Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Me apunto esa Pretty Things que tiene buena pinta y además Gretel y Hansel si me convenció (más que nada por Beverly). Aunque la fotografía es una puta mierda. Tolerancia cero con las escenas oscuras.

He visto El culto de Chucky y me lo he pasado en grande sin esperar nada.

Chucky Dios en esta entrega, la escena de la esquizofrénica y el "no sé si cargarmelo o tomar apuntes" me ha arrancado varias carcajadas.

Que putada que la serie no esté disponible en las plataformas que uso que el final me dejó con ganas de continuar la historia.

Por cierto, que cojones le pasa a Netflix que tanto en ésta como en la anterior no incluyen las escenas post-créditos. Si no fuera por YouTube...

Iniciado por DIEZ MIL

Me apunto esa Pretty Things que tiene buena pinta y además Gretel y Hansel si me convenció (más que nada por Beverly).


que tanto en ésta como en la anterior no incluyen las escenas post-créditos. Si no fuera por YouTube...

A ver qué te parece si es que la ves entera

Qué vergüenza ajena da NETFLIX.

Iniciado por DIEZ MIL

Me apunto esa Pretty Things que tiene buena pinta y además Gretel y Hansel si me convenció (más que nada por Beverly). Aunque la fotografía es una puta mierda. Tolerancia cero con las escenas oscuras.

Por cierto, que cojones le pasa a Netflix que tanto en ésta como en la anterior no incluyen las escenas post-créditos. Si no fuera por YouTube...

No acabo de entender a cuento de qué viene semejante exabrupto teniendo en cuenta que, precisamente, la fotografía es una de sus mejores bazas.

https://film-grab.com/2020/12/18/gretel-hansel/

Y, por favor, a ver si cuidamos un poco el lenguaje que estamos en un foro de cine y no en el Congreso de los Diputados.

https://www.imdb.com/title/tt23554012/

Emma (M Zaitegi) quiere aprender a comunicarse con el espíritu de una niña que lleva siglos atrapada en una ermita,para seguir unida a su madre enferma cuando muera.
Peli que reúne a la directora C Pereda y a la actriz B Rueda en un drama con pinceladas de fantastico en un ambiente rural.
A su joven prota,lo mejor de la peli, le ayuda una descreída medium que mantenía una relación conflictiva con su madre.

La directora pretende sumergirnos en una cinta que va de la aventura infantil con reminiscencias ochenteras
al cine de fantasmas y drama social.
El conjunto es flojo,no aburre por eso.. y a otra cosa.

5.7/10

Vista Soy la bonita criatura que vive en esta casa y totalmente fallida. Quizás es que, al contrario que Gretel y Hansel de la que no esperaba nada y acabé convencido, con esta tenía ciertas expectativas que no se han visto cumplidas.

Carente de ritmo, muy plumbea y esperaba algo estilo gótico y victoriano pero muy aséptico todo. Me he quedado con la sensación de que no me han contado absolutamente nada.

¿Y cuando y como coño se supone que

Spoiler:

muere la protagonista?

Melocuenten porque yo no me he enterao

El Fugitivo 1993 (The Fugitive)

Cinta protagonizada por Harrison Ford en compañía con Tommy Lee Jones, siendo ambos (sobre todo el primero) quienes capitalizan toda la atención, siendo el resto del reparto, meros figurantes. A diferencia de otras películas, en esta los secundarios carecen de relevancia e incidencia alguna en la trama (lo cuál también perjudica al guión, al carecer de más recursos narrativos y posible sorpresas), lo que implica que al recaer todo el peso sólo en dos actores, deben hacerlo muy bien para soportar el metraje... Y no es el caso.

Partimos de una premisa sencilla, pero bien ejecutada: la esposa del doctor Richard Kimble (Harrison Ford) es asesinada y todos los indicios, pistas y móvil apuntan hacia él. A pesar de su insistencia sobre la existencia de un atacante manco, su declaración carece de fiabilidad y parece fruto de una burda mentira para ocultar su crimen. De modo efectivo y rápido, se presenta un contexto creíble en el cuál Richard Kimble es sujeto de ser acusado (a diferencia de otras películas, donde no hay presente pistas ni indicios algunos que justifiquen la culpabilidad del acusado) y acaba siendo condenado en un lapso de 12 minutos de metraje. Hasta ahí, bien.

Al problema deriva a partir de entonces, con casi dos horas de metraje que implican un ritmo cinematográfico totalmente deficiente. La trama no da para dicha extensión y el guión no está bien ejecutado, hasta el punto de que no existe vestigio alguno de quién puede ser el verdadero asesino y sobre todo, sus motivaciones, durante media película. ¿Cómo se soluciona esto? Pues introduciendo un escueto y breve flashback a mitad de metraje consistente en unos segundos, donde el bueno de Richard Kimble en medio de una operación, menciona de pasada (como quien no quiere la cosa) un posible móvil. Ese detalle, ejemplifica a la perfección la torpeza del guión al no ser capaz de construir un relato donde progresivamente como espectadores, vayamos averiguando lo que sucede, sino que durante media cinta no existe pista alguna y de repente, te lo desvelan de golpe. Muy bien trabajada la intriga, sí señor...

Ejemplo de ello es:

Spoiler:

Cuando intentan (fallidamente) hacerte creer en algunos momentos que Richard está a punto de ser descubierto, como la redada donde se hospeda momentáneamente... Que se ve a la legua que no van a ir a por él, sino a por otra persona. Son escenas y momentos muy torpemente ejecutados.

Tampoco ayudan una serie de sucesos y acontecimientos carentes de explicación fruto de agujeros de guión, como:

Spoiler:

1) Después de tirarse de la presa (y sobrevivir milagrosamente, lo cuál de por sí, ya supone un acto de suspensión de incredulidad mayúsculo), se vé como Richard Kimble llega a una gasolinera y se tiñe el pelo de oscuro. ¿De donde sacó el tinte, cuando lo consiguió? Porque carecía del mismo en su huida previa con la ambulancia...

El color del tinte, le desaparece de una toma a otra. Y no, no es broma, en el tramo final de la película, se vé que tiene el cabello oscuro y cuando va a recoger las muestras de hígado, de repente, por arte de magia, vuelve a ser de color castaño. ¿Acaso se lo ha vuelto a teñir? No, no esperéis explicación alguna...

Cuando suplanta la identidad del conserje en el hospital, ¿cómo evita que coincidan ambos en el mismo turno? No esperéis tampoco explicaciones al respecto...

Que el mejor amigo de Kimble es el villano... Es previsible no, lo siguiente.

Es sumamente grotesco que suceda esto cuando la cinta dispone de una extensión de más de dos horas. ¿Acaso tanto costaba introducir las escenas necesarias para evitar estos vacíos argumentales?

Por otro lado, los efectos contrastan entre los bien realizados (como el choque y descarrilamiento del tren), con otros sumamente cutres (se nota a la legua que cuando cae el autobús con los pasajeros en su interior chocándose con las paredes o se tira Kimble por un precipicio, son muñecos...). Las coreografías de peleas son nefastas y la actuación de Harrison Ford y Tommy Lee Jones no son suficientes para sostener la atención y el ritmo de la cinta. Es más, Harrison Ford por momentos, actúa en modo piloto automático.

La verdad es que me sorprende lo bien valorada que está ésta película, cuando no destaca en ningún aspecto. La trama de por sí no es novedosa y está mal ejecutada, sobre todo teniendo en cuenta la duración del metraje (las comparaciones son odiosas, pero en ese sentido, Enemigo Público le da un buen repaso), el ritmo es deficiente, el guión muestra improvisación y precipitación, además de varios agujeros e inconsistencias, los efectos rallan a veces lo cutre y el carisma de Harrison Ford es insuficiente parta sostener la producción. Incomprensible a mi juicio que fuera nominada a los Oscar y goce de un notable en páginas como Filmaffinitfy.

Nota: 3,5.

Pandorum

Película de ciencia ficción que aunque su ambientación se basa claramente en Horizonte Final (normal por otro lado, estando de por medio Paul W. Anderson como productor de esta cinta), consigue crear una trama interesante, intrigante e intensa. En un género donde no abundan tanto las películas oscuras, tenebrosas e inquietantes en lo respectivo y relativo a la atmósfera, se agradecen este tipo de propuestas.

El guión consigue crear una trama que capta la atención del espectador de inmediato, con una introducción directa (sentando así la premisa argumental de supervivencia), seguida de mucho caos, misterios e incógnitas, que animan a proseguir con interés y entusiasmo la visualización. Aunque hay algunos elementos previsibles como:

Spoiler:

Que la tierra ha desaparecido (nada más comenzar la película, se oye un mensaje que apunta claramente a ello, sin falta de esperar a que dicho dato se confirme a mitad del metraje) y que los monstruos sean el resultado de una mutación humana (evidente desde que se aprecia que tienen forma humanoide, no tratándose así de alienígenas).

Hay otros momentos que pueden sorprender con un acertado y curioso giro de guión, como:

Spoiler:

Que el personaje de Dennis Quaid, tenga un desdoblamiento de personalidad que le haga ver a su yo joven del pasado, revelándose posteriormente que en realidad, no es el Teniente Payton, sino el cabo Gallo y que él fue el culpable de "crear" a los humanos mutados que posteriormente infectaron la nave, fruto de la locura padecida por el efecto Pandorum. Por eso es tan interesante como se refleja esa lucha interior entre su yo joven (el cuál conserva algo de raciocinio) y su yo adulto, combatiendo por ver que se impone, si la razón, o la locura.

Por otro lado, también es una sorpresa descubrir que la nave, lleva en realidad sumergida siglos en el océano de Tanis y no vagando por el espacio.

A pesar de las similitudes con Horizonte Final, sobre todo en lo pertinente a la ambientación, la cinta apuesta por otro tono que la diferencia y le otorga un valor e identidad propia (como se ejemplifica al desligarse del concepto demoníaco que tenía aquella película dirigida por Paul W. Anderson, apostando por otro planteamiento).

Los escenarios y decorados, obviamente por la temática de la cinta, son claramente metálicos, ya que casi toda la trama se desarrolla en una nave. Aún así, están bien realizados, transmitiendo una sensación de opresión, misterio y estrechez, siendo difícil avanzar y progresar, lo que sumado a una tendencia a la oscuridad (justificada por el guión), acrecienta la tensión del ambiente, siendo como en Horizonte Final, una "prisión" de metal en la que cuesta orientarse y donde no sabes lo que te encontrarás.

Los efectos especiales no son punteros, pero cumplen bien con su cometido, transmitiendo la sensación de enormidad y vacío. Los maquillajes son excelentes, transmitiendo las criaturas presentes en la nave repugnancia y pavor. La acción, a diferencia de lo que opinan otros espectadores que han visualizado la cinta, me parece bien rodada. Es verdad que a veces se intercalan planos rápidos para transmitir un mayor dinamismo, frenetismo y caos a la escena, pero no es cierto que no ser aprecien bien los combates que acontecen ni lo que sucede. También es cierto que he visualizado la película en mi hogar y no en una sala de cine, donde por lo que he leído, la cinta fue transmitida en un tono mucho más oscuro que el que goza en su versión en alta definición, lo cuál puede haber influido a la hora de emitir esos juicios en el pasado.

Ciertamente la película no es perfecta y goza de algunas escenas que pueden ser cuestionables:

Spoiler:

1) Como suele suceder habitualmente cuando hay presentes criaturas o seres con mayor fuerza y resistencia que la humana, la misma es aleatoria en función a las necesidades del guión. Hay ocasiones donde un monstruo es capaz de destripar a un humano en unos segundos y otras, donde el humano en cuestión puede entablar un combate cuerpo a cuerpo con la bestia.

2) El personaje de Nadia (interpretado por Antje Traue) se revela como una bióloga, sin embargo, es capaz de hacer unos movimientos y acrobacias cercanas al parkour, que no están justificadas argumentalmente. Queda presuponer que es una persona muy atlética y hacer una suspensión de credulidad.

Aún con sus defectos, dentro del género de ciencia ficción destaca como una película diferente y atrevida, que al igual que Horizonte Final, no obtuvo la recaudación que merecía, porque su temática y tono es demasiado tenebroso, oscuro, complejo y extraño como para agradar al conjunto de los espectadores. A juicio de un servidor, consigue captar la atención del espectador, generar intriga y mantenerla durante todo el metraje, siendo su visualización muy entretenida y no decayendo en ningún momento. Finalmente una duración ajustada, ayuda a mantener el ritmo cinematográfico.

Si buscas algo diferente, esta es una cinta sumamente recomendable, que aunque dispone de una ambientación y planteamientos que no son 100% novedosos, su ejecución es adecuada, con enfoques interesantes como:

Spoiler:

1) La degradación de la moral, ética y el espíritu humano ante el caos, cayendo ante sus instintos más primarios e irracionales, ejemplificado por un Dennis Quaid que ante la carencia de una organización social que estipule una serie de normas o leyes, opta por jugar a ser Dios y decidir el destino de sus congéneres, al no existir ningún tipo de límite. Y cómo ante esa degradación, aún quedan seres dotados del suficiente raciocinio para combatirla y enfrentarla, siendo una dualidad muy interesante.

2) Cómo fruto de un contexto específico (ausencia de fuentes de alimentación, miedo, terror, caos, etc), el ser humano se adaptaría al nuevo entorno y evolucionaría en base a las necesidades imperantes. Eso se ve reflejado en los monstruos, los cuáles disponen de una pigmentación totalmente blanquecina al carecer durante siglos de fuente lumínica alguna, ojos oscuros adaptados a la oscuridad y una tendencia al canibalismo fruto de una supervivencia extrema donde lo único que importa, es alimentarse, comportándose como auténticos depredadores. Y afortunadamente, conscientes de que el proceso evolutivo no sería tan raudo, se esmeran desde el guión en explicar que una serie de encimas y productos químicos aceleraron esos cambios, justificando así dicho proceso evolutivo.

Sorpresa sumamente agradable para un servidor. Película de notable alto cuanto menos, un 8. Ojalá hubiera más películas de este estilo.

Pared con pared (2024)..................... 7.5








Simpática y a la par que curiosa cinta romántica




Mi comentario:


Remake español de la comedia romántica francesa "Tras la pared" ("Un peu, beaucoup, aveuglément", 2015) protagonizado por la cantante y actriz Aitana junto a Fernando Guallar, Natalia Rodríguez, Adam Jezierski, entre otros. No conozco la película original francesa, pero la que ahora nos ocupa, dirigida por Patricia Font, además de ser otro hermoso vehículo de lucimiento para el talento de Aitana, me ha parecido un buen film romántico y es agradable de digerir. La pareja protagonista se me antoja bastante simpática, aunque algún personaje, como el encarnado por Miguel Ángel Muñoz, es bastante abofeteable, insoportable, y para no dirigirle la palabra. Eso sí, me ha gustado volver a ver a Paco Tous como secundario, nunca defrauda. Mi nota final es de 7.5/10.

Historias de miedo para contar en la oscuridad (Scary Stories to Tell in the Dark).

Donde más destaca sin duda alguna, es en su estética y ambientación, la cuál nos traslada muy acertadamente a finales de los años 60, con Nixon alcanzando el poder y la guerra de Vietnam como telón de fondo, reflejando unos Estados Unidos convulsos. A ello hay que sumarle una acertada dirección que enfatiza esa estética gracias a unos acertados planos que potencian la misma. Pero ahí acaban los elogios.

La cinta no consigue generar ni miedo, ni tensión, ni intriga, ni terror, se queda en zona de nadie. Intenta hacer una mezcolanza de todo (mezclando lo paranormal, con lo fantástico y lo violento) pero fracasa en el proceso. Y entiendo que cada vez es más difícil lograr sorprender e inquietar en el género de terror, pero como entrega del género, ni siquiera es violenta, por tanto queda en una zona gris donde transmite tibieza en su ejecución.

Si a ello le sumamos los tópicos del género repetidos hasta la saciedad (personajes que se niegan a creer lo que sucede, personajes que se separan a pesar de ser más seguro permanecer juntos, decisiones estúpidas por doquier, etc), nos queda una cinta de terror con todos los vicios del género y casi ninguna bondad, más allá de las expuestas en el primer párrafo. También existen algún que otro agujero de guión, como:

Spoiler:

¿Porque nadie se cuestiona como murió el sheriff? La última vez que sus compañeros le vieron con vida, se había quedado en comisaria con Stella y Ramón encerrados. ¿Acaso no hay una investigación al respecto? Y respecto a la hermana de uno de los protagonistas, estaba encerrada en un psiquiátrico y al final del metraje, se ve acompañando a Stella y su padre. ¿Cómo salió del psiquiátrico? ¿Acaso sus padres dejan que se marche de buenas a primeras con Stella y su padre?

Cómo no, tampoco podrían faltar las conveniencias argumentales, como:

Spoiler:

Que Ramón sea capaz de esquivar y huir durante tanto tiempo del monstruo que le asola, mientras los demás, no gozaron de escapatoria alguna.

Además, aunque no puedo asegurarlo al 100% (porque no tengo ganas de revisar el metraje), creo que existen algunos fallos de rácord en cuanto a la vestimenta de una toma a otra.

Las actuaciones son correctas y los efectos especiales... Dejan bastante que desear. El tercer y cuarto monstruo son HORRIPILANTES, con un CGI muy malo que canta por soleares. Y la película costó 25 millones, para dos personajes que iban a crear en CGI, podrían haberse esmerado más...

En resumen: cinta del género que pasa sin pena ni gloria, que sólo destaca por su estética y que a lo sumo, puede suponer un entretenimiento ligero y pasajero.

Nota: 5.

https://www.imdb.com/title/tt23137390/
Con reminiscencias entre otros al giallo y extremismo francés,

dirigida por M Mohan y protagonizada por S Sweeney.. tenemos pasillos chungos,la consabida iluminacion de velas,catacumbas, visiones y ráfagas de sangre en su desenlace.


Comienza con un flashback que recuerda a la icónica SUSPIRIA de Argento.
Cuando nuestra heroína termina inexplicablemente embarazada, a pesar del hecho de que no ha tenido relaciones, la congregacion decide que es inmaculada pasando de ser una humilde sierva a futura madre de un nuevo salvador.
El entramado es claro desde el inicio consiguiendo que el espectador se involucre sin esperar tampoco gran cosa. Se agradecen sus 89 minutos y la entrega de la prota más que acertada.

La mirada de Sweeney pasa de la dulzura a la colera hacia un clímax en el que aplaudo que no lo veamos todo, aunque la sangre salpique a tutiplén.
6/10

¿DESMONTANDO TÓPICOS?: “NUNCA SEGUNDAS PARTES FUERON BUENAS” (“Segunda parte del ingenioso cavallero Don Quixote de la Mancha”, Madrid, 1615)…

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TODO LO QUE SIEMPRE QUISO SABER SOBRE TED POST (1918-2013) Y NUNCA SE ATREVIÓ A PREGUNTAR…

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BENEATH THE PLANET OF THE APES (1970, REGRESO AL PLANETA DE LOS SIMIOS)



Estrenada en los EUA el 26 de mayo de 1970 y en España el 6 de septiembre de 1971.

Copyright 1969 by APJAC Productions, Inc. and Twentieth Century-Fox Film Corporation.

APJAC Productions, Inc. / Twentieth Century-Fox Film Corp.

Producida por Arthur P. Jacobs.

Dirigida por Ted Post.

Escrita por Paul Dehn, a partir de una historia de Paul Dehn y Mort Abrahams.

Fotografiada por Milton Krasner, en Color by De Luxe y Panavision.

Musicalizada por Leonard Rosenman.

Protagonizada por James Franciscus, Kim Hunter (Zira), Maurice Evans (Dr. Zaius), Linda Harrison (Nova) y Charlton Heston (Taylor).



…

Coordenadas espacio / temporales:

La Tierra / 3955 (¿?)

…

El programa doble que presento hoy no pretende ser, ni mucho menos, un reconocimiento a la figura del casi centenario director neoyorquino Ted Post (1918-2013) como al simple hecho de que fuese él el elegido a la hora de continuar dos de las producciones de finales de los 60 / principios de los 70 más exitosas y que hoy todavía se consideran con toda justicia obras capitales de la Historia del Cine norteamericano de la segunda mitad del siglo XX en sus respectivos géneros.

Y es que Ted Post fue básicamente un director televisivo puesto que sus incursiones en la gran pantalla se pueden contar casi con los dedos de una mano.

Curiosamente, sus primeras películas fueron westerns, primero THE PEACEMAKER (1956) y luego THE LEGEND OF TOM DOOLEY (1959), rodados ambos en blanco y negro cuando ya el uso del color era generalizado.

Eso sí, intervino en buena parte de las series más famosas de la época, incluyendo cuatro episodios para la mítica...



... de Rod Serling… del que pronto volveremos a oír hablar…

Pese a ese bagaje casi exclusivamente televisivo (o quizás tal vez por ello) Post fue contratado primero por el (prematuramente fallecido) productor independiente Arthur P. Jacobs (1922-1973) y la Twentieth Century-Fox de Richard D. Zanuck (1934-2012) y después por Clint Eastwood (1930) y la Warner Bros. para intentar capitalizar el formidable éxito económico (y de crítica, todo sea dicho) de, respectivamente,...



... EL PLANETA DE LOS SIMIOS y de...



... HARRY EL SUCIO.

Conviene recordar que lo que hoy se ha convertido en el pan nuestro de cada día en aquellos años era algo bastante inusual.

Por lo que se refiere a EL PLANETA DE LOS SIMIOS – luego hablaré de HARRY EL SUCIO – el problema de elaborar una secuela era especialmente complejo puesto que…

… Charlton Heston no quería intervenir en ella…



… era casi imposible idear un final más sorprendente (y perturbador) que el original…



… el presupuesto iba a ser la mitad del de la primera entrega...

Entonces, ¿cómo se obró el milagro?

Pues…

… Zanuck convenció a Heston de que su personaje solo saldría al inicio y al final de la película y que además moriría…



… gracias al ingenioso (aunque no lo parezca) guion elaborado por el (también prematuramente fallecido) Paul Dehn (1912-1976) – y que ya había ganado en 1952 un Oscar junto a (ojo al dato) James Bernard (1925-2001) [sí, el compositor estrella de la Hammer ] por ULTIMÁTUM (1950), de los hermanos Boulting – y el productor adjunto Mort Abrahams (1916-2009) y que se vio – paradójicamente – beneficiado por el doloroso despido que sufrió el mencionado Zanuck a manos de su propio padre, Darryl F. Zanuck (1902-1979), debido a los calamitosos resultados en taquilla de varias de sus últimas producciones (muy especialmente el musical LA ESTRELLA (1968), de Robert Wise y con la igualmente oscarizada Julie Andrews de protagonista) el cual devino en un final si no tan sorprendente como el de la cinta original sí ciertamente mucho más nihilista…



… apretándose al máximo el cinturón aunque ello llevase aparejado por un lado la pobreza de los sets de rodaje y por otro el que la excelente labor del maquillador John Chambers (1922-2001) quedase circunscrita básicamente a los personajes principales de la historia y apenas esbozando unas burdas máscaras para el resto del elenco y que cantan por soleares en la pantalla...



REGRESO AL PLANETA DE LOS SIMIOS – y que debería haber sido estrenada en nuestro país como BAJO EL PLANETA DE LOS SIMIOS si no fuese por la incansable labor de zapa del distribuidor nacional de turno... – contó además con todos los miembros del reparto original salvo Roddy McDowall que en la cinta original encarnaba al chimpancé Cornelius y aquí su puesto lo ocupa David Watson.



Igualmente fue acertada la elección del también televisivo (y prematuramente fallecido…) James Franciscus (1934-1991) que aquí encarna a Brent, el héroe de la función y cuya figura no queda ensombrecida frente a la del gran (en todos los sentidos) Charlton Heston...



Como antes indicaba, aunque el inicio de la película nos haga augurar lo peor dada la notable similitud con el de la cinta original pronto tomará nuevos derroteros y será precisamente entonces cuando la propuesta alcance su propia personalidad gracias a ese mundo subterráneo (de ahí lo de BAJO…) habitado por un grupo de humanos que sobrevivieron a la Tercera (y definitiva - ¿os suena de algo? - ) Guerra Mundial pero convertidos en grotescos mutantes dotados de poderes psíquicos y fervientes adoradores de una bomba de cobalto…



… un escenario muy típico no solo del escritor Philip K. Dick (1928-1982) sino también de varios de los episodios de la mencionada serie de(l prematuramente desaparecido...) Rod Serling (1924-1975), el guionista original de la primera entrega…



… ya os dije que su nombre saldría a colación más adelante…

Brent morirá de una forma que recuerda poderosamente la iconografía judeocristiana de los mártires...



Heston no solo consiguió que su personaje – Taylor – muriese al final de la función sino que además fuese el desencadenante del lanzamiento de la bomba del Día del Juicio Final que acabará de un plumazo con todo vestigio de vida en el planeta. O sea, fin de la Historia (con Mayúsculas)…



¿O tal vez no?

Eso sí, parece que ni los productores ni los guionistas volvieron a ver la película original antes del rodaje de la secuela porque en esta nos encontramos en el año 3955 mientras que aquella acontecía en 3978. A las pruebas me remito...





Tampoco nadie pareció percatarse de que cuando Taylor desaparece en la Zona Prohibida únicamente lleva su taparrabos habitual...



... mientras que cuando finalmente Brent y él se encuentran en la prisión de los mutantes lleva el uniforme con el que llegó originalmente al (supuesto) planeta de los simios…



Y, por supuesto, no creo que nadie en su sano juicio piense que los EUA (o cualquier otra superpotencia internacional) se iba a gastar un pastizal en una misión cuyo único fin es rescatar a unos astronautas que vaya usted a saber a dónde han ido a parar…



De cualquier forma, una secuela francamente estimulante y con un final que en estos momentos de imparable crisis no parece para nada descabellado.

Y donde incluso la hermosa Nova dirá la última (y única) palabra de su breve existencia...



…

Serie original:

- Viaje al futuro (1972 > 3979):

1. PLANET OF THE APES (1968, EL PLANETA DE LOS SIMIOS), de Franklin J. Schaffner

2. BENEATH THE PLANET OF THE APES (1970, REGRESO AL PLANETA DE LOS SIMIOS), de Ted Post

- Regreso al pasado (3979 > 2670):

3. ESCAPE FROM THE PLANET OF THE APES (1971, HUIDA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS), de Don Taylor

4. CONQUEST OF THE PLANET OF THE APES (1972, LA REBELIÓN DE LOS SIMIOS), de J. Lee Thompson

5. BATTLE FOR THE PLANET OF THE APES (1973, LA CONQUISTA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS), de J. Lee Thompson

y

MAGNUM FORCE (1973, HARRY EL FUERTE)



Estrenada en los EUA el 25 de diciembre de 1973 y en España el 29 de julio de 1974.

Copyright 1973 by Warner Bros., Inc.

The Malpaso Company, Inc. / Warner Bros., Inc.

Producida por Robert Daley.

Dirigida por Ted Post.

Escrita por John Milius y Michael Cimino, a partir de una adaptación de Harry Julian Fink y R. M. Fink de una historia de John Milius.

Fotografiada por Frank Stanley, en Technicolor y Panavision.

Musicalizada por Lalo Schifrin.

Protagonizada por Clint Eastwood (Harry Callahan), Hal Holbrook (Teniente Briggs), Mitchell Ryan (McCoy) y David Soul (Davis).



…

Coordenadas espacio / temporales:

San Francisco, California / época actual (del momento del rodaje...)

…

Al contrario que la anteriormente comentada HARRY EL FUERTE me ha parecido una secuela notablemente deslucida si la comparamos con la original y eso a pesar de la opinión del propio Clint Eastwood (1930), protagonista de todas ellas, que al parecer la consideraba como su favorita (¡!).

Todavía más incomprensible es el hecho de que el guion viniese firmado por dos pesos pesados como Michael Cimino (1939-2016) y John Milius (1944), antes de iniciar ambos su carrera como directores, el primero con UN BOTÍN DE 500.000 DÓLARES (1974) - también con Eastwood al frente del reparto - y el segundo (oficialmente) con DILLINGER (1973), dos excelentes muestras de cine negro.

En mi modesta opinión el intento de humanizar al personaje naufraga por los cuatro costados.



La fuerza de la primera entrega se basaba precisamente en el talento de su director, Don Siegel (1912-1991), al conseguir hacernos empatizar con un psicópata/sociópata (que se cree a la vez juez, jurado y verdugo, además de ser un misógino y un racista y otras lindezas por el estilo) como es el inspector Harry Callahan al enfrentarle con alguien todavía peor que él.

Un personaje al que no le importa la Ley si no SU ley.

Y que además carece de amistades y/o relaciones sentimentales puesto que para él toda su vida gira en torno a su trabajo esté o no de servicio.

Y si allí tenía un ayudante latino por el que no sentía especial aprecio, aquí lo tiene afroamericano y su relación es mucho más estrecha y afectiva.



Intuyo un choque de trenes entre el actor (y productor de facto) y los guionistas dado el carácter habitualmente violento de sus propuestas cinematográficas, especialmente en el caso de Milius.

Al hacer de Callahan un personaje más empático (incluso simpático y hasta familiar… aunque carezca de una propia…) se desvirtúa por completo la esencia del mismo.

Demasiadas manos en el guion (el matrimonio Fink y los citados Cimino y Milius) para lo que cuenta la película, eso sí, permutando la corrupción externa (Scorpio) por la interna (el teniente Briggs y su grupo de jóvenes cadetes que parecen retomar la idea original de la venganza personal como único medio para combatir el crimen organizado).



Eso sí, curioso ver al recientemente fallecido David Soul (1943-2024), futuro coprotagonista de la mítica serie “Starsky y Hutch” (1975-1979), como líder de dicha banda de policías moteros.



Ni siquiera la banda sonora compuesta por el bonaerense Lalo Schifrin (1932) puede compararse ni de lejos con la de la primera entrega.

Y la puesta en escena de Post es mucho menos lustrosa que la de la cinta anterior donde al menos contaba con un sólido guion en el que apoyarse.

Una película que se me ha hecho larga como largo es el cañón del revolver Smith & Wesson Modelo 29 que empuña el personaje en todas las películas de la serie y que casi ha conseguido fagocitar al mismo.



El mejor antídoto contra esta entrega sería un clásico del género como es EL DEMONIO DE LAS ARMAS (1950), de Joseph H. Lewis.



No creo que ninguna película explique mejor la adoración (muy similar a la que sienten los mutantes que antes he descrito) que el ciudadano norteamericano medio siente por la adquisición, posesión y uso de armas las cuales deberían usarse en todo caso única y exclusivamente para la defensa y nunca para el ataque.

No es de extrañar que Taylor hiciese volar en mil pedazos el erial en que hemos convertido los humanos el edénico planeta Tierra.



En fin.



Buenas tardes y, buena suerte.



…

Serie original (al menos por el momento…):

1. DIRTY HARRY (1971, HARRY EL SUCIO), de Don Siegel

2. MAGNUM FORCE (1973, HARRY EL FUERTE), de Ted Post

3. THE ENFORCER (1976, HARRY EL EJECUTOR), de James Fargo

4. SUDDEN IMPACT (1983, IMPACTO SÚBITO), de Clint Eastwood

5. THE DEAD POOL (1988, LA LISTA NEGRA), de Buddy van Horn

P. D. Como podéis apreciar las capturas de pantalla - salvo las que había hecho antes - aparecen recortadas en los extremos, un fallo de la red social donde cuelgo las mismas para así poder luego incluirlas en el comentario. Un problema que no sé a qué es debido y que vengo sufriendo en los últimos tiempos con películas rodadas en formatos muy anchos. Peajes que tiene que pagar uno por elaborar un producto 100 x 100 artesanal...

Rebel Moon (Parte dos): La guerrera que deja marcas (2024)................................... 9












Rebel Moon: La rebelde guerrera contraataca







Mi comentario:

Tenía entendido que este gran proyecto dirigido por el infravalorado Zack Snyder constaba solamente de dos partes, pero, y una vez he terminado de ver la parte dos de Rebel Moon, subtitulada "La guerrera que deja marcas", me rondaba una pregunta en mi cabeza, ¿existiría la posibilidad de que haya en un futuro una parte tres? Es que, sin meter ninguna clase de spoiler, el film se prestaría a ella y es que te deja con ganas de mucho más, de saber más del futuro de los personajes. La verdad es que esta "Rebel Moon (Parte dos): La guerrera que deja marcas" me ha gustado mucho más que la anterior, una vez te has familiarizado con los personajes, te sientes más dentro de la historia. Una parte dos más épica, emocionante, impactante, brutal, sobretodo en su tramo final. Ya me veis pegado en el sillón de casa y atento a la pantalla durante sus más de dos horas de metraje, pero es que la trama es sencillamente entretenida y no te deja ni un segundo para descansar. Acción, drama, suspense, y algunos toques de humor tampoco hacen ningún daño. En lo que se refiere al apartado visual, los efectos visuales, se mantiene al mismo nivel que la anterior, pero uno termina más impactado con la que ahora nos ocupa y la aplaude más. Quién disfrutara de la Parte Uno, no digo más, debería ponerse con la Dos de inmediato, la va a disfrutar mucho. Os lo puedo asegurar. Mi nota final es de 9/10.

Iniciado por Alcaudón

Al contrario que la anteriormente comentada HARRY EL FUERTE me ha parecido una secuela notablemente deslucida si la comparamos con la original y eso a pesar de la opinión del propio Clint Eastwood (1930), protagonista de todas ellas, que al parecer la consideraba como su favorita (¡!).

Aunque estoy de acuerdo que palidece al lado del film de Siegel, y que en su conjunto no pasa de discreta, de Magnum Force siempre me ha resultado atractivo ese retrato de un grupo de policias netamente fascistas en una época en que a Callahan (no Callagan ) se le tildaba de tal con asiduidad.



Talmente parecen una sección motorizada de las SS. Claro que estando por ahí John Milius todo es posible.

Respecto a las secuelas de Planet of the Apes, confieso no haber visto ninguna de ellas, a pesar de que la película de Schaffner fue una de las que más me impactaron en mi infancia. Eso sí, vi en su día bastantes episodios de la serie de televisión (aunque en blanco y negro, claro está).



En cuanto a Ted Post, solo he visto esa secuela de Harry y un film bélico, ambientado en la guerra de Vietnam, La patrulla (Go Tell the Spartans), del que tengo un recuerdo muy borroso (la vi en 1979 en el cine).

Locas por el cambio (2020)............................ 7



Un pequeño cambio para mejorar








Mi comentario:

No es que sea una historia muy original, qué digamos, porque no es la primera vez que se presenta, ya sea en el cine o en la televisión, pero sí que me ha parecido interesante de visionar. Una especie de Ponte en Mi lugar o Un Pequeño Cambio a la mejicana, aunque no sea el mismo argumento, yo la colocaría en el mismo universo. Dos chicas guapas llamadas Paula y Paulina que no pueden ser más distintas la una de la otra. Paula es rica, vive llena de lujos y está a poco tiempo de casarse. Paulina todo lo contrario, no es pobre del todo, pero no vive la vida que soñaba de pequea. Un buen día, las dos reciben una sorpresa que les llegará a cambiar sus vidas para siempre. Cada una se despierta en el cuerpo de la otra, lo que para una será una pasada, para la otra será una pesadilla de la que querrá despertar lo más rápido posible. Me ha parecido una comedia hecha en México simpática e interesante, y las dos actrices protagonistas Sofía Sisniega y Mariel Molino se ve que están en su salsa. Disfrutable, el film se sigue bien (poco más de hora y media de metraje), pero hay momentos en que me perdía bastante con algunos vocablos, algunas palabras mejicanas. Mi nota final, aunque pueda parecer baja para mis valores, es de 7/10.

He visto Oxígeno en Netflix sin esperar gran cosa y he quedado muy satisfecho. Las revelaciones me han sorprendido y cuando terminó la película me agradó ver que el responsable es Alexandre Aja, un tío que hasta ahora nunca me ha fallado.

Y que bien me lo paso con Tyler Rake. Peliculones de acción. Chris ha nacido para interpretar al personaje.

Harry el Fuerte es la mejor de las secuelas y me gusta más que la original.

Y La lista negra es placer culpable.

Amityville: El despertar (Amityville: The Awakening).

La historia de Amityville ha sido llevada en incontables ocasiones a la gran pantalla (más de las que un servidor tenía constancia, sinceramente) y esta nueva entrega prometía establecer un reinicio que trasladara la acción al presente (entiéndase como presente el momento en que fue rodada, allá por 2012), actualizando y revitalizando la famosa historia, con otro enfoque y perspectiva.

El inicio de la cinta es correcto y va directo al grano: relata rápidamente los sucesos reales acaecidos en 1974 (aunque adornados bajo el manto de la maldición, justificando así la temática exhibida posteriormente a lo largo del metraje) y a continuación, se ve a los protagonistas ocupando la misma vivienda 40 años después.

Por momentos, parece que la película ofrecerá un planteamiento diferente al habitual en el género y no por el tema de las maldiciones o posesiones (algo recurrente en el mismo), sino por su enfoque. Durante el primer tercio de la cinta, se afirma que Ronald De Feo a parte de oír voces que le incitaban a matar a su familia, también padeció visiones que le hacían confundir la realidad con la ficción. Esa revelación dejaba la puerta abierta a un guión que intentara jugar con la percepción del espectador, que tratara de confundirle mezclando sucesos reales con imaginarios, para que así el desarrollo de la trama no fuera previsible y su conclusión lograra sorprender, de tal modo que no se tuviera claro si los hechos que experimentaba Bella (interpretada por Bella Thorne) eran reales, o producto de sus fantasías, manteniendo en vilo al espectador ante la duda de si realmente existía una maldición, o todo se trataba de una autosugestión de la chica fruto de una mente atormentada, debido al horrendo accidente que implicó que su hermano quedara en coma.

Desgraciadamente, a medida que transcurren los minutos, se descubre que esta revelación que podría haber dado juego a un guión más complejo, sólo resulta ser una excusa para poder introducir escenas muy concretas a modo de sobre salto, las típicas escenas que te hace "creer" que ha sucedido algo, cuando en realidad se trata de un sueño y se repiten en varias ocasiones, hasta que acaba aconteciendo la tragedia de verdad. La película acaba cayendo en el convencionalismo y decepcionando en parte al recurrir al mismo esquema de siempre y no atreverse, a pesar de haber expuesto un recurso para tal fin, a un planteamiento distinto, más atrevido, valiente e innovador, como hizo en su momento Oculus (la cuál recomiendo encarecidamente si te agrada la idea que expuse en el anterior párrafo). Aún así, hay algún ligero atisbo de tratar de hacer algo ligeramente distinto, como:

Spoiler:

Que por una vez, la o el protagonista no se niegue durante la mayor parte del tiempo a asumir y asimilar lo que está sucediendo y combatirlo, que es algo típico en el género. Por otro lado, que la protagonista no sea condenada por lo sucedido es una ligera variación en los esquemas del género, donde lo habitual es que ante la falta de testigos y pruebas, se determine que el o la protagonista fue el o la asesina y se le condene. En este caso salen a colación las pruebas científicas, como la presencia de las huellas dactilares del hermano de Bella en la escopeta o la carencia de pólvora en las manos de Bella.

Aunque también se desaprovechan otros recursos presentados en la cinta. A parte del mencionado anteriormente, cabe destacar también:

Spoiler:

La superflua presencia y relevancia de los dos adolescentes con los que entabla relación Bella. Es sumamente descarado que su única función es hacer que Bella acelere su proceso de dudas, incertidumbres y reticencias, para que se conviertan rápidamente en certezas, creyendo así en la existencia de una maldición y buscando activamente su foco y como combatirlo. Aparecen literalmente en tres escenas y justo cuando Bella cree que todo lo que está sucediendo es fruto de un ente demoníaco, no vuelven a hacer acto de presencia. A ello le sumamos lo forzado que resulta que Bella confiese a una chica que acaba de conocer, la naturaleza del accidente que postró a su hermano en una cama y tenemos unos personajes totalmente desaprovechados que sólo suponen una excusa para acelerar artificialmente el desarrollo argumental y justificar las acciones de Bella.

Por otro lado, existe algún que otro agujero o conveniencia en el guión, sobre todo en el tramo final, como:

Spoiler:

1) ¿El doctor fruto de una pesadilla, se asusta tanto como para negarse a seguir haciendo un seguimiento y evaluación de James, a pesar de que milagrosamnete muestra cada vez mayores progresos y avances? Una manera un poco cutre de quitárselo rápidamente del mapa...

2) ¿Bajo que pretexto la tía de Bella, casualmente, intenta visitar de madrugada a su madre justo en el momento en que James es totalmente poseído y comienza la masacre? Típica conveniencia argumental sacada de la manga porque sí...

3) ¿Cómo consigue la escopeta James? Se supone que en la escena anterior a su posesión completa, la madre golpea a Bella con la culata de la escopeta en la cara, para impedir así que huya con su hermana pequeña (al estar obsesionada con la mejoría de James, fuera al precio que fuera). Eso hace pensar que guarda el arma en su habitación, por tanto... ¿Cómo la ha conseguido James, si hasta dentro de unos minutos, no va a buscarla para matarla?

El trabajo de cámara es bueno, la fotografía también, pero los efectos especiales flaquean, sobre todo en el tramo final, donde mayor presencia tienen.

En resumen: producción para pasar el rato que no se hace aburrida ni tampoco es grotesca en su ejecución, con algunas ideas interesantes, que desgraciadamente por falta de valentía o decisión, no fueron explotadas adecuadamente, dando como resultado una cinta más del género que no destaca ni pasará a la historia del mismo.

Nota: 5.

The Honey Pot / Mujeres en Venecia (1967) de Joseph L. Mankiewicz.

Starring: Rex Harrison, Susan Hayward, Cliff Robertson, Maggie Smith, Capucine, Adolfo Celli.

Sinopsis: El señor Cecil Fox (Rex Harrison), un millonario excéntrico y maquinador, decide trasladar a su propia vida la farsa que propone la obra teatral "Il Volpone", escrita por Ben Jonson, dramaturgo inglés del siglo XVII. Fox fingirá que está a punto de morir y, por lo tanto, de hacer testamento, noticia que atraerá hasta su palacio de Venecia a tres mujeres que fueron importantes en su pasado.

Gozosa y briosa, también algo irregular, alegoría filmada a partir del último guión que este portentoso AS cinematográfico, siendo su antepenúltima obra dirigida. Lo de irregular es casi algo lógico ya que existe entre la estructura de sus actos y la prestancia de sus intérpretes una suerte pelín dispar; cuando el film navega por sus mejores fases y se apoderan de la pantalla sus mejores bazas protagónicas (Rex Harrison y Susan Hayward principalmente), es absolutamente delicioso, y cuando atraviesa sus etapas de transición o falta alguno de los puntales interpretativos, se vuelve más cómodo y menos vitriólico. Más normalito, aunque siempre por encima de la media.

Pues sí, Mankiewicz vuelve a enviar tres cartas a tres mujeres como en otro film previo de su filmografía y desarrolla un sarao de lo más seductor perfilando una de las cosas que mejor sabía hacer y que más le interesaban, ahondar en las limitaciones del ser humano a través de su existencia y mostrar todo un ramillete de perversiones sometidas a un suntuoso humor negro que oscila entre lo patético y lo grotesco de los motivos de sus personajes. Esta última etapa de su filmografía es todo un tratado acerca de ese mapa humano difícilmente alterable desde su punto de percepción. "La huella" como colofón.



Con un envolvente y sofisticado y decadente al mismo tiempo diseño de producción de John de Cuir ("Cazafantasmas"), Mankiewicz delega la subversiva trama en los dos intérpretes antes mencionados, antiguos colaboradores suyos, desplegando todo un juego fetichista de personajes encerrados en un caserón con el objetivo de dirimir lo que parece ser el destino de una herencia a punto de ser colocada al mejor postor. Y como si se tratase de burbujas concéntricas, va ensayando un juego de "gato y ratón" desdichado en el que van a surgir muchas sorpresas (de hecho, torrenciales durante todo su último acto, en cuanto a jugadas descubiertas cual partida de póker, y que desentona sensiblemente con el tono adquirido anteriormente; además se sienten las bajas).



No obstante, el film tiene mucho de farsa y crea cierta autoconsciencia al reclamar al espectador poner de su parte para comprender que la resolución final guarda similitudes con la propia premisa que establece ese multimillonario excéntrico con ganas de jugar retorcidamente cual niño con zapatos nuevos (proverbial todo el lenguaje verbal ejecutado por el gran Rex Harrison como gran mago de ceremonias y suficientemente diestro afín al ballet). El acto final ha de recrearse a su debido tiempo tanto intrínsecamente en la trama como en el propio film. Una suerte paralela que comparte todo placer; como nada es eterno (ese contínuo muestrario de relojes....), el final de la diversión supone un efecto menos festivo y efectivo, pero, eh, que nos quiten lo bailado antes como diría el viejo zorro de Mr. Fox.

No sólo el último acto deviene el menos interesante sino que el reparto también presenta algún que otro desajuste (especialmente en las intermitencias de un Cliff Robertson que gana enteros cuando comparte secuencias con Harrison y que, unas veces más que otras, los pierde en su dinámica con el personaje de una jovencísima Maggie Smith con la cual la química no termina de cuajar del todo).



La realización del realizador es elegante y contenida, detallista, y muestra que a pesar de su origen teatral buscaba acomodarse a los nuevos tiempos tan ajenos a su esencia con una disciplina formal y curiosidad por el encuadre encomiable. "The Honey Pot" se convierte así en un claro antecedente del que desarrollará en "Sleuth" como registro más celebrado. Ambos films adoptan un trazo general, una intencionalidad ya desde el material escrito, reconocible.
Tampoco falta en el film esa vena maliciosa de mofarse de Hollywood y el medio televisivo (referente Perry Mason, solucionador de casos, como gran acierto singularmente logrado (que se lo pregunten al personaje de Adolfo Celli, o a su esposa e hijas....). Sucede que de todas las reflexiones y mala baba que reparte o impregnan el conjunto con gran sabiduría, las del mundo del esèctçaculo son las más paródicas y claramente visibles.

Y en último caso no cabe sino preguntarme si ese Señor Fox que ha orquestado toda esta opereta no es sino el álter ego del propio Mankiewicz en su reacción ante ese tiempo pasado genial que fue y ya no es dentro del panorama del 7º arte.

El éxito del film es que no deja títere sin cabeza y se ríe de sí mismo y de todos. Su mayor hándicap resalta que el conjunto es tan variado como disperso según se esfuman ciertas caras y se adentra en la supuesta intriga criminal floreciente que tiene que hallar continuidad y resolución, lo menos interesante de todo lo ofrecido. El factor Agatha Christie es un peaje que uno está dispuesto a pagar teneindo en cuenta la calidad de dialoguista, además "pullístico", del ejecutor y que convierte a "Mujeres en Venecia" como compañero más cínico y narcisista para una sesión doble de "Un cadáver a los postres" de Robert Moore (y Neil Simon), también con .... Maggie Smith, otro tipo más ligero de trangresión de estereotipos sospechosos.

Mención especial para Susan Hayward, extraordinaria intérprete todoterreno que mereció haber tenido mejor suerte en todos los sentidos. Domina su personaje como pocas porque parece estar riéndose de otros papeles anteriores que de poco sirvieron frecuentemente para revalorizar su currículum, especialmente en la década de los 60.



Gran película, algo alicaída en algunos momentes, pero muy convincente y extremadamente recomendable. Hannaben, échale un vistazo que vale la pena si no las has visto o la tienes olvidada. Su ácido sentido del humor es su principal garante. Personalmente, me ha encantado de una forma .... sádica, y es que los personajes se hacen querer.

Puppy Love (2023).......................... 8




"Puppy Love" es una feel-good movie de campeonato.












Mi comentario:

"Puppy Love" (2023) dirigida por Nick Fabiano y Richard Alan Reid, y protagonizada por Grant Gustin (el televisivo Barry Allen en The Flash) y Lucy Hale (inolvidable en la serie Pequeñas Mentirosas) es una preciosa y notable película romántica y una feel-good movie de campeonato. De estos films que te tienen enganchado a la pantalla durante todo el metraje. La química existente entre Grant y Lucy con sus personajes es innegable y el hecho de que la compartan con dos hermosos perritos es de lo más adorable. He visto otras cintas románticas en las que se ven involucrados perros en la trama tales como "...Y que le gusten los perros" protagonizada por Diane Lane y John Cusack o "Como el perro y el gato" con Cassidy Gifford y Wyatt Nash, y están muy bien, buenos visionados por mi parte. Puedo decir que, la que ahora nos ocupa, se disfruta mucho. Seas fan del género o no, conociendo o no a la pareja protagonista, te va a entretener, de esto puedes estar seguro. Ahora, incluso, tengo ganas de tener un perrito en casa. Mi nota final es de 8/10.

https://www.imdb.com/title/tt21908202/

Inspirada en la actriz S Mozarowsky (C Traisac), fallecida en 1977 al precipitarse desde la terraza de su casa de Madrid, la historia se centra en el día previo al accidente, la soledad, miedos y angustia de Sandra se mezclan con sus sueños y ambiciones.

La cinta explora entre verdad y leyenda del tragico suceso de esta jovencísima actriz en
plena época del destape.
Accidente,suicidio,asesinato..dejando todo en un limbo como a día de hoy.
Pequeña peli en la que lo mejor es su protagonista, todo lo demás.. anodino

Claudia es la que soporta el interés reflejando agobio,esperanza y temor hacia esos intocables que siempre se salen con la suya.
5.8/10

Revisada La cumbre escarlata (ya era hora de que la recuperaras, Netflix) y esta vez ha entrado mejor.

Todos los ingredientes para una receta perfecta empezando por el excelso reparto (Alicia, Loki, Jessica Chastain, el bueno de Bobby Singer y Charlie Hunnam. Que siempre hace falta más Charlie en la vida) y una atmósfera gótica de esas que tanto me gustan.

Revisada también Código fuente y solo decir que, aparte de lo guapísima que es Michelle, Jake se ha convertido en uno de mis actores favoritos y siempre tengo mono de ver más. Mola en Road House y Redención e inconmensurable en Prisioneros (en cuanto renueve HBO, revisión) y Animales nocturnos.

'El Príncipe De Las Mareas' (Barbara Streisand, 1991) es un 7 pero el final grandioso la convierte en un 8. �� La voz en off, la banda sonora... a Don Draper le gustaría. Y que me perdonen los fundamentalistas de la cinefilia pero la vi doblada cuando la pasaron por TCM y el doblaje es magnífico. De las que te remueven y se quedan en tu cabeza unos días . 8/10

'El Príncipe De Las Mareas' (Barbara Streisand, 1991) es un 7 pero el final grandioso la convierte en un 8. 沈 La voz en off, la banda sonora... a Don Draper le gustaría. Y que me perdonen los fundamentalistas de la cinefilia pero la vi doblada cuando la pasaron por TCM y el doblaje es magnífico. De las que te remueven y se quedan en tu cabeza unos días . 8/10





'No Way Out' ( Roger Donaldson, 1987 ) es buenísima, thriller político y de espionaje desconocido para el gran público. No sé si el giro final es un atajo porque no sabian cómo cerrar o una genialidad, para nada lo vi venir. Top Kevin Costner sin duda.
7/10

*La escena del principio en la que empiezan a trajinar en la limusina con el chofer mirando y riéndose y todos ahí tan contentos...WTF jajaja

Iniciado por Serkenobi

El Fugitivo 1993 (The Fugitive)

Cinta protagonizada por Harrison Ford en compañía con Tommy Lee Jones, siendo ambos (sobre todo el primero) quienes capitalizan toda la atención, siendo el resto del reparto, meros figurantes. A diferencia de otras películas, en esta los secundarios carecen de relevancia e incidencia alguna en la trama (lo cuál también perjudica al guión, al carecer de más recursos narrativos y posible sorpresas), lo que implica que al recaer todo el peso sólo en dos actores, deben hacerlo muy bien para soportar el metraje... Y no es el caso.

Partimos de una premisa sencilla, pero bien ejecutada: la esposa del doctor Richard Kimble (Harrison Ford) es asesinada y todos los indicios, pistas y móvil apuntan hacia él. A pesar de su insistencia sobre la existencia de un atacante manco, su declaración carece de fiabilidad y parece fruto de una burda mentira para ocultar su crimen. De modo efectivo y rápido, se presenta un contexto creíble en el cuál Richard Kimble es sujeto de ser acusado (a diferencia de otras películas, donde no hay presente pistas ni indicios algunos que justifiquen la culpabilidad del acusado) y acaba siendo condenado en un lapso de 12 minutos de metraje. Hasta ahí, bien.

Al problema deriva a partir de entonces, con casi dos horas de metraje que implican un ritmo cinematográfico totalmente deficiente. La trama no da para dicha extensión y el guión no está bien ejecutado, hasta el punto de que no existe vestigio alguno de quién puede ser el verdadero asesino y sobre todo, sus motivaciones, durante media película. ¿Cómo se soluciona esto? Pues introduciendo un escueto y breve flashback a mitad de metraje consistente en unos segundos, donde el bueno de Richard Kimble en medio de una operación, menciona de pasada (como quien no quiere la cosa) un posible móvil. Ese detalle, ejemplifica a la perfección la torpeza del guión al no ser capaz de construir un relato donde progresivamente como espectadores, vayamos averiguando lo que sucede, sino que durante media cinta no existe pista alguna y de repente, te lo desvelan de golpe. Muy bien trabajada la intriga, sí señor...

Ejemplo de ello es:

Spoiler:

Cuando intentan (fallidamente) hacerte creer en algunos momentos que Richard está a punto de ser descubierto, como la redada donde se hospeda momentáneamente... Que se ve a la legua que no van a ir a por él, sino a por otra persona. Son escenas y momentos muy torpemente ejecutados.

Tampoco ayudan una serie de sucesos y acontecimientos carentes de explicación fruto de agujeros de guión, como:

Spoiler:

1) Después de tirarse de la presa (y sobrevivir milagrosamente, lo cuál de por sí, ya supone un acto de suspensión de incredulidad mayúsculo), se vé como Richard Kimble llega a una gasolinera y se tiñe el pelo de oscuro. ¿De donde sacó el tinte, cuando lo consiguió? Porque carecía del mismo en su huida previa con la ambulancia...

El color del tinte, le desaparece de una toma a otra. Y no, no es broma, en el tramo final de la película, se vé que tiene el cabello oscuro y cuando va a recoger las muestras de hígado, de repente, por arte de magia, vuelve a ser de color castaño. ¿Acaso se lo ha vuelto a teñir? No, no esperéis explicación alguna...

Cuando suplanta la identidad del conserje en el hospital, ¿cómo evita que coincidan ambos en el mismo turno? No esperéis tampoco explicaciones al respecto...

Que el mejor amigo de Kimble es el villano... Es previsible no, lo siguiente.

Es sumamente grotesco que suceda esto cuando la cinta dispone de una extensión de más de dos horas. ¿Acaso tanto costaba introducir las escenas necesarias para evitar estos vacíos argumentales?

Por otro lado, los efectos contrastan entre los bien realizados (como el choque y descarrilamiento del tren), con otros sumamente cutres (se nota a la legua que cuando cae el autobús con los pasajeros en su interior chocándose con las paredes o se tira Kimble por un precipicio, son muñecos...). Las coreografías de peleas son nefastas y la actuación de Harrison Ford y Tommy Lee Jones no son suficientes para sostener la atención y el ritmo de la cinta. Es más, Harrison Ford por momentos, actúa en modo piloto automático.

La verdad es que me sorprende lo bien valorada que está ésta película, cuando no destaca en ningún aspecto. La trama de por sí no es novedosa y está mal ejecutada, sobre todo teniendo en cuenta la duración del metraje (las comparaciones son odiosas, pero en ese sentido, Enemigo Público le da un buen repaso), el ritmo es deficiente, el guión muestra improvisación y precipitación, además de varios agujeros e inconsistencias, los efectos rallan a veces lo cutre y el carisma de Harrison Ford es insuficiente parta sostener la producción. Incomprensible a mi juicio que fuera nominada a los Oscar y goce de un notable en páginas como Filmaffinitfy.

Nota: 3,5.

Pandorum

Película de ciencia ficción que aunque su ambientación se basa claramente en Horizonte Final (normal por otro lado, estando de por medio Paul W. Anderson como productor de esta cinta), consigue crear una trama interesante, intrigante e intensa. En un género donde no abundan tanto las películas oscuras, tenebrosas e inquietantes en lo respectivo y relativo a la atmósfera, se agradecen este tipo de propuestas.

El guión consigue crear una trama que capta la atención del espectador de inmediato, con una introducción directa (sentando así la premisa argumental de supervivencia), seguida de mucho caos, misterios e incógnitas, que animan a proseguir con interés y entusiasmo la visualización. Aunque hay algunos elementos previsibles como:

Spoiler:

Que la tierra ha desaparecido (nada más comenzar la película, se oye un mensaje que apunta claramente a ello, sin falta de esperar a que dicho dato se confirme a mitad del metraje) y que los monstruos sean el resultado de una mutación humana (evidente desde que se aprecia que tienen forma humanoide, no tratándose así de alienígenas).

Hay otros momentos que pueden sorprender con un acertado y curioso giro de guión, como:

Spoiler:

Que el personaje de Dennis Quaid, tenga un desdoblamiento de personalidad que le haga ver a su yo joven del pasado, revelándose posteriormente que en realidad, no es el Teniente Payton, sino el cabo Gallo y que él fue el culpable de "crear" a los humanos mutados que posteriormente infectaron la nave, fruto de la locura padecida por el efecto Pandorum. Por eso es tan interesante como se refleja esa lucha interior entre su yo joven (el cuál conserva algo de raciocinio) y su yo adulto, combatiendo por ver que se impone, si la razón, o la locura.

Por otro lado, también es una sorpresa descubrir que la nave, lleva en realidad sumergida siglos en el océano de Tanis y no vagando por el espacio.

A pesar de las similitudes con Horizonte Final, sobre todo en lo pertinente a la ambientación, la cinta apuesta por otro tono que la diferencia y le otorga un valor e identidad propia (como se ejemplifica al desligarse del concepto demoníaco que tenía aquella película dirigida por Paul W. Anderson, apostando por otro planteamiento).

Los escenarios y decorados, obviamente por la temática de la cinta, son claramente metálicos, ya que casi toda la trama se desarrolla en una nave. Aún así, están bien realizados, transmitiendo una sensación de opresión, misterio y estrechez, siendo difícil avanzar y progresar, lo que sumado a una tendencia a la oscuridad (justificada por el guión), acrecienta la tensión del ambiente, siendo como en Horizonte Final, una "prisión" de metal en la que cuesta orientarse y donde no sabes lo que te encontrarás.

Los efectos especiales no son punteros, pero cumplen bien con su cometido, transmitiendo la sensación de enormidad y vacío. Los maquillajes son excelentes, transmitiendo las criaturas presentes en la nave repugnancia y pavor. La acción, a diferencia de lo que opinan otros espectadores que han visualizado la cinta, me parece bien rodada. Es verdad que a veces se intercalan planos rápidos para transmitir un mayor dinamismo, frenetismo y caos a la escena, pero no es cierto que no ser aprecien bien los combates que acontecen ni lo que sucede. También es cierto que he visualizado la película en mi hogar y no en una sala de cine, donde por lo que he leído, la cinta fue transmitida en un tono mucho más oscuro que el que goza en su versión en alta definición, lo cuál puede haber influido a la hora de emitir esos juicios en el pasado.

Ciertamente la película no es perfecta y goza de algunas escenas que pueden ser cuestionables:

Spoiler:

1) Como suele suceder habitualmente cuando hay presentes criaturas o seres con mayor fuerza y resistencia que la humana, la misma es aleatoria en función a las necesidades del guión. Hay ocasiones donde un monstruo es capaz de destripar a un humano en unos segundos y otras, donde el humano en cuestión puede entablar un combate cuerpo a cuerpo con la bestia.

2) El personaje de Nadia (interpretado por Antje Traue) se revela como una bióloga, sin embargo, es capaz de hacer unos movimientos y acrobacias cercanas al parkour, que no están justificadas argumentalmente. Queda presuponer que es una persona muy atlética y hacer una suspensión de credulidad.

Aún con sus defectos, dentro del género de ciencia ficción destaca como una película diferente y atrevida, que al igual que Horizonte Final, no obtuvo la recaudación que merecía, porque su temática y tono es demasiado tenebroso, oscuro, complejo y extraño como para agradar al conjunto de los espectadores. A juicio de un servidor, consigue captar la atención del espectador, generar intriga y mantenerla durante todo el metraje, siendo su visualización muy entretenida y no decayendo en ningún momento. Finalmente una duración ajustada, ayuda a mantener el ritmo cinematográfico.

Si buscas algo diferente, esta es una cinta sumamente recomendable, que aunque dispone de una ambientación y planteamientos que no son 100% novedosos, su ejecución es adecuada, con enfoques interesantes como:

Spoiler:

1) La degradación de la moral, ética y el espíritu humano ante el caos, cayendo ante sus instintos más primarios e irracionales, ejemplificado por un Dennis Quaid que ante la carencia de una organización social que estipule una serie de normas o leyes, opta por jugar a ser Dios y decidir el destino de sus congéneres, al no existir ningún tipo de límite. Y cómo ante esa degradación, aún quedan seres dotados del suficiente raciocinio para combatirla y enfrentarla, siendo una dualidad muy interesante.

2) Cómo fruto de un contexto específico (ausencia de fuentes de alimentación, miedo, terror, caos, etc), el ser humano se adaptaría al nuevo entorno y evolucionaría en base a las necesidades imperantes. Eso se ve reflejado en los monstruos, los cuáles disponen de una pigmentación totalmente blanquecina al carecer durante siglos de fuente lumínica alguna, ojos oscuros adaptados a la oscuridad y una tendencia al canibalismo fruto de una supervivencia extrema donde lo único que importa, es alimentarse, comportándose como auténticos depredadores. Y afortunadamente, conscientes de que el proceso evolutivo no sería tan raudo, se esmeran desde el guión en explicar que una serie de encimas y productos químicos aceleraron esos cambios, justificando así dicho proceso evolutivo.

Sorpresa sumamente agradable para un servidor. Película de notable alto cuanto menos, un 8. Ojalá hubiera más películas de este estilo.

Un 3.5 El Fugitivo...
La madre que me parió!!!

JOYAS DESCONOCIDAS DEL CINE FANTÁSTICO Y/O DE TERROR

o

MARTIN (1977)



Estrenada en el Festival de Cannes el 18 de mayo de 1977 y en Washington D. C., EUA, el 10 de mayo de 1978. En España se emitió (aunque ignoro si por primera vez) dentro del espacio “Alucine” de TVE-1 el 15 de febrero de 1991.

Copyright Braddock Associates, 1976.

Braddock Associates y Laurel Tape & Film, Inc. / Libra Films.

Producida por Richard Rubinstein.

Dirigida y escrita por George A. Romero.

Fotografiada por Michael Gornick, en color (y blanco y negro) y 16mm (1.37:1) (> 35mm Blow Up [1.85:1]).

Musicalizada por Donald Rubinstein.

Protagonizada por John Amplas (Martin), Lincoln Maazel (Cuda), Christine Forrest (Christina), Elyane Nadeau (Señora Santini), Arthur (Tom Savini), Sara Venable (Housewife victim), Fran Middleton (Train victim), Al Levitsky (Lewis) y George A. Romero (Padre Howard).



...

Coordenadas espacio / temporales:

Indianápolis, Indiana > Pittsburgh, Pensilvania / época actual

…

No deja de ser curioso el que el padre del cine de zombis moderno, George A(ndrew) Romero (1940-2017), considerase MARTIN como su película favorita, incluso por encima de la seminal LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1968).

MARTIN, sexto largometraje de su no demasiado extensa filmografía - ubicado entre THE CRAZIES (1973) y ZOMBI (EL REGRESO DE LOS MUERTOS VIVIENTES) (1978), su mayor éxito comercial -, es una ingeniosa variante del subgénero de vampiros puesto que no responde a los cánones tradicionales del mismo sino que más bien los subvierte.

Y es que el protagonista, Martin (un debutante – y excelente – John Amplas [1949] y que volvería a repetir con el cineasta neoyorquino en varias ocasiones, aunque en roles más secundarios)…



... cree firmemente ser un vampiro (afirma tener 84 años…) y aunque actúe en cierta manera como tal – se alimenta de la sangre de sus víctimas, normalmente jóvenes y bellas mujeres, aunque no llegue a matarlas pues previamente las seda para que no sufran y luego puedan seguir su vida como si no nada hubiese sucedido...



... – es inmune a todo tipo de parafernalia antivampírica, o sea, agua bendita, ajos, crucifijos, espejos o luz solar.

- Por cierto, me gustaría mencionar que en la madre de la todas las novelas de vampiros, “Drácula” (1897), de Bram Stoker, en concreto en el capítulo XIII, la protagonista, Mina Harker, nos narra un pasaje en el que ella y su marido, Jonathan, ven al Conde… a plena luz del día… algo que nadie parece recordar… -

En realidad, Martin se parece más que a un vampiro (dado que no solo se alimenta de sangre) al protagonista de la espléndida EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO (1960), de Michael Powell, puesto que mientras que se alimenta hace el amor con sus víctimas, sustituyendo por tanto la escoptofilia de este por la somnofilia.



Solo con la que pudo llegar a ser otra de sus víctimas pero por la que al final siente lástima pues su marido la engaña continuamente (aquí parece asomar la sombra del mismísimo Monsieur Verdoux…) llega a entablar una relación afectiva que le lleva a realizar por primera vez el acto sexual de una manera normal, o sea, participativa también por la otra parte.



Al inicio de la proyección vemos a Martin subir al tren que le lleva de Indianápolis a Pittsburgh, en Pensilvania (en donde asistimos a la primera de sus “cacerías” con una de las pasajeras del mismo), donde le espera su (mucho mayor… o no…) primo, Cuda (Lincoln Maazel), quien no solo está convencido de que efectivamente es un vampiro (como según él lo fueron sus antecesores) sino que pretende tomar (drásticas) cartas en el asunto.



La intención de Martin no es tanto de convencer a este de lo contrario sino de que su condición no tiene nada que ver ni con la magia ni con la religión.

- A este respecto las ensoñaciones de una vida pasada que sufre el protagonista y que Romero visualiza en blanco y negro bien pueden ser reales o no, algo que ni siquiera el contundente final deja claro. -



- Por cierto, en el tráiler que acompaña a la edición en BD de la que dispongo las mismas aparecen en color, lo que indicaría que así fueron rodadas y luego se eliminó el mismo. -



De hecho, durante la proyección asistimos a una divertida escena en la que el protagonista sufre un intento de exorcismo con resultados, evidentemente, baldíos, dado lo comentado más arriba.





El propio Romero, que en la película encarna al padre Howard, lanza alguna pulla a la famosa película de William Friedkin.



Y aunque Martin hable por teléfono con uno de esos programas esotéricos de la radio, donde el locutor le ha endosado el apelativo de “Conde”, dicha situación no tiene conexión con el hecho de que en 1976 (que es cuando se rodó la película) se publicó el famoso libro de Anne Rice “Entrevista con el vampiro”.



Aunque como digo Romero deja a la imaginación del espectador si Martin es o no es un vampiro (siquiera heterodoxo) su primo Cuda se encargará de acabar con él de la forma más clásica.



Seguramente sea por esa indefinición acerca de la verdadera naturaleza del protagonista por lo que su director la tenía en tan alta estima.

Y desde luego Romero acierta plenamente en la puesta en escena un tanto feísta pero muy representativa del cine de los 70, mucho más combativo y creativo que el de los 80, a pesar de lo que muchos puedan pensar…

Rodada con escasos medios (incluso al parecer por debajo de que se gastó en su ópera prima, la mencionada LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES) y en 16mm, aunque hinchada para su explotación comercial a 35mm (con la consiguiente alteración – en este caso mutilación – del AR original), la película fue estrenada en el Festival de Cannes en 1977 pero en los EUA solo pudo verse en determinados circuitos de algunas ciudades al año siguiente.

Romero, además de escribir y dirigir la película también la montó y seguramente por ese aprecio tan especial que sentía por ella la brutal mutilación que sufrió a manos de los productores y/o distribuidores es algo que nunca perdonó. Y es que estamos hablando de una cinta que pasó de 150 minutos a 95…

De hecho, recientemente el montaje original fue subastado y adquirido por un comprador por 51.200 dólares.

https://www.julienslive.com/lot-deta...M-VAMPIRE-FILM





- Y que, como podéis comprobar, indica que la misma está en blanco y negro, como era la intención original de su director. -

Y no, ni siquiera la reciente (y espléndida) edición en 4K de la británica Second Sight incluye la versión completa...



Y si alguien piensa que MARTIN es la única película “maldita” de Romero se equivoca…



Buenas noches y, buena suerte.



P. D. Como lectura complementaria me gustaría recomendar un cuento del gran Richard Matheson (1926-2013) titulado “Hijo de sangre” (1951) y cuyo protagonista es un niño que quiere ser un vampiro…

Una joya de apenas 8 páginas y que se puede encontrar en el primero de los tomos que recopila algunos de los mejores cuentos de su autor.



Agur.

Gran comentario, Alcaudón Martin es una de mis películas favoritas de Romero desde que la vi en un lejanísimo pase por Antena3. Por cierto que fue la primera vez que se emitió en nuestro país con su nombre (que yo sepa) ya que esta película, en España, por su edición en vídeo para alquiler la habíamos conocido siempre con el estrambótico título de "El regreso de los vampiros vivientes" (supongo que por encontrar un nexo comercial con los muertos vivientes de su autor). En una de esas carátulas dibujadas a mano, tan rara como irresistible



No creo que Martin sea un monstruo "mitológico" (él mismo niega de plano esa posibilidad) ni siquiera psicológico, aunque es evidente que sufre algún trastorno. Para mí, es un monstruo "social". Es fruto de un ambiente de mentalidad medieval, donde se usa la religión como arma de control y represión prácticamente inquisitorial, todo es escándalo, todo es pecado, especialmente todo lo relacionado con el sexo. Nótese que las cotillas amas de casa que hacen la compra en la tienda de Cuda quedan escandalizadas, porque Martin vivirá en la misma casa que su prima. "Un hombre joven y una mujer sin casar, ¿en la misma casa?". Que sean parientes ni siquiera cuenta, es un escándalo a comentar.

También creo que la película cuenta una historia de choque de generaciones, y cómo llega un momento en que las generaciones mayores ya no tienen fuerza suficiente para transmitir sus tradiciones, como ocurre con Cristina, que a pesar de haber sido educada a conciencia en las ideas familiares y en ese ambiente, solo siente por ellas rechazo, y deseo ferviente de huir. Cuda, con sus "libros de historia familiar" (que para él parecen ser poco menos que las tablas de la ley) está totalmente aislado de los nuevos problemas que afectan a Cristina, a toda su generación joven: problemas laborales, nuevos paradigmas sexuales, sentimentales... lo mismo ocurre con los 2 sacerdotes que salen en el filme, el joven interpretado por Romero parece más interesado por el buen vino (el que se toma él, no precisamente el que da a sus feligreses) y no aparenta creer en el Mal como algo absoluto, o tomar en serio ideas como posesiones y maldiciones, mientras que el cura anciano intenta sin dudarlo practicar un (inútil y esperpéntico) exorcismo a Martin.

Rodada con escasos medios (presupuesto de 100.000 dólares que el propio Romero confesaba, no se gastó entero) es algo que la beneficia en vez de perjudicarla. Vemos ese Pittsburgh sucio, desindustrializado y desarraigado, repleto de vagabundos y de ociosos, vagos y maleantes algunos, acosados y desesperados por el paro y el hambre otros, como el novio de Cristina (interpretado por Tom Savini) que se queja de no encontrar trabajo, a lo que Cuda, desdeñoso, le responde que "trabajo hay en todas partes, pero los jóvenes no se molestan en buscarlo" ¿conversación atemporal entre 2 generaciones?

Como último apunte, maravilloso ese final donde Martin parece quedar inmortalizado a través de su personaje radiofónico del Conde, adelantando la locura de las masas por lo freak y los fenómenos mediáticos, algo que hoy es vox populi pero que entonces, quizá, no lo era en absoluto.

Excelente apunte, amigo Charles Lee Ra.

Y genial el título de su edición en video dado que lo mismo es una referencia a la ópera prima de su director como una alusión a su (supuesta) condición de no-muerto (como así aparece mencionado en ocasiones en "Drácula").

Romero deja a la imaginación del espectador si Martin es o no un vampiro (aunque no sea del tipo que todos conocemos) gracias a esos flashbacks (¿recuerdos? ¿imaginaciones?) que parecen atormentar su alma (si la tiene) y su mente, incluyendo una posible relación incestuosa (¿?).

Eso sí, aunque estoy totalmente en contra de la mutilación de las películas un corte de 150 minutos se me antoja a todas luces excesivo teniendo en cuenta no solo lo cuenta sino cómo lo cuenta Romero a través de su (espartana) puesta en escena.