Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

De Corneau me compré precisamente en su momento una edición con la banda sonora de Todas las mañanas del mundo. También hay editada aquí Serie negra, que tengo pendiente de comprar, aunque de esta solo aparece la vos.

Tu casa o la mía (2023)........................... 8










Una predecible, pero muy bonita comedia romántica





Mi comentario:

Tu casa o la mía (2023), escrita y dirigida por Aline Brosh McKenna, es una de estas películas que, cuando la terminas de ver, te das cuenta de que tiene muy buenas vibraciones y es muy positiva en general. Sinceramente, me gustan mucho este tipo de películas, las que tocan el género romántico, las comedias románticas y este film que ahora nos ocupa, se podría decir que es una muy buena rom-com. Aunque, leyendo la sinopsis o viendo el propio tráiler, sepas más o menos cómo va a terminar, es bastante predecible, se deja ver con mucho gusto. Sobretodo por la pareja protagonista, Reese Witherspoo y Ashton Kutcher, que tiene muy buen empaque y química entre sí. La recomiendo tanto a los fans del género ya mencionado como a los de los propios actores protagonistas. Mi nota final es de 8/10.

TEEN WOLF: THE MOVIE

15 años han pasado desde los eventos al final de la serie. Pero la esperanza de hacer algo por la fallecida Allison traen de vuelta a muchos de sus amigos a Beacon Hills.


Vergonzoso intento por revivir la franquicia y por aferrarse a sus dias de gloria. Corría el rumor de que iban improvisando el guion al mismo tiempo que filmaban y, visto el resultado, lo creo. Los personajes solo van de una escena a otra sin saber que hacen ni porqué. Los plot holes son abismales y se nota que se dedicaron a invitar de vuelta a todos los actores que pudieran sin importar que sus personajes tuvieran nada que hacer.

El regreso de Crystal Reed acaba siendo problemático con solo detenerte un segundo a pensarlo: Ella sigue siendo adolescente (o al menos mentalmente) pero Scott ya es treintañero.

Y, el problema más grande, la ausencia de Dylan O'bryan. Pero es imposible culparlo por rechazar este proyecto.
El personaje de Stiles se robaba la serie, y es innegable que esta estaba en su mejor momento cuando le cedía el protagonismo. Tanto así que para esta película trajeron de regreso al Nogitsune, el villano de la mejor temporada, pero sin Stiles no tiene sentido.
En todo caso, esta película sirve para corroborar lo mucho que desesperadamente "Teen Wolf" dependia de Styles/Dylan.

THE PALE BLUE EYE (2022, LOS CRÍMENES DE LA ACADEMIA)



Estrenada en Netflix el 6 de enero de 2023.

Dirigida por Scott Cooper.

Escrita por Scott Cooper, a partir de la novela homónima de Louis Bayard (HarperCollins, Nueva York, 2006).



Fotografiada por Masanobu Takayanagi, en color y Scope.

Musicalizada por Howard Shore.

Protagonizada por Christian Bale (Augustus Landor), Harry Melling (Cadete Edgar Allan Poe), Gillian Anderson (Señora Julia Marquis), Lucy Boynton (Lea Marquis) y Robert Duvall (Jean Pepe).



…





…

Con un poema de Poe se inicia la película...



Y otro poema, aunque no del citado escritor, será la clave del enigma... bueno, de uno de los enigmas...

Down, down, down
Came the hot threshing flurry
Ill at heart, I beseeched her to hurry
Lenore
She forbore the reply
Endless night
Caught her then in its slurry
Shrouding all, but her pale blue eye
Darkest night, black with hell
Charneled fury
Leaving only
The deathly blue eye

…

LOS CRÍMENES DE LA ACADEMIA es un atractivo thriller histórico en el que se mezclan personajes reales (el escritor Edgar Allan Poe) e imaginarios (el inspector Augustus Landor) y que tiene como epicentro la Academia Militar de los Estados Unidos, más conocida como West Point, la más antigua del país (fue fundada en 1802), la cual sirvió de inspiración al gran John Ford para elaborar una de sus grandes obras maestras, CUNA DE HÉROES (1955), su primera película en CinemaScope.



Titulada originalmente EL OJO AZUL PÁLIDO - referencia al poema que Poe (un excelente Harry Melling) le recita a su amada, Lea (una hermosa Lucy Boynton) y que, pese a lo que pueda parecer, es en realidad fruto de la imaginación del novelista, Louis Bayard (1963) – el sexto largometraje del actor y director Scott Cooper (1970) es una película de itinerario circular puesto que se inicia por el final, cómo sólo descubriremos al final (valga la redundancia) de la proyección.





Cooper ya había trabajado con Christian Bale anteriormente en dos ocasiones, LA LEY DEL MÁS FUERTE (2013) y HOSTILES (2017), por lo que intuyo que ambos se compenetran a la perfección, algo que sin duda se advierte en el espléndido trabajo del actor británico que encarna al concienzudo, expeditivo y taciturno detective Augustus Landor.



Por cierto, el nombre del protagonista bien podría ser un homenaje al primer gran detective de la historia de la literatura, C. Auguste Dupin y que protagonizó tres cuentos dentro de la bibliografía de su autor: “Los crímenes de la calle Morgue” (1841), “El misterio de Marie Rogêt” (1843) y “La carta robada” (1845).

La espléndida fotografía del operador japonés Masanobu Takayanagi (1974) – quien, al igual que Bale, ya había colaborado con el director en las dos cintas antes mencionadas – sabe trasladar a la perfección el gélido hálito del invierno en el que se desenvuelve la historia no sólo a la investigación de los crímenes que asolan a la academia sino especialmente al corazón de su protagonista quien, en realidad, ya había muerto hacía tres años…

Igualmente la envolvente banda sonora del gran Howard Shore (1946) – ganador de 3 Oscar – se ajusta como un guante a las bellas, aunque heladoras imágenes de ese invierno que es a la vez real (para todos) y metafórico (para algunos).



En realidad, LOS CRÍMENES DE LA ACADEMIA aúnan una trágica historia de amor y una amistad traicionada.



Una película, al igual que la anteriormente comentada de PINOCHO DE GUILLERMO DEL TORO que gustará incluso a los detractores del últimamente denostado (y en parte con razón, viendo lo sucedido estos días) servicio de streaming.

Buenas tardes y, buena suerte.

Pues, no, querido Alcaudón, yo soy de los críticos de las producciones Netflix, y este film de Cooper me ha parecido francamente flojo y vulgar. Si no fuera por el reparto, espectacular pero muy desaprovechado, quedaría en nada.

Como siempre coincidimos con nuestros gustos, querido amigo.

Por cierto, observo con sorpresa que sólo dos películas de Corneau se han editado en nuestro país en BD: SERIE NEGRA (1979) y TODAS LAS MAÑANAS DEL MUNDO (1991).

Por meros azares del destino el actor Toby Jones, que encarnó al escritor Truman Capote en uno de los dos biopics que se estrenaron al alimón, sale en LA NIEBLA, EL PRODIGIO y LOS CRÍMENES DE LA ACADEMIA, todas ellas comentadas sucintamente en este mismo rincón.

Iniciado por hannaben

Me ha gustado,es cierto que se alarga y es enrevesada pero esa ambientación,musica y Bale le hacen ganar puntos.La direccion clásica.
6.7/10

La música, por cierto, es de Howard Shore, que tantas bandas sonoras de Cronenberg ha compuesto, como por ejemplo la excelente de su último film, Crimes of the Future .

Una cinta a la que tengo ganas de hincarla el diente.

La amenaza (La menace, 1977)



Sigo con Corneau y con Montand. Si la anterior película comentada, Police Python 357, me pareció un polar de manual, La menace, en cambio, es un film realmente extraño, tanto argumentalmente como formalmente.

En lo argumental, se trata de una complicada trama en la que Henry Savin (Montand) intenta confundir a la policía en relación con las sospechas que tiene de que su joven nueva amante, Julie (Carole Laure), es culpable de haber asesinado a Dominique, la anterior amante de Henri, propietaria de una empresa de camiones. La película no juega a esconder que Dominique, un tanto inestable emocionalmente, en realidad se ha suicidado, lanzándose al vacío. Pero todo apunta a Julie como responsable. Las idas y venidas de Henri, en Francia primero y después en Canadá, tejen una compleja red de falsas pistas con la intención de que las sospechas recaigan sobre él. Pero, a la vez, simula su muerte, de manera que Julie quede libre y él, con un nuevo nombre, se pueda instalar con su amante en Australia, y además conservar una elevada suma de dinero que Dominique dio a Julie con la intención de que dejará a Henri.

Lo lioso de la trama queda reforzado por la manera como nos lo cuenta Corneau: por un lado, todo la película parece como si estuviera recorrida por una descarga eléctrica, todos los personas se mueven y conducen con rapidez, lo que genera cierta sensación de incomodidad y tensión en el espectador. Además, y en esto se aproxima a Melville, Corneau prescinde en largos segmentos de la película de los diálogos, en especial en la larguísima secuencia en que Henri va a intentar disimular su muerte mediante un falso accidente de camión provocado por él mismo, con la apariencia de haber sido objeto de un ataque por parte de sujetos que quieren que “pague o muera”. No obstante, la minuciosidad con que Henri prepara su estratagema no le va a salir bien, en un final con mucho camión que hubiera podido filmar el Peckinpah de Convoy.

Estiro un poco más el hilo de Corneau, comentando brevemente la adaptación de la novela de Kenneth Fearing, “The Big Clock”, llevada al cine por John Farrow, casi treinta años antes que lo hiciera Alain Corneau en Police Python 357.

El reloj asesino (The Big Clock, 1948), de John Farrow



Como no he leído la novela de Fearing, no sé hasta qué punto la película de Farrow le es fiel. Parece evidente, no obstante, que lo es mucho más que la de Corneau, ya que sitúa la acción en el terreno del mundo editorial, mientras que el director francés modificaba hábilmente las coordenadas temporales, geográficas y ambientales, trasladando la trama al mundo policial de Orleans.

Según se dice en imdb, Fearing se propuso cobrarse venganza del propietario de la revista Time con su novela: “The novel on which this film is based was written by poet Kenneth Fearing, as revenge on publisher Henry Luce and his "Time" magazine. Fearing was obliged to work there (for financial reasons) for many years. The fearsome Earl Janoth is often regarded as a libelous parody of Luce, even though the book received a rave review from the "Time" critic, as did the film”. En todo caso, en la película el magnate del mundo editorial es Earl Janoth, un turbio y despótico empresario (interpretado por Charles Laughton, quizá menos histriónico de lo habitual) que mantiene como amante a una modelo, Pauline (Rita Johnson). En una noche de alcohol, el responsable principal de la revista sobre crímenes de la empresa, George Stroud (magnífico como siempre Ray Milland), acaba en el apartamento de Pauline. Cuando se va, sin que se haya consumado la relación, llega Janoth. Este, poco después, mata a Pauline a golpes, furioso porque considera que le engaña con otro hombre, al cual Pauline identifica con un nombre inventado.



Como pasaba en el film de Corneau, aquí también quien pone en marcha la operación de localizar al responsable de la muerte de Pauline es el auténtico asesino. Y quien ha de dirigir la investigación periodística (que más parece policial, de hecho la ausencia de la policía a lo largo del film convierte el guion es sumamente inverosímil) es, precisamente, a quien quiere encontrar Janoth, inocente del crimen a pesar de que todas las pistas lo señalan, pero testigo de la visita del empresario a casa de la modelo.

El film exige una notable suspensión de la incredulidad, pero afortunadamente Farrow entrega un trabajo brillante visualmente, con un uso de la cámara espléndido en magníficos travellings a través del decorado. A ello se suma un buen reparto: además de los mencionados, hay que sumar a Maureen O’Sullivan (la película une, así, al padre y a la madre de Mia Farrow), George Macready, como mano derecha de Janoth (y quizá insinuando cierta atracción homoerótica) y Elsa Lanchester (esposa de Laughton, aquí en un papel que actúa de alivio cómico, como estrafalaria pintora).

Doblete goyesco:

Modelo 77 (2022), de Alberto Rodríguez



Creo que estaremos de acuerdo en que Alberto Rodríguez es uno de los directores más interesantes del panorama cinematográfico hispano actual (según mi gusto, junto a Rodrigo Sorogoyen y Carlos Vermut). Aquí sigue con su programa de contarnos la historia de la transición política española y de la supuesta consolidación de la democracia por medio de sólidos thrillers, como fueron anteriormente Grupo 7, La isla mínima (su obra cumbre hasta la fecha) y El hombre de las mil caras (menos suerte ha tenido en el ámbito televisivo: La peste me pareció una serie muy poco atractiva, a pesar del esfuerzo de producción).

Esta vez le toca el turno a la situación de los presos comunes durante los meses posteriores a la muerte del dictador. Se inicia en 1976 y la trama se cierra (aunque de forma abierta) en 1978. La situación de las cárceles era dantesca, infernal, lo que generó revueltas generalizadas y la formación de la COPEL (Coordinadora de Presos en Lucha). La acción se centra en las condiciones de la infame prisión Modelo de Barcelona (afortunadamente, ya clausurada),



y de la actuación violenta e incluso cruel de los funcionarios y la policía.



Seguimos la odisea de las reivindicaciones de los presos singularizada en dos personajes: el joven Manuel (excelente Miguel Herrán), víctima de una estafa de la que ha sido el cabeza de turco, y Pino (magnífico como siempre Javier Gutiérrez), un veterano que se ha pasado media vida encerrado, entre reformatorios y prisiones.



Con ellos viviremos las esperanzas de gozar de una amnistía, los esfuerzos quizá bienintencionados pero poco efectivos de algunos políticos, el fracaso de las negociaciones, y la brutal represión que se abatió sobre los presos, en tiempos en que ya se disponía de unas Cortes elegidas más o menos democráticamente y un gobierno, también más o menos, reformista.

Como suele ser el caso de sus films, las dos horas de películas se siguen con interés, gracias a una trama bien urdida, un pulso firme en la narración y a unas excelentes interpretaciones (también destacan Fernando Tejero y Jesús Carroza). Hay momentos emotivos, otros para la indignación, y muchos para el escalofrío.

Precisamente, en 1977 Quico Pi de la Serra cantaba un tema alusivo en una actuación en Madrid. Después de ver la película, escuchar la canción pone la piel de gallina.



Cerdita (2022), de Carlota Pereda



Tenía unas expectativas quizá demasiado altas respecto a esta película. Y la verdad es que, sin que me haya desagradado, me ha decepcionado un tanto. La primera mitad, en las que conocemos a la obesa Sara (excelente Laura Galán) y su familia (Carmen Machi y Julián Valcárcel), propietarios de una carnicería,



y a sus amigas y vecinos, la mayoría de los cuales la someten a crueles burlas, me parece bien resuelta.



Luego, cuando hace su aparición un misterioso personaje que parece actuar como vengador vocacional de los abusos a Sara (Richard Holmes), la película deriva de lo que podía ser una crónica social con el bullying y la dictadura de los cuerpos bellos como interés temático a un thirller con psicópata asesino en serie. Pero es en el tercio final cuando la película opta por seguir la ya larga y transitada estela de los films que se miran en la celebérrima The Texas Chain Saw Massacre (aquí se podría hablar de una “masacre extremeña”). El problema (ya apuntado el otro día al hablar de X de Ti West) es que han pasado casi cincuenta años y decenas de películas que explotan situaciones similares, con mejor o, habitualmente, peor fortuna.

Y es en ese segmento en el que la película me decepciona. Esperaba algo distinto, y mejor. Con todo, Pereda demuestra (por si hacía falta hacerlo) que las directoras de cine también pueden dedicarse al género del terror (esta no es su primera incursión en el género), lo que quizá lleve a preguntarse a algunos en qué consistirá la inserción de la cacareada “mirada femenina” dentro de este género tan pautado (y tan masculino hasta ahora). A ver qué nos muestra en el futuro.

Iniciado por mad dog earle

La música, por cierto, es de Howard Shore, que tantas bandas sonoras de Cronenberg ha compuesto, como por ejemplo la excelente de su último film, Crimes of the Future .

Ahondando más en esa relación estrecha, decir que ambos, con una diferencia de tres años, son naturales de Toronto, y seguramente su amistad viene de muy lejos o sea, de muy al principio de sus carreras.
Dentro de la inabarcable carrera de Shore, tengo especial consideración y recuerdo por lo que hizo en El silencio de los corderos. maravilla pura.

Me ahorro la crónica de Modelo 77, ya bien explicada por mad dog, pero solo diré que es la película española que más me ha gustado en muchísimo tiempo. Me recuerda a una mezcla de Cadena perpetua, y algunas otras pelis carcelarias, pero con nuestra historia (desgraciada en este caso) de telón de fondo, y unas interpretaciones muy elogiables y un ritmo trepidante que me hicieron muy agradables las 2 horas de visionado.
Me alegro por los 5 Goyas que se llevó y hasta alguno más le hubiera dado yo. Deseando pillar alguna oferta para llevármela a casa.

Iniciado por mad dog earle

Doblete goyesco:

Modelo 77 (2022), de Alberto Rodríguez



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Esta vez le toca el turno a la situación de los presos comunes durante los meses posteriores a la muerte del dictador. Se inicia en 1976 y la trama se cierra (aunque de forma abierta) en 1978. La situación de las cárceles era dantesca, infernal, lo que generó revueltas generalizadas y la formación de la COPEL (Coordinadora de Presos en Lucha). La acción se centra en las condiciones de la infame prisión Modelo de Barcelona (afortunadamente, ya clausurada),



y de la actuación violenta e incluso cruel de los funcionarios y la policía.

Los “nostálgicos” te dirán que no era para tanto...

Respecto a “Cerdita” opino más o menos igual. El corto, si no lo has visto, es más bueno que la película, que intenta desarrollar una idea que el corto planteaba más concisa y contundente.

En cualquier caso, y sin que sirva de precedente, este año estoy bastante de acuerdo con los premios otorgados en los Goya y me quedo sin duda con “As Bestas”, pese a reconocer que ha habido un nivel altísimo en el cine español. Pero es que Sorogoyen está a otro nivel y en un estadio diferente como artista.

Respecto a los GOYA.
Reivindico el ninguneo a VERMUT,ROSALES y demás peliculas.Desproporcionado como siempre hasta Sorogoyen se ha pronunciado
NADA a ALCARRAS y TODO a AS BESTAS +el boom CINCO LOBITOS que no puede ser una peli más random

El cine social no me puede dar mas pereza...esta de la carcel+la de Darin las tengo pendientes...apuff
y esta semana o la otra me toca esta y me temo lo peor,vamos lo de siempre https://www.imdb.com/title/tt0036431/

Las ilusiones perdidas (Illusions perdues, 2021, Xavier Giannoli)
En esta crítica revelo partes importantes de su argumento. Por favor, no la leas si no quieres saber nada de su historia.

He tenido la duda al publicar esta crítica si hacerlo en su hilo correspondiente y así revivir lo ya escrito por otros hace un año o hacerlo aquí. He decidido hacerlo aquí porque entiendo que el tema principal de cinefilia son los estrenos y este, evidentemente, no lo es.

La he tenido que disfrutar en la formalmente muy cuidada edición de A Contracorriente (funda de cartón, contenedor de color grisáceo y disco con serigrafía), aunque no tan mimada en el fondo. En defensa de la editora tengo que decir que ninguna de las ediciones extranjeras contiene algo más que la película y algún avance. Poco más, lo que es sumamente extraño en una producción "de prestigio" francesa. Sólo conozco el DVD con suplementos que Fnac Francia publicó en su edición especial limitada en blu-ray. Nuestra edición sólo contiene dos avances y una brevísima entrevista a dos de los protagonistas principales de la película, aprovechando su paso por el Festival de San Sebastián. Una pena. Una película de este fuste debería tener al menos un audiocomentario y, desde luego, es una ocasión propicia para realizar reportajes de todo tipo: su dirección, su vestuario, su diseño de producción, su fotografía, su entorno histórico, la importancia de esta obra en la trayectoria literaria de Balzac... Empiezo y no termino. Incluso Benjamin Voisin, en la brevísima entrevista, hace referencia al cuidado que había puesto el responsable del vestuario. Creo que es una oportunidad perdida, pero si ni siquiera los franceses han aprovechado la ocasión, es que estamos en la decadencia de este mercado (o Francia ha cambiado mucho, lo que lamento más). Ni siquiera en este foro se ha hecho ningún comentario del blu-ray de esta película. Mal vamos.

Comenzaré por indicar que, como es común en cualquier película rodada con medios modernos, la imagen del blu-ray es soberbia: limpia, detallada, luminosa. No se puede hacer ningún reproche en esta cuestión. Realza y acompaña todos y cada uno de los magníficos planos que su director de fotografía ha iluminado.

También tengo que lamentar su triste paso por la cartelera española. No sé quién fue el responsable del desaguisado, pero aún estoy atónito de que una película francesa tan laureada no se haya estrenado más que en un puñado de cines, cuando semana tras semana se proyectan verdaderas majaderías de forma masiva. Donde yo vivo (Gran Canaria), ni se proyectó. Estamos hablando de una isla cuya capital tiene trescientos mil habitantes; no son dos casas perdidas en el desierto. Excepto para los que pueden vivir en las grandes capitales peninsulares o desplazarse a ellas, el cine se está convirtiendo en una agonía que ni se pueden imaginar. Cuando pasa el oasis de enero - marzo (los Óscar), nos encontramos con un duro desierto de superhéroes jalonado de algún espejismo.

Fruto de ello es que el hilo de esta película en Cinefilia apenas tiene más que seis entradas y sólo dos de ellas son críticas. Ha tenido hoy mismo más repercusión un solo avance de una película de superhéroes que una película basada en una novela de Balzac durante dos años. El nivel de infantilismo al que hemos llegado me deja atónito, de verdad.

Sobre la película en sí, debo reconocer que soy un moderado entusiasta. Valoro (y mucho) los titánicos esfuerzos que han hecho por llevar la obra de Balzac al cine pero creo que no han sabido desligarse adecuadamente de la obra literaria y presentar una creación pura y limpiamente cinematográfica. El cine, en mi opinión, es inmediatez y evidencia. No es necesario que ninguna voz exterior me explique lo que mis propios ojos están viendo, ni aunque esté acompañada de la pluma brillante de Balzac. Supongo que es una tentación demasiado fuerte de evitar, pero ésto, al final, se convierte en un lastre que ralentiza innecesariamente la acción. Creo que esto es evidente, por ejemplo, en la escena de la segunda visita del joven Lucien al teatro: no necesito que nadie me describa su atracción por Coralie (y viceversa); ya la veo en los ojos de ambos actores, ni tampoco que me describas lo que acontece en los palcos, que ya sabemos que es una metáfora del teatro del mundo.

También creo que era innecesario tanto énfasis en el personaje de Singali y sus artimañas. Con mostrarnos una vez la manipulación del público ya tenemos suficiente; no son necesarias las repetidas escenas de ensayos del fraude. El director se centra en anécdotas reiteradamente, en el regusto por la descripción detallada de ambientes y personajes que, repito, el cine ya te muestra de forma evidente.

A pesar de esos lastres, queda un relato tan fascinante del París de Luis XVIII que no puedo por menos que alabarlo. La obra cumple con algunos de los tópicos que también podemos ver en su contemporáneo Dickens: el fin de la inocencia, la maldad de la gran ciudad, su corrupción y las ambiciones frustradas. Pertenecen ambos a una generación de escritores que vieron la rápida transformación de las capitales europeas desde núcleos de un sabor aún bastante rural a las modernas urbes industriales, invadidas por decenas de miles de inmigrantes rurales en busca de oportunidades para prosperar. Ambos subrayan hasta el exceso todo lo negativo que de esa extraordinaria época se puede extraer, convirtiendo en este caso la ciudad de París en un cenáculo de intrigas y corrupción. Me temo que la realidad era bastante más compleja que la descrita por Balzac o Dickens, pero evidentemente la felicidad o la prosperidad no es un tema muy literario; las envidias y las traiciones lo son más.

Y en esa trituradora de vidas entra el iluso Lucien dispuesto a ser un literato de éxito, sin conocer de la vida poco más que lo visto en su pequeña aldea. Sin duda, el relato se vuelve más interesante y vivaz a partir de la traición de Lucien, por razones que hoy día pueden parecer pueriles pero que eran extraordinariamente importantes en aquella época. La preparación de la venganza por sus antiguos amigos, el desprecio que por él sienten los que antes habían sido atacados desde los pasquines, la caída en desgracia y muerte de su amada Coralie, es una verdadera espiral de autodestrucción que vemos gradualmente. Es, al fin y al cabo, un relato moral: el castigo ejemplar a quien peca de soberbia, arrastrado por la misma envidia de quienes le rodean y por su insensatez. Ejemplo de la fuerza gráfica del cine está precisamente en esa magistral escena en la que vemos desde un ángulo cenital en volandas a Lucien sobre su lujoso comedor, entre brazos engalanados que reparten el botín del éxito. Eso es cine puro. No necesitas describir con palabras lo que estás ya viendo, porque el mismo rostro enajenado de Lucien lo dice todo. Una pena que un director que demuestra tal capacidad técnica no la use con más profusión en su desarrollo.

De otras cuestiones técnicas creo que no es necesario explayarse porque son más que evidentes en las imágenes que muestro. Hay una fiel reconstrucción de las calles de París de esa época, así como de los interiores de teatros, mansiones y periódicos. Lo mismo ocurre con el vestuario o la peluquería, cuidados hasta el extremo. Los actores, una mezcla de juventud y veteranía, están magníficos... crueles, soberbios, vulgares, como sus personajes. Especialmente me llamó la atención un joven actor que ha resultado ser Xavier Dolan, el director. No conocía esta faceta artística del canadiense, y ha conseguido realizar una excelente interpretación, muy comedida y exacta, tan refinada y cruel como su personaje.

Su fotografía, tanto de interior como de exterior, es poco menos que magistral. Quizás hubiese sido necesario algún plano general del París de la época, con sus calles embarradas repletas de gente, pero el director, probablemente por su limitado presupuesto, se ha centrado en los planos interiores, iluminados por velas que otorgan ese tono cálido a tantas escenas. Es una película mayormente de nocturnos y, cuando la luz del día entra en cualquiera de los escenarios, inunda sus recovecos con una mezcla entre frialdad y penumbra. No hay mucho espacio para la bondad o la alegría en esta película, ni siquiera formalmente.

La música es, anacrónicamente, más del siglo XVII o XVIII que de una época, 1820, donde ya los románticos (Bellini, Beethoven, Schubert) eran los músicos dominantes. Vivaldi incluso suena al final de la película, lo que resulta absolutamente fuera de contexto cuando fue un autor completamente olvidado hasta principios del siglo XX.

Es evidente que si se ha realizado esta adaptación de la obra balzaquiana es por las similitudes con los tiempos modernos, donde vemos la difusión multitudinaria de bulos a una escala nunca vista. En un momento en que la prensa moderna estaba empezando a conformarse, con la creación de las rotativas y los sistemas de distribución industriales, la comparación es muy evidente. De todas formas, al final es un relato moral con un mensaje muy patente, de condena de los rápidos enriquecimientos a costa del escarnio o el dolor de los demás, aunque veamos de fondo la circunstancial época de la Restauración, justo en esos efervescentes momentos que llevarán a la Revolución de 1830. No está muy lejos de las estampas dibujadas por Hogarth en el siglo XVIII sobre la vida de los libertinos londinenses. Pero por la escasa taquilla que ha tenido la película a nivel mundial, que apenas ha llegado a la mitad de lo gastado, me temo que el mensaje no ha calado mayormente. No creo que hayamos aprendido mucho en estos dos últimos siglos. En realidad nunca aprenderemos, porque la codicia, la envidia o la lujuria son parte intrínseca de la naturaleza humana, tanto como lo es su bondad o su generosidad.

Iniciado por DrxStrangelove

Los “nostálgicos” te dirán que no era para tanto...

A veces la nostalgia no es mas que desmemoria interesada... por no decir otras cosas.

Iniciado por hannaben

Respecto a los GOYA.
Reivindico el ninguneo a VERMUT,ROSALES y demás peliculas.Desproporcionado como siempre hasta Sorogoyen se ha pronunciado
NADA a ALCARRAS y TODO a AS BESTAS +el boom CINCO LOBITOS que no puede ser una peli más random

El cine social no me puede dar mas pereza...esta de la carcel+la de Darin las tengo pendientes...apuff
y esta semana o la otra me toca esta y me temo lo peor,vamos lo de siempre https://www.imdb.com/title/tt0036431/

Con "lo de siempre", ¿qué quieres decir? La de Renoir, vista hoy, 80 años después, desde luego, no se puede valorar como vista en su momento, pero incluso siendo crítico con ciertas cosas del film, te pone la carne de gallina.

EVERYTHING EVERYWHERE ALL AT ONCE (2022, TODO A LA VEZ EN TODAS PARTES)



Estrenada el 8 de abril de 2022 en los Estados Unidos y 3 de junio de 2022 en España.

Dirigida por Dan Kwan y Daniel Scheinert.

Escrita por Dan Kwan y Daniel Scheinert.

Fotografiada por Larkin Seiple, en formato panorámico y Scope.

Musicalizada por Son Lux.

Protagonizada por Michelle Yeoh (Evelyn Wang), Stephanie Hsu (Joy Wang/Jobu Tupaki), Ke Huy Quan (Waymond Wang), Jenny Slate (Debbie the Dog Mom), Harry Shum Jr. (Chad) + James Hong (Gong Gong) y Jamie Lee Curtis (Deirdre Beaubeirdre).











En la ciencia ficción literaria el concepto de “mundos alternativos” es tan antiguo como las propias raíces del género.

Hoy en día, sin embargo y seguramente por influencia de los cómics y, especialmente, de sus adaptaciones a la gran pantalla, se prefiere el de “multiverso”, aunque en el fondo (y en la forma) vienen a ser lo mismo.

La filmografía de la curiosa pareja (artística) que forman los directores (norteamericanos, pese a lo que pudiera diferirse de sus apellidos) Dan Kwan (1988) y Daniel Scheinert (1987), más conocidos como los “Daniels”, por ahora la forman únicamente dos largometrajes tan disímiles (¿o no?) pero apasionantes como SWISS ARMY MAN (2016) – inédita en nuestro país tanto en BD como en DVD – y la cinta hoy comentada.



- Por cierto, espero subsanar en breve semejante dislate por parte de las distribuidoras nacionales y más teniendo en cuenta que la primera ganó en el Festival de Cine de Sitges 2016 los premios a la mejor película y al mejor actor (Daniel “Harry Potter” Radcliffe). -



Por azares de la distribución (de nuevo la palabreja) coincidieron en el tiempo (o en este universo, dado que estamos en materia) dos propuestas tan antitéticas, aunque más en el fondo que en la forma, como son la 28ª entrega del denominado “Marvel Cinematic Universe”, DOCTOR STRANGE (más conocido por los aficionados por EXTRAÑO…) Y EL MULTIVERSO DE LA LOCURA, de Kevin Feige, quiero decir Sam Raimi...



... y TODO A LA VEZ EN TODAS PARTES, de los Daniels.

Y aunque a uno le resten automáticamente varios dígitos de su coeficiente intelectual por declararse fan de las adaptaciones a la gran pantalla de las creaciones de Stan Lee, Jack Kirby, Steve Ditko y compañía, justo es de reconocer que la película hoy comentada le da sopas con honda al antepenúltimo (por ahora) blockbuster marveliano.

Lo que ciertamente me ha sorprendido es que la misma haya recibido la nada despreciable cifra de 11 nominaciones a los Oscar que se entregarán el 11 de marzo, incluyendo película, director, guion, banda sonora, actriz principal (Yeoh), actrices de reparto (Hsu y Lee Curtis) y actor de reparto (Quan).



Y aunque estoy convencido de que finalmente será Steven Spielberg el que se lleve el gato al agua por LOS FABELMAN, sin duda una de sus mejores películas… de los últimos años… me encantaría que esta enloquecida y por momentos desconcertante propuesta diera la sorpresa como lo hiciera en 1992 una película de cuyo nombre no quiero acordarme…

- Por cierto, al padre en la ficción del protagonista (un emulo del propio director) lo encarna Paul Dano que, casualmente, es el coprotagonista de la primera (y ya mencionada) cinta de los Daniels. -

Aunque a la película le sobran minutos (el contador final de mi lector de BD indicaba 2:19:13), uno de los males del cine actual (y del pasado, para qué negarlo), TODO A LA VEZ EN TODAS PARTES es un prodigio de invectiva y donde se homenajea o parodia o ambas cosas a la vez no sólo a títulos míticos del género como 2001: UNA ODISEA EN EL ESPACIO (1968), de Stanley Kubrick o MATRIX (1999), de los Hermanos (ahora Hermanas) Wachowski, sino también a cintas tan maravillosas como IN THE MOOD FOR LOVE (DESEANDO AMAR) (2000), de Wong Kar-wai...



... o RATATOUILLE (2007), de Brad Bird (y Jan Pinkava)...



Incluso hay un pequeño segmento, absolutamente antológico, en el que las dos protagonistas, Evelyn (una espléndida, como siempre, Michelle Yeoh, al que al menos un servidor conoció gracias a la maravillosa TIGRE Y DRAGÓN (2000), de Ang Lee), la madre y Joy (una igualmente excelente Stephanie Hsu), la hija (y la villana de la función), conviven en forma de roca (¡!) en un universo donde la vida todavía no ha surgido y entre ellas se comunican por bocadillos de texto como los de los cómics.



También es impagable ver a la hija de Tony Curtis y Janet Leigh convertida en la antítesis de su personaje más conocido, Laurie Myers, aunque nadie lo diría viendo su participación en el reboot (o cómo d… se denomine) que forma la trilogía LA NOCHE DE HALLOWEEN (2018) / HALLOWEEN KILLS (2021) / HALLOWEEN: EL FINAL (2022).

Ciertamente TODO A LA VEZ EN TODAS PARTES no es una gran película pero sí una propuesta francamente refrescante dentro de un género, el fantástico, que parece vivir una nueva Edad de Oro al igual, por cierto, que el de terror.

Ah, y cuánto menos se cuente de ella, mejor.

Buenas noches y, buena suerte.





P. D. La edición en BD, cortesía de Divisa, tiene una excelente calidad de imagen y de sonido, pero incomprensiblemente el audiocomentario de los directores no ha sido subtitulado al castellano.

Iniciado por hannaben

Respecto a los GOYA.
Reivindico el ninguneo a VERMUT,ROSALES y demás peliculas.Desproporcionado como siempre hasta Sorogoyen se ha pronunciado
NADA a ALCARRAS y TODO a AS BESTAS +el boom CINCO LOBITOS que no puede ser una peli más random

El cine social no me puede dar mas pereza...esta de la carcel+la de Darin las tengo pendientes...apuff
y esta semana o la otra me toca esta y me temo lo peor,vamos lo de siempre https://www.imdb.com/title/tt0036431/

OUT: A mi de da pereza de siempre los musicales en general, las comedias tontorronas románticas, y ahora de manera puntual me harté del cine de mafias, y del subgénero de viajes en el tiempo (por eso no he visto y me va a costar mucho de ver, la que comenta Alcaudón). Y Swiss Army Man me parece que está muy sobrevalorada, pero mucho, la encontré una parida sin gracia, aunque los actores estén bien o sean buenos, no me gusta lo que veo ni lo que me cuentan.

IN: el poliziesco francés de Melville por ejemplo. Y de siempre las género de ciencia ficción postapocalíptico siempre me tiró mucho, y el subgénero de terror de brujería y sectas siempre me ha llamado la atención.

Iniciado por mad dog earle

A veces la nostalgia no es mas que desmemoria interesada... por no decir otras cosas.

Yo, como tú, creo que la nostalgia es esas otras cosas que hasta pereza nos da ya de comentarlas. La nostalgia de dar normalidad a una situación totalmente contraria simplemente me hace pensar en el egoísmo de la raza humana.

Y Todo a la vez en todas partes.
Ya sabemos que la crítica de todas partes les han entregado premios todos a la vez.
Pero otra historia serán los gremios y los académicos. Qué pasará es una de esas incógnitas que permanecen y hacen un poco divertida la carrera hacia el BAFTA, Oscar, etc...