistosa, espectacular, pero continuó con vida. Es un superviviente, que es como en cierto modo se siente Polanski, según ha expresado en más de una ocasión.

Iniciado por Alex Fletcher

Lo que si es marca de la casa Polanski es la escasa información que nos da sobre Szpilman y su familia, acentuándolo en que al final de la película no hay ninguna mención a la familia por ejemplo, si sobrevivieron o no, hay un par de frases sobre Szpilman y poco más.

Yo creo que no da esa información porque lo considera innecesario: una vez subidos al tren de carga, el destino de los Szpilman está ya fijado: el exterminio. Ese detalle de no poner el típico rótulo informando que murieron en Treblinka o en el campo que sea me parece un punto a favor.

Iniciado por Alex Fletcher

Resumiendo, la he disfrutado más que en su primer visionado, es un film que no te emociona pero te deja hecho polvo y con mal cuerpo, la diferencia, por lo menos en mi, con “la lista de Schindler”, es que SI emociona y te deja igualmente hecho polvo, y en ambas hago sostentar mi teoría que si mañana revienta el mundo, nos lo tenemos bien merecido. El mérito de Polanski es mantenerse al margen del posicionamiento emocional, eso era casi imposible de hacerlo, pero oigan, no se como, pero lo ha hecho. Dice Polanski que es su film más personal, entiendo que es por los hechos acontecidos, aunque pienso que formalmente no lo es, si que lo podría ser como una especie de memorias, al vivir situaciones parecidas al del pianista Szpilman.

Completamente de acuerdo, aunque en mi caso creo que me gusta más el film de Polanski que el de Spielberg (no lo he vuelto a ver desde su estreno), que me parece más discutible en muchos aspectos, y no solo por el criticado uso del blanco y negro o el abrigo coloreado (o la presencia final de algunos supervivientes). De todos modos, es muy difícil valorar este tipo de films, el horror del Holocausto es de tal magnitud que a uno se le nubla un tanto el juicio crítico.