Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por rohmerin

Entre pausas publicitarias anoche en los GG estuve pensando en arreglar Teta-nic: con tetas hubieses estado mejor, o no. ¿Por qué nadie habla de la segunda clase? ¿Por qué Rose no se fugó a tercera, y se casa con él en ceremonia judía o católica?, que son las más visualmente llamativas, porque en tercera, quitabas un petate, y te salía un rabino ruso o un cura irlandés. La madre de Rose y el malo rico, la buscan, los buscan, y los pobres los disfrazan, los esconden, hay conflicto de clases, hasta conciencia de clases, muy NOVECENTO y les esconden, y cuando el rabino / cura les va a casar.... pachán.... el icerberg.
¿¿¿Por qué Rose es pelirroja??? ¿La actriz madre es pelirroja?

Todo eso teniendo en cuenta de que Rose se quiera suicidar y él la salve, porque el suicidio y todo ese encuentro -salvador- está tan pillado con alfileres, es tan inverosímil, que todo se viene a abajo (para mi)

En fin, que discrepo, a mi me espanta.

Y recuerdo el 98, todo niñas, todo chicas llorando, la veían dos, tres o más veces
Era el infierno.

pero en este foro, que he googleado
y la tiene todo el mundo en casa
que hay hilos super concurridos
de
PRESUNTOS machos
que sois / o decís ser

quizá con pelo en pecho
todos hetero, eso decís ja ja

... que os guste el Titanic con Leonardoooooo
pues se me escapa la verdad

nenazas :-)

NO leas, pues, este post sobre la BSO de Titanic

Iniciado por Synch

NO leas, pues, este post sobre la BSO de Titanic

Ahí, AUTOPROMO.

REVISANDO (SUCINTAMENTE) LA FILMOGRAFÍA DE FRANK CAPRA (1897-1991) / PARTE II:

02. LONG PANTS (1927, SUS PRIMEROS PANTALONES)



Director: Frank Capra.

Producción: Harry Langdon Corp.

Distribución: First National Pictures, Inc.

Guión: Robert Eddy, a partir de una historia de Arthur Ripley.

Fotografía: Elgin Lessley.

Reparto: Harry Langdon (Harry Shelby), Gladys Brockwell (Su madre), Alan Roscoe (Su padre), Priscilla Bonner (Su novia, Priscilla), Alma Bennett (Su perdición, Bebe), Betty Francisco (La contrincante de su perdición).

Duración: 58 m 07s / 6 rollos.

Estreno: 10 de abril de 1927.

Segunda (y última) colaboración entre el cómico Harry Langdon (1884-1944) y el director de origen siciliano (o tercera si contamos UN SPORTMAN DE OCASIÓN (1926) donde colaboró anónimamente en el guión y en la dirección).



Como ya comentaba en la primera entrega del coleccionable, Langdon es una estrella del cine cómico mudo hoy completamente olvidada, como lo son, por otra parte, muchos de sus coetáneos, salvo Charles Chaplin, Busker Keaton, Harold Lloyd o Stan Laurel y Oliver Hardy.



Y aunque tal vez sea en estos dos trabajos del gran Frank Capra (1897-1991) donde más y mejor brille su talento, lo cierto es que la mayor parte del mérito se lo debería llevar el director puesto que elabora una propuesta en la que los gags (más o menos conseguidos) están subordinados a la historia (por muy descabellada que nos parezca) y donde además sabiamente los gradúa hasta el catártico final.

Langdon encarna aquí (al igual que en EL HOMBRE CAÑÓN) a un hombre aniñado (o a un niño grande) cuya experiencia (sexual) de la vida se limita a los libros que lee en la biblioteca municipal de Oak Grove, lugar en el que reside.

Nuestro protagonista únicamente lee libros de la sección “romance” lo que evidentemente y dados los tiempos que corrían le dan una visión ciertamente distorsionada del mundo femenino de la época.

Capra inteligentemente nos muestra la labor de recolección de títulos en la citada biblioteca y luego la llegada del personaje a su casa, en concreto al altillo donde vive, pero de forma que no vemos su figura.



Aquí el director nos mostrará el imaginario mundo en el que vive Harry donde es alguien audaz y valiente y sin inhibiciones frente al “sexo débil”, o sea, completamente distinto a su verdadera naturaleza.





Las risas de dos muchachas fuera de la casa le hacen probar las teorías sobre el amor que cuentan los citados libros pero, lógicamente, con resultados decepcionantes.

Evidentemente una cosa es el mundo literario y otra el mundo real.

Y si Capra nos había escamoteado la figura del protagonista al comienzo del relato será ahora cuando enseñe el segundo as que tiene guardado bajo la manga: nuestro protagonista usa pantalones cortos (y no es porque haga calor…).



Un Harry cuya (castrante) madre ha seguido vistiendo a su ya crecidito muchachito en pantalones cortos para mantenerle alejado de las calles y de los… problemas (o sea, las mujeres).

Gracias a la intervención del padre, Harry, por fin, ingresará en el mundo de los adultos…

… para disgusto de su (castrante) madre.

Harry identificará su nuevo estatus con la posibilidad (o más bien, la certeza) de conseguir el amor de su vida aplicando los conocimientos adquiridos en sus sesudas lecturas…

Es en ese momento cuando irrumpe en la vida de Harry la hermosa e impertérrita Bebe Blair (una guapa Alma Bennett) cuyo coche ha sufrido un pinchazo delante de su casa.



Pronto sabremos que Bebe está buscada por la policía por tráfico de… cocaína, lo que le reportaría, si es apresada, 20 años de prisión.

También sabremos que su amante le ha escrito una carta en la que le jura que se casará con ella tan pronto como regrese. En la carta se refiere a ella como “Babe Face” (o sea, “Cara de Niño”) lo cual dará pronto juego a la trama…

… dado que el nombre artístico por el que también se conocía a Harry Langdon era… “Cara de Niño”…

Evidentemente cuando nuestro protagonista sale por primera vez a la calle con sus pantalones largos y se encuentra con la bella Bebe el flechazo por parte de él es instantáneo.



Ante la impávida mirada de ella el desplegará su enorme destreza en la bicicleta para tratar de impresionar a la chica (aquí, al igual que en EL HOMBRE CAÑÓN, Capra colocará la cámara en posición cenital para acentuar el lado humorístico de la situación.



Finalmente ella cederá (por simple aburrimiento) y el beso que le otorgue le hará entrar a él en un éxtasis que será el motor del nudo y del desenlace de la trama.



Harry deberá acudir a la llamada de su madre lo que permitirá a la vampiresa poner pies en polvorosa pero no antes de que se le caiga la carta de su amante en la que le dice que le espere y que casará con él a su regreso y que el inocente de nuestro protagonista interpretará erróneamente como dirigida a él.

Y ya está el lío formado.

Nuestro amigo, además, esta medio prometido con la vecina de al lado, Priscilla (una también bella Priscilla Bonner, que ya había trabajado con Langdon en EL HOMBRE CAÑÓN), una chica todavía más inocente que él (lo cual ya es mucho decir).

- No deja de tener su gracia que el nombre de los personajes principales coincida con el suyo en la vida real. -

La indicación de Harry a sus padres de que pronto se casará será, lógicamente, malinterpretada por ellos.

Es divertido el intertítulo que sigue a continuación…



Mientras los preparativos para la boda entre Harry y… Priscilla congregan a multitud de vecinos el padre intenta por todos los medios de convencer a su hijo de que “la otra chica” no volverá y que debe conformarse con la dulce Priscilla.

La noticia del apresamiento de Bebe no hace sino infundir más ánimos al bravo muchacho.

En una escena notablemente cruel (entonces y ahora) Capra pone primero en la imaginación y luego en la práctica el intento de Harry de matar a Priscilla de un disparo, en una de esas armas que como por casualidad se encuentra habitualmente en los hogares de los buenos ciudadanos norteamericanos.



La mezcla entre los (infructuosos) intentos de Harry de acabar con Priscilla se unen al comportamiento pueril de esta última que no sólo tiene fe ciega en su amado sino que casi es ella la que le mata de un disparo en su entusiasmo infantil.

Finalmente él abandonará a la novia antes de la ceremonia y se dirigirá a la ciudad, donde se encuentra encarcelada Bebe y donde recibe una nueva carta de su amado pidiéndole paciencia y que no se ha olvidado de ella.

Sin embargo, la paciencia no es una virtud entre las mujeres de su clase, de forma que logrará huir para lo cual contará con la ayuda de Harry…

… quien justamente pasaba por allí para recabar noticias de ella y decirle que no la ha olvidado.

Ella se aprovechará de su ingenuidad y en una escena que podría ser el inverso de aquella en la que el conde Orlok de NOSFERATU (1922) cargaba con el ataúd donde debería descansar durante el día, él llevará a sus espaldas a la muchacha escondida en una enorme caja.



El gag del (falso) policía que se sienta encima de la misma sirve a Langdon para dar rienda suelta a su comicidad aunque en mi modesta opinión la situación está demasiado alargada.

Capra acelera la acción intercambiando la caja donde está ella por otra en la que hay un cocodrilo, lo que unido a la presencia de la siempre molesta policía (objeto de burla universal en el cine cómico mudo) mejora notablemente las prestaciones del protagonista.

Una vez salida de la caja y pistola en mano, Bebe no dudará en atracar y así conseguir nuevas ropas para ambos.

- No deja de ser curiosa (aunque bastante característica en el género de la comedia, sea muda o no) la inversión de roles.

En una divertida escena en “off” ella le despojará de sus prendas y le pondrá las nuevas en un visto y no visto.

Y no sólo eso sino que en el mejor gag de toda la película el inocente de Harry interpretará erróneamente (de nuevo) como regalos los objetos que un hombre le va pasando sin saber que, en realidad, está siendo atracado por la furibunda Bebe quien le apunta con su revolver.



La carrera criminal de ella no parece importunar lo más mínimo a Harry y a ella él le gusta lo suficiente como para no quitárselo de en medio.

En un garito de mala muerte y donde de nuevo sólo vemos en primera instancia lo que el director quiere que veamos – un nueva muestra de talento de Capra – o sea, las piernas de las bailarinas.



Es ahora cuando nos enteraremos de que la vedette del espectáculo estaba conchabada con el amante de Bebe y de que ambos habían sido quienes se habían chivado a la policía y permitido arrestarla.

Al contrario que en EL HOMBRE CAÑÓN donde Harry sería el artífice de acabar el sólo con la banda de mafiosos que atemorizaban a una pequeña ciudad, aquí en cambio será mudo testigo – otra de las grandes escenas y que demuestra el talento de Capra al mostrarnos al protagonista en todo momento de espaldas (sin ver, por tanto, su reacción) y sin intervenir para nada entre la batalla campal entre Bebe y su rival que acabará con el K.O. técnico de la segunda - del desenlace del embrollo en que se ha metido.



Sólo por esta magnífica escena (como la antes indicada del robo al incauto) merecería ser recordada la película.

La llegada del amante de Babe provocará un tiroteo donde acabarán muriendo los dos y con nuestro protagonista en comisaría.

Libre de cargos, Harry volverá la paz del hogar y allí se reencontrará con sus padres y su prometida.

Como decía la canción de Cat Stevens…

“Oh, nena, nena, éste es un mundo salvaje
Es difícil arreglárselas sólo con una sonrisa...”

SUS PRIMEROS PANTALONES, película inferior a EL HOMBRE CAÑÓN, haría creer a Langdon que sus virtudes se debían únicamente a su talento y no al de su director.

Lo que sería el principio de fin de uno (Langdon) significaría el inicio de uno de los más grandes cineastas norteamericanos del período clásico.

Y si no me creen, permanezcan atentos a este modesto rincón.

Feliz noche.

Este argumento de la película de Harry Langdom (del que sigo sin haber visto nunca una película) me recuerda uno de los mejores largometrajes de Harold Lloyd, Girl Shy, dirigido por Fred Newmeyer y Sam Taylor, película con un final que muchos años después se vería reflejado en la última secuencia de El graduado.

¨El oficial y el espía¨ de Polanski.

Película lavada. Con poco riesgo, que va a lo seguro. Más propia de un funcionario aseado que de un artista que indaga, que arriesga a pesar de equivocarte. Tremendamente funcional Roman Polanski...¿Es que está mayor?...Sí, pudiera ser.

A mí, en cambio, me ha parecido una excelente película.

Iniciado por C.Bethencourt

¨El oficial y el espía¨ de Polanski.

Película lavada. Con poco riesgo, que va a lo seguro. Más propia de un funcionario aseado que de un artista que indaga, que arriesga a pesar de equivocarte. Tremendamente funcional Roman Polanski...¿Es que está mayor?...Sí, pudiera ser.

Bueno, que está mayor es indudable: 86 años. Aunque ya me gustaría a mí a esa edad estar en condiciones de tirar adelante un proyecto de esta envergadura. De todos modos, como no he visto todavía el film (ya incorporaré mi comentario al hilo de Polanski en su momento) no puedo añadir nada más.

No he dejado de ver pelis en navidades, pero sí de postearlas en el foro, que estos post largos los escribo en el trabajo, y he estado de vacaciones , así que esto es todo lo que he ido viendo desde finales de diciembre

Female Prisoner 701: Scorpion (1972)

Una joven traicionada por su novio policía acaba encerrada en la cárcel.
Pensaba que seria "explotation" pura y simple, y explotation es, pero la puesta en escena tiene detalles muy originales, diría que inspirados por el teatro kabuki, donde la iluminación, el decorado, e incluso el maquillaje, cambian de un momento para el siguiente para reflejar el ánimo de los personajes. La película abunda en detalles morbosos, desnudos a tutiplén, torturas, lesbianismo, etc, pero no es repetitiva ni aburrida en ningún momento. No sé si la he visto citada como una de las influencias directas de Tarantino para Kill Bill, pero a mí me lo ha parecido claramente, incluso diría que la canción principal de la película aparecía en alguna de las dos partes de Kill Bill. No es para todo el mundo, pero yo la recomiendo.

Más Negro Que La Noche (1975)

Una joven hereda una mansión de una tía lejana, a la que se muda con unas amigas, pero en el testamento figura la obligación de cuidar del gato de la mujer fallecida.
Había leído últimamente muchas recomendaciones del director mexicano Carlos Enrique Taboada, y esta es la primera película suya que veo. La película está muy bien, no carga mucho las tintas en el terror más hardcore, pero tiene buen suspense y algunas imágenes muy poderosas, incluso los momentos de trámite son entretenidos debido a sus protagonistas, 4 chicas bien hermosas que se están lanzando pullitas todo el rato. Tiene ese toque clásico del terror en plan Hammer o Roger Corman que a mí personalmente me encanta.

Munich (2005)

Después del atentado contra el equipo olímpico de Israel en las Olimpiadas de Munich de 1972, el Mossad prepara una operación de represalia contra la organización terrorista Septiembre Negro.
Una espiral de venganza magníficamente rodada por el maestro Spielberg, con un gran reparto y una ambientación setentera impecable.

Heavy Metal (1981)

Un ente maligno contenido en una esfera corrompe a todo aquel que tiene contacto con ella, como se muestra en varias historias de animación.
Curiosa película de animación, desde hace años la animación para adultos cuenta con una amplia producción, pero en aquella época, hace casi 40 años, películas así eran una auténtica rareza, y como tal hay que valorarla, aunque en el aspecto técnico sea un poco cruda. Tal vez cargan demasiado las tintas en el sexo y en la violencia por aquello de que querían hacer algo puramente para adultos y diferenciarse de lo que había sido la animación tradicionalmente, y los guiones se quedan un poco cojos. Tengo algunos números de Metal Hurlant heredados por casa, revisaré alguno a ver si las historias del comic tenían más chicha y se quedó algo por el camino. Por cierto, poco heavy metal en condiciones hay en la banda sonora

Equilibrium (2002)

En el futuro, y después de la 3ª Guerra Mundial se ha considerado que las emociones humanas son la base de todos nuestros males, así que han sido prohibidas, así como todo lo que pueda provocarlas.
Hacía mucho que tenía curiosidad por esta película, que las pelis con buenas coreografías de peleas siempre me han gustado. Aunque es del 2002 tiene un toque muy noventero, pero se puede disfrutar, es como una mezcla entre Matrix, 1984 y La Naranja Mecánica, pero por debajo de todas ellas. Entretenida.


Zodiac (2007)

Periodistas y policías investigan a un asesino que escribe cartas a los periódicos dando detalles de sus asesinatos.
Aunque le sigo de cerca la pista a Fincher desde siempre y me gusta todo lo que veo suyo, siempre echo de menos a ese Fincher noventero que nos regaló pelis brutales como Se7en o El Club De La Lucha. Esta es la peli que hizo después de Panic Room, donde tal vez abusó un poco de los hallazgos formales de El Club De La Lucha, y es mucho más sobria en lo visual, pero con muy buen suspense. La historia real en la que se basa tuvo muchos cabos sueltos, que están aquí también, así que se centra más en los investigadores y en su obsesión por el caso, tanto en la policía como en la prensa. Me ha gustado.

Batman v Superman. Dawn Of Justice (director´s cut) (2016)

Después de darse a conocer al mundo deteniendo la invasión de los kriptonianos, Superman va descubriendo que no todos en la Tierra le consideran un salvador.
Siempre me había dado pereza ponerme a ver esta película, por la sencilla razón de que El Hombre de Acero me encantó, y yo lo que quería ver era alguna secuela de aquella, y de golpe y porrazo empezar a acumular personajes de DC me parecía un intento precipitado de intentar emular el exitazo de Marvel con su "cinematic universe", que había sido concebido justo al revés, a fuego lento a lo largo de muchas películas, dando espacio a cada héroe antes de juntarlos, y las malas críticas después del estreno tampoco me hicieron tener más ganas de verla. Pero siempre he sido fan de Zack Snyder, y del montaje del director sí había leído buenas críticas, y debo decir que me ha gustado, no he visto el montaje de cines, pero hay bastantes escenas de desarrollo y de personajes que imagino que habrán recibido tijeretazo, y que son importantes para hacer creíble el conflicto entre personajes. La película dura 3 horazas, y tampoco me ha parecido que tenga tanta acción, pero se ve muy agusto. Ahora me da pereza ver Justice League, a ver si finalmente sale también ese montaje de Snyder que todo el mundo pide

El Sueño Eterno (1946)

Puro cine negro de los años 40, reconozco que la trama me ha parecido enrevesada de más, casi hay que ir apuntando nombres y haciendo esquemas para no perderse con la investigación, pero aquí lo importante no son los giros de la trama, sino los personajes que van chorreando carisma, la química electrizante entre Bogart y Bacall, y los diálogos afiladísimos. Una peli de las que ya no se hacen.

Mula (2018)

Un anciano que se ve obligado a cerrar su negocio empieza a trabajar como correo de la droga en EEUU.
Otro director al que cuesta seguirle la pista de cerca, porque rueda películas más rápido de lo que las puedo ir viendo, y que no parece frenar el ritmo con la edad. Con una filmografía tan brillante esta película no es que destaque especialmente, pero me ha gustado más que por ejemplo American Sniper, que nos dure todavía muchos años!

Enemy (2013)

Un profesor de universidad atrapado en la rutina descubre un día viendo una película que uno de los actores es idéntico a él.
Sin habérmelo propuesto especialmente he conseguido ir viendo casi toda la filmografía de Denis Villeneuve, y nunca me decepciona. Esta es una de esas pelis cargadas de simbolismo y abiertas a interpretación, que se te quedan rondando en la cabeza después de verlas, y aunque la historia daba para hacer algo mucho más efectista, aquí el tono es grave y pausado. De las que más me han gustado de Villeneuve.

Watchmen (2009)

En un 1985 alternativo en el que EEUU ganó la guerra de Vietnam y Nixon sigue siendo presidente, la Guerra Fría está a punto de entrar en conflicto nuclear.
Re-visionado de esta peli, que mi novia tenía curiosidad por empezar a ver la serie y quería ver de qué iba la vaina. Siempre me encantó esta peli, al igual que el comic, me parece de las mejores adaptaciones que se han hecho, con un material base espectacular, y llevado de forma muy fiel a la pantalla. Mi novia se aburrió como una ostra, y no parece que tenga interés en la serie, yo a ver si saco hueco y la veo un día de estos

The Belko Experiment (2017)

En un anodino edificio de oficinas se encierra sin previo aviso a los empleados, y una voz les dice por megafonía que tienen media hora para asesinar a dos personas, o morirán aún más.
En este tipo de pelis la resolución no suele estar a la altura del planteamiento, y esta no es excepción, pero es entretenida y tiene buen ritmo y mucho humor negro, aparte de mucha violencia, así que es un buen divertimento para los que disfruten con este tipo de cosas.

Kill List (2011)

Un asesino a sueldo que lleva tiempo sin trabajar vuelve al negocio debido a sus problemas de dinero.
Muy buenos mimbres, pero en mi opinión se queda un poco por debajo de su potencial, creo que le sobra un poco de metraje al principio, y le falta un poco al final, para que quedase algo más redondo y mejor explicado. Aún con sus propias virtudes, recuerda demasiado a A Serbian Film, pero siempre por debajo de esta. Me ha gustado, pero no comparto tanta crítica de 5 estrellas como tiene, tal vez si no hubiese visto la infame A Serbian Film me habría sorprendido más.

Y así he pasado casi toda la mañana en el curro, escribiendo este tocho A partir de ahora volveré a postear lo que veo semanalmente, que si no se me acumula el trabajo. También reconozco que he visto poco cine clásico estas navidades, a ver si vuelvo a ver al menos una a la semana...

Iniciado por mad dog earle

Bueno, que está mayor es indudable: 86 años. Aunque ya me gustaría a mí a esa edad estar en condiciones de tirar adelante un proyecto de esta envergadura. De todos modos, como no he visto todavía el film (ya incorporaré mi comentario al hilo de Polanski en su momento) no puedo añadir nada más.

George Miller con 70 se metió en un rodaje como Mad Max: Fury Road, muchísimo más enérgico, también en su labor de cineasta. Ciertamente hay dos parámetros a considerar.

1.- Que la edad y las fuerzas son relativas a cada persona: George Lucas con después de Star Wars estaba para el arrastre....Miller, Scorsese, ect, aun tienen mucha energia con 30 años más.

Nota: La energía no tiene nada que ver con su estilo cinematografica, sino con una intención creativa enérgica. El último Huston, muy reflexivo, es energico en su labor de cineasta..

Cuando digo no energico, me refiero a no salir de una cinematografía auxiliar al guión...de Plano-contraplano, de pocas soluciones en la narrativa visual.

2. Otra cosa es que el texto lo así lo exija.. Pudiera ser a pesar de que el tema Dreyfuss, a toro pasado y a estas alturas, sea irrelevante, es como ¨El corazón de las tinieblas¨, que claro, después de todo el s.XX...En fin.

Si por el contrario lo que interesa es el contexto histórico, los Dreyfunard, con sus divisiones entre criticos, al caso, al gobierno, al antisemitismo....En fin, todo eso, está reflejado de manera tan poble, tan de telefilm, que decepciona.

En definitiva, salvo la primera escena, es un film regular...Sin nada a destacar. Pero bueno, que no está mal.

CANCION PARA OTRA NAVIDAD (Carol for another Christmas) - CICLO J.L.MANKIEWICZ (18)-

Después del calvario que fue en todos los sentidos su film "Cleopatra", JLM realizó este telefilm con tufillo a encargo, adaptando una obra de Dickens (para variar). Dicho tufillo se ve claro en lo comentado por el director:

“Carol for Another Christmas fue rodada en honor de un hombre que hubiera sido el mejor presidente de Estados Unidos de todos los tiempos, pero fue un desastre a la hora de hacer campañas. Se llamaba Adlai Stevenson. Actuó como portavoz de las Naciones Unidas, donde creó un comité de apoyo formado por cineastas de diversos países: estábamos Tony Richardson por Gran Bretaña, Elia Kazan, Fred Zinnemann y yo por USA….Éramos unos diez personas. Fue en su apartamento del hotel Waldford donde nos ofrecimos a hacer una película, y yo rodé la mía en un hangar de Long Island. Era un estudio poco raro….Rod Serling (Twilight Zone) escribió el guión, y mi idea consistía en hacer un retrato de Mr.Scrooge, no como tacaño sino como un señor de derechas, muy conservador, que había perdido a su hijo en Vietnam y que se sentía muy resentido con el concepto de las Naciones Unidas”

Mr Grudge (Sterling Hayden), un magnate de la américa profunda (en cuanto a valores) está destrozado por la muerte de su hijo en Vietnam, éste recibe la visita de tres fantasmas, donde lo transportan a momentos puntuales del pasado y futuro.

Es un film interesante conceptualmente hablando pero el exceso de subrayado en la moralina y posicionamiento constante, donde el mensaje está por encima de todo y lo demás: personajes, narración, ritmo...., es totalmente secundario. A pesar de haber un desfile importante de actores: PEter Sellers, Eva Marie Saint (Actriz que la nombro siempre como Eva Saint Marie), el propio Sterling, Ben Gazzara, Robert Shaw....quedan soterrados por lo comentado, a mi me gustan las cosas más sutiles, más cuidadas, y si bien es cierto hay episodios interesantes, como el de la bomba atómica (una de las mayores vergüenzas de la humanidad.....y esperen que va haber más), y la justificación por parte del personaje de Sterling a una mera estadística, o sea, algo así como diciendo que la bomba atómica fue necesaria para reducir el número de víctimas de los USA.



Poquita cosa más para comentar, solo decir que es un telefilm el cual he obtenido un tvrip chungo de Antena 3. Ahhh bueno comentar también mi extrañeza a que JLM eligiera el proyecto, más habiendo estado bajo sospecha como comunista, suerte que le salvó el amigo de Alcaudón (John Ford). Entiendo que el perfil del estadounidense de la america profunda, o sea el republicano cerrado, puede tildar al film de rojo, comunista y antipatriótico, pero no tengo más información sobre ello, sólo decir que el canal ABC hizo solamente un pase televisivo, sería por lo comentado.....seguro que si

Próxima estación: Mujeres en Venecia

-Resident Evil Vendetta y Resident Evil Damnation: las dos peliculas me produjeron más o menos la misma sensación. Me gustaron bastante durante los primeros cuarenta minutos pero al llegar al final empiezan las flipadas en las escenas de acción que en mi opinión no hacian falta. Especialmente en RE Vendetta. Entretenimiento sólido de todas formas.

Defendor: pelicula para pasar un ratillo divertido que no me acabo de dejar poso por que quizá tenga personalmente un poco mitificada a Kick Ass.


-Your name: no fuí a ver esta pelicula al cine en su día y al haberla visto en casa me arrepiento. Ninguna pega, me ha dejado fascinado. Nada más acabar de verla me la compre.

"Thor: Ragnarok" de Taika Waititi, con Chris Hemsworth y Cate Blanchet. Ante la ausencia de Odin en Asgard, su primogénita Hela, diosa de la Muerte pretende ocupar el trono. Thor y Loki se enfrentan a Hela pero al transportarse hacia el reino, por accidente Thor y Loki llegan a un planeta al otro extremo del universo e intentarán llegar de nuevo a Asgard para arrebatarle el poder a Hela. Film de acción y aventuras de Marvel con bastantes momentos humorísticos, que está bien que lo hagan con Spiderman, pero Thor no es la misma clase de personaje.

Vistas la semana pasada, mucha peli reciente, pero mi novia se acaba de poner Netflix en casa y varias las he visto ahí.

Muertos y Enterrados (1981)

Un policía en un pequeño pueblo costero investiga la misteriosa muerte de algunos forasteros.
No tengo claro si era mi primer visionado o el segundo, no tengo recuerdo de haberla visto, pero había muchos momentos que me sonaba haberlos visto. Aun con la sensación de haberla visto ya, no he sido capaz de anticipar nada, y los giros de la trama me han sorprendido, así que puedo decir que estamos ante una peli original. Maquillajes de Stan Winston

Tomb Raider: Las Aventuras de Lara Croft (2018)

Nueva adaptación del ya clásico videojuego de aventuras.
Entretenida película de aventuras, hace la tira de años que no juego a un Tomb Raider, y yo me quedé en la época de las dos pistolas y los pantalones cortos que encarnó Angelina Jolie hace ya casi 20 años. Aquí Alicia Vikander encarna a una Lara mucho más vulnerable y menos súper-heroína, pero muy efectiva (como buena actriz que es). Tiene algunos planos chulos y buenos momentos de FX, pero he echado de menos un poco más de aventura loca a lo Indiana Jones, o al menos La Momia de Brendan Fraser. Lo dejan preparado para una posible secuela, pero me temo que nunca la veremos.

La Influencia (2019)

Una mujer va con su familia a cuidar de su madre en sus últimos momentos.
Siempre miro con buenos ojos las incursiones del cine patrio en el género de terror, pero aquí ni con gafas de aumento puedo encontrar una buena peli. Lo más destacable es el diseño de producción y la fotografía, pero lo demás es un batiburrillo de clichés aburrido y con cero suspense, y con la pobre Emma Suárez haciendo un papel demencial. Veo mucho cine de terror, pero siendo las dos últimas que he visto esta y La Maldición (2019), voy a tener que filtrar un poco más

I Am Mother (2019)

Un androide programado para ser madre será el encargado de criar al primer niño humano tras una extinción masiva.
La ciencia ficción es uno de mis géneros favoritos desde siempre, y la mejor ciencia ficción es la que te deja pensando un rato, y esta película me ha entusiasmado, un mínimo de personajes y un espacio reducido en la mayor parte del metraje, pero la factura técnica es impecable. Buen guión, buena dirección, y para mi, Madre entra en el panteón de las mejores inteligencias artificiales del cine. Muy recomendable para fans de la ciencia ficción.

El Juego de Gerald (2017)

Una mujer queda esposada a la cama en una casa lejos de todo después de que su marido sufra un infarto durante un juego sexual.
Vivimos una nueva edad de oro de adaptaciones de Stephen King, adaptan lo nuevo que escribe, remakean lo antiguo que escribió, cada año salen varias. La que aquí nos ocupa es una historia íntima y reducida, casi como un "5 Horas con Mario" macabro. Buena tensión en algunos momentos, un pelín estirada en otros, un ramalazo de gore que es de lo más grimoso que he visto nunca, y un final que uno no sabe si aporta, si sobra o qué, se hace un poco largo.

Atraco Perfecto (1956)

Una banda planea un minucioso atraco a un hipódromo.
Después de completar la filmografía de Kubrick hace unas cuantas semanas, planeo revisitar las pelis que tengo menos frescas, y he empezado por esta (revisionaré también próximamente Dr. Strangelove, 2001 y Eyes Wide Shut). Recordaba sólo fragmentos así que la he disfrutado mucho. Buen suspense, una narración muy ágil y con ciertos saltos temporales que son puro Tarantino 40 años antes de Tarantino, y un buen reparto interpretando a un puñado de perdedores tocados por la fatalidad. Genial muestra de cine negro.

La vida te da sorpresas...

La semana pasada vi a traves de Netflix la última obra del gran Martin Scorsese, EL IRLANDÉS, la cual ha costado la bonita cifra de 159 millones de dólares...

... y que veo que ha sido bendecida hoy mismo con 10 nominaciones a los Oscar...

Por otro lado, ayer vi en mis cines habituales el segundo largometraje de Robert Eggers, EL FARO, rodada en blanco y negro y formato 1.19:1 y que sólo ha costado 10 millones...

- Antes de que nadie se me lance al cuello, considero a Scorsese uno de los mejores directores norteamericanos vivos, junto a Clint Eastwood y algunos más de su generación.

Ah, y tampoco pretendo comparar presupuestos, pero sí resultados (y no me refiero a los económicos). -

Eggers venía de rodar una cinta que para mí es una de las mejores películas fantásticas y/o de terror de los últimos años, LA BRUJA: UNA LEYENDA DE NUEVA INGLATERRA (2015), con la ahora muy solicitada Anya Taylor-Joy.

Ayer, durante la proyección, dos personas (dos hombres, para ser precisos) se marcharon antes de que ésta finalizara.

Los comentarios al final de la misma no fueron, en general, muy halagadores.

Yo, que me considero un cinéfago (especialmente del cine clásico norteamericano), la encontré excepcional. Y con dos actores, tanto Dafoe como Pattinson (quién lo iba a decir...), en estado de gracia. Vamos, un peliculón.

Reconozco que no es una película para todos los gustos/estómagos pero demuestra que todavía se pueden elaborar propuestas arriesgadas y plenas de creatividad y que el género está en un momento especialmente dulce.

Como MIDSOMMAR (2019), igualmente una segunda película de otro realizador, Ari Aster, al que hay que seguir la pista tras su espléndida HEREDITARY (2018), una de las pocas cintas de género que me ha hecho pasar auténtico terror, siquiera puntualmente, me pasó lo mismo. Otra de esas películas que mucha gente ha puesto a caldo pero que yo considero una de las mejores obras de los que va de milenio. Así de simple.

Y vuelvo a Scorsese, al que había abandonado unos momentos.

Para mí, Martin elaboró su última pieza maestra en 2013 con EL LOBO DE WALL STREET, de lejos, la mejor película rodada ese año en Hollywood y que no se llevó ninguno de los 5 Oscar a los que fue nominada. Tampoco pasa nada, dado que los premios no son garantía de calidad (y viceversa).

La última propuesta suya, EL IRLANDÉS, es una película que yo, al menos, cuando finalicé su visionado (de una tacada), lo primero que pensé era en qué demonios se habían gasto los 159 millones de marras.

Ojo. No digo que sea una mala película, para nada. De hecho me la vi de una sentada y sólo se me hizo un pelín larga.

Me refiero al hecho absurdo de en lugar de contratar a actores jóvenes (ahí tenemos a los DiCaprio, etc) para encarnar a los personajes en sus viejos tiempos se ha optado por digitalizar a estrellas como De Niro, Pacino o Pesci sin tener en cuenta que los cuerpos que hay debajo son personas que ya están en la setentena y que se mueven como tales. Hay algo fantasmagórico en la propuesta que, al menos a mí, me ha distanciado notablemente de lo que se me contaba en la pantalla.

Porque una cosa es digitalizar un personaje que tiene poca importancia en la trama (caso de Carrie Fisher en la última entrega de La guerra de las galaxias) y otra muy distinta es que nos creamos al De Niro o al Pacino de una veintena (o treintena) de primaveras que se mueve y tiene gestos de una persona mayor, que es lo que es.

Y si de una película no te crees lo que cuenta (o cómo lo cuenta) entramos en un terreno plagado de minas.

Eso sí, recomiendo su visionado, al igual que el de Eggers (que pasará como un cometa por las carteleras de nuestros cines pero que al de unos años se convertirá en una película de culto, ya veréis...) porque demuestra que el talento, tanto el de los jóvenes como el de los mayores, no se mide por lo que gastas sino por el amor que pongas en ello.

Y si Scorsese lo ha demostrado y con creces (y además su profundo amor por el 7º Arte), igualmente las nuevas generaciones se merecen un voto de confianza.

All you need is love...

Como se me acumulan los films vistos últimamente y no comentados aquí, me limitaré a unas breves pinceladas sobre algunos de ellos. Ordeno las películas cronológicamente:

Un crimen en la conciencia (You Can’t Get Away with Murder, 1939), de Lewis Seiler



Apólogo moral de la Warner que pretende ilustrar el tema de que el crimen no compensa, que siempre se acaba pagando por los delitos cometidos (atención al explícito título del cartel que adjunto, que supongo debe corresponder al estreno en Sudamérica). Para ello se confronta un joven adolescente, Johnnie (un esforzado Billy Halop, que carga con buena parte del peso dramático del film), con un curtido delincuente, un ladronzuelo de medio pelo que pasa por ser un oscuro héroe de barrio (presumiendo de no haber sido encarcelado nunca), Frank Wilson, papel que recae en un Humphrey Bogart anterior a su consolidación definitiva con The Maltese Falcon y High Sierra. La película es discreta, pero Lewis Seiler, un director con una extensísima filmografía de la cual no había visto ningún film hasta ahora, mantiene el pulso con corrección, especialmente cuando se aproxima más a las formas del cine criminal, bien servido por Sol Polito como director de fotografía. Destaca entre los secundarios Henry Travers, un preso que actúa en cierto modo como figura paternal de Johnnie.

El capitán pirata (Buccaneer’s Girl, 1950), de Frederick de Cordova



Simpática película de género, en muchos momentos cercana a la comedia de enredos, donde prevale por encima de todo la arrolladora presencia de Yvonne de Carlo (por quien siento una especial debilidad), convertida al final en esa “chica del bucanero” que dice el título original. El bucanero en cuestión es el capitán Kingston, que actúa con el nombre de Baptiste (un Philip Friend al que no tenía visto, en un papel que bebe de los clásicos Fairbanks, Flynn o Power, sin tanto carisma ni acierto), pirata que se asemeja a un Robin Hood de los mares o un Zorro vengador, robando los cargamentos de los barcos del villano Narbonne (Robert Douglas), para ceder los beneficios a los navieros que han sido previamente expoliados por este y que así pueden volver a armar sus navíos. De Carlo aporta sus dotes como bailarina y cantante en varios números que aligeran una trama ya de por sí fina y tópica, pero divertida. Como era habitual, el film, una producción Universal, cuenta con una buena nómina de secundarios: Henry Daniell, Elsa Lanchester, Norman Lloyd o Jay C. Flippen entre otros.

La evasión (Le trou, 1960), de Jacques Becker



La mejor del lote de largo. Película modelo en el subgénero de fugas de prisiones, el film de Becker es de una precisión y minuciosidad que acaba siendo agobiante para el espectador, que siente la pesada carga que se imponen los cinco reclusos protagonistas en su intento de construir un túnel para huir de La Santé, la famosa prisión parisina. Espléndidamente realizada e interpretada por un conjunto de actores con poca o nula experiencia ante la cámara (como es el caso de Jean Keraudy, que interpreta un personaje que se asemeja a sí mismo, ya que fue uno de los que participó en el intento real), aunque algunos acabaron desarrollando una fructífera carrera (como Philippe Leroy o Marc Michel). La película parte de una novela de carácter autobiográfico de José Giovanni (“Le trou”, de 1957), que colaboró con Becker en el guion y los diálogos. Giovanni, director de cine él mismo, sabía de lo que hablaba, ya que pasó por la prisión y llegó incluso a ser condenado a muerte. Desgraciadamente, Becker no llegó a ver estrenada la que probablemente sea su obra maestra, ya que murió justo después de finalizar el montaje del film.

Desde Rusia con amor (From Russia with Love, 1963), de Terence Young



Segunda entrega de la serie de films sobre James Bond, creación literaria de Ian Fleming, que todavía goza de buena salud en la actualidad, aunque los actores que interpretan al famoso espía británico 007 hayan ido cambiando con el paso del tiempo. Salvo durante mi infancia, en que me fascinaba el personaje (incluso llegué a tener un fusil desmontable, de juguete por supuesto, que se asemejaba al que aparece en esta película), encarnado por Sean Connery, nunca he sido seguidor del agente con licencia para matar. Esta pasa por ser una de las mejores entregas, pero lo cierto es que, vista hoy en día, me parece un film de lo más tópico, aunque rodado con corrección por Young, e incluyendo algunos buenos momentos, en especial la salvaje pelea entre Bond y el agente de SPECTRE que encarna un sorprendente por musculado Robert Shaw. Como era inevitable, el film cuenta con su correspondiente “chica Bond”, en este caso la italiana Daniela Bianchi, actriz de corto recorrido.

El amante doble (L’amant double, 2017), de François Ozon



Ozon es un director de lo más variopinto, capaz de pasar de un film de aliento clásico como Frantz a este tórrido thriller psicológico, basado en una novela de la estadounidense Joyce Carol Oates. A mí me ha parecido una especie de cruce entre el cine de Polanski y algunos aspectos del de Cronenberg, especialmente sus conexiones con Inseparables (Dead Ringers). Aunque no está a la altura de la última citada, el juego de la relación amorosa de una joven de equilibrio psicológico inestable con su psicoterapeuta y, a la vez, con el hermano gemelo de este, con la misma profesión, tiene suficientes momentos inquietantes y perturbadores como para que se mantenga la atención y la tensión durante todo el metraje. La película juega a fondo con el magnetismo de la actriz principal, Marine Vacth, a la que ya vimos en un anterior film de Ozon, Jeune & Jolie.

Midsommar (2019), de Ari Aster



Película que ha merecido en este mismo hilo críticas duras y comentarios de lo más elogiosos (por ejemplo, del compañero Alcaudón). Me gustó mucho Hereditary, el anterior film de Aster, pero reconozco que, sin desagradarme, esta Midsommar no me ha parecido tan interesante, quizá porque el argumento (propio de lo que ahora se tiende a denominar folk horror) es previsible desde el principio. Con todo, la puesta en escena es brillante y se consiguen un buen número de escenas escalofriantes, todo ello bañado en una luminosidad estival que contrasta con las sórdidas intenciones de la secta sueca que acoge a unos inocentes estudiantes norteamericanos, seducidos por lo extraño y peculiar de sus costumbres y ritos. Es inevitable pensar en El hombre de mimbre (The Wicker Man), de Robin Hardy, o en la más reciente El infinito (The Endless). De todas maneras, algo tendrá si poco después de verla me asaltan ganas de revisarla. A destacar la interpretación de Florence Pugh, una actriz que poco a poco se está haciendo notar.

Florence Pugh, una figura claramente al alza, como lo demuestra su reciente nominación a mejor actriz de reparto por la versión de Mujercitas a cargo de Greta Gerwig o su papel de coprotagonista de Black Widow, junto a la otra nominada (doble) de este año, Scarlett Johansson, que en pocos meses se estrenará en todo el mundo

Lamentable que no exista un hilo de Wolf Children, obra maestra de la animación japonesa que he tenido el placer de ver ayer (hay vida más allá de Ghibli). La película trata sobre los esfuerzos y las dificultades de una madre para criar a sus hijos mitad humanos mitad lobos, si bien el elemento fantástico es una pura excusa y el verdadero tema de la película es simplemente la maternidad, La condición especial de los críos simplemente se utiliza para subrayar algunas de las cuestiones fundamentales de la infancia, como son la necesidad de sentirnos aceptados por los demás, la dificultad de escoger nuestro propio camino o el complejo tránsito hacia la vida adulta.

El estilo de la animación es bastante sencillo y transparente, y aunque es una película muy sentimental que recurre frecuentemente al apoyo de la música, pienso que no llega a ser sensiblera (o que funciona cuando lo es). E incluso en una película en apariencia sencilla como esta hay bastantes hallazgos formales que me parecen muy interesantes, como por ejemplo el travelling lateral que implícitamente muestra a los niños crecer enfocándoles en diferentes aulas a lo largo de su estancia en el colegio, o un momento que me pareció mágico en el que la niña se transforma de persona a lobo cada vez que el viento agita una cortina por delante de su cara, y tras la última cortina su forma no cambia porque está dando a entender que esa es su forma verdadera, la identidad que ha escogido.

En fin, una gran película de animación.

AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS...

DUNE (1984, ídem)



Director: David Lynch.

Producción: Dino De Laurentiis Corp.

Distribución: Universal Pictures.

Productora: Raffaella De Laurentiis.

Guión: David Lynch, basado en la novela homónima de Frank Herbert (Filadelfia, 1965) [Serializada previamente en la revista Analog en dos partes (“Dune World”, de diciembre de 1963 a febrero de 1964 y “The Prophet of Dune”, de enero a mayo de 1965)].

Diseño de producción: Anthony Masters.

Fotografía: Freddie Francis (Technicolor y Todd-AO).

Música: Toto (y Brian Eno).

Montaje: Anthony Gibbs.

Reparto: Francesca Annis (Dama Jessica), Leonardo Cimino (El médico del Barón), Brad Dourif (Piter de Vries), José Ferrer (Emperador Padishah, Shaddam IV), Linda Hunt (Shadout Mapes), Freddie Jones (Thufir Hawat), Richard Jordan (Duncan Idaho), Kyle MacLachlan (Paul Atreides), Virginia Madsen (Princesa Irulan), Silvana Mangano (Reverenda Madre Ramallo), Everett McGill (Stilgar), Kenneth McMillan (Barón Vladimir Harkonnen), Jack Nance (Nefud), Sian Phillips (Reverenda Madre Gaius Helen Mohiam), Jürgen Prochnow (Duque Leto Atreides), Paul Smith (Glossu “La Bestia” Rabban), Patrick Stewart (Gurney Halleck), Sting (Feyd Rautha), Dean Stockwell (Doctor Wellingthon Yueh), Max von Sydow (Doctor Kynes), Alicia Roanne Witt (Alia), Sean Young (Chani).

Duración: 137 minutos.

Estreno: 3 de diciembre de 1984.

Tercer largometraje en la filmografía de uno de los directores de culto del cine moderno (en el número 500 de la revista Dirigido por… su película MULHOLLAND DRIVE (2001) fue seleccionada entre un destacado grupo de críticos como la mejor de lo que va de siglo XXI…).

Autor de una escueta filmografía * (tan sólo 10 largometrajes entre 1977 y 2006), de la cual me confieso escaso conocedor (salvo EL HOMBRE ELEFANTE, la obra hoy sucintamente comentada y la mencionada MULHOLLAND DRIVE) DUNE fue un ambicioso proyecto europeo que pretendía llevar a la gran pantalla la considerada mejor novela de ciencia ficción de todos los tiempos (al menos eso es lo que los lectores de la revista norteamericana Locus han votado invariablemente cuando se les ha inquirido al respecto – la última vez en 1998 -).

Aunque el propio director se encargó del libreto (al igual, por otra parte, que en todas sus películas – salvo UNA HISTORIA VERDADERA -) lo cierto es el DUNE de David Lynch (o más bien de Raffaella De Laurentiis) es una adaptación notablemente epidérmica de la voluminosa novela (en realidad dos novelas unidas, EL MUNDO DE DUNE y EL PROFETA DE DUNE) de Frank Herbert (1920-1986) la cual, por cierto, estoy (re)leyendo estos días y que, aunque bastante superior a la película de Lynch, está lejos, muy lejos, de ser lo que con tanto orgullo proclaman los lectores del Nuevo Continente.





Al parecer fue el éxito (tanto de público como de crítica) de la magnífica EL HOMBRE ELEFANTE (1980) lo que hizo creer a Raffaella que un director intimista como Lynch podría llevar a buen puerto una adaptación que el famoso (y polémico) Jodorowsky había intentado infructuosamente en los años ’70 (y que, seguramente, hubiera sido mucho más atractiva que la cinta que hoy podemos visionar).

Porque lo cierto es que el DUNE de Lynch es una película no sólo deficiente sino notablemente desequilibrada (la edición en BD de que dispongo es la versión abreviada, aunque sinceramente dudo que la versión más larga me haría cambiar de opinión sobre las bondades de la misma…).

Algo que choca ciertamente con la lectura (y las intenciones) de la novela es que todos los personajes masculinos están o bien notablemente pasados de rosca (destacando especialmente los encarnados por Kenneth McMillan (el barón Harkonnen) o Brad Dourif (Piter de Vries – y del que es menester mencionar su excelente trabajo en la espléndida película de John Huston SANGRE SABIA (1979) -)), más propios del teatro guiñolesco o bien sencillamente no dan la talla, como el protagonista, Paul Atreides (un debutante Kyle MacLachlan y actor fetiche del director) o un Sting que en verdad se merece la muerte más cruel a manos del héroe…



En el lado femenino la cosa está más equilibrada con la presencia de la bella Francesca Annis (la Dama Jessica, la madre de Paul), la yoclaudiana Sian Phillips (la Reverenda Madre Gaius Helen Mohiam) o una muy desaprovechada Sean Young (Chani), la inolvidable co-protagonista de la mítica BLADE RUNNER (1982).



Y aunque la novela no es un dechado de virtudes literarias (aunque sí muy atractiva desde el punto de vista especulativo – una novela “ecológica” cuando el término no estaba tan sobado como en la actualidad -) los personajes que aparecen en la película están apenas esbozados, son meras sombras, en comparación con los que aparecen en las páginas impresas que, al menos, parecen de carne y hueso, salvo el opositor a mesías, el sufrido Paul Atreides.

La película respeta de la novela los monólogos interiores de los protagonistas (a veces, también es cierto, algo cansinos) así como el relato oral de la princesa Irulan (encarnada por la guapa Virginia Madsen), la hija del emperador Shaddam IV (un José Ferrer que intenta imponer su presencia ante tanto desbarajuste), el cual sirve de nexo de unión entre los elementos que conforman la trama.



Incluso la presencia del gran operador Freddie Francis (que había tenido una decisiva aportación en la puesta en escena de EL HOMBRE ELEFANTE con su bellísima fotografía en blanco y negro (por no remontarnos a un clásico inmarcesible como es ¡SUSPENSE! (1961) de Jack Clayton…)) no es suficiente como para dotar de un cierto empaque las imágenes de esta historia mesiánica que Herbert trazaría a lo largo de cinco novelas más.

Tampoco el diseño de producción, claramente operístico, firmado por Anthony Masatters, ayuda en la aparatosa puesta en escena (a la que tampoco acompaña demasiado la enfática música del grupo Toto (con un toque de Brian Eno)) que más parece un duelo Lynch vs. De Laurentiis, donde la segunda siempre acaba por decantar la balanza de su lado.

Sólo la aparición de los gigantescos gusanos de arena que pueblan los desiertos de Arrakis/Dune nos procuran alguna de las escasas gratificaciones de una película que hace agua por todos los lados (algo que no deja de tener un doble sentido…).



Lo cierto es que DUNE (película) acaba siendo una especie de versión Reader’s Digest de la novela, pésimamente interpretada y donde sólo destacaría la esforzada labor de todo el equipo de efectos especiales, con nombres tan ilustres como...









No deja de ser curioso que lo mejor de la película sea lo que no procede de la novela, como el atmosférico inicio en el planeta Kaitain...



Seguro que el querido compañero mad dog earle, lynchiano de pro, tendrá alguna jugosa reflexión que hacer al respecto.

Yo lo que sí tengo claro es que no es ciertamente...



Yo por mi parte espero con impaciencia la nueva versión elaborada por Denis Villeneuve del que al menos tengo la seguridad de que se tomará el encargo con la seriedad que le otorga el haber firmado dos filmes de género tan espléndidos (y antitéticos) como LA LLEGADA (2016) y BLADE RUNNER 2049 (2017) (ya lo siento, una excelente continuación de la obra canónica de Ridley Scott).

Feliz tarde/noche.



* De forma premeditada he eludido citar su decisiva aportación al medio televisivo gracias a la mítica serie TWIN PEAKS (1990-1991 y 2017), que daría para elaborar un comentario mucho más ambicioso que el modesto que yo acabo de acometer...

Iniciado por Alcaudón

Algo que choca ciertamente con la lectura (y las intenciones) de la novela es que todos los personajes masculinos están o bien notablemente pasados de rosca (destacando especialmente los encarnados por Kenneth McMillan (el barón Harkonnen) o Brad Dourif (Piter de Vries – y del que es menester mencionar su excelente trabajo en la espléndida película de John Huston SANGRE SABIA (1979) -)), más propios del teatro guiñolesco o bien sencillamente no dan la talla, como el protagonista, Paul Atreides (un debutante Kyle MacLachlan y actor fetiche del director) o un Sting que en verdad se merece la muerte más cruel a manos del héroe…


Seguro que el querido compañero mad dog earle, lynchiano de pro, tendrá alguna jugosa reflexión que hacer al respecto.

La primera reflexión es que... ¡le has cogido gusto a lo de las capturas de pantalla! Aún recuerdo cuando decías que no sabías cómo incluir una imagen, y ahora eres todo un experto. Esto de las capturas siempre me ha atraído hacerlo, pero no tengo lector de BD en el ordenador y además es muy laborioso.

Sobre la película, ya he dicho otras veces que, a pesar de algunos momentos visualmente fascinantes (y sonoramente, porque en Lynch el sonido, del que suele ser responsable, siempre es capital), es su obra que menos me gusta, probablemente por los problemas de producción, y porque, como bien dices, creo que Lynch no es un director para proyectos faraónicos como este, donde el productor (productora en este caso) mete la mano a diestro y siniestro y hay mucho dinero en juego. La versión larga no es un montaje de Lynch, y al parecer el director se negó a que se utilizara su nombre:

"The Region 2 DVD released by Castle, billed as 'Special TV Edition' is 176 minutes long (billed as 180 minutes on sleeve) and contains the extended intro and scenes. Lynch's name has again been removed and re-credited to Alan Smithee due to his objection to the extended intro." (imdb)

Influye también en mi percepción del film que no soy un seguidor de la ciencia ficción de este estilo y no he leído las novelas de Frank Herbert (aunque, por lo que comentas, no haberlo hecho es casi una ventaja a la hora de aproximarse al film).

Respecto a lo de los actores, en mi caso, no teniendo en mente la novela y sí la manera de dar forma a muchos personajes de su filmografía, no me parecen pasados de rosca, o dicho de otra manera, si están pasados de rosca, estoy convencido que es porque Lynch quería que lo estuvieran. El sentido del humor de Lynch es muy peculiar y no apto para todos los públicos ni para todos los momentos. Su tendencia de deslizarse hacia el absurdo es muy fuerte, por lo que el contraste entre los bufonescos (y sórdidos) Kenneth McMillan y Brad Dourif (para mí siempre será el joven Billy de Alguien voló sobre el nido del cuco) o Freddie Jones (que aparece en otros films del director) y lo angelical del papel de Kyle MacLachlan resulta muy lynchiano. Otra cosa podría ser lo acertado o no de Sting, pero ahí seguramente había un elemento comercial en juego (hubiera sido más atractiva la presencia, por ejemplo, de Rutger Hauer).

Aunque la he visto varias veces, lo cierto es que, según mi opinión, sigue ocupando el farolillo de cola de la obra de Lynch.

Dune debió ser la primera película que vi de David Lynch, siendo bastante pequeño, y me impactó bastante en lo visual, pero no tengo demasiado recuerdo de ella. Desde entonces me he aficionado bastante al cine de Lynch, y también me leí la saga Dune (que coincido con Alcaudón, es un buen libro, pero no lo considero la cumbre de la ciencia ficción ni por asomo, y además la saga va claramente de más a menos), y esperando como estoy la nueva adaptación de Villeneuve, debería darle un revisionado a esta, aun sabiendo que es un Lynch totalmente fuera de su elemento. También tengo pendiente para ver el documental del Dune de Jodorowski.

De Brad Dourif, aparte de la mencionada obra maestra Alguien voló sobre el nido del cuco, lo tengo muy presente en un papel muy sobresaliente en la estupenda Mississippi Burning. Interpretaba a un poli hijo de put* del sur, casado con Frances McDormand.



Un par de curiosidades de Dune:
Su paso por la taquilla americana fue decepcionante (no llegó a cubrir el presupuesto. Se estrenó el 14 de diciembre de 1984, ocupando la segunda piosición del box-office, por detrás de la primera parte de Superdetective en Hollywood, que esta sí fue un rotundo éxito en todo el mundo, amén de situar en el estrellato de HOllywood a Eddie Murphy.

En aquella época, coexistían dos premios de muy dudoso honor: los famosos Razzies, que llegan anuestros días, y los Stinkers Bad Movie Awards, aún más antiguos.
Resulta que Dune fue elegida como la peor película de 1984, arrebatando el premio a la comedia La mejor defensa..¡el ataque! de Dudley Moore y Eddie Murphy (casualidad), Bolero, aquel esperpento de John Derek, al servicio de su esposa y mito sexual, Bo (película que ganó ese año el RAzzie a peor película del año), o Rhinestone, aquella comedia musical con guión de Stallone mano a mano con el director futuro de Campo de sueños (quién lo diría) y protagonizada por el mismo Stallone y la estupenda Dolly Parton, estrellaza country.
Ni que decir tiene que Stallone se llevó el Razzie a peor interpretación masculina del año.

Iniciado por tomaszapa

Resulta que Dune fue elegida como la peor película de 1984, arrebatando el premio a la comedia La mejor defensa..¡el ataque! de Dudley Moore y Eddie Murphy (casualidad), Bolero, aquel esperpento de John Derek, al servicio de su esposa y mito sexual, Bo (película que ganó ese año el RAzzie a peor película del año), o Rhinestone, aquella comedia musical con guión de Stallone mano a mano con el director futuro de Campo de sueños (quién lo diría) y protagonizada por el mismo Stallone y la estupenda Dolly Parton, estrellaza country.
Ni que decir tiene que Stallone se llevó el Razzie a peor interpretación masculina del año.

"Premio" completamente injusto, porque aunque se trate de un film fallido (por demasiado ambicioso) tiene suficientes méritos como para no merecer una calificación tan humillante... aunque teniendo en cuenta que en 1995 dieron un Stinker Bad Movie Award a Showgirls, la espléndida película de Verhoeven, todo es posible.

Pero, los razzies quién los da?...Los periodistas?

Iniciado por mad dog earle

"Premio" completamente injusto, porque aunque se trate de un film fallido (por demasiado ambicioso) tiene suficientes méritos como para no merecer una calificación tan humillante... aunque teniendo en cuenta que en 1995 dieron un Stinker Bad Movie Award a Showgirls, la espléndida película de Verhoeven, todo es posible.

Yo también lo encuentro exagerado lo del Razzie a Dune, a mi, particularmente, me gustó el film, eso si, sin entusiasmarme. De Lynch, he visto poco, y tengo ganas de ver varios de sus films, pero me espero a una futurible revisión para gozarlo más, y además sospecho que no me costará mucho convencer a Mad de ello

Por cierto Mad, veo que te has dejado las comillas en el adjetivo señalado

Iniciado por C.Bethencourt

Pero, los razzies quién los da?...Los periodistas?

Los razzies, más propiamente nombrados Golden Raspberry Awards (no me estoy tirando el folio), lo entrega una organización formada por cineastas y cinéfilos de todo el mundo.
Los difuntos Stinkers Bad Movie awards los entregaban cinéfilos y críticos de cine.
En cualquier caso, y más allá de aciertos (que han tenido muchos) en ambos premios, no deja de ser una curiosidad.