El personaje encarnado por el gran, gran, Robert Mitchum, el auténtico Hombre del Saco con que nos asustan de pequeño, es uno de los villanos más imitados en la Historia del Cine.
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El personaje encarnado por el gran, gran, Robert Mitchum, el auténtico Hombre del Saco con que nos asustan de pequeño, es uno de los villanos más imitados en la Historia del Cine.
Cita:
Iniciado por Narmer
Nuestro Nacho Aguilar opina que era la mejor fotografía de todas las nominadas en su año:
(...)
son muy frecuentes las secuencias en las que la acción está captada mediante el empleo de grandes angulares, con tres, cuatro o cinco personajes en una misma toma y todos ellos cuidadosamente posicionados a lo largo del encuadre. Asimismo, ni el ni Lynch renuncian a una cámara más móvil y nerviosa cuando la acción lo requiere (como durante la famosa escena en la estación de tren), pero es sobre todo su soberbio dominio del blanco y negro y su capacidad para dotarlo de atmósfera lo que hace que el suyo sea un trabajo sobresaliente: casi siempre emplea una iluminación de alto contraste, muchas veces a traves de las ventanas de los decorados, pero también mediante el empleo de luces muy duras sobre los personajes que huyen de cualquier atisbo de naturalismo, logrando así imágenes con negros muy profundos y fuertes claroscuros en la imagen, por lo que son más misteriosas e inquietantes para el espectador (como por ejemplo, la primera visita de Treves al lugar en el que mantienen confinado a Merrick, con una atmósfera más propia del cine de terror, del que provenía Francis como realizador, que de época).
Así pues, Francis consigue un aspecto absolutamente envidiable, que produce una inmersión total en la trama y logra que el inmejorable trabajo de escenografía luzca en todo su esplendor. Todo ello lo obtiene, como únicamente cabía esperar, mediante el empleo de multitud de técnicas por aquél entonces ya anticuadas (las citadas luces duras, que se emplean incluso para simular la luz de las lámparas de gas, altos niveles y diafragmas en torno a T/5.6), luces puntuales sobre determinadas partes del decorado para dotarlos de profundidad o contraste e incluso, sorprendentemente, también emplea luz dura y sin difuminar como luz de relleno en interiores) pero que en un retrato de época como éste quedan como anillo al dedo. A diferencia de “Eraserhead”, rodada por David Lynch también en blanco y negro durante fines de semana a lo largo de varios años, aquí el aspecto es muchísimo más pulido y elaborado, como es lógico, pero Lynch y Francis consiguen mantener la atmósfera del debut del director e incluso elaborar varias secuencias de corte surrealista, como las que tienen que ver con la madre del protagonista, o incluso otras que, en montaje, están muy bien resueltas por Anne V. Coates (como aquélla en que John Merrick visita el teatro).
Se trata, por consiguiente, de un trabajo maravilloso; una vuelta triunfal de Francis a su antiguo oficio, en el que afortunadamente continuó trabajando y llegó a rodar dos películas más con Lynch (“Dune” y “The Straight Story”), una con Martin Scorsese (“Cape Fear”, 1991) e incluso obtuvo otro Óscar por la película de Edward Zwick “Glory” en 1989, inexplicablemente, tratándose de uno de los mejores trabajos de 1980, “The Elephant Man” quedó fuera del quinteto finalista al premio, lo cual a pesar de la enorme competencia aquél año, no deja de ser una infamia puesto que su trabajo superaba claramente a todos o casi todos los nominados. Por suerte, sí pudo alzarse con el premio de la British Society of Cinematographers y sí fue nominado al BAFTA a la mejor fotografía, compensando un poco una injusticia que aún a día de hoy continúa siendo difícil de explicar.
Las últimas pelis que he visto son:
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Caché de Haneke.
He visto Amour, las dos versiones de Funny games, y La cinta blanca, pero esta me parece la mejor del director. Es un thriller asfixiante y entiendo que por la forma en la que está resuelto no sea de gusto público. Hay que entender que es un imprescindible dentro del subgénero del cine invisible. Si Jacques Tati llenaba la pantalla de tantas cosas que te perdías otras, incentivando muchos visionados. En este film ocurre algo parecido. Pero esta cinta es mucho mas cruda y reflexiva.
La película trata de una pareja francesa a la que le envían cintas VHS de su casa siendo grabada desde el exterior. Pronto se verán exhaustos e intimidados por las cintas. Me gustaría compartir realmente de que va, pero creo que la podría estropear. Quedaros con esa premisa. Trata la ambigüedad en la realidad, y las mentiras de una forma opresiva. Visualmente no llama la atención, pero hay que fijarse en cosas que no aparecen donde deberían estar.
Quel vrai chef d'oeuvre!
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Un lugar en ninguna parte de Lumet.
Mira que se lució este director con los clásicos Doce hombres sin piedad, Tarde de perros y Network, pero es que esta está a la misma altura. Me ha maravillado.
La historia va de una familia que huye de la justicia porque los padres prendieron fuego a un laboratorio de armamento para intentar frenar la guerra de Vietnam. Llevan una vida muy extraña, ya que han cambiado de identidad múltiples veces. El hijo mayor interpretado es River Phoenix y parece que es el protagonista. Pero en realidad va sobre toda la familia. Pronto encuentran un nuevo sitio donde asentarse. El mayor se encontrará en el dilema de seguir a su familia eternamente o rehacer su vida. Aunque parezca una historia manida está tratada de una forma excepcional. Al final hay un cambio de perspectiva en el que todo cuadra, y te das cuenta que la película es mas profunda de lo que parece.
Los temas principales son la entrega, la abnegación, maduración y redención. Todo fenomenalmente envuelto en una historia de amor, la pasión por la música, y otro de de-sincronía familiar. Con personajes transparentes pero excesivamente bien escritos. Hay un par de clichés, pero se los perdono. Esta película me sacó las lágrimas, ya que es tremendamente sensible.
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El largo viernes santo de John Mackenzie.
No me gustan las películas que se centran de forma monotemática en el crimen. Pero ésta tiene algo cautivador. En algunos aspectos parece cine de autor. Como dato curioso cabe mencionar que hay una escena de unos 5 minutos de Bob Hoskins devastado mientras se ducha con una música muy muy pero que muy ochentera. Y aunque sea una película que esté centrada en un tiempo muy preciso, su música ademas de icónica me encanta!
Bob Hoskins es un mafioso que vuelve del extranjero a Londres. Una vez se afinca tiene como objetivo hacer negocios con la mafia estadounidense pero parece que ese mismo día todo son problemas. Ese largo viernes santo empiezan a explotar una serie de bombas, que le trastornaran hasta el punto de que no conoce las malandanzas de sus súbditos.
No leáis sinopsis por otros lados u os destrozará la película. El prota está espléndido, y la narrativa es su mejor plato. Se supone que es una película de culto, pero la trama y los diálogos están fenomenalmente elaborados.
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Immoral tales de Borowczyk.
A mi padre le gustan todas las de Boro, así que hoy me la he puesto para poder comentarla mas en adelante con él. Me ha parecido un trabajo tremendamente hedonista. Se supone que es chocante, y no digo que no. Puedo llegar a comprender que es necesario explorar todo tipo de géneros y temáticas. Pero mas allá de enseñar a mujeres completamente desnudas no hay narrativa alguna. Es softcore. No soy nada mojigato, pero no me ha gustado porque como película no me parece que se sostenga. Los primeros dos actos son un preámbulo muy light a lo que está por llegar en el capitulo de la bestia. Lo único que me ha gustado es la mancha del pepino aplastado en la cara de la alfombra como recurso visual. Ah, y como curiosidad sale la hija de Picasso.
Panique de Julien Duvivier.
Es simplemente perfecta! Es muy angustiosa, y muestra de una forma sincera como funcionan los rumores y las cazas de brujas. Da un miedo espantoso. No es de terror, pero como si lo fuera.
Es un thriller apasionante sobre un pueblecito amenazado tras el asesinato de una mujer. Todos sospechan de Michel Simon, pero él es el único que sabe quien la mató. Cerca del final hay un momento super icónico. Es una mezcla de Con la muerte en los talones, El gabinete del Dr. Caligari, M, el vampiro de Düsseldorf, y Solo ante el peligro. Es un retrato de la crueldad humana y de como funciona la justicia. Que películón!
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Buenas noches a todos.
Muy bien explicado el video de Lecciones de música, Brannagh. Tiene sentido lo que se habla. A veces, el cambio por algo rimbombante, el subrayado musical, empeora una escena.
perdón, me he equivocado de nombre
O una secuoya... :cuniaoCita:
Iniciado por tomaszapa
A mi "El hombre elefante" me impresionó mucho cuando la vi de joven en el cine, nunca se me olvidará, me aterró y me gustó a partes iguales, en su época fue muy comentada, debo revisarla, como tantas otras, lo malo es el tiempo que nunca llega para todo.
"La noche del cazador", pues como habéis apuntado es una obra muy personal, vista desde los ojos de dos chavales, también la vi hace la tira de años, me la apunto también para revisión... :cuniao lo que mas recuerdo es a un Robert Mitchum muy amenazante y malvado... :sudor
Entre el rey mago de antes y Robert Mitchum en La noche del cazador, voy a hacer un cocktail molotov que cualquiera duerme esta noche :sudor
http://1.bp.blogspot.com/_D1SuI1oaWC...1955+=+003.jpg
Revisada Shutter Island (Martin Scorsese, 2010), la cual no veía desde mi doble sesión en el cine en 2010. Repetí porque quería ver todos los detalles que se me escaparon la primera vez. Quien la haya visto ya sabe porque.
Mantengo las impresiones de entonces, me gusta, se me ha hecho muy entretenida y Scorsese, aunque no firma su mejor película, mantiene un ritmo acertado y sobre todo un equilibrio entre lo que es y lo que no es. Un poco como en The Sixth Sense, con el mismo problema de que, cuando sabes el asunto, debes poder volver atrás y cerciorarte de que el director no te ha engañado. Y en ambos casos no lo hace pese a que aquí, claro, debeSpoiler:
Me gusta esa atmósfera gris, húmeda, y por supuesto el trabajo de DiCaprio, Ruffalo (a Joss Whedon le gustó tanto que pensó en él para el nuevo Bruce Banner del MCU), Kingsley, Clarkson, Sydow...
Pero también a los que nos gusta (con exceso, si eso es posible) el de Missoula. :cortinaCita:
Iniciado por Alcaudón
Bien precisado: Joseph Merrick, es el nombre real, aunque en la película (y creo que en los montajes teatrales) se le llama John Merrick. ¿Alguien sabe por qué?Cita:
Iniciado por Branagh/Doyle
"Caché" es fantástica. Sin duda una de las mejores películas de Haneke aunque personalmente no sé si la consideraría la mejor. Este director me parece uno de los dramaturgos más virtuosos que han trabajado para cine por su manera de experimentar con la forma y la capacidad de volcar sus inquietudes con precisión. Si todavía no has visto "La pianista" y "El video de Benny" te las recomiendo.Cita:
Iniciado por muchogris
Lo que no acabo de entender son un par de cosas.
Una es que lo llamas "cine invisible" tratándolo como subgénero, y yo, a no ser que me equivoque o lo ignore, el "cine invisible" siempre lo he considerado cómo ese cine que, o tiene muy poca difusión en los medios y sobrevive en pequeñas plataformas especializadas pasando desapercibido para el gran público; o aquel cine cuyo tema principal habla sobre aspectos de la sociedad que normalmente quedan relegados a un tercer plano o que directamente son ignorados voluntaria o involuntariamente por la propia sociedad. Cine que habla de aquello de lo que nadie habla o quiere hablar. Y como personalmente, "Cache", no la vincularía a ninguna de estas dos definiciones, no sé exactamente a lo que te quieres referir. ¿Quizás a que la película habla de sentimientos escondidos, "invisibles" a primera vista pero que realmente están ahí? No sé...
La otra cosa no es que no la entienda, sino que cómo tu afirmación es algo vaga no acabo de concluir cual es tu valoración general de la película: "Trata la ambigüedad en la realidad, y las mentiras de una forma opresiva". Si tienes un rato y ganas de desarrollarlo un poco más, sería interesante esa perspectiva sobre la ambigüedad.
Y que ya había utilizado con otros efectos Chaplin en El circo. :cortinaCita:
Iniciado por Alcaudón
Por cierto, hay un interesante libro (bueno, seguro que hay más de uno) que disecciona la realización de Ciudadano Kane: "Cómo se hizo Ciudadano Kane", de Robert L.Carringer.
¿El capítulo de la bestia? Pero ese "capítulo" acabó siendo otro film titulado precisamente La bestia, al cual pertenece esa imagen que has adjuntado. Los episodios de los Cuentos Inmorales eran cuatro en la versión que se estrenó aquí en su día: el de la marea; el de la masturbación con hortalizas; la recreación de los asesinatos cometidos por la condesa Bathory; y las incentuosas relaciones de los Borgia. ¿O acaso se ha editado en DVD/BD una versión con los cinco episodios, incluido el de la bestia, quizá en una versión más corta que la que se convirtió en largometraje? Aquí las comenté hace un tiempo.Cita:
Iniciado por muchogris
Parece el demonio de Tasmania :sudor...Cita:
Iniciado por muchogris
https://i.ebayimg.com/images/g/m0AAA...~IY/s-l300.jpg
Antes de ver Caché vi un video muy interesante:Cita:
Iniciado por DrxStrangelove
https://vimeo.com/302106011
Básicamente se dice como pocos autores juegan con narrativas visuales subversivas a los canones de Hollywood. Y es en estos casos es el espectador el que decide donde mirar. De forma resumida se habla de la imposibilidad de ver varias cosas a la vez, los revisionados necesarios del trabajo de Jacques Tati (que incluso hacia muchas versiones de sus películas para incentivar verlas otra vez). O como Michael Haneke usa la misma técnica para literalmente esconder una pieza clave de la trama en Caché.
SPOILERS DE CACHÉ:
No está editada físicamente todo como una misma película pero yo la he visto así. Nos intentan llamar ortodoxos e inadaptados, pero somos muchos mas de los que se pueden imaginar...Cita:
¿El capítulo de la bestia? Pero ese "capítulo" acabó siendo otro film titulado precisamente La bestia, al cual pertenece esa imagen que has adjuntado. Los episodios de los Cuentos Inmorales eran cuatro en la versión que se estrenó aquí en su día: el de la marea; el de la masturbación con hortalizas; la recreación de los asesinatos cometidos por la condesa Bathory; y las incentuosas relaciones de los Borgia. ¿O acaso se ha editado en DVD/BD una versión con los cinco episodios, incluido el de la bestia, quizá en una versión más corta que la que se convirtió en largometraje? Aquí las comenté hace un tiempo.
http://rarefilm.net/wp-content/uploa...ski-1986-2.jpg
Dos primeros visionados de films que son los largometrajes de debut de sus directores:
Atolladero (1995), del barcelonés Óscar Aibar. Aibar tiene una filmografía breve (solo cinco largos hasta la fecha en casi 25 años), pero original, bastante interesante (Platillos voladores, El gran Vázquez, peculiar biopic del gran historietista, o El bosc, adaptación de un relato de Albert Sánchez Piñol, son películas estimables; La máquina de bailar, por contra, no me gustó). Atolladero es la adaptación a la pantalla grande de una historieta creada por él mismo y publicada en su día en la revista Makoki, con dibujos de Miguel Ángel Martín (no sé si Alcaudón ha frecuentado este tipo de cómics).
La película es un peculiar híbrido entre el western y el cine de ciencia ficción distópica, un poco a lo Mad Max. Rodada en Las Bardenas, representando el desértico paisaje del Middle West norteamericano, nos narra las peripecias de un conjunto de estrafalarios personajes en un futuro desolado. Un cacique (el juez Wedley, Xevi Collellmir, con un aspecto digno del abuelo de La matanza de Texas) domina la región con la ayuda de un asesino a sueldo, Madden (sorprendente aparición de Iggy Pop, que además canta el tema de la película). Los policías son meros títeres, en especial el de mayor rango, el corrupto Nick (Joaquín Hinojosa), mientras que su colega, Lenny (Pere Ponce), que quiere ser honesto, está decidido a dejar la zona e irse a California. Violencia, enfrentamientos a muerte, con cierto aire de espagueti western, son algunos de los ingredientes del film, con detalles de ciencia ficción a base de esforzados efectos especiales, pobretones pero dignos (por ejemplo, una especie de pequeños dinosaurios mecánicos lanzados en persecución de Lenny). Un nutrido grupo de secundarios dan color a la película: Félix Rotaeta (que murió durante el rodaje, y a quien Aibar dedica el film), Pep Molina, Carlos Lucas, Benito Pocino, Oriol Tramvia, etc. Curiosa.
https://2.bp.blogspot.com/-72TYzWqfs...Iggy%2BPop.jpg
Lady Macbeth, de William Oldroyd. Adaptación de la novela de Nikolai Leskov “Lady Macbeth de Mtsensk” (que Shostakovich convirtió en ópera). Katherine (espléndida Florence Pugh) es la Lady Macbeth del título, una mujer casada, se sobreentiende que a la fuerza, con el hijo de un dictatorial terrateniente inglés. El marido pasa de ella completamente, por lo cual Katherine, condenada a una especie de permanente reclusión en la hacienda del suegro, a las primeras de cambio se lía con uno de los trabajadores de la finca, Sebastian (Cosmo Jarvis). Ese amor prohibido, adúltero, la llevará al asesinato, para así poderlo mantener a toda costa, en enfrentamiento directo con el suegro y el esposo. Por lo que recuerdo de la novela, que leí hace muchos años, la película solo adapta una parte del texto, cambiando además la situación en la que queda la asesina (que, por cierto, no se trastorna en absoluto, como sí le pasaba al personaje de la tragedia de Shakespeare). Oldroyd filma con contención y elegancia, mimando la composición de los planos, los encuadres con puertas, ventanas y muebles, y la iluminación (de clara influencia pictórica), con un cuidado trabajo de dirección artística, y sabiendo sacar partido a un buen reparto de actores.
http://culturalcala.es/wp-content/up...-Macbeth-1.jpg
https://www.insomniacine.cl/wp-conte.../macbeth-1.jpg
He visto la parte del video que enlazas donde se habla de "Caché", que por cierto, justo antes me he fijado que hablan de Wong Kar Wai, otro director que me encanta, así que en cuanto pueda veré el video entero. De todas formas, esto de "Cine invisible" es una definición que utiliza el autor del video para referirse a una forma de hacer cine específica cuyo termino acuña él mismo. No es una categoría de cine establecida y común como creía que era por la forma en que te referías a ella antes.Cita:
Iniciado por muchogris
En el spolier:
No creo que Cine invisible como tal esté acuñado. Como todo, requiere que mas personas acepten el termino... Yo he buscado por internet y no me he topado con nada al respecto. Pero las películas mencionadas en ese video ensayo de alguna forma comparten esa idea básica que consiste en usar elementos ocultos como utilidad narrativa. No sé, no voy a defender al que ha hecho el video porque no soy ningún erudito. Pero me interesa mucho descubrir películas afines.
Ya conozco El jefe de todo esto, me gustó mucho como mezcla momentos tensión y de vergüenza ajena de forma equilibrada. Lars von Trier es un maestro en ese aspecto: el de maltratar y humillar a sus personajes. Un momento que me gusta mucho es en Nymphomaniac cuando aparece Uma Thurman. O el final devastador de Idioterne. O la serie The office, tanto la inglesa como la americana. Luego está Parks and recreation que es la copia barata. Otra peli con estos elementos y bastante popular es Toni Erdmann. Es difícil buscar películas similares porque se ha puesto de moda decir que algo malo es cringe-worthy, y se han apropiado de un término que no tiene porque estar mal resuelto o mal logrado.
Ok, por la forma en que lo expresabas al principio creía que sí y que me estaba perdiendo algo :DCita:
Iniciado por muchogris
A mí también me interesa este tipo de cine, lo que pasa es que lo que convierte a Haneke en único es que él rompe deliberadamente con la forma sin ningún tipo de prejuicio y queriendo hacer partícipe al espectador. Donde otros no se atreven a romper las barreras de la ficción, él decide hacer de ello su mayor virtud.
A mí también me gusta Lars von Trier y "El jefe de todo esto", mi comentario iba referido por la experimentación que hizo con la fotografía cuyo encuadre lo escogía un programa informático obedeciendo al sinsentido.Cita:
Ya conozco El jefe de todo esto, me gustó mucho como mezcla momentos tensión y de vergüenza ajena de forma equilibrada. Lars von Trier es un maestro en ese aspecto: el de maltratar y humillar a sus personajes. Un momento que me gusta mucho es en Nymphomaniac cuando aparece Uma Thurman. O el final devastador de Idioterne. O la serie The office, tanto la inglesa como la americana. Luego está Parks and recreation que es la copia barata. Otra peli con estos elementos y bastante popular es Toni Erdmann. Es difícil buscar películas similares porque se ha puesto de moda decir que algo malo es cringe-worthy, y se han apropiado de un término que no tiene porque estar mal resuelto o mal logrado.
Respecto a los recursos utilizados en "The office" o cuando los actores se dirigen a la cámara, no creo que tenga mucho que ver con el recurso utilizado por Haneke en "Caché" o "Funny Games". Personajes dirigiéndose a cámara hay muchos en la historia del cine incluso de antes que "Haneke", el propio Bergman sin ir más lejos, pero lo interesante y realmente meritorio es cómo lo convierte en el elemento más importante de la película. En "Caché" no solo somos testigos, somos cómplices, a diferencia de "The Office", "Dogville" o "Manderlay" por mencionar algunas del propio Trier.
Ya, he desviado el tema completamente hacia películas similares a El jefe de todo esto. Las que menciono se parecen en cuanto a temática, pero no tienen nada que ver con esto del cine invisible.
https://cloud10.todocoleccion.online...7/25440335.jpg
Bells Llamada mortal: Cinta canadiense de principios de los 80, con Richard Chamberlain como mayor reclamo, y un curioso punto de partida: un misterioso asesino que ejecuta sus crímenes por medio de teléfonos que, de alguna manera, descargan un potente pelotazo eléctrico sobre las víctimas.
El protagonista, un profesor y activista de la ecología, va a dar unas conferencias y aprovecha para recoger los efectos personales de la hija fallecida de un amigo suyo. De paso, intenta aclarar su muerte, ya que aparentemente murió de infarto pese a tener solo 19 años. El protagonista se encontrará con una constante resistencia a cualquier investigación por su parte mientras el asesino mata impunemente a todo aquel que le ofende o le molesta, como una recepcionista borde o una rubia que se ríe de él. Todos los acontecimientos parecen comenzar en una empresa de telefonía líder con un potente departamento de I+D...
Interesante punto de partida, si, pero desarrollo bastante típico y agarrotado, a ratos llega a aburrir por su previsibilidad. Chamberlain salva la papeleta más o menos, apoyado por el espléndido John Houseman y por el típico personaje ochentero, policía deslenguado y cínico que resulta ser un antiguo anti sistema, y que por supuesto, acabará implicándose en el meollo aunque al principio parece que todo le importa tres pepinos.
Se ve (y se olvida) con facilidad. Ideal para aquellos que busquen nuevas formas de quitarse de en medio a los pesaditos de Vodafone y similares compañías :P
Ok! :)Cita:
Iniciado por muchogris
A ver si esta noche puedo ver ese vídeo que parece muy interesante.
Los dientes del diablo (The Savage Innocents) (1960), de Nicholas Ray.
The Savage Innocents (no acabo de entender de dónde sale el título español, también utilizado en otras lenguas, que me parece un tanto tontorrón: ¿a qué dientes del diablo se refiere?) es un film de lo más peculiar. Coproducción franco-italo-británica narra una historia de esquimales, rodada en Canadá y Groenlandia (y en los estudios Pinewood de Londres). La película parte de un guion firmado por Nicholas Ray que adapta la novela “Top of the World”, escrita en Estados Unidos en inglés por el novelista suizo Hans Ruesch, el cual confesaba que no había tenido en su vida ningún contacto con los esquimales, y que partía de... ¡una película de W.S. van Dyke, Eskimo, a su vez basada en unos libros de un autor danés! Para hacer más extraña todavía la mezcla, Inuk, el esquimal protagonista, está interpretado por un mexicano, Anthony Quinn (que tiene de esquimal lo mismo que yo de hotentote), y habla exclusivamente un inglés macarrónico a pesar de no haber tenido nunca contacto con el “hombre blanco”. Pero es que además su esposa, Asiak, es la actriz franco-nipona Yâko Tani, y el resto de supuestos esquimales un ramillete de actores de origen o de aspecto más o menos asiático, como su rival, Kiddok, Anthony Chinn (tiene guasa que el rival de Anthony Quinn sea Anthony Chinn... ni hecho exprofeso), de origen chino-brasileño, hablando todos ellos por supuesto el mismo inglés macarrónico que Inuk, algunos de ellos doblados.
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Pero aún hay más: uno de los policías que perseguirá a Inuk, acusado de la muerte, accidental, de un sacerdote cristiano, es Peter O’Toole, doblado para la ocasión, lo cual llevó al actor a negarse a aparecer en los títulos de crédito.
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A eso hay que añadir la mezcla no siempre bien resulta de imágenes de estudio con unos fabulosos paisajes naturales (solo por ellos vale la pena ver la película): firma la fotografía Aldo Tonti y también según imdb y otras fuentes Peter Hennessy (quizá uno rodó en estudio y en otro en exteriores, lo ignoro).
Lo más curioso es que a pesar de todo ese poti-poti, que decimos en catalán, de ese conjunto de incongruencias, algunas francamente ridículas, como el apartado lingüístico, o de esa insistencia en presentar a los esquimales riéndose de forma un tanto infantil, la película siempre ha conseguido atraparme, fascinarme incluso, aunque reconozco que esta vez, quizá influido por la edición no anamórfica del DVD de Sueva, que convierte el fantástico formato (el film está rodado en Super Technirama 70: dejo la aclaración técnica a Alcaudón) original en un sello en la pantalla, me ha gustado menos que otras veces, o me ha parecido encontrarle más puntos débiles.
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El film empieza mal para estómagos sensibles: un oso polar es arponeado y empieza a sangrar tiñendo las aguas de rojo (¿imagen de archivo; trucaje? Quiero pensar que no es una imagen real para la película...). A partir de ese momento, como si de un relato de Jack London se tratara, vamos a ver como una pequeña comunidad de esquimales se enfrenta con las duras condiciones de vida del Ártico: la caza, las relaciones familiares, la lucha por la supervivencia, etc. No sé hasta que punto lo que se muestra es fiel a la realidad de esas comunidades (me permito dudarlo), pero para ver una película documental sobre el tema ya tenemos Nanook of the North, de Robert J. Flaherty. Aquí estamos más en el terreno del cine de aventuras, bien intencionado, con un ligerísimo acento ecologista: la civilización “blanca”, con su comercio, su religión intolerante, sus jukebox, su alcohol, su comida enlatada, sus armas, sus aviones y sus reglas, “más fuertes que los que las hicieron” (como dirá al final el policía interpretado por O’Toole) parecen el origen de todos los males de esos “salvajes inocentes” del título.
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Así, comprenderá el policía que lo mejor para Inuk, Asiak y su hijo pequeño, es que se alejen para siempre de la civilización occidental y vivan los peligros de las tierras heladas, en comunión con la naturaleza. El mensaje parece una reedición del de Muerte en los pantanos, en que veíamos cómo Murdock (Plummer) y Cottonmouth (Burl Ives) acababan comprendiéndose uno al otro y compartiendo su rechazo a las convenciones burguesas de la sociedad “civilizada”. ¿Nos está expresando Ray cuál es su posición ante la sociedad, es un mensaje sociopolítico, ideológico, en forma de film de aventuras? Quizá sí. En todo caso, me sigue pareciendo un magnífico film de aventuras, de los que desgraciadamente ya no se suelen hacer hoy en día.
Y cuando Alcaudón disponga, nos tocará revisar una película “divina”: Rey de reyes (que creo no haber visto desde mi más tierna infancia, durante esas inacabables y siniestras Semanas Santas).
Si bien es cierto que el nombre de Peter O'Toole no aparece en los títulos de crédito iniciales sí lo hace en los finales. Lo que es incomprensible es que le doblaran (con la excelente dicción que tenía este actor - y si no ahí tenemos la inmarcesible LAWRENCE DE ARABIA donde volverían a coincidir (con los papeles cambiados) él y Quinn - ).
La película se rodó en 35mm Technirama pero se exhibió en 70mm Super Technirama 70. O sea, se pasó de un AR de 2.35:1 a otro de 2.21:1.
Aquí (lógicamente) no le fue posible aplicar a Ray ese cromatismo tan característico de él, especialmente el color rojo que es uno de sus signos de identidad y se limitó (es un decir) al blanco de los hielos, al azul de los cielos y a las vestimentas parduscas de los esquimales.
El que Ray la considerara su película favorita (¡por encima de JOHNNY GUITAR o REBELDE SIN CAUSA!) fue probablemente debido primero a la elaboración en solitario del libreto (algo inédito hasta la fecha en la obra del director) y segundo por la libertad que tuvo durante el rodaje en exteriores naturales (salvo las consabidas transparencias - ahí, nadie le gana a Sir Alfred - ) y su buena relación con los productores.
Un bonito canto a la conservación de la Naturaleza y las costumbres de las culturas aborígenas de Norteamérica.
En cuanto a REY DE REYES yo la tengo por una obra interesante, con algunas escenas magníficas, como la del sermón de la montaña. Y aunque Jeffrey Hunter (el inolvidable co-protagonista de CENTAUROS DEL DESIERTO) es un peculiar Jesús de profundos ojos azules, su trabajo es francamente correcto.
Eso sí, el metraje...
:digno
Pero por alguna razón, el cine siente preferencia por los Jesuses de ojos azules...Cita:
Iniciado por Alcaudón
https://filasiete.com/wp-content/upl...amasgrande.jpg
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Aunque en realidad lo que viene a continuación no corresponde a esta sección no quiero dejar la ocasión para recomendar con el mayor entusiasmo la inminente (12 de marzo) edición en BD de una de las joyas de la filmografía del gran Max Ophüls, MADAME DE... (1953) de la mano, cómo no, de A Contracorriente. Aunque en 2009 la añorada Versus sacó una excelente edición en DVD trufada de extras (as usual) ahora tenemos la oportunidad de ver esta joya en HD. Toda una gozada para los amantes del mejor cine.
Incluye los siguientes extras:
- Max Ophüls, el pintor del amor fatal (63 min) - Completo y extenso documental dirigido en 2013 por Dominique Maillet sobre la figura del mítico realizador Max Ophüls. Incluye entrevistas, entre otros, con su asistente Ulli Pickardt, el ayudante de dirección Alain Jessua, el historiador cinematográfico Aldo Tassone, el director de producción Jean Pieuchot, el director y productor Dominique Delouche y el compositor Manuel De Sica, hijo de uno de los protagonistas de “Madame de…”.
- Presentación de Paul Thomas Anderson (14 min) - El ocho veces nominado al Oscar® director y guionista de títulos como “El hilo invisible” y “Magnolia” presenta la película de Max Ophüls, uno de sus cineastas más admirados. Analizando algunas de las secuencias más destacadas de “Madame de…”, Anderson desvela de qué manera el estilo del maestro alemán ha influenciado su cine y sentencia: “Nunca he visto nada igual antes de sus películas que se compare o que se acerque.” Contenido extra producido por The Criterion Colletion.
- Madame de… restaurada (5 min) - Audrey Birrien, responsable de patrimonio de los laboratorios Eclair, explica el meticuloso proceso de restauración del clásico de Max Ophüls a partir del negativo original.
- Tráiler.
Al César lo que es del César.
:agradable