Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Para cuando se hace Niagara, el noir ya lleva años desarrollándose. El período clásico en Norteamérica de este género (llamado así por un crítico francés) son los años 40 y 50, aunque el origen se sitúa anteriormente, sobre todo, en Europa (véase Alemania).
Las bondades de Niagara, sobre todo, creo que se deben a su productor, Charles Brackett, además de guionista, que había hecho incursión en ese género en películas como Días sin huella o El crepúsculo de los dioses.
también el director de fotografía de la cinta, Niagara, Joseph MacDonald, había fotografiado Pánico en las calles, ese noir de Kazan, unos años antes.
De todas formas, los genios como Hitchcock, es muy probable que hayan influido en otros directores de la época. Como otros inspiraron a Hitchcock anteriormente.

Curiosamente todas en blanco y negro. En Niágara tengo la impresión de que la paleta de colores representa por sí misma su propio papel protagonista: donde se puedan incluir un amarillo chillón o un rosa fucsia, en lugar de otra cosa más plana, ahí se meten.

Aprovechando todas las posibilidades que ofrecía el Technicolor, de manera totalmente premeditada. Y todo además iluminado de manera profusa. Quizá para que, cuando se arroje alguna sombra, pueda sobreentenderse que se está infiriendo algún significado velado. O bien para añadir cierta profundidad y diferenciación al tono de la película, en función de lo que pida la escena.

Iniciado por hannaben

Sole

https://64.media.tumblr.com/f65fb5b9...2731aeb46a.jpg

Lena (S Drzymalska), adolescente polaca accede a vender su bebé a una pareja italiana sin hijos. Ermanno (C Segaluscio), sobrino de la pareja, debe hacerse pasar por el padre biológico del bebé para la adopción, eludiendo las leyes que prohíben la subrogación. La relación de los dos jovenes es árida, obligados a cohabitar y preocupados por sus respectivos cheques,Lena y Ermanno son incapaces de cuidar de sí mismos.Gradualmente la distancia se irá desvaneciendo entre los dos y con la llegada del bebé, Ermanno recupera un poco de amor propio en su estado habitual de inutilidad ludópata.

El guión sugiere lo suficiente,vemos a dos jovenes tristes,con carencias.


Actuaciones a destacar,cerrada como un puño.... la del actor no profesional Segaluscio,hermético más allá de la rabia.Ira indiscriminada, tan probable hacia sí mismo como hacia afuera. Lena se mantiene entre la calma y la indiferencia.
Con los ojos vidriosos murmura que no sabe nada de sus padres. Ermanno, en una conversación con su tío, reconoce el hecho más tragico de su vida. Pero la fisicalidad de su actuación,su comportamiento,la inesperada ternura al cambiar el pañal del bebé, habla de manera más articulada que cualquier diálogo.

Igualmente expresiva es la partitura y ese desenlace en el que se tornan los impetus.


7.3/10

Pude verla en un pase de prensa y me gustó bastante. Tiene un punto amateur en sus interpretaciones que cae (como ocurre muchas veces) en el lado positivo de lo creíble. Ella con sus pocas palabras, él aún menos. Va todo donde esperas pero de un modo natural. Además, como me suele ocurrir con Italia, saben humanizar situaciones como estas con una extrema naturalidad. Y eso que todo lo que vemos es poco agradable en términos sociales y humanos.

Tengo ganas de verla de nuevo. Creo que circulaba por Filmin.

El domingo revisé, porque me apetecía, Tesis (la tenéis en HBO Max). Que siendo un film casi de cierto terror y tal me resulta extrañamente reconfortante. Joder me mola revisarla cada x tiempo. Y eso que sigo viendo a Fele Martínez algo subido de revoluciones, a Eduardo Noriega poco sutil y a Anna Torrent un poco mayor para el papel (tenía unos 29-30 por entonces, pero los 29-30 de esos años, porque ahora es otra historia). Y creo que Amenabar juega tarde, y torpemente, al despiste con que el asesino sea Chema o incluso Yolanda.

Pero vaya que me gusta la película y me parece un debut cojonudo.

THE MUSTANG
Un prisionero conflictivo entra a un programa de rehabilitación equina donde, inesperadamente, se siente identificado con el mustang que debe domar.


Logró captar mi atención, aunque al final casi se queda en la anécdota. Surgen un par de subtramas que parecen relevantes, pero no llevan a ningún lado. Aun así fue algo interesante de ver.

Como nota anecdótica: Participa el actor Bruce Dern, a quien yo no había vuelto a ver desde "Hang 'Em High" (1968) y lo reconocí por la pura sonrisa.

Iniciado por Wembley_86

Curiosamente todas en blanco y negro. En Niágara tengo la impresión de que la paleta de colores representa por sí misma su propio papel protagonista: donde se puedan incluir un amarillo chillón o un rosa fucsia, en lugar de otra cosa más plana, ahí se meten.

Aprovechando todas las posibilidades que ofrecía el Technicolor, de manera totalmente premeditada. Y todo además iluminado de manera profusa. Quizá para que, cuando se arroje alguna sombra, pueda sobreentenderse que se está infiriendo algún significado velado. O bien para añadir cierta profundidad y diferenciación al tono de la película, en función de lo que pida la escena.

Sí. En la época clásica (los 40 y 50), el blanco y negro era muy habitual en el cine negro. Sobre todo, en los 40 fueron muy contadas las películas en color. Por ejemplo, me estoy acordando de esa maravilla de Que el cielo la juzgue, donde también el paisaje (como creo que ocurre en Niagara con las cataratas) juega un papel importante.
Aún en color, recuerdo, en la linea que comentas, que juega mucho en Que el cielo la juzgue con las sombras de la noche y la madrugada.
Pero vamos, que sigo pensando en blanco y negro, o sea, lo asocio al cine negro.

Iniciado por Wembley_86

Curiosamente todas en blanco y negro. En Niágara tengo la impresión de que la paleta de colores representa por sí misma su propio papel protagonista: donde se puedan incluir un amarillo chillón o un rosa fucsia, en lugar de otra cosa más plana, ahí se meten.

Si algo me ha maravillado siempre de Niagara (además de la Monroe y su canturreo del "Kiss" ) es el color y la atmósfera que consiguieron, sobre todo en las escenas rodadas en Niagara Falls. Tras la cámara, uno de los grandes: Joseph (o Joe) MacDonald. Hablamos de él varias veces en el ciclo que dedicamos a Kazan: Pinky, Panic in the Streets, Viva Zapata!.

Y tampoco querría olvidarme que el director de Niagara, Henry Hathaway (al que se asocia mayormente al western), también dirigió previamente otros "noir" como The dark corner o Kiss of death.
Por cierto, que con Niagara, la Monroe ya tuvo caché de estrella. Todo lo que vino después (Los caballeros las prefieren rubias, etc...) fue la confirmación de que estaba en lo más alto de la fama y la taquilla, incluso.

Iniciado por tomaszapa

Y tampoco querría olvidarme que el director de Niagara, Henry Hathaway (al que se asocia mayormente al western), también dirigió previamente otros "noir" como The dark corner o Kiss of death.

Y Call Northside 777 con tu admirado James Stewart.

Cierto. buen apunte. Donde además, compartía pantalla y protagonismo con Richard Conte, el años más tarde célebre Emilio Barzini, el jefe de segundo grupo mafioso más poderoso del país, tras los Corleone, en la primera parte de El Padrino. Digamos que era el mayor enemigo de Don Vito, papel al que por cierto en algún momento optó.

Anoche, y ya que el domingo revisé Tesis, revisé Abre los ojos. Esta la he visto menos veces, de hecho había cosillas que recordaba a medias. Joder pues me he sorprendido de lo bien que aguanta el tiempo. La transición de película casi ligera urbana madrileña del principio, luego drama y finalmente ciencia ficción mola. Y el guión es lo suficientemente sólido como para mantener la atención y ser coherente.

Penélope Cruz está en esa fase que estaba muy graciosa (a medio camino entre mona y sexy) diciendo sus frases.

(mola lo de que Sofía diga que vive en ese piso porque el alquiler está tirado.. Imaginad ahora )

Doce voces gritaban enfurecidas, y eran todas iguales. No había duda de la transformación ocurrida en las caras de los cerdos. Los animales asombrados, pasaron su mirada del cerdo al hombre, y del hombre al cerdo; y nuevamente, del cerdo al hombre; pero ya era imposible distinguir quién era uno y quién era otro.





GEORGE ORWELL

…

MISMOS PERROS CON DISTINTOS COLLARES

o

REVISANDO CLÁSICOS: EL (MAL LLAMADO) CINE DE PROPAGANDA POLÍTICA:

THE NORTH STAR (1943)



Director: Lewis Milestone.

Producción: Samuel Goldwyn Productions, Inc. (Copyright 1943 by Crescent Productions, Inc.).

Distribución: RKO Radio Pictures, Inc.

Productor: Samuel Goldwyn.

Productor adjunto: William Cameron Menzies.

Historia original y guion: Lillian Hellman.

Fotografía: James Wong Howe, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: Perry Ferguson y McClure Capps.

Decorados: Howard Bristol.

Música: Aaron Copland.

Montaje: Daniel Mandell.

Reparto: Anne Baxter (Marina), Dana Andrews (Kolya), Walter Huston (Dr. Kurin), Walter Brennan (Karp), Ann Harding (Sophia), Jane Withers (Clavdia), Farley Granger (Damian) y Erich von Stroheim (Dr. von Harden).

Rodaje: de mediados de febrero a finales de julio de 1943.

Duración: 106 minutos.

Estreno: 4 de noviembre de 1943.



…

6 nominaciones a los Oscar, incluyendo guion, fotografía y música

…

Ucrania / 1941

…

Boris Simonov / Carl Benton Reid +

Nadya Simonov / Ruth Nelson

Kolya Simonov / Dana Andrews * +

Damian Simonov / Farley Granger *

…

Rodion Pavlov / Dean Jagger

Sophia Pavlov / Ann Harding

Marina Pavlov / Anne Baxter *

Olga Pavlov / Ann Carter +

…

Dr. Pavel Kurin / Walter Huston

Anna Kurin / Esther Dale

Clavdia Kurin / Jane Withers * +

Grisha Kurin / Eric Roberts *

…

Karp / Walter Brennan

…

Dr. Otto von Harden / Erich von Stroheim +

…

El director de origen ruso Lewis Milestone (1895-1950) es uno de los grandes olvidados dentro del selecto grupo de los mejores cineastas norteamericanos del siglo XX.



Algo totalmente incomprensible desde mi punto de vista puesto que en su filmografía se encuentran alguno de los ejemplos de cine (anti)bélico más notables de la Historia del Cine.

Títulos como SIN NOVEDAD EN EL FRENTE (1930) – de la que la bellísima TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR (1958), de Douglas Sirk es seguramente su más digna sucesora -, EDGE OF DARKNESS (1943), THE NORTH STAR (1943), THE PURPLE HEART (1944) o A WALK IN THE SUN (1945) – estos cuatro últimos inéditos en salas comerciales en nuestro país – son clásico indiscutibles puesto que no hablan tanto de la épica de los combates como de los estragos que estos producen no sólo en la población civil sino también en los propios soldados que luchan en ellas.

U obras maestras del cine de aventuras como REBELIÓN A BORDO (1962), monumental fracaso en taquilla debido en buena manera a los desmanes de su protagonista, un por otra parte excepcional Marlon Brando y con la que cerró su ejemplar filmografía.

Y no podemos olvidarnos tampoco de uno de los grandes títulos del cine negro de los ‘40 como es THE STRANGE LOVE OF MARTHA IVERS (1946), en el que debutaría el más que centenario Kirk Douglas (1916-2020).

Un director incluido entre los Diecinueve de Hollywood, el grupo de testigos “hostiles” que se negaron a declarar sobre su pertenencia o no al partido comunista cuando fueron convocados por el HCUA (House Committee on Un-American Activities) del 27 al 30 de octubre de 1947.

A pesar de no figurar en la Lista Negra Milestone quedaría relegado durante años en Hollywood hasta el punto de tener que emigrar a Europa en 1952.

THE NORTH STAR, rodada entre la primavera y el verano de 1943, narra la invasión de una apacible aldea ucraniana por las tropas…

… alemanas…

Como podréis deducir fácilmente el paralelismo con la situación actual es absolutamente estremecedor y no tenemos más que cambiar a los alemanes…

… por los rusos…

De ahí el epígrafe con el que se inicia la reseña (“Mismos perros con distintos collares”).

En el magnífico guion que sustenta el entramado de la película y que firma en solitario la gran Lillian Hellman (1905-1984)...



... también colaboraron el compañero sentimental de esta, Dashiell Hammett (1894-1961) y Edward Chodorov (1904-1988), aunque el primero sólo en sus primeras fases puesto que en 1942 y a raíz del ataque a Pearl Harbour se alistó en el Ejército y eso a pesar de frisar la cincuentena…

Antes de seguir adelante me gustaría indicar que el proyecto inicial de Samuel Goldwyn (quien, pese a su nombre, no participó en la fundación de la Metro-Goldwyn-Mayer), el más poderoso de los productores independientes junto a David O. Selznick, era rodar un documental en (y sobre) la U.R.S.S., con el beneplácito de esta y con profesionales de la talla del director William Wyler, el operador jefe Gregg Toland y la guionista… Lillian Hellman.

El alistamiento de los dos primeros obligó a cambiar los planes y sería idea de Hellman transformar ese documental en una obra de ficción sobre el inicio de la invasión de la U.R.S.S. por parte de los ejércitos del genocida Adolf Hitler.

Sería también la propia Lillian quien recomendaría la contratación de Milestone, no sólo por sus orígenes sino por el recuerdo de la grandiosa (y ya mencionada) SIN NOVEDAD EN EL FRENTE, cinta que se llevó (al menos por una vez de forma incuestionable) el Oscar tanto a la mejor película como al mejor director en la ceremonia celebrada el 5 de noviembre de 1930.

Por tanto y como decía, la historia comienza un día antes del inicio de la Operación Barbarroja.

Estamos, por tanto, a 21 de junio de 1941.

Esa visión tan bucólica de la aldea denominada “La Estrella del Norte” y de ahí el título original de la película y que bien podría haber sido facturada por la industria cinematográfica soviética de la época y que tantos quebraderos de cabeza traería a su productor, Samuel Goldwyn, durante la Caza de Brujas por su más que evidente loa a las bondades del regimen estalinista…



… antes de que se conocieran las atrocidades cometidas por otro genocida de primera magnitud como fue Iósif Stalin…

… y del que su sucesor, Vladímir Putin, parece un discípulo aventajado…

… seguramente haría sonrojar al cinéfilo más curtido, servidor incluido…

Sin embargo, ese segmento que dura aproximadamente media hora y en el que se nos presenta a los que serán los protagonistas del relato, es absolutamente esencial para intentar aprehender el aterrador destino que el azar (o más bien los mandos alemanes) ha dispuesto para la pequeña (e idealizada) aldea ucraniana.

Dicho protagonismo es colectivo, acorde con el propio colectivismo que regía en la sociedad soviética poszarista y por ello el brillante libreto de Hellman (y colaboradores) lo personaliza en las familias Simonov (el padre, Boris (Carl Benton Reid); la madre, Nadya (Ruth Nelson) y los hijos, Kolya (Dana Andrews) y Damian (Farley Granger)); Pavlov (el padre, Rodion (Dean Jagger, por cierto, un furibundo anticomunista, al que el recuerdo de esta película seguro que le provocaría las más terribles pesadillas...); la madre, Sophia (Ann Harding) y las hijas Marina (Anne Baxter) y Olga (Ann Carter)) y Kurin (el abuelo, el doctor Pavel (Walter Huston); la abuela, Anna (Esther Dale) y los nietos, Clavdia (Jane Withers) y Grisha (Eric Roberts)).

A ellos habría que añadir el personaje del buhonero Karp (Walter Brennan) que tendrá igualmente un papel destacado en la trama.

La figura del doctor Pavel Kuric (Huston) tendría su imagen especular (o sea, inversa) en la del doctor Otto von Harden, encarnado por el siempre espléndido Erich von Stroheim, quien no sólo fue uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos sino que también un actor de raza…



… y no precisamente de la aria…

Y un ejemplo de que la cinta no es un mero panfleto de propaganda puesto que se le otorga a la figura del doctor von Harden una dignidad de la que carecen sus compatriotas,



... aunque sea una versión distorsionada del personaje que encarnaba en la magistral LA GRAN ILUSIÓN (1937), de Jean Renoir.

Walter Huston, por cierto, ya había participado en la cinta previa del director, la ya mencionada EDGE OF DARKNESS, del mismo año y un título incluso superior a la espléndida cinta hoy comentada.

Muchos de los actores y actrices que configuran el soberbio reparto de la película, así como varios de los miembros del equipo técnico, sufrirían en sus propias carnes su adscripción a las Listas Grises o Negras de la mencionada Caza de Brujas del senador McCarthy.

El director Lewis Milestone; la guionista Lillian Hellman; el director de fotografía James Wong Howe; el compositor Aaron Copland; el letrista (de las canciones que trufan el primer tramo del relato) Ira Gershwin, hermano mayor del más famoso George Gershwin; la actriz Ruth Nelson…



Algo lógico por otra parte la presencia de tantos “rojos” en una película que aparentaba ser un mero panfleto prosoviético…

La paranoia anticomunista llegó hasta tal punto que para su reestreno en 1957 la película sufrió no sólo una serie de brutales cortes sino también el añadido de imágenes procedentes de la invasión soviética de Hungría en 1956, amén del cambio de título por el más contundente ARMORED ATTACK! para de esta forma subvertir por completo el mensaje original de la misma…



… que no era otro que la denuncia de las atrocidades cometidas por los invasores (sean cuales sean) contra la población civil…

… tal y como ocurre en estos mismos momentos...

De esta forma el viaje (en cierta forma iniciático) que efectúan a la capital, Kiev (la hoy igualmente ultrajada por las actuales tropas rusas), Marina (Baxter), Kolya (Andrews), Clavdia (Withers), Damian (Granger) y Grisha (Roberts), a los que luego se unirá Karp (Brennan), para celebrar el final del curso escolar, se convertirá en el inicio de la peor pesadilla posible…

Esa pérdida de la inocencia de los jóvenes (a excepción del más curtido Kolya) será reflejada de forma absolutamente magistral cuando los primeros aviones de la Luftwaffe hagan su aparición en territorio soviético.

Por ello y como mencionaba al principio, las canciones que los protagonistas van desgranando desde la preparación de su viaje en su aldea natal hasta la realización del mismo, cargadas de un profundo amor por la patria… ucraniana…

… serán salvajemente cercenadas por el ataque sin previo aviso de las tropas alemanas...

A partir de entonces ya no habrá más canciones en la película y el sonido que lo cubrirá todo será primero el de las tropas invasores y después el de los ucranianos quienes no dudarán en incendiar su propia (y amada) aldea antes de dejar que los alemanes se apropien de ella.

Milestone filma con absoluta maestría los combates entre ambas partes, para lo cual cuenta además con la portentosa fotografía del gran James Wong Howe y no le tiembla el pulso tampoco cuando muestra las brutalidades de los invasores, como la estremecedora secuencia del uso de los niños de la aldea para proporcionar plasma sanguíneo a los soldados enemigos o la tortura a la que se ve sometida la madre de Marina, Sophia (Harding), quien previamente ha visto perecer ametrallada a su hija pequeña, Olga (Carter), al negarse a delatar dónde se encontraban los hombres (en edad de luchar) de la aldea.





Muchos de los protagonistas perecerán en la batalla (Kolya, Clavdia) o serán gravemente heridos (Damian)...



... pero lo que no lograrán quebrantar será la esperanza de los ucranianos en que pronto serán los alemanes los que sufran en su propia carne la justa venganza de los que antes fueron sus víctimas.

Esperemos que las palabras finales de la bella Marina…



It will be different for us.
Wars don't leave
people as they were.
All people will learn this
and come to see that
wars do not have to be.
We'll make this the last war.
We'll make a free
world for all men.
The Earth belongs to us, the
people, if we fight for it.
And we will fight for it!

… no caigan en saco roto…

Buenas noches y, buena suerte…

… que la necesita y mucho el pueblo ucraniano…

P.D. El que piense que la presente crónica no es más que un vulgar panfleto antibélico…

… tiene toda la razón…

Ah, y que conste que de joven me declaré objetor de conciencia...

Como dije en otro hilo, y como bien cuenta en su estupenda review Alcaudón, quién nos iba a decir que íbamos a entrar, casi en modo bucle, en una máquina del tiempo que retrocede al preámbulo de la 2ª Guerra Mundial. A veces tengo dudas de si avanzamos o retrocedemos.

Revisando el ciclo de hombres lobo de Universal, que es el que menos tengo visto: El hombre lobo aguanta el tipo tal y como recordaba. Construye una atmósfera de sugerencia, misterio y enraizamiento de las mitologías del pasado, que, sin que lo podamos evitar, irrumpe y destroza nuestro presente y se muestra como inalcanzable para nuestros progresos tecnológicos modernos. Así, frente al modernismo y el progreso representado por la familia Talbot (con su telescopio y sus estudio astronómicos) tenemos a los gitanos de la feria, con Bela Lugosi y María Oupenskaya a la cabeza, como vértice de la superstición y de las viejas leyendas europeas que nunca mueren.
Se le dio bastante cera a esta película, no sé si porque George Waggner no es James Whale ni Tod Browning, o porque Lon Chaney Jr. no es Lon Chaney Sr. pero en cualquier caso, solo la atmósfera que en pocos minutos logra construir le hace hueco en el cine fantástico.



Un puntito me ha bajado, en cambio, la anterior El lobo humano. En su día me sorprendió gratamente por apostar por un enfoque radicalmente distinto a las habituales leyendas del mundo sobrenatural, y tirar más por laboratorios, ciencia y estudios científicos. Así, el doctor Glendon encabeza una expedición al Tibet, donde pretende conseguir un ejemplar de una rarísima planta, que solo crece en esos lares y además, solo cuando la luna está llena. Sin duda alguna el mejor hallazgo de la película es su prólogo en el Tibet, en esa montaña maldita y rodeada de leyendas, con demonios invisibles que intentan expulsar a los intrusos.
Una vez de vuelta en civilización, la película se pierde demasiado en los devaneos sociales de la esposa de Glendon, Lisa, y su acercamiento a su ex-pretendiente, parejo a la caída en los abismos de Glendon cuando empiece a convertirse en sanguinario hombre lobo, o los alivios cómicos representados por las dos solteronas alcohólicas que regentan la pensión, donde Glendon se refugia para sufrir sus transformaciones.

Yo comenté recientemente ambas películas en un programa doble dentro de una serie dedicada a las Criaturas (que no Monstruos, salvo en el caso de Drácula) de la Universal de los años '30.

https://www.mundodvd.com/las-ultimas...3/#post4662151

LAS (NO NECESARIAMENTE) MEJORES ADAPTACIONES A LA GRAN PANTALLA DE “LOS VIAJES EXTRAORDINARIOS” (1863-1905) DE JULES VERNE (1828-1905) / PARTE V:

MYSTERIOUS ISLAND (1961, LA ISLA MISTERIOSA)



Director: Cy Enfield.

Producción: Ameran Films Ltd.

Distribución: Columbia Pictures Corp.

Productor: Charles H. Schneer.

Guion: John Prebble, Daniel Ullman y Crane Wilbur, basado en la novela “L’Île mystérieuse” (París, 1874-1875). [Serializada previamente en la revista “Magasin d’éducation et de récréation” del 1 de enero de 1874 al 15 de diciembre de 1875].

Fotografía: Wilkie Cooper, en Technicolor y SuperDynamation.

Efectos visuales especiales: Ray Harryhausen.

Dirección artística: Bill Andrews.

Música: Bernard Herrmann.

Montaje: Frederick Wilson.

Reparto: Michael Craig (Capitán Cyrus Harding), Joan Greenwood (Lady Mary Fairchild), Michael Callan (Herbert Brown), Gary Merrill (Gideon Spilett) y Herbert Lom (Capitán Nemo) + Beth Rogan (Elena), Percy Herbert (Sargento Pencroft) y Dan Jackson (Neb).

Inicio de rodaje: 20 de junio de 1960.

Duración: 1 h 40 m 45 s.

Estreno: 20 de diciembre de 1961.



De las 54 novelas que componen “Los Viajes Extraordinarios” de Jules Verne desde niño mis favoritas siempre han sido “Viaje al centro de la Tierra” (1864) [3] y “La isla misteriosa” (1874-1875) [12].

“La isla misteriosa” forma una “trilogía” (nótese el entrecomillado) con “Los hijos del capitán Grant” (1865-1867) [5] y “Veinte mil leguas de viaje submarino” (1869-1870) [6].

- La primera será la entrega n.º 7 (y última) de la presente revisión y la segunda fue la que abrió la misma. -

El motivo es la presencia de personajes comunes en las tres novelas: el traidor Ayrton en “Los hijos del capitán Grant” y “La isla misteriosa” y el capitán Nemo en “Veinte mil leguas de viaje submarino” y “La isla misteriosa”.

De esta forma, “La isla misteriosa” sirvió de broche perfecto para cerrar el ciclo más fértil y poderoso de la obra verneana.

Por su parte, LA ISLA MISTERIOSA (1961), de Cy Enfield, fue la sexta de las doce colaboraciones entre el productor Charles H. Schneer (1920-2009) y el mago de los efectos especiales predigitales Ray Harryhausen (1920-2013) y la tercera en ser rodada en Dynamation (o SuperDynamation), un procedimiento ideado por este en el que se combinaba la técnica del stop motion con el uso de retroproyecciones con unos resultados espectaculares… para la época.





Seamos sinceros.

Si LA ISLA MISTERIOSA tiene un pequeño hueco en el corazoncito de los cinéfilos más curtidos no es por ser una versión fiel de la (espléndida) novela de Verne o por el (funcional) trabajo del blacklisted Cy Enfield (1914-1995) – quien tiene en su haber una excelente cinta de aventuras (no fantásticas) como es ZULÚ (1964) – sino por la aparición de las fantásticas criaturas surgidas de la fértil imaginación de Harryhausen y que tomaron la forma de gigantescos crustáceos, aves, insectos y moluscos.









Porque lo cierto es que LA ISLA MISTERIOSA (película) se parece a “La isla misteriosa” (novela) como un huevo a una castaña.

De hecho, LA ISLA MISTERIOSA es la acentuación de la progresiva pérdida de la identidad verneana que hemos ido apreciando en las últimas adaptaciones de la obra del autor nacido en Nantes y que se inició a partir de VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA (1959) con la inclusión de personajes femeninos, algo que Verne evitó a lo largo de toda su obra salvo en el caso de “Los hijos del capitán Grant”.

Y si allí era una, aquí serán dos las féminas por aquello de rizar el rizo.

Además el guion pergueñado a seis (¡6!) manos por John Prebble, Daniel B. Ullman y Crane Wilbur tritura a conciencia la magnum opus de Jules Verne hasta dejarla prácticamente irreconocible.

Por ello no hubiese sido nada descabellado llamar a la película por ejemplo, EL CAPITÁN NEMO Y LA ISLA MARAVILLOSA, dado no sólo el protagonismo que alcanza el primero sino también por el desfile de portentosas criaturas que asedia a los protagonistas y que han salido de los ¿laboratorios? del citado capitán.

Y es que en esta película Nemo se trasmuta de ingeniero en genetista como por arte de magia.

Y los cinco protagonistas de la novela (el ingeniero - como el capitán Nemo original - Cyrus Smith; el periodista Gedeón Spilett; el criado negro – manumitido - del primero, Nab; el marino Pencroft y el hijo del capitán de este, Harbert) y que huyen en globo de la prisión militar en la que se encuentran los tres primeros en el último año de la Guerra de Secesión (1861-1865) si bien mantienen su número en la traslación a la gran pantalla sus personalidades están completamente desdibujadas.

Y como decía el añadido de dos mujeres víctimas de un naufragio no hace sino enfangar todavía más el relato.

Tengamos en cuenta además que de todas las novelas de Verne que componen el ciclo objeto de esta revisión sólo tres constan de tres volúmenes y por tanto son las más extensas: “Los hijos del capitán Grant”, “La isla misteriosa” y “Mathias Sandorf” (1885).

Por tanto, si a la cinta que dura poco más de 100 minutos le quitamos las secuencias protagonizadas por las criaturas harryhauserianas el resultado es…

… cualquier cosa menos la novela cumbre del autor francés.

El tema de las robinsonadas era además central en la obra de Verne y al que dedicó cinco de sus novelas: “La isla misteriosa”, “Escuela de robinsones” (1882), “Dos años de vacaciones” (1888), “Segunda patria” (1900) – continuación directa de “El Robinson suizo” (1812), de Johann Wyss [y comentada recientemente en este mismo rincón] y la póstuma “El ácrata de la Magallania” (escrita en 1897-1898 pero no publicada hasta… 1987).

Por ello el personaje de Cyrus Smith (Harding en la película) es el más perjudicado de todos pues pasa de convertirse en el cerebro del grupo a un mero comparsa frente a la (apabullante) presencia del capitán Nemo.



Y el citado Ayrton, abandonado por su villanía al final de “Los hijos del capitán Grant” y que resulta fundamental en la resolución de “La isla misteriosa” no es aquí más que un pobre esqueleto al que encuentran en las Chimeneas y sin la menor relación con la novela madre.

En resumen.

Alabar el formidable trabajo del gran Ray Harryhausen, uno de los grandes autores (en el pleno sentido de la palabra) del Séptimo Arte y, por supuesto, la maravillosa partitura del inmarcesible Bernard Herrmann (1911-1975), quien no sólo puso banda sonora a las grandes obras maestras de Alfred Hitchcock sino que colaboró estrechamente con el primero en sus títulos más señeros, desde SIMBAD Y LA PRINCESA (1958) - la obra maestra del tándem - hasta JASÓN Y LOS ARGONAUTAS (1963).

Sólo volviendo a ser niños disfrutaremos en su justa medida de esta simpática cinta.

Vosotros mismos.

Buenas noches y, buena suerte.

Y ese bonito guiño del aprendiz (Harryhausen) al maestro (O'Brien)...





And somebody spoke and I went into a dream...

Las crueles


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Historia desigual en estilo de suspense y pinceladas de terror que gira en torno a un editor de novelas (C Estrada) que recibe un macabro regalo que contiene una mano de mujer. Una relación olvidada entre el editor y una joven (J Matheson) reaparece cuando se manda la singular caja.Podría haber sido enviada por una mujer misteriosa (Capucine)...todo se va liando cuando la esposa (T Gimpera) se entera del engaño de su marido.

En 1960s se rodaron varias pelis con guiones de Gonzalo Suarez mezclando realidad y fantasía.¨Las Crueles¨está basada en ¨Bailando para Parker¨
Tuvo cierto éxito en la taquilla española, es peculiar en su intriga psicologica de amor retorcido.Aunque presenta altibajos,cumple con el desconcierto.


6.6/10

Revisitada la opus magna del trash Pink Flamingos, que precisamente este año cumple la friolera de 50 años. Famosa por su obscenidad y provocación, este film coronó a John Waters como "el rey del mal gusto". Lo cierto es que revolucionó el cine independiente y las sesiones golfas, convirtiéndose en un auténtico film de culto que aguantó en cartel durante años.



La figura clave del film es Divine y toda la acción pivota entorno a ella. Carismática y alocada, se convirtió en el personaje fetiche de su director y en toda una declaración de principios: "Matar a todos, perdonar el asesinato en primer grado, apoyar el canibalismo, comer mierda. ¡Esa es mi política y esa es mi vida!" grita al final del film antes del célebre momento de la coprofagia, una patada en el estómago al espectador. Una fotografía feista y el delirante uso de canciones clásicas del Rock N`Roll (Little Richards o The Trasmen) otorgan personalidad al inolvidable trabajo de Waters.




No es una película para hacer disfrutar al espectador (¿o sí?) sino que Waters dinamita el establisment con su irreverencia y sarcasmo. Sin censuras y con un humor negro muy salvaje que se iría domesticando cuando el director entró en Hollywood.

En sus propias palabras, gracias por hacer que la basura sea un poco más respetable. Un artista irrepetible.

AN AMERICAN PICKLE
Un trabajador de una fabrica de pepinillos en conserva queda accidentalmente atrapado en un contenedor durante 100 años. Al poco después de ser liberado en la época actual, inicia una rivalidad de negocios con su propio nieto, quien ahora tiene la misma edad que él.


Hay una buena película sepultada bajo muchos malos chistes, o tal vez sea simplemente que su humor no es lo mio.
Hubiera funcionado mejor como cortometraje o episodio unitario, algún formato que resumiera la trama.

Anoche vi Old (que aquí es Tiempo lo cual me emociona porque es muy fiel a la traducción literal ) porque el otro día me acordé de ella y la trama es de las que ya molan y te apetece ver.

Y aunque sucede todo del modo que más o menos esperas... Rollete. Diálogos insípidos, no me he quedado con ningún personaje, no hay emoción, la trama mola pero no sale de un posible relato corto o episodio de Twilight Zone, la foto/paisajes se me antojan aburridos (y eso que es una playa isleña y tal), las explicaciones finales y tal (incluida la escena final en el helicóptero) son de un explicativo tal, como para quien se acaba de despertar después de sobarse media peli, que prefiero creer que fue una imposición

Me ha sorprendido ver a Gael García Bernal al que vi en 2021 en la magnífica Ema y en No, ambas de Pablo Larraín, y me ha sorprendido con un inglés muy decente y no parece que se establezca que es latino. Anda por ahí Thomasin McKenzie (vamos que Shyamalan ha trabajado por separado con las dos protas de Last Night in Soho).

Synch, no te olvides de Cyrano (qué se que no, cuando te apetezca).

Iniciado por Branagh/Doyle

Synch, no te olvides de Cyrano (qué se que no, cuando te apetezca).

Poco a poco Llevo 3 semanas de pases (sobre todo francesas ) e incluso de una serie documental de Moto GP. Le doy a todo Mi plan es en primavera regresar a clásicos y musicales

¡Me alegro muchísimo de volverte a ver por estos páramos, Jane Olsen! , aunque el motivo sea esa vergonzosa guerra que nos retrotrae a los momentos más oscuros, sórdidos y terribles del pasado.

Iniciado por Synch

Poco a poco Llevo 3 semanas de pases (sobre todo francesas ) e incluso de una serie documental de Moto GP. Le doy a todo Mi plan es en primavera regresar a clásicos y musicales

Para Semana Santa a ver si puedes hacer Pacific Overtures. Es que tengo mucho interés en ver que te parece. Un musical histórico ambientado en Japón.