Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Acabo de ver El manantial (1949) y sinceramente no me apetece hacer una crítica en sí de la película cinematográficamente hablando, aunque sí diré que me parece muy buena en este aspecto.

Me gustaría saber más la opinión de los que por aquí la habeis visto y pensais de su mensaje. Yo por lo menos veo dos tipos de sentido a lo que cuenta y al personaje de Gary Cooper. Uno sería el del principio de la película, donde me identifico con sus defensa de la integridad de sus ideas y libertad creativa contra la masa. El otro punto es el alegato final a favor del individualismo y en contra de... sinceramente lo pienso así, el trabajo en equipo.

La crítica al poder de los medios sobre la gente está bastante clara y de lo que entienden algunos sobre lo que es el poder también. Me gustaria saber lo que opinais de lo que he comentado antes.

Yo no he visto nunca el montaje (que no sé cuál es, porque me hago un lío) de Encuentros en la tercera fase en el que se ve con toda explicitud el interior de la nave, y mejor, porque no me gusta nada la idea. De hecho coincido con mad dog earle en que la película es muy interesante, a ratos excelente, en su primera mitad, cuando aún se juega con el misterio, la inquietud y tal; cuando al final vemos quizá inevitablemente el desfile UFO, las comunicaciones, los desaparecidos volviendo a casa y a los aliens, me interesa muchísimo menos (aunque como mero espectáculo audiovisual es sin duda impresionante), encima ver el interior de la nave ya sería quitarle totalmente el encanto que quedara.




THE HAUNTING OF M (1979) de Anna Thomas

Film de fantasmas con cierto carácter "mítico" debido a una serie de factores: su temática, la práctica inaccesibilidad para su visionado hasta hace bien poco; y, sobre todo, por ser una de las mejores películas de su año para el célebre, ya fallecido, crítico Roger Ebert. En realidad es un drama decimonónico, en plan tono elegante y suavemente esteticista, de rasgos televisivos, de escaso interés para mí. Saliendo casi de la nada, hay una espeluznante escena espectral, con la mujer en el lecho y el aparecido sentado cerca. Secuencia excelente en sí misma, pero dentro de un contexto de casi nulidad al respecto (porque sin duda lo spooky no es su intención real), queda reducida casi a nada. Vuelve a aparecer el fantasma más tarde, pero ya con otra óptica. En mi opinión, para olvidar.





EL GRAN SILENCIO (Il grande silenzio, 1968) de Sergio Corbucci

Para mi gusto La Obra Maestra del spaghetti-western es este amargo film de un Corbucci, responsable de otro spaghetti mítico, “Django” (pero demasiado irregular y muy inferior en todos los sentidos IMO) y que aquí dota a la película de una poderosísima y densa atmósfera de crudeza, negrura y desesperación, lo cual no excluye –como todo ser sensible sabe- el aliento triste y la vibración poética; todo eso ayudado por ese enorme silencio blanco, el del frío y la nieve, que se deja notar magníficamente en el físico, el sufrimiento, la actitud de los personajes, y que marca una grave y sordo contraste entre su hipnótica blancura y el paisaje nocturno (o el de los propios oscuros bosques, aún de día) o finalmente con el rojo de la sangre de su impresionante (¿único en el género?) climax final, protagonizado en un lado por el héroe encarnado por Jean-Louis Trintignant y el pueblo inocente, y por el otro por el villano (habitual Klaus Kinski) y su banda. Ineludible.

SPIDER BABY (1968) -JACK HILL-

Será la madre de todos los slashers y en especial de los terrores góticos de la America profunda aka "La matanza de Texas" & CO? Pues no lo se, pero no me extrañaría nada que Tobe Hooper se hubiera visto 3-4 veces "Spider Baby" porque el argumento es básicamente familia disfuncional con ganas de marcha. Una familia entera afectada por una enfermedad degenerativa, el cual sólo quedan 3 miembros visibles (uno de ellos Sid Haig, un habitual de Rob Zombie) más el cuidador, un Lon Chaney Jr a muy buena altura; reciben la visita de un tío y su acompañante y de dos agentes gubernamentales, uno con bigotito a lo Hitler, con el fin de comprobar en que estado está dicha familia. Lo que viene a continuación, pues ya os lo podéis imaginar, eso si pero con varios matices muy interesantes, para no extenderme y no destripar nada, ya que es un film muy poco conocido pero ahora de fácil acceso gracias a una fantástica edición de Versus Entrateinment y un precio más que asequible (2€ en zonas calientes de Barcelona, y no me refiero a puticlubs), me limito a un poco de matemáticas para hacerles una idea de lo que se pueden encontrar con "Spider Baby":

"Freaks" † "Lolita" † "La matanza de Texas" = "Spider Baby".

En resumen, una pequeña joya creadora de una tendencia muy importante en el género, pero no reconocida, o por lo menos no sabía nada de ella, hasta que la compré a boleo, ya que la portada del DVD se vende sola (y el precio).

Close encounters of the third kind (Steven Spielberg, 1977)



Revisada durante los últimos días (la he visto en 3 días )

Nunca fue de mis favoritas de Spielberg, tardé mucho en verla y ciertamente la he revisado muy pocas veces. No se explicar que es pero no conecta conmigo. Incluso diría que hay cierta falta de empatía. También creo que la experiencia de trabajar para un amigo en el Arca perdida, tras 3 films de caótico rodaje y tener que entregar la de Indiana Jones en 80 y pocos días (al final fueron menos) porque en ese caso el productor era un amigo suyo, cambió su cine para siempre. No sé hacia donde iba el cine de Spielberg tras Jaws, y antes de Indiana Jones, pero no pintaba igual de bien. Fijaos como hizo ET: en poco tiempo, eficaz, y salió algo mágico. Aprendió a pensar menos, tal vez.

CE3K fue el primer film en el que tuvo carta blanca tras el éxito de Jaws. Decía que algo cambió tras Indiana Jones: empezó a hacer films muy compactos en la narrativa, sin que falte ni sobre nada, de fluidez exquisita. Pero en CE3K teníamos otro Spielberg: el film parte de una idea propia (en parte surgió tras tumbarse en el capó de su coche y ver Los Ángeles de noch, como si fuera una enorme nave espacial), contrató gente para reescrituras y al final lo acabó él mismo. Y no es guionista. Y se nota, se nota.

CE3K tiene además un aire raruno, MUY E.T. pero más frío, de esa Estados Unidos peculiar, con los componentes familiares que calzó en varios films: padres de familia inestables emocionalmente, madre capaz de suplir la carencia del padre, desorden en la casa, barrios residenciales...

Me fallan los diálogos, no por malos sino por poco vivos, y pese a la plenitud de muestras del estilo visual del de Ohio, me falla la narrativa, en una peli de Spielberg!! Incluso el casting lo veo raro.. A mi Dreyfuss no me va (en Jaws sí, curioso), ni su personaje.

La parte del encuentro es larguísima pero el último momento, ahí sí, ahí consigue una escena emocionante pese a lo cursi que es, bastante naif.

GRAN momento:



BSO y FX cojonudos aunque el diseño de los segundos no me va: un uso total de trucos ópticos que me resultan artificiales, no se pueden tocar, parece CGI 20 años antes de que su uso fuera indiscriminado en los segundos 90.

Joder, parece que la película no me guste pero sí eh, sólo que es... Me cuesta

PD: Dennis Muren, el artista visual más premiado de la historia, trabajó en ella así que tiene crédito en los dos mayores fenómenos de 1977: Star Wars y CE3K.

Iniciado por Mizoguchi

Pero existen 3 montajes (creo que eran 3 ó 4, no me acuerdo y eso que no hace mucho que hablé de ello en un hilo) imagino que habrás visto el de cines. En los demás cambian ciertas cosas que pueden hacerla mejor o peor.

No tengo claro qué montaje de Encuentros en la tercera fase vi. La pasaron por televisión (creo que era TCM) hace unos días. En todo caso no muestra el interior de la nave, si no recuerdo mal, escena que sí vi anteriormente en otro visionado. En todo caso ese alargadísimo final me parece que desequilibra la película, aunque sea el momento más recordado del film. Ah, y coincido con Synch: Richard Dreyfuss es una elección de casting que no me parece acertada. El problema del final se acentúa con todo el corrillo de científicos, mas Dreyfuss y creo que Melinda Dillon, poniendo cara de WTF ante la hiperbólica nave espacial (un poco de contención en el enorme cacharro hubiera beneficiado el clímax del film). Tampoco me parece acertada la elección de Truffaut (¿de dónde sale ese francés dando órdenes en Estados Unidos? Resulta bastante inverosímil, aunque supongo que le sirvió a Spielberg como una especie de particular homenaje a la nouvelle vague).

Iniciado por Narmer

Acabo de ver El manantial (1949) y sinceramente no me apetece hacer una crítica en sí de la película cinematográficamente hablando, aunque sí diré que me parece muy buena en este aspecto.

Me gustaría saber más la opinión de los que por aquí la habeis visto y pensais de su mensaje. Yo por lo menos veo dos tipos de sentido a lo que cuenta y al personaje de Gary Cooper. Uno sería el del principio de la película, donde me identifico con sus defensa de la integridad de sus ideas y libertad creativa contra la masa. El otro punto es el alegato final a favor del individualismo y en contra de... sinceramente lo pienso así, el trabajo en equipo.

La crítica al poder de los medios sobre la gente está bastante clara y de lo que entienden algunos sobre lo que es el poder también. Me gustaria saber lo que opinais de lo que he comentado antes.

Creo que esa es la interpretación más ajustada: una loa radical al individualismo por encima de la sumisión a las masas. Hay que tener en cuenta que la autora de la novela en que se basa el film, Ayn Rand, era una rusa, de origen judío, nacionalizada norteamericana, y que defendió ese individualismo por oposición al comunismo (había abandonado la URSS por voluntad propia). Aunque estéticamente el film es espléndido, su mensaje resulta un tanto extremo, inevitablemente controvertido (ilustrado en ese plano final que endiosa al "creador", a cientos de metros por encima de la masa). Es curioso que Vidor hiciera este film cuando años antes había realizado un canto a la colectividad como fue El pan nuestro de cada día. Vidor fue un director sumamente interesante, con un ideario bastante peculiar. Muy recomendable la lectura de su autobiografía: "Un árbol es un árbol".

Iniciado por Narmer

Acabo de ver El manantial (1949) y sinceramente no me apetece hacer una crítica en sí de la película cinematográficamente hablando, aunque sí diré que me parece muy buena en este aspecto.

Me gustaría saber más la opinión de los que por aquí la habeis visto y pensais de su mensaje. Yo por lo menos veo dos tipos de sentido a lo que cuenta y al personaje de Gary Cooper. Uno sería el del principio de la película, donde me identifico con sus defensa de la integridad de sus ideas y libertad creativa contra la masa. El otro punto es el alegato final a favor del individualismo y en contra de... sinceramente lo pienso así, el trabajo en equipo.

La crítica al poder de los medios sobre la gente está bastante clara y de lo que entienden algunos sobre lo que es el poder también. Me gustaria saber lo que opinais de lo que he comentado antes.

La vi hace muchos años y la tengo muy enterrada en mi mente (por lo visto, es algo así como una biografía oficiosa de Frank Lloyd Wright). El libro no lo he leído, pero he oído decir de él que es algo así como "la Biblia de la gente fracasada de derechas" .

Iniciado por mad dog earle

No tengo claro qué montaje de Encuentros en la tercera fase vi. La pasaron por televisión (creo que era TCM) hace unos días. En todo caso no muestra el interior de la nave, si no recuerdo mal, escena que sí vi anteriormente en otro visionado. En todo caso ese alargadísimo final me parece que desequilibra la película, aunque sea el momento más recordado del film. Ah, y coincido con Synch: Richard Dreyfuss es una elección de casting que no me parece acertada. El problema del final se acentúa con todo el corrillo de científicos, mas Dreyfuss y creo que Melinda Dillon, poniendo cara de WTF ante la hiperbólica nave espacial (un poco de contención en el enorme cacharro hubiera beneficiado el clímax del film). Tampoco me parece acertada la elección de Truffaut (¿de dónde sale ese francés dando órdenes en Estados Unidos? Resulta bastante inverosímil, aunque supongo que le sirvió a Spielberg como una especie de particular homenaje a la nouvelle vague).

Sólo la he visto dos veces en toda mi vida (al igual que E.T., otra película de Spielberg que es objeto de un culto que, a mí personalmente, se me escapa: pero si tantos años después sigue despertando el interés de gente muy diversa, es que debe tener algo genuinamente valioso y emocionante). Y coincido en que es una película...rara. Muy hija de su tiempo (en los años 70, había una verdadera fiebre por los ovnis, los Ummo, los extraterrestres y toda esa mandanga... parecido a la moda que luego habría en los 90 por los dinosaurios y en los 2000' por los templarios y las sociedades secretas... de esas modas periódicas que van y vienen y salen de vez en cuando), lo que significa que probablemente ha envejecido, y no muy bien. Tiene un reparto raro... una primera parte que es casi una película de terror (hay quien dice que ésta y Poltergeist son algo así como las dos caras de una misma moneda) y un desenlace más raro todavía y con algunos detalles extrañamente ingenuos (la musiquita que usan los marcianos o lo que sean para comunicarse, la aparición de toda la gente secuestrada por los extraterrestres que de pronto aparece igual que cuando desapareció como si tal cosa, los terrícolas que se van con ellos como el que se va de fin de semana a la sierra...). No sé, todo muy raro (¿soy la única a quien esos alienígenas, más feos que un dolor de tripa, le dan mal rollo, al igual que todo lo de la gente abducida?)...

Iniciado por Jane Olsen

La vi hace muchos años y la tengo muy enterrada en mi mente (por lo visto, es algo así como una biografía oficiosa de Frank Lloyd Wright). El libro no lo he leído, pero he oído decir de él que es algo así como "la Biblia de la gente fracasada de derechas" .

Ayn Rand en general y "El manantial" en particular (me refiero a la novela, aunque advierto que no la he leído) han sido tradicionalmente objeto de aceradas críticas como estandarte de lo reaccionario. La película tiene algo de eso, pero sublimado estéticamente de tal manera que te deja un poco desconcertado: hay cosas del comportamiento del personaje de Gary Cooper que no puedes dejar de compartir y admirar y otras, en cambio, que producen un estremecimiento de horror (por sus acciones casi de terrorismo individualista de resonancias ácratas). Sobre lo de ser una especie de biopic de Frank Lloyd Wright, creo que es evidente que se inspira en este famoso arquitecto (las formas de sus edificios son claramente asimilables a las Lloyd Wright), pero desconozco si solo en su obra o también en su vida.

Iniciado por Jane Olsen

Sólo la he visto dos veces en toda mi vida (al igual que E.T., otra película de Spielberg que es objeto de un culto que, a mí personalmente, se me escapa: pero si tantos años después sigue despertando el interés de gente muy diversa, es que debe tener algo genuinamente valioso y emocionante). Y coincido en que es una película...rara. Muy hija de su tiempo (en los años 70, había una verdadera fiebre por los ovnis, los Ummo, los extraterrestres y toda esa mandanga... parecido a la moda que luego habría en los 90 por los dinosaurios y en los 2000' por los templarios y las sociedades secretas... de esas modas periódicas que van y vienen y salen de vez en cuando), lo que significa que probablemente ha envejecido, y no muy bien. Tiene un reparto raro... una primera parte que es casi una película de terror (hay quien dice que ésta y Poltergeist son algo así como las dos caras de una misma moneda) y un desenlace más raro todavía y con algunos detalles extrañamente ingenuos (la musiquita que usan los marcianos o lo que sean para comunicarse, la aparición de toda la gente secuestrada por los extraterrestres que de pronto aparece igual que cuando desapareció como si tal cosa, los terrícolas que se van con ellos como el que se va de fin de semana a la sierra...). No sé, todo muy raro (¿soy la única a quien esos alienígenas, más feos que un dolor de tripa, le dan mal rollo, al igual que todo lo de la gente abducida?)...

A mí lo que me da muy mal rollo es esa apariencia ovina con que los humanos se suben a la nave espacial, como si tuvieran que ser transportados al paraíso. ¿En base a qué? ¿Por influjo de las cuatro notas de marras (que todo el mundo reproducía en su día en toda suerte de instrumentos sonoros, incluido el famoso Simon.

Pues a mi encanta Encuentros en la tercera fase,de las más infravaloradas de spielberg

Iniciado por mad dog earle

Ayn Rand en general y "El manantial" en particular (me refiero a la novela, aunque advierto que no la he leído) han sido tradicionalmente objeto de aceradas críticas como estandarte de lo reaccionario. La película tiene algo de eso, pero sublimado estéticamente de tal manera que te deja un poco desconcertado: hay cosas del comportamiento del personaje de Gary Cooper que no puedes dejar de compartir y admirar y otras, en cambio, que producen un estremecimiento de horror (por sus acciones casi de terrorismo individualista de resonancias ácratas). Sobre lo de ser una especie de biopic de Frank Lloyd Wright, creo que es evidente que se inspira en este famoso arquitecto (las formas de sus edificios son claramente asimilables a las Lloyd Wright), pero desconozco si solo en su obra o también en su vida.

Exacto, es todo tan contradictorio durante la película, en algunos momentos me identifico totalmente con el personaje y al final me da hasta mal rollo su radicalismo. Quizás por eso no puedo criticar la película tanto como lo hubiera hecho en caso de mostrarme claramente que lo único importante es la idea final, pero hay bastantes críticas a la sociedad más allá de este pensamiento único que tengo que valorar positivamente.

1. La película de King Vidor, aunque uno no comulgue enteramente (o en parte) con el personaje encarnado por Gary Cooper, es sin duda uno de los mejores melodramas de la Historia del Cine. La tórrrida relación entre Howard Roark y Dominique (Patricia Neal) tuvo su espejo en la vida real entre ambas estrellas.

Yo consideraría a Vidor como uno de los más grandes, a la altura de Ford, Hawks, Lubitsch o Walsh.

Lo grandioso de su filmografía es, como bien dice el compañero mad dog earle, que a veces sus películas son cantos exacerbados al individualismo y otras todo lo contrario.

2. A mí me encanta ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE. Spielberg es de esos autores que tiene una visión optimista (o positivista) sobre la posibilidad de un contacto con seres de otros mundos. Frente a la más frecuente opción que suelen ser las invasiones alienígenas hostiles Spielberg opone un concepto más humanista que comparten gente tan aparentemente disímil (¿verdad, amigo Mizoguchi? ) como Stanley Kubrick (véase 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO).

Hablando de King Vidor, ayer revisé Pasión bajo la niebla (Ruby Gentry), melodrama con un alto voltaje erótico que la emparenta en cierto modo con otro film de Vidor, la magnífica Duelo al sol. También aquí vivimos una tórrida relación entre un joven de buena familia, Boake (Charlton Heston, con algo del cinismo de Gregory Peck en el western citado) y una chica algo asilvestrada y de sexualidad desbordante, la Ruby del título (de nuevo Jennifer Jones). Diferencias sociales (se insiste en que Ruby nació en el "wrong side of the tracks" mientras Boake es un ambicioso cachorro de la alta sociedad de un pueblo costero), de edad (Ruby se acaba casando, por despecho hacia el personaje de Heston y para ascender socialmente, con un hombre mayor pero rico, interpretado por Karl Malden), tensiones y conflictos bañados en un erotismo a flor de piel (Heston se pega como una lapa a Jones, la agarra con fuerza, de manera casi bestial, son cuerpos que se frotan como pocas veces se ha visto en el cine mainstream del Hollywood clásico), todo ello ambientado en un paisaje lujurioso de los pantanos y bosques de Carolina del Norte (aunque en buena parte filmado en estudio). Completa el cuadro Jewel (James Anderson), el hermano de Ruby, una especie de pájaro de mal agüero, fanático religioso, que acusa constantemente a Ruby de pecadora, en un tono bíblico apocalíptico (y que tiene su consecuencia en un final trágico en los pantanos, que recuerda algo el final de otro espléndido film de Vidor: Hallelujah). Destaca la fotografía de Russell Harlan, que juega de forma magistral con las luces y las sombras (¡y qué sombras!).

Sin duda, una espléndida película y otro de esos melodramas desaforados que a veces rodaba el gran King Vidor, como la citada DUELO AL SOL o EL MANANTIAL. Pero también tenía obras más reposadas (y muy hermosas) como NOCHE NUPCIAL o CENIZAS DE AMOR

Aunque DUELO AL SOL es más una película de David O. Selznick que de Vidor que sólo llegó a rodar unos 70 de los 138 minutos que dura la proyección (el resto vendría firmado, en orden decreciente, por William Dieterle (40 minutos), Otto Brower, B. Reeves Eason, Josef von Sternberg, Hal Kern, William Cameron Menzies y Chester Franklin.

Independientemente del ejercicio de arqueología cinematográfica que se pueda hacer respecto a Duelo al sol, y que seguro que puede dar para tesis doctorales, lo cierto es que el resultado final, al menos desde mi punto de vista, es perfectamente coherente con el cine de Vidor, y a la comparación con la comentada Pasión bajo la niebla me remito. De hecho, ese final en los pantanos, además de recordar por ambientación al de Hallelujah, también puede traernos a la memoria el final de Duelo al sol, con Jennifer Jones y Gregory Peck, otra exaltada relación pasional vidoriana, como hay otras, por ejemplo, Bird of Paradise.

Pintaza "Pasión bajo la niebla" (y "Hallelujah"), creo que puede ser del tipo de melodramas que más me gustan. "El Manantial" la recuerdo magistral y "Duelo al sol" un western muy ejem gozoso. Adoro también "La pradera sin ley".
¿Que me podéis decir de https://www.imdb.com/title/tt0041172...=nm_flmg_dr_12 o https://www.imdb.com/title/tt0044764...=nm_flmg_dr_10 ?

Y su "Guerra y paz" parece tener una recepción crítica y cinéfila bastante ambivalente, ¿no?

De Beyond the Forest tengo un recuerdo muy borroso (lo cual es una mala señal). En todo caso, contando con la presencia de Bette Davis seguro que algo de interés tiene. Sobre Guerra y paz, hay quien la pone por las nubes (recuerdo que el fallecido José María Latorre la valoraba elogiosamente), cuenta además con el aliciente de una bella banda sonora de Nino Rota y una magnífica fotografía de Jack Cardiff, además de la presencia siempre encantadora de Audrey Hepburn y la solvencia de Henry Fonda. Lo que pasa es que para cualquier lector de Tolstoi, reducir su obra magna a un film de de tres horas y media siempre parecerá una simplificación. Para interesados en la novela, vale la pena ver la versión de Sergi Bondarchuk de siete horas, Guerra y paz.

Puestos a recordar el cine de Vidor, además de sus obras maestras del cine mudo, The Big Parade y The Crowd, yo añadiría a las citadas Stella Dallas, un tremendo melodrama, con Barbara Stanwyck.

Viernes 13

Llevaba tiempo con planes de ver esta archiconocida y exitosa saga de terror, de la cual mi amigo Predator es ultra-hyper-mega-fan y en múltiples ocasiones me ha animado a verla y bueno, ya por fin me he puesto a ello.

La premisa de la película es buena, sin duda tiene potencial, pero por desgracia considero que el desarrollo es pobre, lento, aburrido y aunque guarda una sorpresa al final de la película más o menos inesperada, no me gustó como la plasmaron en pantalla; ¡y por cierto!, a colación de dicho final... me sorprendió mucho la ausencia de elementos sobrenaturales en la historia y es que pese a que nunca había visto una peli de la saga, sí que he visto dos veces el cross-over: Freddy vs. Jason y evidentemente ahí queda claro la naturaleza sobrenatural del personaje de Jason. Al mismo tiempo, me sentí decepcionado con la casi nula presencia de Jason en pantalla, que a fin de cuentas es la estrella de la saga, pero viendo la película, está claro que la trama iba por otros derroteros y que la mitología de Jason Voorhees estaba en desarrollo. La película tiene una evidente influencia del que para muchos es un clásico del suspense, una obra maestra y del cual no mencionaré el título para así no destripar la película a nadie.

Del reparto, lo más llamativo es ver a un jovencísimo Kevin Beacon, el cual hace un trabajo correcto, al igual que el resto de actores que dan vida a los respectivos monitores del campamento . Por el lado negativo, está el trabajo de la actriz que interpreta a la madre de Jason, no me gustó, no me transmitió absolutamente nada, mala elección de casting.

Todo el enfrentamiento final me resultó patético, el personaje de Alice se comporta de forma absurda y las coreografías de las peleas son penosas. El uso de la vista en primera persona me pareció excesivo, aunque entiendo la razón de su uso y tiene mucho que ver con la sorpresa final que comentaba anteriormente.

A nivel de efectos especiales... pues oye, teniendo en cuenta el tipo de producción que era, creo que no está mal, el maquillaje en líneas generales creo que es potable.

La bso es otro de los pocos apartados que en general salvaría de la quema.

A modo de curiosidad, comentar el momento en el que Alice se está preparando un café, vemos como tras vertirse una cucharadas, cierra mal el bote y más adelante se ve este perfectamente cerrado (se ve que alguien del set no pudo resistir la tentación de ponerlo como es debido XD , pero bueno, esto es sólo una broma mía, estas cosas pasan en todas las películas).

La película fue un verdadero pelotazo de taquilla, costó únicamente 550.000 $ y a nivel mundial ingreso la espectacular cifra de 60 millones, ¡una locura!, normal que se diesen prisa en hacer una primera secuela.

Nota: 1,5/10

Viernes 13 Parte 2

Nada más terminar de ver la 1ª película, me vi en una sesión doble la 2ª parte.

La gran novedad de esta secuela, es que ¡por fin vemos en acción a Jason! o bueno, al menos a una versión más cercana al look que finalmente terminará teniendo el personaje: ya para empezar aparece el famoso machete, que ya es algo, por contra sigue sin llevar la famosa máscara de hockey. Algo que no me gustó nada, es el resumen de 5 min. que se pegan al principio de la película sobre el film original, sobra completamente. El desarrollo vuelve a ser lento, aunque en este caso se hace más pesado ya que los personajes me gustaron menos. Los asesinatos están demasiado espaciados en el tiempo, creo que durante el primer tramo de la peli, pasan 25 min. del primer asesinato al 2º.

En cuanto a los actores... ¡pstché!, quizás un poco más flojos que los de la 1ª.

El maquillaje más o menos al mismo nivel que la peli original, quizás ligeramente mejor pero sin pasarse.

La bso me gustó un pelín más.

Mención especial para el planazo que se marca el director del culazo de la preciosidad de la película, Kirsten Baker:



En cuanto a los números de la película, esta primera secuela tuvo un incremento importante en cuanto al presupuesto, pasaron de los 55.000 $ que costó la original a 1.250.000 $ de esta 2ª parte. A nivel de recaudación sólo he podido conseguir las cifras de EE.UU.: casi 22 millones, que aunque es casi la mitad de lo que hizo la 1ª en territorio Usa, el escaso presupuesto de la película hace que sea muy rentable.

Nota: 1/10

EL ÚLTIMO GRAN ROMÁNTICO DEL CINE CLÁSICO NORTEAMERICANO

O

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE NICHOLAS RAY / PARTE XI:

REBEL WITHOUT A CAUSE (1955, REBELDE SIN (UNA) CAUSA)



Estudio: Warner Bros. Pictures, Inc.

Productor: David Weisbart.

Guión: Stewart Stern, basado en la adaptación de Irving Shulman de una historia de Nicholas Ray.

Dirección artística: Malcolm Bert.

Fotografía: Ernest Haller (en WarnerColor y CinemaScope).

Música: Leonard Rosenman.

Reparto: James Dean (Jim Stark), Natalie Wood (Judy), Sal Mineo (John “Platón” Crawford), Jim Backus (el padre de Jim), Ann Doran (la madre de Jim), Corey Allen (Buzz Gunderson), William Hopper (el padre de Judy), Rochelle Hudson (la madre de Judy), Dennis Hopper (Goon), Edward Platt (Ray Fremick).

Duración: 111 minutos.

Inicio de rodaje: 28 de marzo de 1955.

Estreno: 26 de octubre de 1955.

De las tres películas en las que actuó como protagonista sólo la primera, EAST OF EDEN (1955, AL ESTE DEL EDÉN), fue estrenada antes del fatal accidente que sesgó la vida al actor más prometedor del momento, James Byron Dean (8 de febrero de 1931-30 de septiembre de 1955).



Desconozco si fue cosa de la Academia el que Dean únicamente fuera nominado al mejor actor por la citada obra maestra de Elia Kazan o sencillamente la Warner Bros. prefirió no dividir esfuerzos y centrarse únicamente en una de las dos películas que el actor había estrenado ese año. Y por ello sólo sería nominado por su formidable papel de Caleb Trask en lugar del no menos determinante (y, desde luego, más influyente) de Jim Stark. [Por cierto, la película acabaría recibiendo tres nominaciones aunque no alcanzaría ninguna estatuilla (Nicholas Ray (historia original) y Natalie Wood y Sal Mineo (como actores secundarios)].



Película profundamente personal de Nicholas Ray y probablemente su obra más famosa, REBELDE SIN (UNA) CAUSA [Del libro de Carlos Benpar sobre el director: “Son innumerables la cantidad de barbaridades que se han cometido cambiando los títulos originales de las películas para su distribución comercial. Pero nunca ha sido tan grave como en el caso de REBEL WITHOUT A CAUSE, el más flagrante de todos precisamente porque no lo es en apariencia. REBELDE SIN UNA CAUSA es la única traducción correcta y fiel del título de Nicholas Ray. La exclusión del artículo “una” dejando el título español en REBELDE SIN CAUSA cambia diametralmente el sentido otorgado por el autor al término “causa”, perdiendo éste su significado de principio ideológico o bandera y convirtiéndose simplemente en motivo o razón. Y así Jim Stark pasa a ser un rebelde sin motivo alguno para ello, es decir sin razón, cuando en realidad es un rebelde sin ninguna bandera que defender sino la de su propia condición".] es de toda la obra director la película que más me gusta. Ojo, no digo que sea su mejor película porque tiene imperfecciones que no percibo en la anterior JOHNNY GUITAR (1954, ídem) o en otras de sus primeras obras por las que siento especial debilidad (THE TWISTED ROAD (1948), IN A LONELY PLACE (1950), ON DANGEROUS GROUND (1951) o THE LUSTY MEN (1952) – curiosamente todas ellas inéditas en salas comerciales en nuestro país - ) pero comparte con todas ellas el romanticismo exacerbado tan característico del mejor cine del director así como el desarraigo de los personajes principales quienes a falta de una familia propia acaban por construirse una propia.



Originalmente presupuestada como una película más bien de serie B, en b/n y CinemaScope (cuando el formato estaba en pleno auge (recordemos que la primera película estrenada en tal sistema sería la plúmbea (pero extraordinariamente exitosa) THE ROBE (1953, LA TÚNICA SAGRADA) de Henry Koster)) no sé si fue cosa de la 20th Century-Fox, propietaria del invento y que obligaba a que toda producción que fuese rodada con las lentes CS tenía que ser en color (política que además empezaría a cambiar al año siguiente) o más probablemente por decisión de la Warner cuando vio los primeros “rushes” de la película y de un plumazo decidió desechar todo lo filmado (de lo que hay constancia (sin sonido) en los abundantes extras que acompañan a la (estupenda) edición en BD) y volver a hacerlo en rutilante WarnerColor, un procedimiento más barato que el habitual Technicolor de tres bandas que ya estaba empezando a estar en desuso pero que Ray, al igual que en JOHNNY GUITAR, trabajaría a fondo para crear unas texturas cromáticas que servirían para definir a cada uno de los personajes de este drama con trasfondo de tragedia griega (como muy bien narra el guionista original Stewart Stern en los extras que complementan el visionado de la cinta).



Prefiero dejar el desarrollo de la trama al compañero mad dog earle pues REBELDE SIN (UNA) CAUSA es una película que todo cinéfilo que se precie ha visto, al menos, alguna vez en su vida (y si no es así, ¡a qué esperas!). Además el tiempo y el espacio de que dispongo es limitado así que me limitaré a poner por escrito algunas de las ideas que se me vinieron ayer a la cabeza mientras disfrutaba de la velada. Espero poder articularlas de forma coherente y razonada y sobre todo de una manera breve y concisa.

Lo primero que me gustaría destacar es que Ray (y su guionista) comprimen toda la acción en un sólo día.

Ya durante los títulos de crédito (y es una pena que los mismos se coman buena parte de la imagen (pero aquí era la productora la que mandaba) ya que el inicio es determinante en la resolución de la historia (una historia circular, como ya veremos)) donde vemos a nuestro protagonista, Jim Stark (un prodigioso James Dean (sin duda, nunca podremos valorar en toda su importancia la pérdida de un actor de su talento)) aparecer tambaleándose por la calle, borracho y cae (o más bien, se deja caer) donde hay un pequeño monito que funciona a cuerda y toca los platillos. Jim se tumba junto a él y finalmente le arropa con un periódico como si fuese alguien que estuviese vivo y hubiera que proteger (no nos olvidemos de esta imagen pues, como decía, nos dará una de las claves del trágico final).







Si el tema de la delincuencia juvenil ya fue tratado por Ray en dos de sus primeras (y mejores) películas como la citada THE TWISTED ROAD (1948) o KNOCK ON ANY DOOR (1949, LLAMAD A CUALQUIER PUERTA) aquí el caso es bien diferente pues como Ray quiere dejar claro desde el principio (y en eso difiere completamente de las mencionadas obras) la delincuencia entre los jóvenes no es algo que venga determinado por las condiciones sociales del entorno donde viven los chicos ya que buena parte de los mismos proceden de buenas familias sino más bien de una generación desencantada y desubicada, hija de los estragos que la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) dejara en sus progenitores y en ellos mismos.

Algo que comparten los tres protagonistas principales (Jim, Judy y Platón (por cierto, ya he mencionado el extraordinario trabajo de James Dean, pero me gustaría destacar igualmente el de la maravillosa Natalie Wood (1938-1981) y el de Sal Mineo (1939-1976), ambos al igual que Dean prematuramente desaparecidos) es el desarraigo.

Jim quiere a su padre pero detesta a su madre y su abuela (la madre de ella). Son mujeres dominantes que anulan la “masculinidad” de su padre (Jim Backus). Trata de que su padre se haga valer y deje de comportarse como un perrito faldero de su esposa.



Judy, igualmente, ama a su padre y no soporta a su madre (que apenas asoma en la película salvo para recordarle a Judy que se tome su zumo de tomate...). Pero para su padre Judy ha dejado de ser su “niñita” (su actitud hacia ella es, ciertamente, ambivalente – atracción/repulsión -) y ahora vuelca todo su afecto en su hijo pequeño (varón).

Platón vive al cuidado de su ama de llaves negra (Marietta Canty) ya que sus padres están separados. Su madre siempre está “de viaje de negocios” y su padre únicamente le envía sustanciosos cheques con los que pretende compensar la falta de afecto abismal que necesita el chaval.

Tres personajes que a falta de pertenecer a una familia acaban por “crear” la suya propia, aunque sólo sea durante unas breves horas (la referencia que hace Stern a la obra teatral de Barrie, PETER PAN, es justamente aplicable cuando entran en la gran mansión abandonada, ese País de Nunca Jamás, donde Jim ejercerá de Peter Pan, Judy de Wendy y Platón de uno de los “niños perdidos”).





Si para Jim el que le consideren un “gallina” es algo que no puede soportar, quizás porque ve lo que le ha pasado a su padre, Judy necesita el afecto de su padre (la madre, como ya decíamos, está desaparecida en combate) y a falta de él se enrolla con el matón del instituto, Buzz (Corey Allen) [el diálogo más recordado de la película (lo dice el propio guionista, no voy a contradecirle) es el que se establece entre Jim y Buzz antes de empezar la famosa (y ya mítica) carrera de coches:

Jim: ¿En el fondo por qué lo hacemos?

Buzz: Algo hay que hacer, ¿no?]

y Platón “adoptará” a los dos primeros como sus padres (auque algunos creen ver una más que evidente atracción homosexual de Platón hacia Jim (algo que tampoco es descartable) yo me inclino más por la diferencia de edad entre ellos dos (el personaje encarnado por Mineo es algo más joven) y porque el primero ve al segundo como el padre que nunca tuvo, por su actitud protectora y amable hacia él.

No deja de ser sintomático que después de la escena del monito (repito, vital en el ulterior desenlace de la trama) se encuentren los tres bajo arresto en la división juvenil de la policía.

Ray usará el enorme formato del CinemaScope (por el que no sentía especial entusiasmo pero que usó magistralmente) para ubicar a los tres personajes principales en el mismo espacio, ocupando los extremos del encuadre.

Jim intentará (infructuosamente) prestar su chaqueta al joven Platón pero éste la rechazará en un primer momento (hay un instante mágico cuando los tres protagonistas se ven por primera vez. La forma en la que Ray los encuadra es asombrosa en su simplicidad). El casi adolescente ha sido llevado a comisaría por haber matado con una pistola a unos cachorros. Ni siquiera él sabe por qué. Tal vez, simplemente, por aburrimiento.



Judy (que aparece con un abrigo de un rojo fulgurante (de nuevo el buen ojo de Ray en el diseño de los colores del vestuario de sus interpretes)) le comenta al policía que la atiende que su padre la desprecia y ya no la quiere como antes.



Jim, una vez han llegado sus padres, sólo puede sincerarse con el oficial Fremick (Edward Platt) descargando su ira primero contra él y luego contra el mobiliario. Una forma de poder soltar todo lo que lleva dentro y que le hace incapaz de hacer entender a sus progenitores, especialmente a su padre, con el que tiene una más íntima relación, cuales son sus sentimientos.



No quiero alargarme que ya me conozco y como decía tengo el tiempo muy limitado.

Escenas como la famosa carrera hacia el precipicio son ciertamente míticas y especialmente me encanta el plano de Judy cuando da la señal de salida y luego cuando se vuelve y se pone a correr tras los coches.



O cuando después de la muerte (accidental) de Buzz Judy queda la borde del acantilado donde parece querer abalanzarse y Jim le extiende su mano. Un instante mágico y el inicio de su relación amorosa. Y justamente en ese mismo plano Platón observa a los dos, tal vez con un deje de envidia por esa relación que acaba de crearse entre Jim y Judy pero también porque empieza a atisbar esa descabellada idea de formar con ellos una familia.



Como decía los colores juegan una importancia decisiva en el carácter de los personajes y tienen un valor dramático determinante aunque quizás no alcance las alturas de lo conseguido en su anterior pieza maestra, JOHNNY GUITAR.

El abrigo rojo de Judy al principio de la historia.



La cazadora roja de Jim (y que Platón acariciará tiernamente como más tarde haría algo similar Martha Edwards (Dorothy Jordan) con el capote de Ethan Edwards (John Wayne) en la cima del cine norteamericano THE SEARCHERS (1956, CENTAUROS DEL DESIERTO)).



El abrigo blanco de Judy cuando va a buscar a Jim y empieza su enamoramiento.



El propio suéter rosa de Judy.



Los dos colores citados, símbolos de pureza. El primero, el rojo, símbolo de protesta ante la fría actitud de su padre.

La camiseta amarilla de Buzz.



Pensamientos que rápidamente se me vienen y se me van de la cabeza.

El planetario donde los asustados estudiantes (especialmente Platón) ven cómo acabará el mundo. Ese mismo planetario donde finalizará la historia, con la muerte de uno de los protagonistas (al parecer la idea original es que tanto Platón como Jim murieran por disparos de la policía pero al final (y muy juiciosamente, a mi modesto entender) se prefirió que sólo el primero lo hiciera).





Y Jim volverá a cubrir con su cazadora el cuerpo de su desvalido amigo.



[Cuando comenté IN A LONELY PLACE se me olvidó mencionar que una de las cosas que definían a los personajes era la forma en la que uno de ellos ponía las manos sobre los hombros del otro, yendo desde la amistad, pasando por la autoridad y llegando al desprecio.

En REBELDE SIN UNA CAUSA (lo siento, lo prefiero) esa actitud de Jim de ceder primero su chaqueta y luego su cazadora a Platón (o tapándole con su propia prenda al chico cuando él y Judy se marchan a explorar la mansión deshabitada) es determinante del sentimiento de soledad y desamparo que expresan los protagonistas.

Al final, el propio padre de Jim le cederá su chaqueta. El instante en el que el padre entienda de una vez que su hijo ya es un nombre y que tiene que aprender a madurar y a comportarse como el hombre del que su hijo (y no su padre) se sienta orgulloso.]

Me alegra que una película tan bella, tan romántica (los diálogos entre Jim y Judy, aparentemente mil veces oídos, resuenan todavía en mi memoria), tan deudora de su tiempo (pero a la vez intemporal) fuera el mayor éxito de taquilla de su director (1.500.000 de dólares de presupuesto frente a más de 4.500.000 de recaudación).



Y a ese romanticismo ayuda y de qué manera la bellísima banda sonora de Leonard Rosenman (quién ya había trabajado con James Dean en la citada AL ESTE DEL EDÉN). Una música, por cierto, que me recuerda a ciertos pasajes de la magistral VERTIGO (1958, DE ENTRE LOS MUERTOS) de Alfred Hitchcock (¿tal vez se inspiró siquiera parcialmente el gran Bernard Herrmann en la partitura de Rosenman?).

Y, por supuesto, la excepcional fotografía en WarnerColor y CinemaScope de Ernest Haller (el mismo que el de GONE WITH THE WIND (1939, LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ), ahí es nada), usando un procedimiento que todavía no había alcanzado su máxima depuración.

Y para acabar decir que los protagonistas de la película, James Dean, Natalie Wood y Sal Mineo, tenían al inicio del rodaje, 24, 17 y 16 años, respectivamente.

Como dije al principio, REBELDE SIN UNA CAUSA no es la mejor película de Nicholas Ray pero si es mi favorita dentro de su impresionante filmografía.

Y si no la has visto todavía, no sabes cómo te envidio...

Feliz tarde y Nicholas Ray os bendiga.



Warner Bros. Entertainment (2014).

P. D. A la vuelta del trabajo añadiré las fotos de rigor para hacer más lindo el comentario pero ahora me tengo que marchar.

Fantástica crítica Alcaudón. Esta es una de mis peliculas favoritas, que por motivos personales, siempre estará presente en mi memoria.

Estoy de acuerdo en todo lo que dices excepto en lo del titulo, creo que "REBELDE SIN CAUSA" es la traducción correcta y que mejor hace justicia a la pelicula. Recuerdo que mi madre decía que, cuando mi abuela fue al cine a verla en su momento, no estaba de acuerdo con el titulo porque decía que el personaje de James Dean era un rebelde "con mucha causa", aunque yo, sin animo de contradecir a mi abuela a la que por desgracia no llegue a conocer, si que creo que el pobre Stark es un "Rebelde sin causa" que se ve arrastrado, como muchos adolescentes, a tener un determinado comportamiento en la sociedad para reivindicarse frente a ella.

Otro dato importante es la presencia de Dennis Hopper, que aparte de contemplar sus inicios como actor (tambien coincidiria en "Gigante" con Dean), siempre me ha parecido curioso la forma que tenía de interpretar al personaje, ya que, como el mismo dijo muchas veces, la admiración que tenía por Dean era enorme y siempre trataba de emularle en cuanto tenía ocasión (igual que le pasaba, por otra parte, a Dean con Brando).

Iniciado por Alcaudón

EL ÚLTIMO GRAN ROMÁNTICO DEL CINE CLÁSICO NORTEAMERICANO

O

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE NICHOLAS RAY / PARTE XI:

REBEL WITHOUT A CAUSE (1955, REBELDE SIN (UNA) CAUSA)



Estudio: Warner Bros. Pictures, Inc.

Productor: David Weisbart.

Guión: Stewart Stern, basado en la adaptación de Irving Shulman de una historia de Nicholas Ray.

Dirección artística: Malcolm Bert.

Fotografía: Ernest Haller (en WarnerColor y CinemaScope).

Música: Leonard Rosenman.

Reparto: James Dean (Jim Stark), Natalie Wood (Judy), Sal Mineo (John “Platón” Crawford), Jim Backus (el padre de Jim), Ann Doran (la madre de Jim), Corey Allen (Buzz Gunderson), William Hopper (el padre de Judy), Rochelle Hudson (la madre de Judy), Dennis Hopper (Goon), Edward Platt (Ray Fremick).

Duración: 111 minutos.

Inicio de rodaje: 28 de marzo de 1955.

Estreno: 26 de octubre de 1955.

De las tres películas en las que actuó como protagonista sólo la primera, EAST OF EDEN (1955, AL ESTE DEL EDÉN), fue estrenada antes del fatal accidente que sesgó la vida al actor más prometedor del momento, James Byron Dean (8 de febrero de 1931-30 de septiembre de 1955).

Desconozco si fue cosa de la Academia el que Dean únicamente fuera nominado al mejor actor por la citada obra maestra de Elia Kazan o sencillamente la Warner Bros. prefirió no dividir esfuerzos y centrarse únicamente en una de las dos películas que el actor había estrenado ese año. Y por ello sólo sería nominado por su formidable papel de Caleb Trask en lugar del no menos determinante (y, desde luego, más influyente) de Jim Stark. [Por cierto, la película acabaría recibiendo tres nominaciones aunque no alcanzaría ninguna estatuilla (Nicholas Ray (historia original) y Natalie Wood y Sal Mineo (como actores secundarios)].

Película profundamente personal de Nicholas Ray y probablemente su obra más famosa, REBELDE SIN (UNA) CAUSA [Del libro de Carlos Benpar sobre el director: “Son innumerables la cantidad de barbaridades que se han cometido cambiando los títulos originales de las películas para su distribución comercial. Pero nunca ha sido tan grave como en el caso de REBEL WITHOUT A CAUSE, el más flagrante de todos precisamente porque no lo es en apariencia. REBELDE SIN UNA CAUSA es la única traducción correcta y fiel del título de Nicholas Ray. La exclusión del artículo “una” dejando el título español en REBELDE SIN CAUSA cambia diametralmente el sentido otorgado por el autor al término “causa”, perdiendo éste su significado de principio ideológico o bandera y convirtiéndose simplemente en motivo o razón. Y así Jim Stark pasa a ser un rebelde sin motivo alguno para ello, es decir sin razón, cuando en realidad es un rebelde sin ninguna bandera que defender sino la de su propia condición.] es de toda la obra director la película que más me gusta. Ojo, no digo que sea su mejor película porque tiene imperfecciones que no percibo en la anterior JOHNNY GUITAR (1954, ídem) o en otras de sus primeras obras por las que siento especial debilidad (THE TWISTED ROAD (1948), IN A LONELY PLACE (1950), ON DANGEROUS GROUND (1951) o THE LUSTY MEN (1952) – curiosamente todas ellas inéditas en salas comerciales en nuestro país - ) pero comparte con todas ellas el romanticismo exacerbado tan característico del mejor cine del director así como el desarraigo de los personajes principales quienes a falta de una familia propia acaban por construirse una propia.

Originalmente presupuestada como una película más bien de serie B, en b/n y CinemaScope (cuando el formato estaba en pleno auge (recordemos que la primera película estrenada en tal sistema sería la plúmbea (pero extraordinariamente exitosa) THE ROBE (1953, LA TÚNICA SAGRADA) de Henry Koster)) no sé si fue cosa de la 20th Century-Fox, propietaria del invento y que obligaba a que toda producción que fuese rodada con las lentes CS tenía que ser en color (política que además empezaría a cambiar al año siguiente) o más probablemente por decisión de la Warner cuando vio los primeros “rushes” de la película y de un plumazo decidió desechar todo lo filmado (de lo que hay constancia (sin sonido) en los abundantes extras que acompañan a la (estupenda) edición en BD) y volver a hacerlo en rutilante WarnerColor, un procedimiento más barato que el habitual Technicolor de tres bandas que ya estaba empezando a estar en desuso pero que Ray, al igual que en JOHNNY GUITAR, trabajaría a fondo para crear unas texturas cromáticas que servirían para definir a cada uno de los personajes de este drama con trasfondo de tragedia griega (como muy bien narra el guionista original Stewart Stern en los extras que complementan el visionado de la cinta).

Prefiero dejar el desarrollo de la trama al compañero mad dog earle pues REBELDE SIN (UNA) CAUSA es una película que todo cinéfilo que se precie ha visto, al menos, alguna vez en su vida (y si no es así, ¡a qué esperas!). Además el tiempo y el espacio de que dispongo es limitado así que me limitaré a poner por escrito algunas de las ideas que se me vinieron ayer a la cabeza mientras disfrutaba de la velada. Espero poder articularlas de forma coherente y razonada y sobre todo de una manera breve y concisa.

Lo primero que me gustaría destacar es que Ray (y su guionista) comprimen toda la acción en un sólo día.

Ya durante los títulos de crédito (y es una pena que los mismos se coman buena parte de la imagen (pero aquí era la productora la que mandaba) ya que el inicio es determinante en la resolución de la historia (una historia circular, como ya veremos)) donde vemos a nuestro protagonista, Jim Stark (un prodigioso James Dean (sin duda, nunca podremos valorar en toda su importancia la pérdida de un actor de su talento)) aparecer tambaleándose por la calle, borracho y cae (o más bien, se deja caer) donde hay un pequeño monito que funciona a cuerda y toca los platillos. Jim se tumba junto a él y finalmente le arropa con un periódico como si fuese alguien que estuviese vivo y hubiera que proteger (no nos olvidemos de esta imagen pues, como decía, nos dará una de las claves del trágico final).

Si el tema de la delincuencia juvenil ya fue tratado por Ray en dos de sus primeras (y mejores) películas como la citada THE TWISTED ROAD (1948) o KNOCK ON ANY DOOR (1949, LLAMAD A CUALQUIER PUERTA) aquí el caso es bien diferente pues como Ray quiere dejar claro desde el principio (y en eso difiere completamente de las mencionadas obras) la delincuencia entre los jóvenes no es algo que venga condicionado por las condiciones sociales del entorno donde viven los chicos ya que buena parte de los mismos proceden de buenas familias sino más bien de una generación desencantada y desubicada, hija de los estragos que la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) dejara en sus progenitores y en ellos mismos.

Algo que comparten los tres protagonistas principales (Jim, Judy y Platón (por cierto, ya he mencionado el extraordinario trabajo de James Dean, pero me gustaría destacar igualmente el de la maravillosa Natalie Wood (1938-1981) y el de Sal Mineo (1939-1976), ambos al igual que Dean prematuramente desaparecidos) es el desarraigo.

Jim quiere a su padre pero detesta a su madre y su abuela (la madre de ella). Son mujeres dominantes que anulan la “masculinidad” de su padre (Jim Backus). Trata de que su padre se haga valer y deje de comportarse como un perrito faldero de su esposa.

Judy, igualmente, ama a su padre y no soporta a su madre (que apenas asoma en la película salvo para recordarle a Judy que se tome su zumo de tomate...). Pero para su padre Judy ha dejado de ser su “niñita” (su actitud hacia ella es, ciertamente, ambivalente – atracción/repulsión -) y ahora vuelca todo su afecto en su hijo pequeño (varón).

Platón vive al cuidado de su ama de llaves negra (Marietta Canty) ya que sus padres están separados. Su madre siempre está “de viaje de negocios” y su padre únicamente le envía sustanciosos cheques con los que pretende compensar la falta de afecto abismal que necesita el chaval.

Tres personajes que a falta de pertenecer a una familia acaban por “crear” la suya propia, aunque sólo sea durante unas breves horas (la referencia que hace Stern a la obra teatral de Barrie, PETER PAN, es justamente aplicable cuando entran en la gran mansión abandonada, ese País de Nunca Jamás, donde Jim ejercerá de Peter Pan, Judy de Wendy y Sal de uno de los “niños perdidos”).

Si para Jim el que le consideren un “gallina” es algo que no puede soportar, quizás porque ve lo que le ha pasado a su padre, Judy necesita el afecto de su padre (la madre, como ya decíamos, está desaparecida en combate) y a falta de él se enrolla con el matón del instituto, Buzz (Corey Allen) [el diálogo más recordado de la película (lo dice el propio guionista, no voy a contradecirle) es el que se establece entre Jim y Buzz antes de empezar la famosa (y ya mítica) carrera de coches:

Jim: ¿En el fondo por qué lo hacemos?

Buzz: Algo hay que hacer, ¿no?]

y Platón “adoptará” a los dos primeros como sus padres (auque algunos creen ver una más que evidente atracción homosexual de Platón hacia Jim (algo que tampoco es descartable) yo me inclino más porque la diferencia de edad entre ellos dos (el personaje encarnado por Mineo es algo más joven) y porque el primero ve al segundo como el padre que nunca tuvo, por su actitud protectora y amable hacia él).

No deja de ser sintomático que después de la escena del monito (repito, vital en el ulterior desenlace de la trama) se encuentren los tres bajo arresto en la división juvenil de la policía.

Ray usará el enorme formato del CinemaScope (por el que no sentía especial entusiasmo pero que usó magistralmente) para ubicar a los tres personajes principales en el mismo espacio, ocupando los extremos del encuadre.

Jim intentará (infructuosamente) prestar su chaqueta al joven Platón pero éste la rechazará en un primer momento (hay un instante mágico cuando los tres protagonistas se ven por primera vez. La forma en la que Ray los encuadra es asombrosa en su simplicidad). El casi adolescente ha sido llevado a comisaría por haber matado con una pistola a unos cachorros. Ni siquiera él sabe por qué. Tal vez, simplemente, por aburrimiento.

Judy (que aparece con un abrigo de un rojo fulgurante (de nuevo el buen ojo de Ray en el diseño de los colores del vestuario de sus interpretes)) le comenta al policía que la atiende que su padre la desprecia y ya no la quiere como antes.

Jim, una vez han llegado sus padres, sólo puede sincerarse con el oficial Fremick (Edward Platt) descargando su ira primero contra él y luego contra el mobiliario. Una forma de poder soltar todo lo que lleva dentro y que le hace incapaz de hacer entender a sus progenitores, especialmente a su padre, con el que tiene una más íntima relación, cuales son sus sentimientos.

No quiero alargarme que ya me conozco y como decía tengo el tiempo muy limitado.

Escenas como la famosa carrera hacia el precipicio son ciertamente míticas y especialmente me encanta el plano de Judy cuando da la señal de salida y luego cuando se vuelve y se pone a correr tras los coches.

O cuando después de la muerte (accidental) de Buzz Judy queda la borde del acantilado donde parece querer abalancarse y Jim le extiende su mano. Un instante mágico y el inicio de su relación amorosa. Y justamente en ese mismo plano Platón observa a los dos, tal vez con un deje de envidia por esa relación que acaba de crearse entre Jim y Judy pero también porque empieza a atisbar esa descabellada idea de formar con ellos una familia.

Como decía los colores juegan una importancia decisiva en el carácter de los personajes y tienen un valor dramático determinante aunque quizás no alcance las alturas de lo conseguido en su anterior pieza maestra, JOHNNY GUITAR.

El abrigo rojo de Judy al principio de la historia.

La cazadora roja de Jim (y que Platón acariciará tiernamente como más tarde lo haría algo similar Martha Edwards (Dorothy Jordan) con el capote de Ethan Edwards (John Wayne) en la cima del cine norteamericano THE SEARCHERS (1956, CENTAUROS DEL DESIERTO)).

El abrigo blanco de Judy cuando va a buscar a Jim y empieza su enamoramiento.

El propio suéter rosa de Judy.

Los dos colores citados, símbolos de pureza. El primero, el rojo, símbolo de protesta ante la fría actitud de su padre.

La camiseta amarilla de Buzz.

Pensamientos que rápidamente se me vienen y se me van de la cabeza.

El planetario donde los asustados estudiantes (especialmente Platón) ven cómo acabará el mundo. Ese mismo planetario donde finalizará la historia, con la muerte de uno de los protagonistas (al parecer la idea original es que tanto Platón como Jim murieran por disparos de la policía pero al final (y muy juiciosamente, a mi modesto entender) se prefirió que sólo el primero lo hiciera).

Y Jim volverá a cubrir con su cazadora el cuerpo de su desvalido amigo.

[Cuando comenté IN A LONELY PLACE se me olvidó mencionar que una de las cosas que definían a los personajes era la forma en la que uno de ellos ponía las manos sobre los hombros del otro, yendo desde la amistad, pasando por la autoridad y llegando al desprecio.

En REBELDE SIN UNA CAUSA (lo siento, lo prefiero) esa actitud de Jim de ceder primero su chaqueta y luego su cazadora a Platón (o tapándole con su propia prenda al chico cuando él y Judy se marchan a explorar la mansión deshabitada) es determinante del sentimiento de soledad y desamparo que expresan los protagonistas.

Al final, el propio padre de Jim le cederá su chaqueta. El instante en el que el padre entienda de una vez que su hijo ya es un nombre y que tiene que aprender a madurar ya comportarse como el hombre del que su hijo (y no su padre) se sienta orgulloso.]

Me alegra que una película tan bella, tan romántica (los diálogos entre Jim y Judy, aparentemente mil veces oídos, resuenan todavía en mi memoria), tan deudora de su tiempo (pero a la vez intemporal) fuera el mayor éxito de taquilla de su director (1.500.000 de dólares de presupuesto frente a más de 4.500.000 de recaudación).

Y a ese romanticismo ayuda y de qué manera la bellísima banda sonora de Leonard Rosenman (quién ya había trabajado con James Dean en la citada AL ESTE DEL EDÉN). Una música, por cierto, que me recuerda a ciertos pasajes de la magistral VERTIGO (1958, DE ENTRE LOS MUERTOS) de Alfred Hitchcock (¿tal vez se inspiró siquiera parcialmente el gran Bernard Herrmann en la partitura de Rosenman?).

Y, por supuesto, la excepcional fotografía en WarnerColor y CinemaScope de Ernest Haller (el mismo que el de GONE WITH THE WIND (1939, LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ), ahí es nada), usando un procedimiento que todavía no había alcanzado su máxima depuración.

Y para acabar decir que los protagonistas de la película, James Dean, Natalie Wood y Sal Mineo, tenían al inicio del rodaje, 24, 17 y 16 años.

Como dije al principio, REBELDE SIN UNA CAUSA no es la mejor película de Nicholas Ray pero si es mi favorita dentro de su impresionante filmografía.

Y si no la has visto todavía, no sabes cómo te envidio...

Feliz tarde y Nicholas Ray os bendiga.



Warner Bros. Entertainment (2014).

P. D. A la vuelta del trabajo añadiré las fotos de rigor para hacer más lindo el comentario pero ahora me tengo que marchar al trabajo.

ajaajajajaj!!!

Fantástica Masterclass compañero!!!

A mí también me parece más natural en castellano lo de "Rebelde sin causa" que lo de "Rebelde sin una causa". La explicación de Benpar me parece muy traída por los pelos, extraordinariamente exagerada (y eso de decir que las barbaridades en las traducciones de los títulos nunca han sido tan graves como en este film de Ray... ¡anda ya!) . Tanto en una expresión como en la otra "causa" puede ser "motivo, justificación" como, y cito el DRAE, "empresa o doctrina en que se toma interés o partido". De hecho, tanto una forma de decirlo como la otra, se presta a la ambigüedad, a cualquiera de las dos interpretaciones, con o sin artículo indeterminado. Jim puede ser que no tenga ningún motivo para ser rebelde (aunque la película nos muestra unos cuantos) o que no tenga ninguna causa que seguir, nada por lo que luchar (algo que también es trasladable al contexto del film, esa juventud de la posguerra desorientada).

En otro momento, complementaré el excelente comentario de Alcaudón, aunque por lo que a la sinopsis se refiere tampoco hace falta añadir mucho más.

En todo caso, como también he visto los extras de la edición que tengo en DVD (y que seguramente son menos generosos que en la edición en BD), aprovecho para comentar dos aspectos:

- La secuencia inicial: si lo que vemos es a Dean en el suelo jugueteando con el mono mecánico mientras que se superponen los títulos sobre la imagen, había otro inicio que daba la clave de qué hacía ese monito tirado en la calle. Un grupo de gamberros (que creo que es la banda de Buzz) ataca un señor que baja de un automóvil con los regalos de Navidad y se supone que se le cae este juguete.

- La secuencia final: en el plano incluido en los extras se ve cómo Plato cae muerto desde el exterior de la cúpula del planetario, filmado a la luz del día aunque al parecer estaba previsto que se viera en pantalla como si fuera de noche. Se elimina así el plano final (que me parece muy superior al que quedó en el montaje definitivo) en que vemos como la obertura de la cúpula del planetario se va cerrando, filmado desde el interior, hasta que la pantalla queda completamente oscura. Mucho más bello y en perfecta sintonía con lo que se cuenta con anterioridad sobre el universo y la insignificancia de los humanos que no el definitivo, que me parece lo peor de la película, con esa mirada sonriente y cómplice de los padres de Jim cuando les presenta a Judy como "su amiga". Si esa era la causa para ser rebelde o por la que luchar, apaga y vámonos. Me parece una concesión al happy end bastante decepcionante.

Iniciado por mad dog earle

- La secuencia final: en el plano incluido en los extras se ve cómo Plato cae muerto desde el exterior de la cúpula del planetario, filmado a la luz del día aunque al parecer estaba previsto que se viera en pantalla como si fuera de noche. Se elimina así el plano final (que me parece muy superior al que quedó en el montaje definitivo) en que vemos como la obertura de la cúpula del planetario se va cerrando, filmado desde el interior, hasta que la pantalla queda completamente oscura. Mucho más bello y en perfecta sintonía con lo que se cuenta con anterioridad sobre el universo y la insignificancia de los humanos que no el definitivo, que me parece lo peor de la película, con esa mirada sonriente y cómplice de los padres de Jim cuando les presenta a Judy como "su amiga". Si esa era la causa para ser rebelde o por la que luchar, apaga y vámonos. Me parece una concesión al happy end bastante decepcionante.

Ostras! pues no tenía ni idea de esto! Estoy completamente de acuerdo contigo, ese final es infinitamente superior al definitivo. Imagino que las ganas o la necesidad de contentar al publico del momento inclinaron la balanza. Que pena.

Iniciado por DrxStrangelove

Ostras! pues no tenía ni idea de esto! Estoy completamente de acuerdo contigo, ese final es infinitamente superior al definitivo. Imagino que las ganas o la necesidad de contentar al publico del momento inclinaron la balanza. Que pena.

No solo el final es más vulgar y acomodaticio, sino que además cuestiona la denuncia que subyace al film de Ray, puesto que el conflicto (generacional, social, y en consecuencia político) parece que queda perfectamente encauzado, todo vuelve a la normalidad, al orden, a pesar del cadáver de Plato (que al final cobra el significado de una especie de sacrificio necesario para restablecer el equilibrio de la sociedad). Me gustaría conocer el porqué del cambio del final y hasta qué punto Ray estuvo conforme o se tuvo que adaptar a los deseos de la productora. Pero queda un poco extraño que con Plato aún caliente, se apueste por un final de sonrisas y complicidades intergeneracionales (con lo de "This is Judy. She's my friend", que cierra el film, parece que se liquida todo el conflicto, con los padres pensando: "ya se te pasará la tontería, pronto te veremos rodeado de chiquillos, y verás lo que es ser padre").

REBELDE SIN CAUSA (como prefiráis ) es una película perfecta llena de imperfecciones.

Lo que más me chirría es el dibujo de los padres tanto de Jim como de Judy (en este caso muy ligeramente esbozada). El papel de Jim Backus, el padre de Jim, es demasiado caricaturesco (la escena con el delantal es ciertamente sonrojante) y la madre en verdad se lleva la peor parte: una harpía de cuidado.

El personaje encarnado por Dennis Hopper está también muy desdibujado aunque en este caso (al menos como lo cuenta el propio actor en los extras) fue debido a que en aquella época él y Natalie Wood eran novios pero a la vez (y esto te encantará, querido amigo Fletcher ) ésta se acostaba con Nicholas Ray.

No creo que el final desmerezca para nada el resto de la película y a mí personalmente me parece coherente con las intenciones del director (y del guionista) ya que, de un lado, Jim (hijo) adquiere la madurez y el respeto que tanto reclamaba (y necesitaba) y, de otro, Jim (padre) también recupera el estátus que su hijo le demandaba. Ambos crecen, mejoran como personas, aunque para ello sea necesario la muerte de Platón (formidable, me reafirmo, Sal Mineo). No creo que sea un víctima propicia sino alguien demasiado fuera de este mundo como para poder llevar una existencia "normal".

Se me olvidó comentar (las prisas son malas consejeras) que en las escenas más dramáticas, como el enfrentamiento (que llega a ser físico) entre Jim y sus padres o cuando Jim, Judy y Platón están en la casa abandonada, Ray abandona la horizontalidad del encuadre (enorme, hablamos del CinemaScope) y usa la angulación de la cámara para acentuar el dramatismo (o la felicidad) que impregna la historia.





Por cierto, me he dado cuenta de que Natalie Wood interviene en tres de mis películas favoritas de todos los tiempos:

- REBELDE SIN CAUSA (1955) Nicholas Ray

- CENTAUROS DEL DESIERTO (1956) John Ford

- ESPLENDOR EN LA HIERBA (1961) Elia Kazan



Ah, y he aprovechado para adecentar el comentario añadiendo unas bonitas imágenes en WarnerColor y CinemaScope que espero sean del agrado del respetable (por cierto, es algo que no suelo hacer pero debido a la premura de tiempo (me tenía que ir a trabajar) no me acababa de gustar el "look" final del comentario. Tiquismiquis que es uno).