Por mencionar otras de Goldie Hawn, que tampoco es de mis actrices favoritas, pero tiene algo especial en su cara que me gusta. Hablo de CrissCross, Chicas en pie de guerra, Shampoo, Las mariposas son libres, o Flor de cactus. :)
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Por mencionar otras de Goldie Hawn, que tampoco es de mis actrices favoritas, pero tiene algo especial en su cara que me gusta. Hablo de CrissCross, Chicas en pie de guerra, Shampoo, Las mariposas son libres, o Flor de cactus. :)
Gracias compañeros, sigo anotándolas en mi libreta freak, y no me refiero a las peli de la Goldie Hawn :cuniao
Aunque tengo el pack en DVD con toda la obra de Tarkovsky sólo he llegado a ver las tres primeras (LA INFANCIA DE IVÁN - la que más me gustó -, ANDREI RUBLEV y SOLARIS). Ya lo sé, mea culpa.Cita:
Iniciado por Frank Zito
:digno
DOS ACERCAMIENTOS ANTAGÓNICOS A LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL DE LA MANO DEL MAESTRO RAOUL WALSH / PARTE I
O
BATTLE CRY (1955, MÁS ALLÁ DE LAS LÁGRIMAS) de Raoul Walsh.
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Estudio: Warner Bros. Pictures, Inc.
Productor: Raoul Walsh.
Guión: Leon M. Uris, basado en la novela homónima del citado autor (Nueva York, 1953) [“Grito de guerra” (Éxitos, Plaza & Janés, 1985)].
Dirección artística: John Beckman.
Fotografía: Sid Hickox (en CinemaScope y WarnerColor).
Música: Max Steiner.
Reparto: Van Heflin (Mayor Sam “High Pockets” Huxley), Aldo Ray (Andy Hookans), Mona Freeman (Kathy), Nancy Olson (Pat Rogers), James Whitmore (Sargento Mac), Raymond Massey (General Snipes), Tab Hunter (Danny Forrester), Dorothy Malone (Elaine Yarbrough), Anne Francis (Rae), William Campbell (Ski), John Lupton (Marion Hodgkiss), Justus E. McQueen (L. Q. Jones), Perry Lopez (“Spanish” Joe Gomez).
Duración: 149 minutos.
Inicio de rodaje: febrero de 1954.
Estreno: 1 de febrero de 1955.
Aunque no me duelen prendas a la hora de reconocer que el gran título bélico de este maestro de maestros que fue Raoul Walsh (1887-1980) es, sin lugar a dudas, OBJECTIVE, BURMA! (1945, OBJETIVO: BIRMANIA) – que el propio director volvería a recrear en clave de western en la estupenda DISTANT DRUMS (1951, TAMBORES LEJANOS) * - también es bien cierto que las dos obras que dirigió en los años ‘50 (la hoy comentada y THE NAKED AND THE DEAD (1958)) son piezas harto estimulantes – especialmente la segunda, inédita en salas comerciales en nuestro país – y que sirven para demostrar de forma palpable el talento de este grandísimo director.
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[Curiosamente Walsh y John Ford coincidieron ambos al principio de sus carreras como actores en la mítica (y profundamente ofensiva) THE BIRTH OF A NATION (1915, EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN) de David Wark Griffith].
Ambos largometrajes (MÁS ALLÁ DE LAS LÁGRIMAS y THE NAKED AND THE DEAD) transcurren durante la Segunda Guerra Mundial.
La película hoy comentada se inicia en enero de 1942, poco después del ataque a Pearl Harbour (y que tan magníficamente fuera recreado en la gran pantalla por Fred Zinnemann en la estupenda FROM HERE TO ETERNITY (1953, DE AQUÍ A LA ETERNIDAD) – por cierto, qué título más bonito -) y acaba en 1944, o sea, antes de la finalización del conflicto.
Si en THE NAKED… el protagonismo corre a cargo del Ejército en MÁS ALLÁ… el relato se centra en el alistamiento, la instrucción y la entrada en combate de un grupo de reclutas en el Cuerpo de Marines.
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A pesar de su dilatado metraje (149 minutos) la película se deja ver con una apabullante facilidad, algo de lo que sólo los más grandes genios pueden dar cumplido testimonio.
Basada en una novela de Leon Uris (el mismo de TOPAZ – que el gran Alfred Hitchcock llevara a la gran pantalla en una de sus películas más injustamente infravaloradas -) y con guión del propio autor la película se convertiría en uno de los títulos bélicos más taquilleros de todos los tiempos (me refiero, of course, al cine clásico). De hecho en el número del 4 de enero de 1956 de la famosa revista “Variety” que listaba los títulos más rentables de la historia del cine ocupaba el lugar n.º 15 con, nada más y nada menos, que 8.000.000 de dólares de recaudación, sólo sobrepasada por DE AQUÍ A LA ETERNIDAD (n.º 4, 12.500.000), LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA (n.º 8, 11.200.000), EL MOTÍN DEL CAINE (n.º 12, 8.700.000) y ESCALA EN HAWAI (n.º 13, 8.500.000). Aunque en puridad ninguno de estos títulos era un film de guerra propiamente dicho salvo el de Walsh.
[Por si tenéis curiosidad la primera era LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (33.500.000) y la segunda LA TÚNICA SAGRADA (17.000.000)].
Muy probablemente tamaño éxito fuese debido a que al contrario que en otras películas de temática similar (por ejemplo la arriba citada OBJETIVO: BIRMANIA) la presencia (y la importancia) de los personajes femeninos era determinante en el desarrollo de la trama.
Uris y Walsh saben alternar con gran inteligencia por un lado el entrenamiento de estos jóvenes (y no lo olvidemos, voluntarios, no soldados profesionales) y por otro sus relaciones afectivas de forma que estas últimas sirvan, al igual que el citado entrenamiento, para que alcancen una doble madurez: su conversión en una unidad de combate que trabaje conjuntamente y con la máxima eficacia y a la vez el madurar como seres humanos.
La narración se centra en un pequeño grupo de reclutas y especialmente tres de ellos (Andy (Aldo Ray), Danny (el recientemente fallecido Tab Hunter) y Marion (John Lupton)) tendrán un especial protagonismo por sus relaciones amorosas (con diversa fortuna) con, respectivamente, Pat (Nancy Olson), Elaine (la estupendísima – e igualmente recientemente desaparecida - Dorothy Malone) y Rae (Ann Francis, la inolvidable Altaira de PLANETA PROHIBIDO).
El personaje encarnado por James Whitmore, el sargento Mac, servirá de nexo de unión y hará de narrador a lo largo de toda la película. Un sargento que es el polo opuesto al típico personaje mal encarado y de procaz vocabulario que solía (y suele) estilarse. Muy al contrario es alguien que, al carecer de una familia propia, ha hecho del Cuerpo de Marines la suya propia y a los reclutas como sus propios hijos. Y al que no le duelen prendas cuando tiene que quejarse ante sus superiores. Será además con él como se inicia y acaba la película.
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[Este personaje (y toda la película en sí – salvo la parte bélica -) me recuerda poderosamente al Marthy Maher de la maravillosa (e incomprendida) obra maestra de (quién si no) John Ford THE LONG GRAY LINE (1955, CUNA DE HÉROES)].
El oficial encarnado por el gran Van Heflin es, pese a su aparente autoritarismo, alguien muy cercano a sus hombres, lo que no obsta para hacerles sudar la gota gorda cuando se trata de demostrar que sus hombres son los mejores. Un mayor (luego coronel) Huxley del que, al contrario de los tres reclutas arriba citados, no se nos muestra ni siquiera una fotografía de la mujer a la que tanto ama pero a la que sin embargo no ha podido ver más que en contadas ocasiones dada su profesión.
[También hay que decir que en una escena terrible (al menos para mí) Huxley demanda al general Snipes (un siempre ajustado Raymond Massey) el que a sus hombres, a los que siempre se les ha mantenido alejados de la primera fila de combate, se les permita demostrar su valía, a lo que el general accede y no duda en darle el peor papel en una inminente invasión...].
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Me gustaría siquiera brevemente hablar sobre esos tres reclutas.
Si Andy (un, como siempre, excelente Aldo Ray), un mujeriego y de bruscas maneras, encuentra el amor de su vida en Pat (otra estupenda Nancy Olson), alguien que perdió a su esposo y a su hermano pequeño en el conflicto – al respecto la escena del hacha clavada en el tronco que dejó este último antes de alistarse expresa una notable similitud emotiva a la del magistral western de George Stevens SHANE (1953, RAÍCES PROFUNDAS) -), Danny (un Tab Hunter que nunca pudo expresar su verdadera sexualidad – era homosexual -) por el contrario parecerá encontrar el afecto en la esposa de un comerciante (una bellísima Dorothy Malone) pero a la que (como un cobarde) acabará por abandonar y por volver con su virginal novia (una sosaina Mona Freeman), con el rabo entre las piernas (un niño bien de una “buena” familia). Y el tercero en discordia, el intelectual Marion (un actor con un notable parecido a George Peppard), conocerá por primera vez el amor de la mano de Rae (una, como decía, deliciosa Anne Francis) para luego desengañarse al enterarse de que su dama idolatrada es en realidad… pero que finalmente acabará bien al darse cuenta ésta del amor puro y sincero de él (e igualmente él del de ella).
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También tiene su importancia el resto de compañeros de fatigas, Ski (William Campbell), L. Q. Jones (Justus McQueen – quien curiosamente acabó adoptando como nombre artístico el de su personaje (y un autor muy querido por Sam Peckinpah) -) o Joe Gomez (Perry Lopez). Todos ellos (y algunos más) tienen su momento de gloria. Incluso los reclutas indios que gracias a usar su propio idioma en las comunicaciones hacen imposible a los japoneses el poder interceptar los mensajes.
Varios de los personajes morirán a lo largo del tramo final de la película (donde tienen lugar los combates en el Pacífico) incluido el coronel Huxley.
Hay que reconocer que la Warner obtuvo del Cuerpo de Marines todo tipo de facilidades tanto en efectivos como en material de guerra lo que redundó en una poderosa puesta en escena de enorme efectividad.
Puede que algunos (o tal vez muchos) la consideren una película de propaganda (aunque recordemos que la Guerra finalizó en 1945, o sea, diez años antes) y no voy a ser yo el que diga lo contrario. Pero también es cierto es que Walsh cuenta una bella historia de amor y de muerte (casi como ese título de aquella maravillosa película de Douglas Sirk…) y lo hace condenadamente bien.
Y si tenéis la paciencia de leer la segunda parte de esta reseña os daréis cuenta de que Walsh también sabía ser crítico y denunciar las atrocidades que provoca la guerra (no sólo entre los combatientes o los civiles sino también en las relaciones de poder entre los oficiales y sus subordinados – algo que Kubrick haría de forma prodigiosa en una de sus mejores películas, PATHS OF GLORY (1957, SENDEROS DE GLORIA) -) como se podrá ver en la estupenda THE NAKED AND THE DEAD basada (lógicamente) en la novela homónima del “enfant terrible” de las letras norteamericanas Norman Mailer.
Pero tendréis que esperar a la vuelta de mis merecidas (mini)vacaciones.
Feliz noche a tod@s y ojo con la carretera.
* Antes de irme a la cama no quería dejar pasar la ocasión de que Walsh tal vez sea uno de los pocos directores de la historia del cine que ha hecho, al menos, dos versiones de obras anteriores suyas. Si antes citaba el caso de OBJETIVO: BIRMANIA y TAMBORES DE GUERRA (ay, Almodóvar…) ahora quiero mencionar la igualmente soberbia dupla HIGH SIERRA (1941, EL ÚLTIMO REFUGIO) / COLORADO TERRITORY (1949, JUNTOS HASTA LA MUERTE).
Y la película, pese a su notabilísimo éxito económico, únicamente estuvo nominada a la mejor banda sonora (del gran Max Steiner, aunque aquí se luzca poco, la verdad sea dicha).
Ah, y se me olvidaba. Varios de los actores de esta película (Aldo Ray, Raymond Massey, William Campbell y L. Q. Jones) volverían a trabajar en la citada THE NAKED AND THE DEAD.
Ahora, sí.
Agur.
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:zzz
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Del listado de Alex Fletcher elijo, ya que sólo pueden ser 2, las siguientes:
Satiricon - Maravilla visual de Fellini, me da que según tus gustos te podría encantar.
La mujer del cuadro - Obra maestra absoluta del cine negro, imprescindible. Si te digo más te deshago la historia, hay que verla sin saber nada.
Yo creo que debe haber más series, pero no lo sé. A mí Death Note me encantó pero cuando muere cierto personaje el nivel desciende. Tienes aquí un hilo que creé hace casi dos años que te puede ayudar a descubrir títulos interesantes:Cita:
Iniciado por muchogris
https://www.mundodvd.com/esenciales-...ponesa-141063/
Pues bueno… ahora he de decir que estoy indignado al terminar el visionado de lo que considero la peor película que he visto en muchos años, algo a lo que han colocado nada menos que un 7,7 en filmaffinity. Me refiero a Celda 211, quizá el esperpento más sobrevalorado de nuestra cinematografía en décadas.
Se trata, sin la menor duda, de una comedia involuntaria a años luz de ser una buena película carcelaria, ¿cuál es un gran film de este tipo? Por ejemplo, la estupenda Fuga de Alcatraz, ¡que tiene menos nota en filmaffinity!! 7,6. Casi igual que este despropósito que parece rodado en un jardín de infancia con niños jugando a ser malotes. Todo ello con una fotografía que no me convence para nada, tiene un look amateurístico o de telefilm francamente inadecuado que le sienta horrible.
Como todos sabemos por la sinopsis, va de uno que se queda encerrado en una prisión y tiene que hacerse pasar por recluso para que no le crujan. Bueno, poco más hay; la película termina en cuanto un funcionario dice ¡qué tío más listo! ¡les está engañando! (en realidad acaba antes). A ver, vamos a ponernos en situación; o sea, este invididuo se percata y a los macarras que están ya de vuelta de todo y que son tan avispados como para fabricarse un arma con una tubería ¿logra metérsela doblada a todos? ¿a toda la prisión? ¿ni uno solo sospecha? ¡venga ya! Un tío que viene tan aseadito de casa, algo que se muestra en la escena con su mujer, ¡que debe oler hasta a colonia de Hugo Boss!! incluso le vacila al cabecilla (cabecilla rapadilla, vamos, estereotipado al máximo) de la macarrada que habita la prisión, Luis Tosar, y el pavo ni se da cuenta… ¡Me reí en los primeros minutos como con la mejor comedia! Para más INRI el recién llegado se convierte en mano derecha del pelado a los pocos minutos, sobre todo tras desnudarse para él :wtf. Es todo tal cúmulo de tonterías que cuesta creer que se financiara siquiera el proyecto.
Por si fuera poco, Luis Zahera tiene un personaje tan sobreactuado que parece que en lugar de interpretar a un personaje real esté también haciendo de preso porque parece que le haya dado por imitar al típico yonki que vende pañuelos en los semáforos o a los gorrillas que te dan la brasa mientras aparcas :cuniao. Resines está pasadísimo de rosca, con un papel que no le encaja en ningún momento, Marta Etura parece que siempre haga el mismo papel de melosa… etc, el único que da el pego de toda la función es Carlos Bardem, totalmente creíble como presidiario.
Todo es topicazo puro y por supuesto los diálogos tampoco se salvan… por ejemplo, el líder que no es capaz de hilar tres frases sin poner un mote, o soltar por esa boquita "huevos", "coj*nes", "j*der"… etc. Todo lo que esperas que pase, pasará y será incluso peor de lo que te imagines. De hecho hay otro ejemplo para mondarse y es ver cómo pillan de rehenes ¡a 3 de la ETA!! (la peli podría haberse llamado así, era más adecuado con el tono de la misma) cuando en las cárceles españolas son los put*s e intocables amos.
Además, el tufillo que emite la película de crítica social ¡en una cárcel española! es para tirarse al suelo y revolverse de risa. ¿En cuántos países del mundo disfrutan los reclusos de cena especial de Navidad y permisos penitenciarios aún habiendo sido asesinos (incluso de niños), violadores y otras "ilustres" profesiones? Todo ello saliendo del bolsillo de quienes a diario se dejan el pellejo currando por cuatro duros. ¿Qué es una cárcel dura e inhumana? sólo hay que verse Encarcelados, aquellos reportajes de Jalis de la Serna y Alejandra Andrade. Viendo eso, esto parece un episodio de los Teletubbies.
Cuando terminó la película recordé algo que hizo que hallara la explicación a lo que había visto, al principio de ella unas letras decían "Una producción de Telecinco".
Bueno, es cierto que nunca he visto anime con las características que tu mencionas. No sé si existen películas con un estilo parecido aunque tampoco me extrañaría. Ahora mismo estoy muy desconectado del tema en comparación de como lo estuve hace unos años, pero soy consciente de que la variedad de estilos y temáticas es considerable. Lo que si te puedo asegurar es que no todo el manga es esto:Cita:
Iniciado por muchogris
Te aseguro que sí. Ese anime/manga que describes a mí tampoco me gusta.Cita:
Desde mi perspectiva el anime siempre está centrado entorno a la acción y los superpoderes (?) No sé si es así o que no sé buscar pero yo me di por derrotado recientemente con One piece poco después de 900 capítulos. Hay películas y series japonesas sin los estereotipos de pelos a colores, femeninas ingenuas con curvas imposibles, o las clásicas expresiones de comic como puede ser la típica gota de sudor? ...
Deja que te recomiende una serie por pura intuición que creo que te podría gustar: "Monster" de Naoki Urusawa. Si algún día puedes, dale una oportunidad. O también, como película: "La Tumba de las Luciernagas". Creo que estas dos propuestas son fáciles de encontrar y se alejan bastante de la definición que has hecho sobre la animación japonesa.
Hay muchas películas que citas que no he visto, pero de las que he visto te recomendaría...Cita:
Iniciado por Alex Fletcher
"Ran". Una de las pocas películas que reúne prácticamente todo lo mejor del cine de Kurosawa. Desde mi punto de vista, una de las mejores fotografías de la historia del cine.
Con la segunda película dudo entre dos, "La mujer del cuadro" y "Testigo de cargo". Ambas son fantásticas por diferentes motivos y no sabría cual elegir, pero creo que en cualquier caso, elijas la que elijas (incluyendo otras que te han recomendado los compañeros) no te vas a arrepentir. Ya nos contarás.
Por cierto, a lo mejor algún día hago lo mismo y pongo un listado con muchas películas que tengo y aún no he visto para que me recomendéis. A ver cuáles son las que más coincidís.
Anotada Monster en mi primer filtro de la watchlist . Una cosa que hago tras ver un trailer/sinopsis la dejo reposar en una lista antes de pasarla a mi watchlist definitivo para motivarme leyendo opiniones. Alguien mas hace esto? :PCita:
Iniciado por DrxStrangelove
La tumba de las luciérnagas es devastadora e interesante, pero se contiene demasiado formalmente. Recuerdo verla y pensar que necesitaba mas altibajos, surrealismo y ansiedad... Su sabor a vainilla hacía predecible que eso no iba a ocurrir. No me acuerdo bien si había foreshadowing o si el final aparecía al principio, pero no había garra ni ritmo y ésta espiral dramática...Spoiler:
De Ghibli he visto muy pocas pero para mi la mas destacable es El viaje de Chihiro, y creo que es porque es inevitable compararla con Las aventuras de Alicia.
Satiricón de Fellini. Porque es cine "de falditas", pero no el típico cine "de falditas".Cita:
Iniciado por Alex Fletcher
La mujer del cuadro. Porque es Fritz Lang :digno.
Pero entonces, sabiendo que has visto "La Tumba de las Luciernagas", convendrás conmigo en que no todo el anime es como lo describes ¿no? Hiciste una descripción canónica de series del estilo de "One Piece" (de la que te metiste 900 capítulos entre pecho y espalda :descolocao), "Inuyasha" o " Evangelion", y "La Tumba..." no tiene nada que ver con esto dejando al margen ciertas tendencias en cuanto a estilo de dibujo, o "Perfect Blue", que creo que algún compañero la mencionaba hace poco por el hilo.Cita:
Iniciado por muchogris
"El viaje de Chihiro" es una gran película, aunque de Miyazaki prefiero "La Princesa Mononoke", considerándola una de las mejores peliculas de animación que he visto si no la mejor.
Por cierto, "El cuento de la princesa Kaguya" a lo mejor te resultaría interesante en cuanto a forma de animación, ya que se aleja un poco de la tendencia habitual y de lo que venimos estando acostumbrados.
Gracias por la recomendación. El cuento de la princesa Kaguya no tiene mala pinta, me podría interesar (por lo menos visualmente con esos trazos expresivos espero disfrutar de algo japonés menos normativo aunque pueda parecer infantil). Una cosa que detesto a rabiar son los cánones de que no parece existir termino medio entre la visceralidad, brutalidad y violencia con la inocencia e ingenuidad. La tumba de las luciérnagas es una clara excepción a todo lo que digo, pero no por ello la considero buena. De las películas y series de animación espero un buen uso de estilos visuales. Y en este caso es pura vainilla.
Bueno, respecto a lo de "El cuento de la princesa Kaguya", mi recomendación es precisamente por eso, porque en la forma es algo diferente de lo habitual y podría interesarte, pero como pelicula a mí me dejo un poco frío. No es que la considere mala, creo que está bien, pero la verdad es que me esperaba un poco más.Cita:
Iniciado por muchogris
Respecto a lo que dices de "La tumba de las luciernagas", es cierto que tiene un estilo y una animación clásica, pero claro, no es algo que a mí particularmenete me moleste. Tampoco necesito que una pelicula tenga que tener una forma rompedora o diferente para que me guste, supongo que depende de la propuesta y lo que me cuente, no se.
De las 50 le has recomendado justo las mismas 2 que yo. Creo que demuestra que son imprescindibles.Cita:
Iniciado por Jane Olsen
Sí, luego lo he visto. Creo que Mad Dog también mencionó la de Satiricón.Cita:
Iniciado por Mizoguchi
Creo que esta fue de esas películas españolas a las que dan carretadas de premios y ante las cuales la crítica se rinde. Sin ser tan negativa en mis juicios como tú, creo recordar que a mí tampoco me pareció gran cosa. Especialmente los personajes de los presos eran como de sketch cómico, de tan exagerados. Para buena película española de ambientación criminal -o de cine negro, o de lo que queráis- yo recomiendo La caja 507.Cita:
Iniciado por Mizoguchi
Así es, Telecinco ha producido la mayoría de esas. Lo cierto es que hay que reconocer a la cadena (me gusta el término porque a veces da ganas de tirar de ella para que se vaya lo que hay :cuniao) que tienen más habilidad que los chinos para vender. Eso también es un talento, vender un triciclo como si fuera una Harley Davidson no está al alcance de cualquiera.Cita:
Iniciado por Jane Olsen
Esa de La caja 507 quería verla pero tal y como he visto a Resines en la ya citada y que no me ha convencido gran cosa No habrá paz para los malvados (título ya de por sí a la americana) de momento me estoy resistiendo. Por ahora tendré que ver Tarde para la ira. En cualquier caso, no espero encontrarme nada superior a Que Dios nos perdone, El reino o La isla mínima y sí mucha imitación yanqui que queda como una auténtica paletada.
Pues Tarde para la ira es un películón como una casa de grande. Seguro que te gusta, porque tiene todos los ingredientes, esto es, buena trama, buenos personajes, interpretaciones, ritmo,etc...para que no te defraude. Me parece de lo mejor de los últimos tiempos.Cita:
Iniciado por Mizoguchi
Pienso que podría gustarte. Tiene mucho de cine negro injertado en España. Una desgracia aparentemente casual que luego se revela no tan casual. La corrupción de las élites políticas que alcanza a las grandes empresas y entidades financieras, que se tapan unos a otros por oscuros intereses, mientras gente inocente paga el pato. Y un hombre de a pie -Resines- frente a todo éso. Su personaje pasa de la resignación al estoicismo y luego a la frialdad. Y hasta aquí puedo leer.Cita:
Iniciado por Mizoguchi
Habiendome gustado Celda 211, creo que, sin discusión, ese año, los premios gordos debían haber recaído en El secreto de sus ojos, de Campanella. Pero en la Academia pecaron de chovinismo y tiraron para casa. El secreto de sus ojos es una magnífica película, muy superior a todas las demás nominadas ese añoCita:
Iniciado por Jane Olsen
Fíjate que a mí la cinta de Campanella tampoco me gustó demasiado. Los americanos hicieron un remake, con el que ni me voy a molestar.Cita:
Iniciado por tomaszapa
Hablando de imitación yanqui, esa fue la sensación que tuve al ver "la sombra de la ley", el cual no se puede decir que esté mal hecha y nada de eso, pero si que tengo una sensación de artificio y pre fabricado, y más que la Barcelona de los años 20 (sin conocer dicha época) me viene más a la cabeza un Chicago de los años 20. Más interesante encontré el film del mismo director, Dani de la Torre, "El desconocido", pero tiene un estilo mainstream yanqui.....bueno en ambas.Cita:
Iniciado por Mizoguchi
La sombra de la ley tiene muy buena factura técnica. De hecho, recibió tres Goya a la mejor fotografía, dirección artística y vestuario. Pero sí, parece que no tiene toda la profundidad que merecía.Cita:
Iniciado por Alex Fletcher
REVISANDO CLÁSICOS: EL BIOPIC
O
WILSON (1944) de Henry King.
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Estudio: Twentieth Century-Fox Film Corp.
Productor: Darryl F. Zanuck.
Guión: Lamar Trotti.
Dirección artística: Wiard Ihnen.
Fotografía: Leon Shamroy (en Technicolor).
Música: Alfred Newman.
Reparto: Alexander Knox (Woodrow Wilson), Charles Coburn (Profesor Henry Holmes), Geraldine Fitzgerald (Edith Wilson), Thomas Mitchell (Joseph Tumulty), Ruth Nelson (Ellen Wilson), Sir Cedric Hardwicke (Senador Henry Cabot Lodge), Vincent Price (William G. McAdoo), William Eythe (George Felton), Mary Anderson (Eleanor Wilson), Ruth Ford (Margaret Wilson), Sidney Blackmer (Josephus Daniels), Madeleine Forbes (Jessie Wilson).
Duración: 154 minutos.
Inicio de rodaje: 22 de noviembre de 1943.
Estreno: 1 de agosto de 1944.
Henry King (1886-1982) es, paradójicamente, uno de los más grandes realizadores norteamericanos del Hollywood clásico e igualmente uno de los menos conocidos y/o apreciados tanto por la crítica como por los que nos autodenominamos amantes del 7º Arte.
Un hombre de una dilatadísima filmografía, primero como actor, luego como actor/director y finalmente únicamente en esta última faceta.
King firmará de 1915 a 1962 116 películas (entre largometrajes y cortos) y desde 1930 hasta el final de su carrera (con una sola excepción) lo hará en exclusiva para la Fox Film Corp., luego Twentieth Century-Fox Film Corp.
Un director que contaba con la absoluta confianza de un productor de la categoría de Darryl F. Zanuck lo que le valió firmar muchas de las películas de más prestigio de la compañía. Prueba de ello es que King fue el principal responsable de los títulos en Technicolor que harían famosa a la Fox y que además suponían un más que notable incremento en el presupuesto de los proyectos (y no siempre eran más rentables que las películas en b/n).
Así King filmaría la primera película en Technicolor (tricromo) del estudio (RAMONA (1936, ídem)) y en adelante usaría el color de forma magistral en obras maestras como el western JESSE JAMES (1939, TIERRA DE AUDACES); la historia de piratas THE BLACK SWAN (1942, EL CISNE NEGRO) o I’D CLIMB THE HIGHEST MOUNTAIN (1951) y DAVID AND BATHSHEBA (1951), dos películas – ambas (incomprensiblemente) inéditas en salas comerciales en nuestro país - mal catalogadas como cine “religioso” que habría que reconsiderar sin más tardanza como las obras ejemplares (que no ejemplarizantes) que son.
Un director que trató todos los géneros (salvo el cine negro, claro que tendría que revisarme toda sus filmografía…) y en todos ellos (como Howard Hawks) tiene, al menos, una obra maestra.
La película que hoy comentaremos sucintamente (tranquilos, esta vez sí) se centra en la figura del 28º presidente de los EEUU, Woodrow Wilson (1856-1924) – encarnado magníficamente por Alexander Knox – cuando siendo rector de la Universidad de Princeton, Nueva Jersey, fue tentado por los demócratas para presentarse al cargo de gobernador del estado, cosa que consiguió (en 1912) y más tarde ser el candidato del partido en las elecciones presidenciales de ese mismo año, donde ganaría casi contra todo pronóstico.
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Y un Woodrow Wilson que se convertiría en uno de los grandes presidentes que ha tenido el país a lo largo de su historia (de 1913 a 1921) y además uno de los principales promotores de la Sociedad de Naciones (1919-1946) surgida a raíz de la derrota del Imperio Alemán en la Primera Guerra Mundial y que sería el germen de la futuras Naciones Unidas.
Y si ciertamente la película es deudora de su época (¿y cuál no lo es?) y su rodaje (1943-44) coincidió de pleno con los tramos finales (y más devastadores) de la Segunda Guerra Mundial y más de un cinéfilo despistado podría tacharla de mero cine de propaganda (y que también lo es y además del bueno) lo cierto es que WILSON pese a su inusitado metraje para la época (154 minutos) – que no obstante se pasan en un vuelo – es un espectáculo de primera magnitud donde confluyen en perfecta armonía los requerimientos del productor (después de todo estamos hablando de una película de más de 4.000.000 de dólares, una cifra ciertamente desorbitante en aquellos años) y los intereses creativos de su director, al que el magnífico guión de Lamar Trotti (Oscar incluido) le hace justicia.
Si en una película recientemente reseñada (BATTLE CRY (1955, MÁS ALLÁ DE LAS LÁGRIMAS) de Raoul Walsh – segunda entrega a la vuelta de mis (mini)vacaciones -) hablaba de que probablemente el formidable éxito que tuvo en las taquillas norteamericanas consistió en aunar en perfecta armonía la peripecia sentimental de los protagonistas con el entrenamiento y el combate final de los mismos en el frente del Pacífico, igualmente en esta, digámoslo ya excelente película, se hace imposible separar la vida privada de Woodrod (su devoción por su primera esposa y sus tres hijas) de su vida pública.
Y una película que yo tildaría de feminista aunque tal adjetivo no parezca el más apropiado para una película de los años ‘40.
Y sin embargo Woodrow, un hombre cultivado e inteligente (al que Trotti le proporciona unos hermosos parlamentos – el “chorreo” que le suelta al embajador alemán es antológico al respecto -) y que siempre parece dueño de la situación necesita del apoyo constante e incondicional de su esposa (tanto la primera como la segunda) a la que consulta todas sus decisiones y en la que confía absolutamente.
King (y Trotti) nos muestran los tejemanejes de la política (no parece que nada haya cambiado desde entonces) rodando de manera ejemplar las diferentes convenciones que parecen más espectáculos de variedades que lugares donde se habla de política (¿acaso estableciendo una similitud entre ambos?).
Un presidente reacio a que su país entre en guerra (la Primera) y a lo que sólo accede finalmente cuando no tiene más remedio (la citada escena arriba comentada es ciertamente modélica).
Un hombre que articula su vida a través de la relación con dos mujeres.
Su primera esposa, Ellen (una excelente Ruth Nelson), que es la viga maestra que soporta la soledad que supone el llegar a ser el máximo responsable de los destinos de un país.
La escena de su muerte (que el mismísimo John Ford hubiera firmado (y filmado) encantado) es de una enorme belleza.
Muerta su esposa (y en cierto sentido el mismo) sólo la aparición de otra mujer fuerte será capaz de volver a ilusionar a Wilson (la siempre elegante, bella y soberbia Geraldine Fitzgerald).
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Y un Wilson que morirá finalmente viendo como su proyecto de Sociedad de Naciones (aparentemente) fracase pero que logrará pasar a la historia como alguien que se mantuvo al margen de las peleas internas de los partidos (y de los intereses partidistas) y que siempre abogó por dejar a sus descendientes un mundo mejor al que el conoció.
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Un par de cositas más para acabar.
La película estuvo nominada a los Oscars en 10 apartados y ganó en 5 de ellos (incluido la bellísima fotografía de Leon Shamroy, el espectacular diseño de producción y – especialmente – el fantástico guión de Lamar Trotti).
Y no nos olvidemos de la excelente banda sonora de Alfred Newman (que además incluye numerosas tonadas populares).
Seguramente no estemos ante una de las grandes, grandes, películas de su autor pero ciertamente es una excelente película – inédita por estos lares – y que nos sirve para conocer la vida de este hombre de estado y profundo amante de su familia.
Feliz tarde a tod@s.
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:digno
Paradojas de la vida, pese a ser la segunda película más taquillera del año en USA en 1944, fue deficitaria dado los altísimos costes que acarreó Wilson, como bien dice Alcaudón.
De largo, la película más taquillera y que más beneficio consiguió fue Siguiendo mi camino, protagonizada por Bing Crosby, y que fue la gran triunfadora ese año en los Oscar (mejor película, director -Leo McCarey, actor - Bing Crosby, actor de reparto - Barry Fitzgerald y tres más, para un total de siete estatuillas doradas).
Bing Crosby, que era en aquel 1944 la estrella más importante en USA. Como cantante, cosechó hasta 6 números 1 en las listas de éxito norteamericanas ese año, pero además, como digo, fue el actor más rentable ese año, y como colofón, recibiendo ese Oscar.
Sin embargo, Wilson no se fue de vacío. Además de los premios de la Academia que cita Alcaudón, el canadiense Alexander Knox recibió el Globo de Oro al mejor actor principal.
La película de McCarey aunque me gusta (aunque no tanto como LAS CAMPANAS DE SANTA MARÍA) me parece inferior a todas las demás finalistas incluida la hoy comentada. Me refiero a:
- DESDE QUE TE FUISTE (Cromwell)
- LUZ QUE AGONIZA (Cukor)
- PERDICIÓN (Wilder)
Por no mencionar películas del calibre de:
- TILL WE MEET AGAIN (Borzage)
- ARSÉNICO POR COMPASIÓN (Capra)
- PASAJE PARA MARSELLA (Curtiz)
- POR EL VALLE DE LAS SOMBRAS (DeMille)
- TE VOLVERÉ A VER (Dieterle)
- TENER Y NO TENER (Hawks)
- NÁUFRAGOS (Hitchcock)
- EL MINISTERIO DEL MIEDO (Lang)
- LA MUJER DEL CUADRO (Lang)
- TREINTA SEGUNDOS SOBRE TOKIO (LeRoy)
- MEET ME IN ST. LOUIS (Minnelli)
- THE MIRACLE OF MORGAN'S CREEK (Sturges)
- HAIL THE CONQUERING HERO (Sturges)
- LAS MODELOS (Vidor (Charles))
- THE SEVENTH CROSS (Zinnemann)
que ni siquiera fueron nominadas.
:digno
Puede ser que haya más series que películas, pero, bueno, ahora mismo, solo con el catálogo de películas editadas por Selecta Visión, me saldrían de corrido unas 20, o sea que tu conocimiento no parece ser tan extenso como afirmas. Si nos vamos a lo inédito aquí, incluso se multiplicaría la cifra.Cita:
Iniciado por muchogris
O sea, que el anime no tiene un estilo visual definido, ¿no? También creo que los burros vuelan.Cita:
Iniciado por muchogris
Va a resultar que "Belladonna of sadness" es anime, me da la impresión. Comprueba antes de escribir, compañero.Cita:
Iniciado por muchogris
Estoy intentando ser todo lo sereno que puedo, pero me temo que 900 capítulos de "One piece" no le dan a uno la perspectiva definitiva sobre lo que el anime es o deja de ser. Yo en anime he visto historias costumbristas, comedias, misterio, terror, erotismo, historias detectivescas, melodramas, surrealismo, amor entre hombres, amor entre mujeres, adaptaciones literarias, relatos históricos, y cosas bastante inclasificables.Cita:
Iniciado por muchogris
Se te han olvidado los ojos grandes :cigarro Sí los hay, como también hay buenas películas de Hollywood sin los estereotipos de Hollywood, pero a los japoneses les gusta jugar mucho con los estereotipos porque la ética artística no tiene la obsesión por el individualismo y la originalidad a toda costa que parece tener por aquí. Un buen artesano es un buen aprendiz de un buen maestro que va a aportar sus propias variaciones, pero extremadamente sutiles, a los "tics" del maestro. Lo cual hace harto difícil que con actitudes en plan "si aparecen esos tópicos nunca me va a gustar nada" se pueda entrar alguna vez en el "secreto". Es un tipo de discusión que yo ya he tenido en este foro.Cita:
Iniciado por muchogris
Como fan a ultranza de todo lo que sea animación japonesa, espero no haber mostrado cabreo ni haber faltado al respeto, pero en los mensajes había una serie de generalizaciones que no me parecían exactas. Es como los que ven una película española que no les gusta y ya lo generalizan y lo multiplican por mil y no se molestan en ver qué más cosas se han hecho.
Ya digo. Yo creo que aquel era el año definitivo de Bing Crosby. Llevaba años triunfando como cantante, con muchos números 1, pero ese año además, consigue un papel amable en una película amable, en unos años demasiado amargos, por la Guerra. Tenía todos los números para actuar como bálsamo para el pueblo. De ahí los increíbles números en taquilla de la película y su repercusión en los premios ese año.
Pero el tiempo, como siempre, implacable como juez, nos dice efectivamente que por encima de esa estimable película, Siguiendo mi camino, había maravillas como Tener y no tener, Cita en San Louis, Arsénico por compasión, Luz que agoniza y la que creo mejor de todas: Perdición. Una OBRA MAESTRA, creo que adelantada a su tiempo.