Tema: Luchino Visconti: revisando sus películas

Por eso me parece interesante el contraste: Mario se busca un perro, pero Jacques va a seguir con sus obsesiones, porque sin sus obsesiones no puede seguir siendo como es.

Es significativo que en la película de Visconti hay una mujer que le hace un acercamiento al protagonista, cuando le escribe con vaho en un escaparate que los separa, y él la ignora porque ya tiene su "misión".

Como bien dices, primero hay que tener las necesidades cubiertas. Luego ya viene una búsqueda de sentido que puede ser más o menos insensata. Bresson lo ve como un círculo sin final, pero Visconti acaba en un amanecer, en una especie de despertar del sueño.

Hay algo de fantasmal en la figura de Natalia, como si fuera una aparición, solo viva en la mente de Mario. Esto es algo que ya está en el relato de Dostoyevski, pero que se acentúa en Visconti por el tono demodé de la relación que mantienen él y ella, de un romanticismo un tanto caduco, de otra época, que contrasta con la modernidad del rock & roll y de los jóvenes en motocicleta, la sordidez de las ruinas de la guerra y de esas prostitutas que deambulan (como zombis) por un paisaje brumoso, o esos sintecho que viven bajo el puente. Ante ese contraste social, Mario y Natalia se encapsulan en un romance fuera del tiempo (y casi diría del espacio). Ahí es donde veo lo más atractivo y poético del film, pero a la vez probablemente su punto flaco. Es una película que requiere un dificilísimo equilibrio y no tengo claro que Visconti lo consiga.

Hay un detalle en que lo fantasmal de Natalia todavía queda más resaltado, cuando cuenta que su abuela une su falda con la suya mediante un imperdible. Es un detalle digno de un cuento de los hermanos Grimm, que ya está presente en el relato original. A mí se me hace inconcebible que esto sea verosímil en una muchacha de 1957. Es como si Natalia surgiera del pasado para contar sus cuitas a Mario.

Respecto a Marais, ciertamente parece escapado de una de esas novelas pulp fiction que le da a Natalia. Más que una interpretación, la de Marais es una presencia, casi escultórica. Poco sabemos de él, es otra aparición, casi como si surgiera "de entre los muertos". Ahí veo otro detalle que permitiría una lectura fantástica del film de Visconti.

En Dostoievski, las novelas del Inquilino son de Walter Scott, que son la leyenda romántica de la historia. Curioso cómo se va cambiando el foco según las versiones.

Por mi parte, yo tampoco veo tan raro que Natalia sea un personaje fuera de fase con sus tiempos, teniendo en cuenta que no sale y vive en su taller de costura, y me temo que sin tele y sin internet no se "socializaba" uno tan fácilmente con las ideas que estaban de moda en el momento.

Si se adopta mi teoría de que la película trata, en parte, de la imposibilidad de reconstruir los sueños del pasado en un nuevo mundo, para mí casi lo del equilibrio imposible está un poco en el ADN de la película. Pero sí es cierto que, con todo el esfuerzo en hacer comparecer a las prostitutas, a los homeless y todo lo que chocaría con las idealizaciones de la realidad, el tono general sigue siendo de ensoñación, como en plan "veo todo eso que está ahí, pero me da igual". Quizá es lo que pasa cuando eres joven y tus pasiones te manejan más.

De todas maneras, tampoco comulgo mucho con la idea de que los directores hacen siempre la misma película. Aquí creo que hay más intimismo, más trayectoria personal, y menos "mundos que desaparecen". Las "constantes" no siempre aparecen con la misma fuerza, las veo un poco como un lugar común del cahierismo.

Iniciado por mad dog earle

Hay algo de fantasmal en la figura de Natalia, como si fuera una aparición, solo viva en la mente de Mario. Esto es algo que ya está en el relato de Dostoyevski, pero que se acentúa en Visconti por el tono demodé de la relación que mantienen él y ella, de un romanticismo un tanto caduco, de otra época, que contrasta con la modernidad del rock & roll y de los jóvenes en motocicleta, la sordidez de las ruinas de la guerra y de esas prostitutas que deambulan (como zombis) por un paisaje brumoso, o esos sintecho que viven bajo el puente. Ante ese contraste social, Mario y Natalia se encapsulan en un romance fuera del tiempo (y casi diría del espacio). Ahí es donde veo lo más atractivo y poético del film, pero a la vez probablemente su punto flaco. Es una película que requiere un dificilísimo equilibrio y no tengo claro que Visconti lo consiga.

Hay un detalle en que lo fantasmal de Natalia todavía queda más resaltado, cuando cuenta que su abuela une su falda con la suya mediante un imperdible. Es un detalle digno de un cuento de los hermanos Grimm, que ya está presente en el relato original. A mí se me hace inconcebible que esto sea verosímil en una muchacha de 1957. Es como si Natalia surgiera del pasado para contar sus cuitas a Mario.

Respecto a Marais, ciertamente parece escapado de una de esas novelas pulp fiction que le da a Natalia. Más que una interpretación, la de Marais es una presencia, casi escultórica. Poco sabemos de él, es otra aparición, casi como si surgiera "de entre los muertos". Ahí veo otro detalle que permitiría una lectura fantástica del film de Visconti.

Primeramente...Creo que en este tipo de relato, siempre se ha de primar la atmósfera, el ¨Mood¨ antes de cualquier decisión puramente argumental...Ciertamente el constraste es muy grande...Y quizás, Visconti no logra contrastarlo del todo bien esos anacronismos..El anacronismo invasivo es el rock&roll...No el tono decimonónico...Quiero verlo así..

Aún así se puede conseguir?...Creo que sí...Que incluso Rock&roll y...yo que sé, un tema de Madonna, puede encajar bien si se sabe jugar con el contraste...Pues el contraste no es una buena canción, los contrastes no tienen que ser la confrontación de dos ¨buenos¨ elementos, sino dos elementos ¨Pertinentes¨...Siendo ¨Pertinente¨ una apreciación de los sentidos..nada más.

Ciertamente me quedo en esos puentes...Que es la hazaña...

Es que además, estoy trabajando en un corto animado, que tiene ciertas semejanzas...Y los locales de rock&roll, sí creo que funcionan en contraste con la calle, pero hay que hacerlo con mucho cuidado...Y veo, que Visconti pudiera ser un pelín más fino.

Caminamos sobre los hombros de gigantes...Me reitero en esos puentes..Como digo, cuando hay algo tan bueno en un film, no me gusta coger el cuaderno de los (HABERES/DEBERES)...Ciertamente hay films más redondos....Cierto...Pero en el anállisis a parte, ¨Marnie¨ me parece más perfecta que ¨Vértigo¨ y sus problemas. Pero entiendo que ¨Marnie¨, a pesar de que ganó muchísimo para mí...No llega a las grandes de verdad...Las roza, pero no llega.

Iniciado por Abuelo Igor

De todas maneras, tampoco comulgo mucho con la idea de que los directores hacen siempre la misma película. Aquí creo que hay más intimismo, más trayectoria personal, y menos "mundos que desaparecen". Las "constantes" no siempre aparecen con la misma fuerza, las veo un poco como un lugar común del cahierismo.

Bergman...Bergman...

Creo que precisamente por ello, usar el género es interesante...Yo creo que sino un mundo, sí hay una repetición no en las temáticas, pero sí en el fondo de tratar las narrativas...Veo a alguien tan heterogéneo como John Husston, cierto hilo conductor...Difícil de ver ese hilo entre el cine negro de los 40´s, ¨El tesoro..¨, ¨Fat city¨ y ¨Dublineses¨...Aunque es obvio que lo sé a toro pasado...Otra cosa es que , sin saber quién es John Huston, y sabiendo las filmgrafías del resto de los autores, diga...¿Quién puede hacer estas películas tan buenas?¨, y cogiendo una lista de los directores, vaya tachando y al final me quede Huston.

Hablando de cahierismo, Huston es un gran ejemplo de buen cineasta de quien gente como Truffaut y Rohmer siempre hablaron mal.

Iniciado por Abuelo Igor

Hablando de cahierismo, Huston es un gran ejemplo de buen cineasta de quien gente como Truffaut y Rohmer siempre hablaron mal.

Lo más sagrante es el odio a David Lean...Pero bueno, lo de ¨Cahiers...¨, lo mejor es quedarse con lo bueno que aportaron en cuestión de cinefilía y cinematografía, y apartar lo cuestionable...

Un tema que creo importante es el uso de ¨El contraste¨ que estamos hablando...Este apartado, que sería el tema principal de discusión en la obra de Kubrick, creo que es interesante y muy poco estudiado...No hay buenos libros (análisis y estudio) sobre Kubrick...en mi opinión. Creo que este autor fue el que comprendió perfectamente este recurso narrativo.

Lo subo que en cuanto pueda hago mi review de Le notti bianche que me ha gustado peero que tiene un elenco desacertado,Marcello de pagafantas como que no....superficialidades aparte es que Marcello venga ya

Iniciado por hannaben

Lo subo que en cuanto pueda hago mi review de Le notti bianche que me ha gustado peero que tiene un elenco desacertado,Marcello de pagafantas como que no....superficialidades aparte es que Marcello venga ya

Estoy de acuerdo, pero quizá es una impresión distorsionada, porque lo vemos ahora conociendo su carrera posterior, sus papeles para Fellini y su imagen de seductor. Confieso que he mirado su filmografía anterior a Le notti bianche... y no creo haber visto ninguna de las películas. Con Visconti ya había trabajado anteriormente, pero para el teatro.

Adaptando el original de Dostoievski,Visconti narra los encuentros de Mario con Natalia...que espera todas las noches la llegada de su amante,que la abandonó con la promesa de volver en un año.Se inicia una especial relación entre nuestros protas por lo que deciden citarse a la noche siguiente en el mismo lugar.


La peli nos sumerge en una onírica atmosfera entre romántica y fatalista, donde los afectos actúan de manera distinta según el rol del entramado.
Marcello Mastroianni y Maria Schell interpretan a los dos personajes principales de una historia que gravita en torno a la soledad,el ideal,lo efímero y la necesidad de amar y ser amados y la crueldad de no ser correspondidos. El actor francés Jean Marais da vida al misterioso inquilino de quien Natalia se enamora locamente (con pinta de espía el tío da mal rollo).A destacar Clara Calamai que tiene una de las escenas más bellas y a la vez tristes de la peli.

Rodada de manera íntegra en estudios,permitió a la estupenda fotografía de Giuseppe Rotunno brillar en todo su esplendor.Extraordinaria la sensual escena de baile,qué buen cast!






La dirección de Visconti es a la vez sutil y concisa.Con música de N Rota y un último tramo bellísimo y triste....en una desmitificación del elevado amor.....el inexperto Mario y no creo para nada que ese encuentro entre la inmadura Natalia y el amante vaya a buen puerto.

Marcello no es un pagafantas si me he pasado la peli anonadada con él....supongo que irian más a la vertiente de un tío retraído muy suyo y demás.Pero vamos a mi el elenco principal no me acaba de convencer.Por eso como combo total le doy

7/10

Por cierto lo del imperdible de la abuela... sí que lo creo en las culturas eslavas totalmente en 1957 y aún nos podríamos sorprender a día de hoy

Pero procede de un relato de mediados del XIX de un escritor ruso trasladado a la Italia de 1957. A mí me parece un anacronismo que, eso sí, ayuda a darle un tono fantasmagórico al film.

Me quedan por leer vuestros últimos (y suculentos) comentarios pero tal vez esta sea una película que me salte, primero porque ando últimamente muy liado y no encuentro tiempo (ni ganas) para seguir tantas revisiones y segundo porque el trío de actores que la protagonizan - ya lo siento - nunca ha sido santo de mi devoción.

Creo que esta noche me veré LA MUERTE CANSADA (1921), de Fritz Lang, la auténtica primera gran película de su director y de esta forma no perder comba en mi propia revisión.

Eso sí, si la salud (lo más importante) y el tiempo lo permiten.

Rocco y sus hermanos (Rocco e i suoi fratelli, 1960)



Como se ha dicho más de una vez, Rocco e i suoi fratelli se podría ver como el viaje de los Valastro de La terra ferma al Milán de Visconti, una variante italiana de aquello tan hispánico del “Vente a Alemania, Pepe” en clave de tragedia. La diferencia es que los Parondi (sobre el apellido de la familia, comentaré al final una detalle bastante sorprendente) no proceden de Sicilia, sino de Lucania, una región del sur de Italia (actualmente denominada Basilicata) situada entre las dos puntas de la bota, gente de campo, no de mar.

Con argumento de Visconti, la habitual Suso Cecchi D’Amico y el escritor Vasco Pratolini, inspirado parcialmente en “Il ponte della Ghisolfa” del escritor lombardo Giovanni Testori, y con la participación en el guion de hasta cinco firmas, Rocco… es sin duda una de las obras magnas de Visconti, un film que va del retrato social a la tragedia de resonancias griegas (y no solo por la presencia de varios actores helenos en el reparto).

La película se inicia con la llegada a la estación de Milán del tren “Bari-Milano” en el que viaja la señora Rosaria Parondi (la actriz griega Katina Paxinou), que luce prendida del pecho una foto de su marido recientemente fallecido, y cuatro de sus hijos: Simone (Renato Salvatori), Rocco (Alain Delon), Ciro (Max Cartier) y Luca (Rocco Vidolazzi). De la estación se desplazan a donde vive su quinto hijo, el mayor, Vincenzo (el también griego Spyros Fokas), alojado en el piso de la familia de su prometida, Ginetta (Claudia Cardinale).



A bordo del autobús, la familia va descubriendo con ojos curiosos el fulgor de la noche milanesa, los negocios iluminados, el tráfico, mientras suena de fondo una de esas reconocibles musiquillas, tan dinámicas, de Nino Rota (tan reconocible como que diría que es la misma que suena en la Roma de Fellini durante el segmento de la autostrada).

A partir de este momento, la película se dividirá en cinco segmentos, uno por hermano, que se suceden por orden de edad. Por cierto, se acostumbra a comentar que ese “Rocco y sus hermanos” del título es una referencia explícita a uno de los escritores de cabecera de Visconti, Thomas Mann, autor de la novela en cuatro partes “José y sus hermanos”.

A Vincenzo se dedica el primer segmento, que describe los primeros meses de los Parondi en Milán. La familia de Vincenzo aparece en el momento más inoportuno, justo cuando la familia de Ginetta está celebrando la oficialización de su noviazgo. La presencia de los recién llegados, que se comportan con timidez e inseguridad, como se suele decir “como llegados del pueblo” (Rocco acarrea unas naranjas en un hatillo), contrasta con la de la familia de Ginetta, que, aunque proceden también de Lucania, están ya más integrados en la gran ciudad. El enfrentamiento de las temperamentales madres supone la ruptura entre ambas familias y marca el inicio del deambular de los Parondi por diferentes viviendas.



Reveladora resulta la conversación de Vincenzo con el vigilante de la obra donde trabaja, que describe los pasos que les conviene dar: primero alquiler un piso, no pagar, y esperar a que el ayuntamiento los desahucie y les entregue un piso gratuito.

En la primera vivienda, una especie de sótano, aprenderán que a los milaneses “no les gusta la nieve en las calles”, lo cual les proporcionará un pequeño trabajo ocasional, y allí también entrará en sus vidas Nadia (la actriz francesa Annie Girardot), una joven “de mala vida”, a quien su padre ha echado del piso, y que estará destinada a jugar un papel decisivo en el drama familiar.

Una conversación entre Vincenzo y Ginetta nos da más información sobre las tradiciones que esos “sureños” han traído consigo, cuando él (a pesar de ser el que lleva más tiempo viviendo en Milán) le propone a su novia raptarla (algo que todavía a finales de los 80 viví de cerca en el caso de un compañero de trabajo que “raptó” a su mujer, menor de edad, de un pueblo de Almería), para así poderse casar, venciendo la oposición de la familia de la chica, enfrentada ahora a los Parondi.

Simone, Rocco y Ciro siguen los pasos de Vicenzo y se apuntan en un gimnasio para practicar el boxeo, provocando las risotadas de los presentes al salir a entrenar vestidos con la raída ropa interior (que parece sacada del vestuario de La terra trema). Simone apunta maneras de boxeador y genera el interés de un turbio personaje, Morini (el actor y director francés Roger Hanin), que también jugará un papel decisivo en el desenlace del film. Morini se muestra interesado por Simone no solo por sus maneras como boxeador, sino también por su físico, en una clara referencia homoerótica que Visconti sitúa en las duchas del gimnasio (como es habitual en sus películas, proliferan las duchas, los hombres en camiseta o con el torso desnudo, personajes vistiéndose o desnudándose…).





El primer bloque finaliza con el primer combate de Simone y su reencuentro con Nadia. El segundo segmento, dedicado a Simone, nos narra la relación entre el segundo de los Parondi y la muchacha, una prostituta, que le cuenta sus primeras experiencias sexuales con 13 años. Mientras, Rocco trabaja en una tintorería, con la propietaria de la cual Simone mantendrá una fugaz relación con el objetivo de robarle unas joyas. Simone nos muestra ya aquí que empieza a dar bandazos en su vida, a pesar de que ha entrado en el gimnasio de Cerri (Paolo Stoppa), que intenta encarrilarlo dentro de la exigente vida del pugilato. Pero Simone sueña más bien con la diversión y poder gozar de su relación con Nadia, poder llegar invitarla algún día a una habitación del lujoso hotel junto al que pasean en una escapada de fin de semana.

El tercer bloque, dedicado a Rocco, se inicia con el tercero de los Parondi cumpliendo el servicio militar. Simone, al que Nadia ha abandonado, consigue algunas victorias, mientras Vincenzo se ha casado con Ginetta, embarazada, y Ciro ha conseguido trabajo en la empresa Alfa Romeo (que, recordemos, luce en su escudo “il Biscione”, la serpiente viscontiniana).



En la ciudad donde Rocco hace la mili se encuentra con Nadia, que acaba de pasar un largo período “de vacaciones”, o sea, en la cárcel. Entre Rocco y Nadia se despierta una atracción que nada tiene que ver con la que la unía con Simone. En Rocco, que a lo largo de todo el film se nos presenta con una cierta aureola de santidad, capaz de asumir todo el mal que le provoca su hermano Simone sin dejar que amarlo (¿un amor que va un poco más allá de lo fraternal?), Nadia encuentra la compresión y el afecto que nunca ha recibido.



De nuevo en Milán, Rocco reencuentra a Nadia con la que inicia una relación amorosa, lo que tiene como consecuencia uno de los momentos “fuertes” del film: la violación de Nadia por parte de Simone, celoso de su hermano, que Rocco no puede evitar y que acaba con la violenta pelea entre ambos, en la que Rocco se lleva la peor parte.



Visconti filma el episodio en una secuencia electrizante, angustiosa, de una enorme violencia, entre sombras y con el sonido del tren (ese tren que los trajo a Milán) de fondo. Como resultado de su enfrentamiento con Simone, Rocco rompe con Nadia (en una espléndida secuencia en el tejado de la catedral de Milán), incapaz de luchar por ella, reconociendo así que Nadia “es” de Simone, prisionero de las tradiciones machistas de su pueblo.



El paralelismo entre ambos hermanos se acentúa: Simone, con el que ha vuelto Nadia, se degrada en una vida de juego y alcohol, mientras Rocco va consiguiendo el puesto en el mundo del boxeo para el que parecía destinado su hermano.

El cuarto bloque, dedicado a Ciro, nos prepara para el estallido final. Ciro es el que parece llevar una vida más “homologable” a las aspiraciones de una clase obrera integrada en la sociedad burguesa milanesa. Trabaja, estudia y mantiene relaciones con una chica “decente”, con el beneplácito del padre. En cambio, Simone todavía se va a hundir un poco más, buscando la ayuda de Morini (siendo consciente, seguramente, del peaje que eso implica).



Morini se lo lleva a su lujoso apartamento, donde se supone que acaba obteniendo los favores sexuales de Simone, aunque no sin una cierta violencia (que, quizá, forma parte del juego). Simone, al parecer, le roba 400.000 liras, deuda que, una vez, asume “San” Rocco para evitar la intervención de la policía. A cambio, se ata durante diez años a Cerri, al mundo del boxeo que en el fondo le hace desgraciado, que quería abandonar.

Pero de poco va a servir el sacrificio. Simone, cada vez más desequilibrado, matará a Nadia, en otra secuencia de una violencia extrema. El momento en el que Nadia, de forma suicida, abre los brazos en cruz (por cierto, la foto que encuentro en Internet no corresponde al plano que aparece en la película, que es frontal, con Simone de espaldas en primer término), sabiendo que le espera la muerte, es escalofriante, al igual que las puñaladas que le asesta Simone, convertido en una bestia.





Visconti nos narra el crimen en paralelo al combate victorioso de Rocco, lo que une definitivamente a los dos hermanos en la tragedia.

Tragedia que estalla de pleno en el quinto segmento, dedicado al pequeño Luca, la esperanza de los Parondi para, quizá algún día, volver a Lucania. Mientras la familia celebra con los vecinos el triunfo de Rocco, hace su aparición un ensangrentado Simone. Simone le cuenta lo sucedido a su hermano, abrazados en el lecho de su madre, ante la presencia de la figura del auténtico San Rocco, que la madre venera, santo protector contra la peste y otros males, pero que no ha podido evitar la tragedia, la disgregación, de los Parondi (Visconti vuelve a enfocar la foto de familia, como hacía también en la parte final de La terra trema). La escena es de un histrionismo trágico desbocado, tanto que, sinceramente, a mí casi se me escapa la risa. Evidentemente, los finales trágicos de este tipo siempre se mueven sobre el filo de la navaja, a un paso de caer en lo ridículo, y esta ocasión no es la excepción. Los sollozos de Rocco, los gritos de la madre, la actitud reprensora de Ciro, forman un collage que por momentos a mí me da la impresión que se le escapa a Visconti de las manos.

Lo que queda de film servirá para que Ciro, el integrado, y Luca, el que mantiene vivo el recuerdo de la tierra de la que proceden, tengan una conversación esperanzadora, en la medida que Ciro afirma convencido que “el mundo ha de cambiar”, también en Lucania, y que, aunque Luca vuelva a su pueblo, encontrará una sociedad nueva, que se supone habrá superado los atavismos que todavía han arrastrado a Milán. ¿Es lo que pensaba Visconti o en el fondo expresa un cierto escepticismo del director al poner este diálogo, el más discursivo del film, en boca del hermano que en cierto modo queda peor parado, el delator?

A pesar de tener muchos problemas con la censura (la violación y asesinato de Nadia eren temas fuertes para la época, y parece que tampoco gustó a los poderes democratacristianos la imagen que se daba de la inmigración sureña) y sufrir algunos recortes (en algunos países se hicieron con el objeto de reducir la duración para facilitar la distribución de la película), el film fue un éxito comercial, de hecho, el primero de Visconti. Y eso que, por extraño que nos parezca hoy en día, el reparto estaba compuesto por actores a los que todavía no podemos considerar como grandes estrellas. Alain Delon, irresistible como Rocco (¿verdad, hannaben?), participaría el mismo año en un film sobresaliente, Plein soleil, de René Clément.



Renato Salvatori (que, curiosamente, se acabó casando con Annie Girardot) encarnó aquí, probablemente, el papel de su vida, aunque he de reconocer que es un actor del que no recuerdo haber visto muchas películas. Por su parte, Annie Girardot me parece que está espléndida. Tampoco no he seguido de cerca su extensísima carrera, pero probablemente este sea también uno de los principales papeles de su filmografía.



El resto del reparto cumple, incluida una joven Claudia Cardinale, que ya había participado en varios excelentes films, como I soliti ignoti, de Mario Monicelli, Un maledetto imbroglio, de Pietro Germi, o Il bell’Antonio, de Mauro Bolognini, con mención especial para Roger Hanin y Paolo Stoppa. Puestos a poner alguna pega, a mí me resulta demasiado histriónica Katina Paxinou, a la que podemos ver en films como For Whom the Bell Tolls, de Sam Wood (su primer largometraje) o Mr. Arkadin, de Orson Welles. Lo que me pregunto es el porqué de la presencia de dos actores griegos en papeles principales, porque el film era una coproducción italo-francesa (de la Titanus y Les films Marceau), desconozco si también había de alguna forma capital griego. Eso sí, todos los actores principales, incluido Salvatori, estaban doblados, algo frecuente en los films de Visconti, una forma de conciliar la presencia de actores de diferentes procedencias y lenguas.

He dejado para el final el misterio de los Parondi… o Pafundi. Si os habéis fijado, aunque en los diálogos, doblados, o sea, añadidos a posteriori, siempre se habla de la familia Parondi, a lo largo del film vemos en diferentes ocasiones que durante el rodaje el nombre utilizado es Pafundi. Así reza la plaquita de la puerta del piso familiar, o el albornoz que luce Rocco en el ring (aunque hay un plano, quizá añadido a posteriori, en que vemos en primer término, en el vestuario, un albornoz con el nombre Parondi), o en los carteles que anuncian el combate (aunque están modificados de forma un tanto chapucera: todavía faltaba mucho para la digitalización de las imágenes y las correcciones mediante ordenador), o, finalmente, en el plano en que Luca, después de su conversación con Ciro, pasa la mano cariñosamente por el rostro de Rocco, reproducido en las portadas de los periódicos.



Nunca me había dado cuenta antes (supongo que ahora ha ayudado la magnífica copia restaurada, editada en BD) ni recuerdo haber leído este detalle con anterioridad. En imdb encuentro esta explicación, que “si non è vera, è ben trobata”:

“The family in the film were originally called 'the Pafundis'. A prominent Judge with the same name found out and threatened to sue the filmmakers, so the producers changed the name to 'the Parondis' by re-dubbing bits of dialogue and using 1960-vintage techniques to modify its appearance on props.”

Acabo con una última referencia a Alain Delon. Visconti quedó encantado con el actor francés, hasta el punto que después del film lo eligió como protagonista para el montaje en francés de “Dommage qu’elle soit une putain”, adaptación de la obra “'Tis Pity She's a Whore” del dramaturgo isabelino John Ford. Y como pareja en la escena contó con Romy Schneider, a la que veremos la semana que viene en el episodio “Il lavoro”, dentro del film colectivo Boccaccio ’70. Después de las 3 horas de Rocco… y antes de las 3 horas y 6 minutos de Il gattopardo, esa adaptación de un relato de Guy de Maupassant (“Au bord du lit”) nos permitirá tomarnos un pequeño descanso. En mi caso, tengo ganas de revisarlo (ya hice lo propio con el episodio de Fellini recientemente), porque nunca me ha acabado de convencer. Quizá ahora, en plena inmersión viscontiniana, le sepa encontrar más virtudes.

Maravillosa película un 10/10.Me emociona la chiquita francesa y lo machista que es la sociedad italiana,recuerdo una canción o melodía muy bonita y triste y ALAIN !!!!....a ver si la puedo revisionar este final de semana.

Segunda obra maestra de Visconti tras LA TERRA TREMA,su predecesora?¿

Irresistible mad ciertamente! Y lo exagerados que son es que los italianos son teatreros a más no poder por el desenlace que comentas.
Buen fin de semana!!

Rocco y sus hermanos fue una película con amplio consenso favorable entre la crítica y el periodismo especializado.

Dos nominaciones en los BAFTA, la cuarta película según Cahiers y tres premios del sindicato de periodistas de cine italianos (dirección, guión y fotografía). Además, el Sant Jordi a mejor actriz extranjera para Annie Girardot.
Y además, en Venecia, el FRIPESCI, y el Premio especial del Jurado (que por cierto, tanto el productor como él mismo, rehusaron aceptar el premio).

¨Rocco..¨ es verdad que tiene esa potencia de film clásico.

Es de una calidad indudable, como todos los films de Visconti desde su opera prima....Tiene la gran cualidad de novela-río..De paso del tiempo y la vida...Y se consigue ese efecto, francamente bien...Esa es una de sus hazañas...Y esto, no es tan fácil como cambiar la escena, hay que imprimir a los personajes una nueva personalidad más madura, además de cambio de peinados, ect...Así, el relato de como esta familia inmigrante va integrándose, ese aspecto de paso del tiempo, este es uno de los films que mejor lo representa...

Me gusta, aunque pudiera parecer muy forzado, la dicotomías hijo bueno- hijo malo, hijo intermedio...Entiendo que es una fórmula para la representación del retrato de lo que cuenta. El problema como siempre digo, es el Alain Delon, que como he ido insistiendo durante el hilo, no lo veo en ese personaje. Así como el malo Simone, me parece idóneo para su papel.

Hay un paralelismo grandísimo, casi los mismos personajes, entre el hermano mediano (una suerte de conciencia de clase) y otro personaje de ¨Los idiotas¨ de Fellini. Y parece que este puede ser la aportación en el guión del PCI...Pareciera que son calcados las escenas donde este personaje hace su speech....En mi opinión, más acertada en el film de Fellini, que esta obra de Visconti, donde aparece como un poco pegote, cuando a priori, pudiera ser una escena, incluso emocionante...La causa de este fallo, es quizás que no fue muy desarrollado el personaje durante el film y crea un poco de disonancia con el resto.

Es un film que además de su calidad, es muy asequible a todo espectador...No es ¨La tierra tembla¨, que finalmente tienes que ser muy cafetero para admirarla en todas sus caracteríticas....El hecho de ser mainstream, no necesariamente quita valor a la obra...Por eso siempre hablo de ¨Lo que el viento se llevó¨ (la película imposible). Y si hay una pelicual del neorrealismo italiano, que pueda ser, de verdad, de verdad, para todos y todas las espectaduras, este film es ¨Rocco¨...

Y aclaración para Hannaben...Alain Delon es guapísimo, pero es para papeles como ¨A pleno sol¨, quizás ¨Le samurai¨...Luego tuvo una época 70´s y 80´s que le dio la pitopausía, y hacía un tipo de films a lo Charles Bronson, de explotación, que tampoco, por mucho que se empeñara por ir de tipo duro, le iban bien...Delon, parece un ángel, pero es un ángel caído...Y esos papeles son los idóneos para él.

El problema del personaje de Rocco es que me parece dificilísimo de interpretar, de dar con el tono justo, porque su bondad extrema, su candidez, lo hace casi inhumano. Yo a Alain Delon lo veo bien (además de guapísimo), pero entiendo que su interpretación puede ser más discutida que las de Salvatori y Girardot.

A mí si me convence Delon en Rocco,es un ángel,hay personas así de abnegadas,bondadosas...está dispuesto a sacrificarse por nosotros pecadores

http://www.institut-lumiere.org/lect...es-frères.html

Iniciado por hannaben

A mí si me convence Delon en Rocco,es un ángel,hay personas así de abnegadas,bondadosas...está dispuesto a sacrificarse por nosotros pecadores

Claro que hay gente así de abnegada, de bonachona...Pero ninguna tiene la cara Delon!!...JAJAJAAJ

Lo curioso es que Salvatori, después de violarla y asesinarla brutalmente, se acabara casando con Girardot. El roce hace el cariño...

Iniciado por mad dog earle

Lo curioso es que Salvatori, después de violarla y asesinarla brutalmente, se acabara casando con Girardot. El roce hace el cariño...

Ficcion!!! mientras no sea un Kirk Douglas-Natalie Wood.Qué miserable el hijo del trapero...
Revisionada.La peli está hecha en estado de gracia total y Rocco no es de este mundo.Como tengo revisiones pendientes,quiero ponerme con lo que me queda de Kazan y demás,voy a demorarme en todas las reviews,sin prisa pero aquí estoy

Iniciado por C.Bethencourt

Claro que hay gente así de abnegada, de bonachona...Pero ninguna tiene la cara Delon!!...JAJAJAAJ

YEAH!!

La compi hannaben se desahoga con las reviews de Kazan. Todos tenemos un saco de boxeo en casa

Iniciado por tomaszapa

La compi hannaben se desahoga con las reviews de Kazan. Todos tenemos un saco de boxeo en casa

Las primeras de Lang son para darle también

Mientras estaba viendo el film, me estaba dando cuenta que tenía la misma sensación que la primera vez que vi el padrino, Apocalipsis Now, 2001... entre otras, ya que es mi primer Rocco, que no Sifredi (ya está, hago una vez la bromita al principio y dejo el tema finiquitado), y el film respira ya desde su inicio un aura y un tufillo a obra capital difícil de demostrar en palabras y fácil de decir por sensaciones, que al igual que las master pieces nombradas, su largo metraje se hace corto y uno tiene ganas de más (ves con Exodo de Premminger no me pasó).

Empiezo con las gotitas de vinagre y así cierro el tema de lo poquito que no me ha gustado del film. Entiendo que la formalidad de poner el nombre de los hermanos para diferenciar las partes del film, ayuda un poquito a darle dicho empaque y sensación de que no es una peli cualquiera, pero viéndolo fríamente me parece un recurso de cara la galería o para fragmentar el film en partes muy determinadas, porque sobretodo los tres primeros, Vicenzo, Simone y Rocco, no son capítulos dedicados a sólo a ellos (claro, es un ente familiar) salen todos, no veo un subrayado para destacar al personaje que toca, simplemente la historia va sucediendo y encuentro que son, como he dicho, incrustaciones de cara la galería. Con Ciro y Luca, si centran algo más en ellos, sobretodo en su inicio, y Luca es para finiquitar la historia. Ojo que no es una cosa muy molesta, es más para hilar fino y compensar con la catarata de elogios que vienen. La otra gotita de vinagre me la dejo cuando toque la escena.

Voy con mis escenas favoritas, curiosamente lo fácil sería nombras la escena de la violación o la del asesinato, que son una maravilla también, pero me quedo con dos quizá menos espectaculares, pero donde noté esa sensación mencionada de master piece, en su máxima expresión, dos escenas muy unidas entre si, pero separadas en el metraje, la primera es el encuentro de Rocco y Annie en la terraza del bar, donde Annie abre el corazón ante la bondad en persona que es Delon, difícil no querer a una persona así, esa lágrima que se va deslizando en la mejilla de Annie mientras Rocco expone sus ideas y ella recuerda todas sus mierdas, con unos primeros planos a Girardot que quitan el hipo, sentí emoción pura en lo que aparenta una sencilla conversación. Después toca el cambio de lagrimilla, la de Rocco en el Duomo, claro allí hay un caramelito que ayuda a magnificar la escena de la ruptura de Mr. Bondad, también con esa lagrimilla muy emocional, cayendo lentamente en la mejilla de Rocco, alto voltaje!!!!!



Más, claro el asesinato, el montaje de dicha escena es escandaloso y otra prueba más de mi cansina, para ustedes, sensación de obra total, alternando el combate de boxeo con el asesinato de Annie, curiosamente en el Padrino III su mejor escena es algo parecida no? Todo los minutos previos al crimen entre Simone y Annie son apasionantes, sólo con ver la jeta de Simone, se sabe y se respira tragedia, y ella está claro que no va a ceder, y llega el momento cuando ella se entrega a los sucesos, abriendo los brazos apoyada en el árbol, con una clara referencia jesucrística y de un impacto visual tremendo, para después asestar no se cuantas puñaladas donde Simone se recrea (Y Visconti también), curioso el impacto de la escena, a nivel de censura, será por emotividad, porque creo recordar que no hay atisbo de sangre pero si de insistencia. Lo que sucede después cuando Simone se aparece en la casa familiar donde se celebra la victoria de Rocco, pues tiene algo muy italiano, los berreos y chillidos, el histrionismo cultural italiano sacado a la palestra, no me molesta eso en la madre, creo que viene de fábrica, si que me molesta, sólo una poco, la reacción de Delon, el menos italiano, tumbado en la cama, tapándose la cara, sollozando larga y tendidamente, una reacción rara, extraña, quizá pega con Mr. Bondad, pero cinematográficamente es, eso, extraña, y algo molesta para mi.



Visconti, centra su juego en personajes de extremos, ya que a pesar de dedicar, o rotular, los nombres de los hermanos, Simone y Rocco, son el centro de todo y orbitando en ellos, no me cansaré de decir, la excelencia de Girardot, actriz que, como siempre, desconocía. Los otros hermanos son entes que van y vienen, muy estructuradas, estándares de manual, Vicenzo con hijos y con una esposa que lo peta (Cardinale) parece tener una vida escrita, Ciro, estudioso, con un trabajo para asentar la vida, una pareja de los más formal y aceptado por su suegro, siempre con la razón por delante, y Luka que por corta edad no pueda dar el juego que busca Visconti con Rocco y Simone. Simone, el nemesis de Rocco, mala gente de por ley, estafador nato, ya con sus pequeños mangoneos con Rocco, pero uno se da cuenta de lo que puede ser capaz de hacer cuando se enrolla con la madurita jefa de la lavandería en busca del tesoro, y no carnal precisamente, por cierto, impresionante escena entre ambos. Rocco el contrapunto de Simone, su cara de ángel es escandalosa y difícil de aceptar en un boxeador, es de los que saluda a los rivales cuando gana, y le sabe mal ganar casi disculpándose por ello (me recuerda a los duelos Alex Corretja vs Carlos Moyà, cuando ganaba Corretja las finales, él se deshacía en elogios por Carlos, y parecía que le sabía mal haber ganado, en cambio cuando ganaba Moyà, se la soplaba todo, se olvidaba de la elegancia de Corretja y iba a lo suyo). Eso si, cuando decide alistarse, Rocco, en el ejército, me cagué patas arriba, ya que pensé: "mierda, habrá escena bélica", pero Visconti sabía sus limitaciones, eso creía, porque se viene pronto el Gatopardo

Acabo, que me tengo que ir a trabajar, por la noche o mañana, añadiré un par de cosas sobre lo que respeta la censura extraído del programa doble de Dirigido por, donde el film comentado, comparte cartel con otra que usaré dentro de poco: M, el vampiro de Düsseldorf. Pues eso, la mejor de Visconti, sin duda, con escenas que te se quedan para siempre, un film de obligado visionado, que incluso los menos europeistas pero amantes del clásico van (tienen) a disfrutar sin duda.

FE DE (ER) RATAS: Por cierto creo que al personaje que encarna Annie Girardot, la he nombrada Annie y no Nadia, como no tengo tiempo, no me voy a releer y lo dejo así, pero quedan informados.....creo que aunque tuviera tiempo, tampoco haría la corrección .