Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Que me pueden decir del documental sobre Nicholas Ray, realizado por él mismo y Win Wenders? : "Relámpgo sobre agua" (1980), tiene muy buena pinta. Supongo que no habrá ninguna edición patria en catalogo no?

https://www.moviesdistribucion.com/t...ago+sobre+Agua

A decir verdad, no lo he visto.

Una pinceladas sobre la revisión de tres obras maestras indiscutibles, por orden cronológico:


La passion de Jeanne d’Arc, de Carl Th.Dreyer. Se ha escrito tanto sobre este film que lo único que me queda por comentar es que una vez más me ha parecido una maravilla, un estudio sobre el rostro humano sensacional, tanto el de Jeanne (una espléndida, sobrecogedora, Maria Falconetti) como los de los jueces, carceleros y torturadores (entre los clérigos vemos a Antonin Artaud y a Michel Simon).



Filmando los rostros casi siempre con un cierto contrapicado, a menudo en lentos travellings, y en primeros planos impactantes, Dreyer nos cuenta de manera descarnada, sin adornos innecesarios, el juicio y muerte de Jeanne. Esa sobriedad, encajando a los personajes en un marco casi abstracto, de paredes blancas sin ornamentación, probablemente se haya de atribuir al protestantismo del director, a su tradición religiosa y cultural, algo que al parecer fue muy criticado en su día en Francia, hasta el punto de que el film tuvo muchos problemas para exhibirse (además de accidentes con los negativos, que se quemaron un par de veces): ahí es nada presentar el martirio de la santa, bandera del catolicismo y del nacionalismo galo, entre imágenes más propias de luteranos. Pero es que además del apunte religioso (indudable), o de la belleza de los rostros, Dreyer introduce elementos visuales de una gran riqueza: movimientos de cámara sorprendentes (en un plano, los personajes quedan como colgados, cabeza abajo); un montaje espléndido, en especial en el segmento final; una composición de los planos muy moderna, muy osada (a veces dejando solo un pequeño espacio para los rostros y dedicando el resto a la arquitectura blanca que los acoge), etc. Por último, impresiona las imágenes de la represión final contra el pueblo de Rouen, mientras Jeanne se va convirtiendo en cenizas. Imprescindible.





La notte, de Michelangelo Antonioni. A Antonioni tendríamos que dedicarle más pronto que tarde un hilo específico y revisar su obra. Me temo que es un director muy olvidado (sí, Alcaudón, no solo están olvidados muchos maestros del Hollywood clásico), cuando en los años 60 era “lo más”. La notte es el segundo de los films que integran la llamada “trilogía de la incomunicación”, junto a La aventura y El eclipse. Asistimos a una jornada del matrimonio que componen el escritor de éxito Giovanni Pontano (un como siempre excelente Marcello Mastroianni) y su mujer, burguesa de buena familia, Lidia (Jeanne Moreau). Durante ese día, en una Milán gris y opresiva, veremos su visita a un amigo enfermo, en fase terminal (Bernhard Wicki); asistimos a la presentación del último libro de Pontano; acompañaremos a Lidia en un extraño paseo al extrarradio de la ciudad; seremos testimonios de un diálogo en el baño de la pareja (que fue convenientemente recortado en su día); de la visita de los Pontano a un local donde se realiza una suerte de striptease (muy de moda en ciertos ambientes burgueses de entonces); y finalmente, en un segmento que dura buena parte de la segunda mitad del film, a una fiesta nocturna en la villa de un industrial milanés. Allí saldrán definitivamente a flote las insatisfacciones de Giovanni (que inicia una relación con la hija del anfitrión, Valentina, encarnada por Monica Vitti) y de Lidia (que abandonará la fiesta con un desconocido, aunque no se atreverá a llegar al final en su aventura; por cierto, la pareja sale en coche bajo una espesa lluvia, y la cámara los sigue en un lento travelling que me ha recordado la escena del tunel de lavabo de coches del Crash de Cronenberg, que comento en otro hilo... sin sexo, por supuesto). ¿Cómo será el futuro de la pareja? Incierto, a pesar de una especie de arrebatamiento final. Creo que todos los elementos típicos de Antonioni se condensan a la perfección es esta película, desde su peculiar manera de componer los planos; su forma de alargar las secuencias; el uso del silencio o del lenguaje vacío; el retrato de los ambientes urbanos, casi como prisiones en las que moran sus personajes, etc., todo ello espléndidamente filmado por Gianni Di Venanzo (responsable de la fotografía del 8 ½ felliniano).





Fat City, de John Huston, para mí uno de los mejores títulos de su carrera, y desde luego de sus trabajos durante los 70 y 80. Estamos ante un film sobre perdedores (esos losers tan habituales en el cine de Huston), anclados en la californiana Stockton (la “fat city” del título), una ciudad que se nos retrata en el prólogo como una urbe en transformación, con edificios derruidos y otros costrosos y envejecidos, donde habitan los personajes de la película: Tully (un espléndido Stacy Keach), boxeador fracasado y envejecido que se dedica a recolectar hortalizas o frutas; Oma (maravillosa Susan Tyrrell), alcohólica, incapaz de controlar su vida ni sus relaciones, sin oficio ni beneficio; Ernie (un joven Jeff Bridges), que intenta hacerse un hueco en el mundo del boxeo, sin fortuna, mientras tiene que casarse con su novia, embarazada, y buscar trabajos de lo que sea; o ese paternalista Ruben (Nicholas Colasanto), entrenador de boxeadores, que sueña con triunfar con alguno de sus muchachos, y que arrastra un sentimiento de culpa por haber dejado en una ocasión a Tully en la estacada. Excelentes diálogos, magnífica labor de cámara de Conrad L.Hall, y la presencia de la música de Kris Kristofferson, con su conocidísimo y apropiado “Help Me Make It Through the Night”.



En resumen, una semana de placer cinéfilo.

Lo Más Sencillo Es Complicarlo Todo
Una chica popular, superficial y gran fanática del cine se enamora de un hombre más de diez años mayor que ella. Cuando se entera que este se va a casar, se da a la misión de impedirlo.

Otro ejemplo más de lo insulso que es el cine nacional actual. Quiere tener el chiste de que la protagonista se imagina su vida en diversos estilos de cine y con muchos homenajes a películas clásicas, pero acaban acaparando más la atención los "product placement" descarados que hay insertados por doquier.

The Lazarous Proyect.

Un exconvicto, desesperado por empleo, es contratado como conserje de un centro psiquiátrico. Poco a poco se va preguntando si en realidad no es un interno.
Tuve la gran fortuna de verla en TV sin saber ni el titulo y entendiendo la trama sobre la marcha, asi que pude gozar todas las sorpresas y el suspenso que la película podía ofrecer. Aun así, pienso que la trama se presta mucho más para un episodio de series tipo "The Twilight Zone" o "Black Mirror" que para una película de dos horas.

Iniciado por Alex Fletcher

Que me pueden decir del documental sobre Nicholas Ray, realizado por él mismo y Win Wenders? : "Relámpgo sobre agua" (1980), tiene muy buena pinta. Supongo que no habrá ninguna edición patria en catalogo no?

https://www.moviesdistribucion.com/t...ago+sobre+Agua

Creo que solo hay esa edición de Filmax, aunque supongo que descatalogadísima. De momento, no puedo decir nada porque no lo he visto, más allá de recordar que es el último film de Ray, y que lo rodó en colaboración con Wenders mientras se estaba muriendo de un cáncer terminal. El compañero Alcaudón ha avanzado que no lo comentará. En todo caso, cuando llegue el momento (o sea, al final del análisis de la obra rayana), le dedicaré algunas notas, aunque a mí tampoco me apetece demasiado verlo, quizá por eso todavía no lo he hecho.

Hay una edición recientísima en BD de la mano de A Contracorriente como complemento de EL AMIGO AMERICANO:



https://www.amazon.es/Amigo-Americano-Blu-ray-Dennis-Hopper/dp/B01DR7UX9K/ref=sr_1_1?s=dvd&ie=UTF8&qid=1535832012&sr=1-1&keywords=EL+AMIGO+AMERICANO+%2B+BLU+RAY

Iniciado por mad dog earle

Una pinceladas sobre la revisión de tres obras maestras indiscutibles, por orden cronológico:


La passion de Jeanne d’Arc, de Carl Th.Dreyer. Se ha escrito tanto sobre este film que lo único que me queda por comentar es que una vez más me ha parecido una maravilla, un estudio sobre el rostro humano sensacional, tanto el de Jeanne (una espléndida, sobrecogedora, Maria Falconetti) como los de los jueces, carceleros y torturadores (entre los clérigos vemos a Antonin Artaud y a Michel Simon).



Filmando los rostros casi siempre con un cierto contrapicado, a menudo en lentos travellings, y en primeros planos impactantes, Dreyer nos cuenta de manera descarnada, sin adornos innecesarios, el juicio y muerte de Jeanne. Esa sobriedad, encajando a los personajes en un marco casi abstracto, de paredes blancas sin ornamentación, probablemente se haya de atribuir al protestantismo del director, a su tradición religiosa y cultural, algo que al parecer fue muy criticado en su día en Francia, hasta el punto de que el film tuvo muchos problemas para exhibirse (además de accidentes con los negativos, que se quemaron un par de veces): ahí es nada presentar el martirio de la santa, bandera del catolicismo y del nacionalismo galo, entre imágenes más propias de luteranos. Pero es que además del apunte religioso (indudable), o de la belleza de los rostros, Dreyer introduce elementos visuales de una gran riqueza: movimientos de cámara sorprendentes (en un plano, los personajes quedan como colgados, cabeza abajo); un montaje espléndido, en especial en el segmento final; una composición de los planos muy moderna, muy osada (a veces dejando solo un pequeño espacio para los rostros y dedicando el resto a la arquitectura blanca que los acoge), etc. Por último, impresiona las imágenes de la represión final contra el pueblo de Rouen, mientras Jeanne se va convirtiendo en cenizas. Imprescindible.





La notte, de Michelangelo Antonioni. A Antonioni tendríamos que dedicarle más pronto que tarde un hilo específico y revisar su obra. Me temo que es un director muy olvidado (sí, Alcaudón, no solo están olvidados muchos maestros del Hollywood clásico), cuando en los años 60 era “lo más”. La notte es el segundo de los films que integran la llamada “trilogía de la incomunicación”, junto a La aventura y El eclipse. Asistimos a una jornada del matrimonio que componen el escritor de éxito Giovanni Pontano (un como siempre excelente Marcello Mastroianni) y su mujer, burguesa de buena familia, Lidia (Jeanne Moreau). Durante ese día, en una Milán gris y opresiva, veremos su visita a un amigo enfermo, en fase terminal (Bernhard Wicki); asistimos a la presentación del último libro de Pontano; acompañaremos a Lidia en un extraño paseo al extrarradio de la ciudad; seremos testimonios de un diálogo en el baño de la pareja (que fue convenientemente recortado en su día); de la visita de los Pontano a un local donde se realiza una suerte de striptease (muy de moda en ciertos ambientes burgueses de entonces); y finalmente, en un segmento que dura buena parte de la segunda mitad del film, a una fiesta nocturna en la villa de un industrial milanés. Allí saldrán definitivamente a flote las insatisfacciones de Giovanni (que inicia una relación con la hija del anfitrión, Valentina, encarnada por Monica Vitti) y de Lidia (que abandonará la fiesta con un desconocido, aunque no se atreverá a llegar al final en su aventura; por cierto, la pareja sale en coche bajo una espesa lluvia, y la cámara los sigue en un lento travelling que me ha recordado la escena del tunel de lavabo de coches del Crash de Cronenberg, que comento en otro hilo... sin sexo, por supuesto). ¿Cómo será el futuro de la pareja? Incierto, a pesar de una especie de arrebatamiento final. Creo que todos los elementos típicos de Antonioni se condensan a la perfección es esta película, desde su peculiar manera de componer los planos; su forma de alargar las secuencias; el uso del silencio o del lenguaje vacío; el retrato de los ambientes urbanos, casi como prisiones en las que moran sus personajes, etc., todo ello espléndidamente filmado por Gianni Di Venanzo (responsable de la fotografía del 8 ½ felliniano).





Fat City, de John Huston, para mí uno de los mejores títulos de su carrera, y desde luego de sus trabajos durante los 70 y 80. Estamos ante un film sobre perdedores (esos losers tan habituales en el cine de Huston), anclados en la californiana Stockton (la “fat city” del título), una ciudad que se nos retrata en el prólogo como una urbe en transformación, con edificios derruidos y otros costrosos y envejecidos, donde habitan los personajes de la película: Tully (un espléndido Stacy Keach), boxeador fracasado y envejecido que se dedica a recolectar hortalizas o frutas; Oma (maravillosa Susan Tyrrell), alcohólica, incapaz de controlar su vida ni sus relaciones, sin oficio ni beneficio; Ernie (un joven Jeff Bridges), que intenta hacerse un hueco en el mundo del boxeo, sin fortuna, mientras tiene que casarse con su novia, embarazada, y buscar trabajos de lo que sea; o ese paternalista Ruben (Nicholas Colasanto), entrenador de boxeadores, que sueña con triunfar con alguno de sus muchachos, y que arrastra un sentimiento de culpa por haber dejado en una ocasión a Tully en la estacada. Excelentes diálogos, magnífica labor de cámara de Conrad L.Hall, y la presencia de la música de Kris Kristofferson, con su conocidísimo y apropiado “Help Me Make It Through the Night”.



En resumen, una semana de placer cinéfilo.

Cada uno arrima el ascua a su sardina, amigo Earle...

REVISANDO CLÁSICOS: EL PREWESTERN.

NORTHWEST PASSAGE (BOOK 1 - ROGERS' RANGERS) (1940, PASO AL NOROESTE) de King Vidor (y Jack Conway).

Metro-Goldwyn-Mayer Corp. / Loew's Inc.



Formidable obra maestra del gran King Vidor (1894-1982), sin dudarlo, uno de los más grandes directores de la Historia del Cine y que nos ha legado cintas tan hermosas como THE BIG PARADE (1925, EL GRAN DESFILE), THE CROWD (1928, ... Y EL MUNDO MARCHA), OUR DAILY BREAD (1934, EL PAN NUESTRO DE CADA DÍA), THE WEDDING NIGHT (1935, NOCHE NUPCIAL), STELLA DALLAS (1937, ídem), THE CITADEL (1938, LA CIUDADELA), H. M. PULHAM, ESQ. (1941, CENIZAS DE AMOR), AN AMERICAN ROMANCE (1944), DUEL IN THE SUN (1946, DUELO AL SOL), THE FOUNTAINHEAD (1949, EL MANANTIAL), JAPANESE WAR BRIDE (1952), RUBY GENTRY (1952, PASIÓN BAJO LA NIEBLA), MAN WITHOUT A STAR (1955, LA PRADERA SIN LEY) o WAR AND PEACE (1956, GUERRA Y PAZ) y, por supuesto, la obra que hoy comentamos.

Primera película en Technicolor del director, NORTHWEST PASSAGE narra la expedición que comandada por el mayor Robert Rogers (un excepcional Spencer Tracy) y sus Rangers (una milicia formada por norteamericanos al servicio de la corona británica) pretendía castigar a los belicosos indios abenakis (aliados de los franceses) de Saint-François-du-Lac, en las proximidades de Quebec, los cuales se dedicaban a hostigar y masacrar a los colonos no francófonos de las proximidades. Un episodio más de la guerra entre los franceses y los ingleses en territorio norteamericano (1754-1763) en el que fueron exterminados varios centenares de indígenas (incluidos mujeres y niños) y que la película dista mucho de glorificar.

La historia se inicia en Portsmouth, New Hampshire, en 1759.

El aspirante a pintor Langdon Towne (Robert Young) regresa a su ciudad natal tras ser expulsado de la universidad de Harvard. Allí se encuentra con su viejo amigo “Hunk” Marriner (el siempre excelente Walter Brennan) que ha sido detenido y puesto en la picota por ofensas a la autoridad local (“Disloyal conversation”) aunque a las ocho de la tarde le dejan libre (un gag típicamente fordiano ).

Cuando Langdon va a visitar a su novia Elizabeth Browne (Ruth Hussey) [en la vida real Elizabeth fue la esposa del mayor Rogers (una pequeña licencia poética) ] el padre de ella lo rechaza pues el oficio de pintor le parece indigno para su hija.

Un Langdon que va a ahogar sus penas a la taberna de su buen amigo “Cap” Huff (Nat Pendleton) y donde pregona a los cuatro vientos que el cacique local (aquel al que ha “difamado” Marriner) es un arribista sin escrúpulos. Cuando tales invectivas llegan a oídos del mentado este ordena la inmediata detención de Towne pero la oportuna intervención de “Hunk” evita tal acontecimiento.

Langdon y Marriner huyen y llegan a la taberna de Flintlock donde conocerán al mayor Rogers que en ese momento trata de recuperar de una monumental borrachera a su guía indio Konkapot (Andrew Pena) para lo cual solicita la ayuda a los dos citados y, aprovechando de paso para emborracharlos a su vez y alistarlos en su milicia, al advertir que Langdon es un excelente trazador de mapas algo que le viene como anillo al dedo para su próxima misión.



Cuando despiertan se encuentran en Fort Crown Point lugar donde se encuentran las tropas británicas estacionadas e igualmente los Rangers de Rogers. La misión de estos últimos es infiltrarse en territorio enemigo y asestar un golpe definitivo a las tribus indígenas que colaboran con los franceses y también vengar a todos los compañeros y colonos que aquellos han masacrado a lo largo de los últimos tiempos.

Y aquí empieza en realidad la historia. El viaje de ida (y de vuelta) [como en la portentosa OBJECTIVE! BURMA (1945, OBJETIVO: BIRMANIA) de (quién si no) Raoul Walsh] que llevará a nuestros protagonistas, primero en canoas y luego a pie, durante cientos de kilómetros, atravesando tierras vírgenes, obstáculos (casi) infranqueables, enemigos por doquier, sometidos al hambre y a la desesperación hasta conseguir el objetivo final.

Objetivo, por cierto, que no tiene nada que ver con el título original de la película, ese descubrimiento del famoso (e inexistente) Paso del Noroeste. Eso debería haber sido la base de la segunda parte que forma parte del libro de Kenneth Roberts en el que se basa la película (“Pasaje al Noroeste”, Narrativas Históricas, EDHASA) que nunca llegó a realizarse.

Volviendo a la película.

Esa aparente misión suicida llevada a cabo con determinación inflexible por el mayor Rogers le llevará primero a Saint-François donde, en una portentosa escena rodada con maestría por King Vidor, se maniesta el horror (“el horror, el horror...”) y la brutalidad más descarnada (algo bastante inusitado en el cine de aquellos años) y donde los abenakis son prácticamente exterminados (en la película son perdonados las mujeres, los niños y los ancianos pero en la realidad la cosa no fue tan prosaica) además de los (pocos) franceses que les acompañaban. Uno de los hombres de Rogers cortará la cabeza de uno de los enemigos y la llevará como trofeo (insinuándose incluso el canibalismo...) hasta que Rogers se ve obligado a acabar con él... Además, por primera vez (y algo que John Ford trataría magistralmente en THE SEARCHERS (1956, CENTAUROS DEL DESIERTO) y TWO RODE TOGETHER (1961, DOS CABALGAN JUNTOS)) surgiría el tema de las mujeres blancas prisioneras de los indios y donde, además, una de ellas se ha adaptado a dicha vida y no quiere ser rescatada por los Rangers.

El regreso se convertirá en la prueba de fuego donde se testará de verdad la valía de estos hombres y la tenacidad inflexible de Rogers.

Un viaje de regreso pleno de dificultades, con unas fuerzas diezmadas por el enemigo y con escasas provisiones y donde el desánimo empieza a cundir entre las filas antes disciplinadas y donde la autoridad de Rogers empieza a cuestionarse.



Unos Rangers ya completamente derrotados que creen encontrar en el punto de encuentro pactado inicialmente con las fuerzas británicas (Fort Wentworth) el alimento que les ha sido esquivo en las últimas semanas pero que para su desolación encontraran abandonado. Este es el único momento en que la voluntad inquebrantable de Rogers se derrumba. Pero el mayor no es un hombre que se deje llevar por el desanimo. Trata de apelar a sus hombres a un último esfuerzo...

Afortunadamente (aunque aquí se altera ligeramente la historia) las tan anheladas tropas llegan con los víveres y todo acaba felizmente.

En un final no rodado por King Vidor sino por Jack Conway, el nuevo ejército de Rangers (con sus flamantes chalecos verdes (detonantes en el Technicolor de la época)) parten con el mayor, esta vez sí, en busca del tan anhelado Paso del Noroeste. Pero esta vez no les acompañará ni Langdon (quien finalmente se casará con Elizabeth) ni Marriner.

Se me acaba el tiempo y me estoy enrrollando más de la cuenta.

Sólo me gustaría destacar la extraordinaria fisicidad de la película. Pocas veces en la pantalla se ha visto los impedimentos que el vasto paisaje y sus accidentes geográficos oponen al avance del hombre de forma tan gráfica y hermosa como en esta majestuosa película, rodada en buena parte en exteriores (algo, por cierto, que detestaba Spencer Tracy) pero que aporta una sensación de autenticidad a toda la película que la convierte en una de las grandes obras maestras del western y del propio director. Escenas como el arrastre de las canoas por tierra o la cadena humana que forman los Rangers para atravesar un río turbulento dan justo medida del inmenso talento de Vidor como narrador visual.

E igualmente la hermosa amistad que se establece entre el veterano Rogers y el novato Langdon. Una amistad que logrará salvar la vida del segundo cuando este resulta herido de gravedad en el ataque pese a las órdenes de abandonar a los hombres que no puedan valerse por sí mismos.



Y, finalmente, destacar la bellísima fotografía en Technicolor de Sidney Wagner y William V. Skall (que recibió una justísima nominación a los Oscars), el excelente guión (entre otros) de Laurence Stallings y Talbot Jennings, así como la hermosa banda sonora de Herbert Stothart y, por supuesto, el estupendo reparto donde destaca un colosal Spencer Tracy, sin duda, la mejor elección para encarnar al arrollador mayor Rogers.

Que tengáis dulces sueños.

Frankenstein de Mary Shelley , de Kenneth Branagh.

Hay películas que son malas y sus creadores lo saben: series B de medio pelo (o Z), exploitations, parodias de brocha gorda, subgéneros muy codificados que dan la carnaza que su público pide sin más sutilezas, etc. Pero hay otras películas que son malas (y a veces malas de solemnidad) y no solo los implicados no lo saben sino que se pavonean de una supuesta calidad. Y esta es un buen ejemplo. Lo tenía todo a favor, una producción generosa, un director y actor principal de “lujo” (aunque nunca, salvo en Henry V, ha sido de mi gusto), un reparto de campanillas (con De Niro, o una Helena Bonham Carter en sus mejores momentos), un guion firmado por Frank Darabont (que goza de un prestigio para mí incomprensible como director) y Stephen Lacy, etc. Todo en la película es excesivo, exagerado, grandilocuente, pomposo. Desde la interpretación (histriónica hasta lo absurdo: pocas veces he visto, salvo en otros films de Branagh, tantos gritos, tantas carreras sin ton ni son de punta a punta del decorado, como si fuera un escenario teatral “que hay que llenar”) a la dirección (con una cámara enloquecida que se dedica a envolver a los personajes cada dos por tres en travellings circulares o elevarse en movimientos de grúa innecesarios o en planos picados extremos), pasando por unos decorados colosalistas en demasía (esa enorme mansión de los Frankenstein, supongo que para poder correr a gusto y que los actores se desfoguen), o una música que enfatiza hasta el extremo los momentos “fuertes” o supuestamente “románticos” (el de la relación sexual entre Victor y Elizabeth es para taparse los ojos). Además, si el guion sigue más o menos fielmente la novela de Shelley hasta la muerte de Elizabeth, el numerito de la creación por parte de Victor de una Elizabeth monstruosa para su disfrute es ridículo hasta decir basta. Luego, el epílogo, como se presumía viendo el resto del film, ha de ofrecernos una vez más los gritos, las carreras de los actores, y un final en que el monstruo se inmola con su creador, en lugar del apacible, misterioso, sugerente, final de la novela, con el monstruo desapareciendo entre los hielos. Es lo que se dice poner toda la carne en el asador. En fin, para la antología de los momentos más bochornosos de la historia del cine (del cine que pretende ser de calidad) queda el “nacimiento” del monstruo, con un Branagh “pecho lobo”, entrando con una especie de capa en el laboratorio, y moviéndose como si de un videoclip se tratara. Lamentable.

Una película que no he vuelto a ver desde su estreno en cines.

Leí hace no mucho una crítica en un especial sobre películas de Frankenstein en la revista "Dirigido" que la resume perfectamente:

"Demasiado seria como para que te rías con ella, demasiado grotesca para que te la tomes en serio".

La vi hace tiempo; me pareció mala con avaricia; la intenté volver a ver no hace mucho y la tuve que quitar al cabo de veinte minutos . No puedo salvar nada. Nada. Las interpretaciones exageradas hasta decir basta, donde todos parecen que vayan encocados (Branagh confunde la pasión del romanticismo y el ansia vital de los protagonistas de la historia con tener dificultades cognitivas o fumarse algo muy caro), los desnudos (¡los desnudos, por Dios! se entiende hasta cierto punto que el Monstruo vaya desnudo en tal escena ¿pero y su creador ? ¿por qué parece tan gay todo?), la estética mugrienta, la fotografía tristona, la machacona y pachanguera banda sonora de Patrick Doyle, que parece como de una película de serie B. Malo, muy malo, muy malo todo . Frank Darabont, por lo visto, acabó echando pestes de la película, diciendo que Branagh lo había cambiado todo, y que ése no era el guión que él había escrito...

Definitivamente, Frankenstein es uno de esos personajes que no tiene suerte en el cine. Y creo que a poco que alguien se pusiera con un mínimo de seriedad, le podría salir una buena película. Pero no. Qué se le va a hacer ...

Viéndola ahora, que estamos revisando la filmografía de Cronenberg en otro hilo, me pregunto si no sería el canadiense un director apropiado para tratar el tema, aunque seguro que no sería fiel a la letra de la novela.

Como bien dices, la frase de Dirigido resume a la perfección la película. Porque hay momentos tan ridículos que uno casi se pone a reír, pero da tanta rabia el desperdicio de esfuerzos y la pretenciosidad de la propuesta que se te pasa incluso la risa burlona. La vi en su día de estreno y no me gustó nada. Hasta hoy no la había vuelto a ver, y creo que ya no la volveré a ver nunca más...

Iniciado por Jane Olsen

Leí hace no mucho una crítica en un especial sobre películas de Frankenstein en la revista "Dirigido" que la resume perfectamente:

"Demasiado seria como para que te rías con ella, demasiado grotesca para que te la tomes en serio".

La vi hace tiempo; me pareció mala con avaricia; la intenté volver a ver no hace mucho y la tuve que quitar al cabo de veinte minutos . No puedo salvar nada. Nada. Las interpretaciones exageradas hasta decir basta, donde todos parecen que vayan encocados (Branagh confunde la pasión del romanticismo y el ansia vital de los protagonistas de la historia con tener dificultades cognitivas o fumarse algo muy caro), los desnudos (¡los desnudos, por Dios! se entiende hasta cierto punto que el Monstruo vaya desnudo en tal escena ¿pero y su creador ? ¿por qué parece tan gay todo?), la estética mugrienta, la fotografía tristona, la machacona y pachanguera banda sonora de Patrick Doyle, que parece como de una película de serie B. Malo, muy malo, muy malo todo . Frank Darabont, por lo visto, acabó echando pestes de la película, diciendo que Branagh lo había cambiado todo, y que ése no era el guión que él había escrito...

Definitivamente, Frankenstein es uno de esos personajes que no tiene suerte en el cine. Y creo que a poco que alguien se pusiera con un mínimo de seriedad, le podría salir una buena película. Pero no. Qué se le va a hacer ...

No te olvides de James Whale y de Terence Fisher, querida amiga.

Iniciado por mad dog earle

Viéndola ahora, que estamos revisando la filmografía de Cronenberg en otro hilo, me pregunto si no sería el canadiense un director apropiado para tratar el tema, aunque seguro que no sería fiel a la letra de la novela.

Como bien dices, la frase de Dirigido resume a la perfección la película. Porque hay momentos tan ridículos que uno casi se pone a reír, pero da tanta rabia el desperdicio de esfuerzos y la pretenciosidad de la propuesta que se te pasa incluso la risa burlona. La vi en su día de estreno y no me gustó nada. Hasta hoy no la había vuelto a ver, y creo que ya no la volveré a ver nunca más...

Con tanto comentario negativo me están entrando ganas de volver a verla...

Iniciado por Alcaudón

No te olvides de James Whale y de Terence Fisher, querida amiga.

Ya lo he dicho en alguna ocasion. Me gustan tanto las primeras de la Universal como las de la Hammer, pero sobre todo las primeras, me cuesta considerarlas como verdaderas películas de Frankenstein. Para mí, que soy muy purista del libro, son "otra cosa", con unos personajes inspirados o derivados de, pero no los originales.
Y para mí, dos de las mejores películas en adaptar el mito... son curiosamente no obras derivadas de la original, sino independientes, como RoboCop y Blade Runner.

Iniciado por Alcaudón

Con tanto comentario negativo me están entrando ganas de volver a verla...

Habiendo tanto cine clásico hollywoodiense por recuperar...

Ayer, por cierto, me ví LLAMAD A CUALQUIER PUERTA. A ver si esta noche o mañana la comento.

Iniciado por Alcaudón

Ayer, por cierto, me ví LLAMAD A CUALQUIER PUERTA. A ver si esta noche o mañana la comento.

Perfecta sincronía: yo pensaba mirarla esta tarde. Avanzo que la copia que tengo es una grabación televisiva...

Iniciado por mad dog earle

Frankenstein de Mary Shelley , de Kenneth Branagh.

Hay películas que son malas y sus creadores lo saben: series B de medio pelo (o Z), exploitations, parodias de brocha gorda, subgéneros muy codificados que dan la carnaza que su público pide sin más sutilezas, etc. Pero hay otras películas que son malas (y a veces malas de solemnidad) y no solo los implicados no lo saben sino que se pavonean de una supuesta calidad. Y esta es un buen ejemplo. Lo tenía todo a favor, una producción generosa, un director y actor principal de “lujo” (aunque nunca, salvo en Henry V, ha sido de mi gusto), un reparto de campanillas (con De Niro, o una Helena Bonham Carter en sus mejores momentos), un guion firmado por Frank Darabont (que goza de un prestigio para mí incomprensible como director) y Stephen Lacy, etc. Todo en la película es excesivo, exagerado, grandilocuente, pomposo. Desde la interpretación (histriónica hasta lo absurdo: pocas veces he visto, salvo en otros films de Branagh, tantos gritos, tantas carreras sin ton ni son de punta a punta del decorado, como si fuera un escenario teatral “que hay que llenar”) a la dirección (con una cámara enloquecida que se dedica a envolver a los personajes cada dos por tres en travellings circulares o elevarse en movimientos de grúa innecesarios o en planos picados extremos), pasando por unos decorados colosalistas en demasía (esa enorme mansión de los Frankenstein, supongo que para poder correr a gusto y que los actores se desfoguen), o una música que enfatiza hasta el extremo los momentos “fuertes” o supuestamente “románticos” (el de la relación sexual entre Victor y Elizabeth es para taparse los ojos). Además, si el guion sigue más o menos fielmente la novela de Shelley hasta la muerte de Elizabeth, el numerito de la creación por parte de Victor de una Elizabeth monstruosa para su disfrute es ridículo hasta decir basta. Luego, el epílogo, como se presumía viendo el resto del film, ha de ofrecernos una vez más los gritos, las carreras de los actores, y un final en que el monstruo se inmola con su creador, en lugar del apacible, misterioso, sugerente, final de la novela, con el monstruo desapareciendo entre los hielos. Es lo que se dice poner toda la carne en el asador. En fin, para la antología de los momentos más bochornosos de la historia del cine (del cine que pretende ser de calidad) queda el “nacimiento” del monstruo, con un Branagh “pecho lobo”, entrando con una especie de capa en el laboratorio, y moviéndose como si de un videoclip se tratara. Lamentable.

Querido mad dog earle, fíjate si estoy de acuerdo con tu crítica que puede que estemos ante una de las películas que más me hayan indignado en los últimos tiempos. Es más, puede que mi comentario sea de los más extensos que he hecho en este foro sobre una cinta, dado que incluso le dediqué 2 partes porque la vi en dos días distintos.

Curiosamente ambos hemos encontrado completamente inadecuado que Branagh esté medío en pelotas para crear al mostro. Considero que puede ser la adaptación más fiel a la novela según Almodóvar, posiblemente esté preparando un remake de esta versión (casi todo lo que hace son remakes en realidad) mezclándola con otra peli de antaño. He de reconocer que tras leer lo que hace un año he escrito en spoiler me he partido de risa con mi propio comentario ya que no recordaba que esta adaptación me hubiera enfurecido tanto.

También estoy de acuerdo en lo que dices del palacio, por algún lugar del foro había escrito que parecía de Disney o algo así, con una amplitud totalmente ridícula. Esto es lo que escribí en su día:

Iniciado por Mizoguchi

Bueno, pues tal y como vengo comentando hace algún tiempo en el post sobre Mary Shelley tenía como objetivo ver la supuestamente más fiel adaptación al cine de la obra más célebre de la autora, es decir, Mary Shelley's Frankentein dirigida por Kenneth Branagh, de ahora en adelante "Mary Shelley's" Frankentein dirigida por Kenneth Branagh (nótese el entrecomillado).

He de decir que tan sólo he visto por ahora una hora de película, con lo que me queda todavía otra, y en ese tiempo me pareció profundamente decepcionante y alejada de la historia escrita por quien han puesto en el título. Ni aunque hubieran colocado a Percy se aproxima a la novela.

Desde el arranque nos encontramos con diferencias notables en los personajes y situaciones, además de contar con un ritmo muy irregular. Al principio va de forma muy acelerada y luego tiene partes que rozan el aburrimiento, así como escenas que no funcionan. Otra de las cosas es que no veo ningún estilo pictórico ni bella fotografía como había leído.

Paso a enumerar algunos de los cambios con respecto a la novela, en spoiler, que hacen absurdo el pretencioso título de Mary Shelley's Frankenstein dado que no se ajusta a ninguna de las ediciones de la obra, es más, cualquier parecido con la novela es casi mera coincidencia:

Spoiler:

-Al capitán Walton le tenía por un hombre valeroso y de gran corazón desde un primer momento. Aquí en la película es un tirano y un arribista.
-La criatura no despedaza perros de un bofetón.
-Elizabeth es una bella joven, aquí es Helena Bonham Carter que siempre ha destacado más por su talento interpretativo que por su belleza.
-La escena en la que traen a la anterior a casa sería tipo la edición de 1831 (es adoptada) pero en ella el padre no la trae, sino que es la madre.
-Se consolida de forma muy apresurada la relación amorosa entre Branagh y Bonham Carter, tardando mucho más en la novela. Gran error, recordemos que en otra pretenciosa adaptación con el nombre del autor a la cabeza "Bram Stoker's" Drácula (de nuevo, nótese el entrecomillado) también se potencia una historia de amor, inexistente en la obra original pero que comercialmente ayuda.
-No veo a Branagh en el papel de Victor Frankenstein, siempre me lo he imaginado moreno, tipo Fredric March. Sobra que esté sin camiseta en la escena de la creación del monstruo para lucir palmito. Además, y de eso no tiene él la culpa, me molesta especialmente ese tonillo de lelo que le da el doblador cuando pone voz a Branagh. Algo que no hace cuando a quien dobla es a Tom Cruise.
-La anterior escena, que en la novela tiene una duración muy mínima, aquí son varios minutos de metraje.
-Para esa creación se usa ¡líquido amniótico! de una embarazada ¿en qué parte de la novela se habla de esto o de los "ingredientes"? Aquí casi podemos anotar la receta para hacernos un mostrenco en casa con los típicos materiales de ínfima calidad del chino de la esquina.
-El lugar donde se "da a luz" a Robert de Niro (alias el monstruito) parece aprovechado de una película de serie B o ideado por Terry Gilliam, muy lejos de lo que para mí sería en la novela, un lugar cargado de sombras.
-Esa cápsula de la que sale el monstruito es patética, dado que éste despertaba cuando yacía a los pies de su creador y no estaba a remojo como un bacalao para desalarlo.
-Tras el momento anterior asistimos a lo que parece una "lucha en el barro gay". En lugar de largarse Victor horrorizado al ver a su creación, como en la novela, se pone a intentar erguirlo sin camiseta y estando el mostrenco como el anterior le trajo al mundo. Ambos se rebozan una y otra vez, tras sucesivas caídas, en líquido amniótico y demás sustancias utilizadas en el proceso.
-El modo en que se justifica que el monstruito se parezca a Robert de Niro está metidísimo con calzador; una escena repentina donde mata al profesor y entonces Robert es ajusticiado. Roba ese cadáver y con otros trozos y el cerebro del asesinado se crea a la criatura. Eso no está en la novela para nada de nada.
-Tampoco veo que Victor vaya a por piernas a la morgue de los apestados en la obra original. Realmente parece que esté haciendo la compra en esta versión, estaba temiendo una escena viéndole entrar en Lidl.

Pues de esto es de lo que me acuerdo de memoria. No sé si la segunda hora que me queda por ver tiene más o menos parecido con la novela. Pero viendo que hay un mostrenca por ahí al avanzar la cinta ya me doy cuenta de que seguirá en esa línea. Para ser la película que se vende, ya desde el título, como la más fiel al manuscrito de los Shelley, vamos a decirlo así, es para quedar boquiabiertos. Tengo grandes ilusiones puestas en la versión de Branagh sobre Hamlet, espero que verdaderamente sí se ajusta al texto original en ese caso el día que la vea.

La segunda parte:

Iniciado por Mizoguchi

Pues sigo con la segunda parte de "Mary Shelley's" Frankenstein, o sea, que ya he visto la otra hora de película que me quedaba.

Sería interesante ver si se ha publicado el guión original (para ver las diferencias) de Darabont, a quien tengo en buena estima y ni idea tenía de que había colaborado en este proyecto de esa forma. Mi aprecio por Darabont continúa pese a esto y a que la serie The Walking dead (empecé a verla por él) se ha vuelto redundante hace tiempo. La verdad es que la cantidad de memeces incluidas en esta versión de Frankenstein son de antología, vengan de quien vengan. Tanto es así que he podido ver que siguen las "semejanzas" que reflejan la fidelidad al texto de la persona que encabeza el comercial título del film. Por citar algunas, en realidad hay bastantes más:

Spoiler:

-Cuando el mostrenco se esconde en los dominios del ciego creo que sólo estaba con otras dos personas y que en la novela se recalcaba que sólo eran tres en total y muy importantes para la criatura. Aquí veo que son 5, incluyendo dos niños, y que además la chica, que creo que era hermana del hombre, aquí es su pareja.
-No se narran las desventuras de esos tres personajes (cinco aquí) ni la historia de la novia árabe del hombre.
-¿Dónde está el tirano padre de la árabe por cuya culpa esa familia cae en desgracia? Era importante para hacer creer que iban a solidarizarse con el monstruo porque ya conocían bien lo que era el sufrimiento.
-La larguísima historia en la novela de los 3 "amigos" del mostrenco dura un suspiro en la película y sin embargo prolonga en exceso el proceso de creación de la criatura que en el libro son escasas líneas. Así pasa con otros pasajes del libro.
-En relación a lo anterior, las escenas con esa familia están tan apresuradas que no se justifica bien que la criatura se pueda encariñar tanto con esa gente. Está muy mal expuesto el paso del tiempo, parece que en dos días se lo ganaron. Igual en esta versión Victor le ha puesto "demasiado corasón" a su monstruo.
-Pasamos ahora a Justine y su ajusticiamiento ¿dónde está el juicio de la chica? en la novela es también muy extenso y hay una crítica (especialmente en la primera edición) al sistema judicial. La escena en la que es ahorcada es Monty Python 100% (de nuevo conexión con Terry Gilliam) la lanzan como el que lanza una caña de pescar y cae desde una altura similar al Empire State Building, en la novela muere en el cadalso. Una vez abajo su madre (creo que era) llora y le tiran unos piedrolos que parecen de goma.
-La forma en que se representa cómo quedan Victor Frankenstein y el mostrenco es absurda. Aparece de un salto el "cachitos" y le mete tal castaña a su creador que lo tira por un laberinto de hielo directo a su "casa". Vamos, está idéntico a la novela.
-Por si fueran pocas las diferencias, al monstruo en esta versión le va el morbo y como no está contento con que hayan ejecutado a Justine por algo que él hizo quiere, para encima, que Victor le haga una compi partiendo del cuerpo de la ajusticiada.
-Para terminar con las fidelidades a la novela, Victor ¡se crea una mostrenca para él! no sé si con vulva o pene pero se la crea. Pero vamos a ver ¿no te das cuenta de que el mostrenco se iba a querer ligar a tu churri? ¿No quedamos en la novela en que una criatura creada del mismo modo era idónea para ese demonio? pero ¿no tenía miedo Victor de crear una raza de monstruos que se reprodujeran? ¡cómo has cambiado, Victor, de la novela al cine!

He insisto, por enésima vez, la adaptación más fiel a la novela Frankenstein o el moderno Prometeo es, sin lugar a dudas, la versión sueca de 1977 llamada Terror of Frankenstein (o Victor Frankenstein en castellano) que se editó en España en una copia nada buena pero no existe otra cosa en todo el mundo por ahora en formatos domésticos. En todo el foro probablemente la hayamos visto sólo Jane Olsen y yo, a ella no le satisfizo como a mí pero a mí me gustó bastante/mucho. No hay en ella prácticamente nada que no figure en la novela, los fans de esta obra literaria y de Barry Lyndon (la protagoniza Leon Vitali) tardan en verla. Aunque aviso que no es molona, tiene ritmo lento pero le sienta muy bien, además la ambientación es estupenda pese a el escaso presupuesto con el que contó. La escena de la creación del monstruo es calcada a la novela y la más inquietante de cuantas adaptaciones existen.

Yo tampoco he visto esa versión sueca. Intentaré hacerme con ella, aunque a veces la fidelidad al texto no es la mejor garantía, pero con todo me gustaría ver una ilustración próxima a la novela. Lo de Branagh clama al cielo.

Iniciado por Mizoguchi

Querido mad dog earle, fíjate si estoy de acuerdo con tu crítica que puede que estemos ante una de las películas que más me hayan indignado en los últimos tiempos. Es más, puede que mi comentario sea de los más extensos que he hecho en este foro sobre una cinta, dado que incluso le dediqué 2 partes porque la vi en dos días distintos.

Curiosamente ambos hemos encontrado completamente inadecuado que Branagh esté medío en pelotas para crear al mostro. Considero que puede ser la adaptación más fiel a la novela según Almodóvar, posiblemente esté preparando un remake de esta versión (casi todo lo que hace son remakes en realidad) mezclándola con otra peli de antaño. He de reconocer que tras leer lo que hace un año he escrito en spoiler me he partido de risa con mi propio comentario ya que no recordaba que esta adaptación me hubiera enfurecido tanto.

También estoy de acuerdo en lo que dices del palacio, por algún lugar del foro había escrito que parecía de Disney o algo así, con una amplitud totalmente ridícula. Esto es lo que escribí en su día:



La segunda parte:



He insisto, por enésima vez, la adaptación más fiel a la novela Frankenstein o el moderno Prometeo es, sin lugar a dudas, la versión sueca de 1977 llamada Terror of Frankenstein (o Victor Frankenstein en castellano) que se editó en España en una copia nada buena pero no existe otra cosa en todo el mundo por ahora en formatos domésticos. En todo el foro probablemente la hayamos visto sólo Jane Olsen y yo, a ella no le satisfizo como a mí pero a mí me gustó bastante/mucho. No hay en ella prácticamente nada que no figure en la novela, los fans de esta obra literaria y de Barry Lyndon (la protagoniza Leon Vitali) tardan en verla. Aunque aviso que no es molona, tiene ritmo lento pero le sienta muy bien, además la ambientación es estupenda pese a el escaso presupuesto con el que contó. La escena de la creación del monstruo es calcada a la novela y la más inquietante de cuantas adaptaciones existen.

No creas... De la versión sueca, a mí, su respeto al texto original y su relativa sencillez me parecieron encomiables.



Pero es pobretona y sosa hasta decir basta: se queda un poco en tierra de nadie, y además hay una serie de cosas que no se explican (sobre todo, cosas relativas al aprendizaje del Monstruo), y que te tienes que creer porque sí. Lo bueno que tiene es que es cortita, no se hace pesada y te la ves enseguida. Más fiel al libro y con más medios me pareció la miniserie de 2004 (que a Mizoguchi no le gustó nada )... pero casi siempre que me da por revisitarla pierde algún punto . El retrato que te hacen del Monstruo es demasiado amable, parece que se le disculpa totalmente de lo que hace a pesar de que también tiene su parte de responsabilidad.



Es lenta. Y no da miedo. Pero creo que hacer hoy en día un Franken que dé miedo es poco menos que imposible. Al fin, se queda también un poco en más intenciones que otra cosa.

Otras versiones que me parecen dignas de tener en cuenta son la de Dan Curtis (relativamente fiel al libro, aunque tampoco del todo satisfactoria) y una muy cutrona y poco conocida, pero muy interesante (ejemplo de cómo innovar sin hacer traición al libro) hecha para la televisión británica):

Jane, la versión de Dan Curtis creo que no la he visto y la otra seguro que no. No te equivocas cuando dices que la miniserie de 2004 no me gustó nada, me pareció deleznable. La banda sonora que a ti te encanta, yo no la soporto y si te fijas es imposible ver esa producción televisiva hoy día sin asociar al monstruo de Frankenstein con Tommy Wiseau, el "gran" director de la "estimable" The room que dio pie a The disaster artist. Aquí se puede ver el innegable parecido con el monstruo de la versión de 2004:



En la versión sueca incluso tienes al doctor Frankenstein rubio como tú lo ves, yo no termino de verlo así pero Leon Vitali no me disgusta para nada, en uno de los escasos papeles como actor que tuvo. De todos modos, creía que mi versión favorita te disgustaba más.

Tienes razón cuando dices que hay cosas que no se explican pero lo disculpo dados los escasos medios con los que contó la cinta, es algo común en este tipo de producciones ajustarse a una duración no demasiado excesiva y recurrir a la elipsis. Pero si fuera editada en condiciones la tendría en lugar de honor en una estantería al lado de una edición literaria de Frankenstein, pero cuál ¿la del 18, la del 23 o la del 31? se han editado todas. He encontrado que tenía anotado que la del 31 es la totalmente Mary Shelley porque Percy ya había muerto, del resto de ediciones hay mucho de su marido. También he encontrado algo ya comentado por mí que no recordaba, el doctor Frankenstein nace en Ginebra en la edición de 1818 y en Nápoles en la de 1831. Ojalá editen en España esa edición estupenda que acredita a Percy y traía, creo que era así, las 3 versiones.

Mad dog earle, mírate mi privado y ya nos cuentas...

Iniciado por Mizoguchi

Jane, la versión de Dan Curtis creo que no la he visto y la otra seguro que no. No te equivocas cuando dices que la miniserie de 2004 no me gustó nada, me pareció deleznable. La banda sonora que a ti te encanta, yo no la soporto y si te fijas es imposible ver esa producción televisiva hoy día sin asociar al monstruo de Frankenstein con Tommy Wiseau, el "gran" director de la "estimable" The room que dio pie a The disaster artist. Aquí se puede ver el innegable parecido con el monstruo de la versión de 2004:



En la versión sueca incluso tienes al doctor Frankenstein rubio como tú lo ves, yo no termino de verlo así pero Leon Vitali no me disgusta para nada, en uno de los escasos papeles como actor que tuvo. De todos modos, creía que mi versión favorita te disgustaba más.

Tienes razón cuando dices que hay cosas que no se explican pero lo disculpo dados los escasos medios con los que contó la cinta, es algo común en este tipo de producciones ajustarse a una duración no demasiado excesiva y recurrir a la elipsis. Pero si fuera editada en condiciones la tendría en lugar de honor en una estantería al lado de una edición literaria de Frankenstein, pero cuál ¿la del 18, la del 23 o la del 31? se han editado todas. He encontrado que tenía anotado que la del 31 es la totalmente Mary Shelley porque Percy ya había muerto, del resto de ediciones hay mucho de su marido. También he encontrado algo ya comentado por mí que no recordaba, el doctor Frankenstein nace en Ginebra en la edición de 1818 y en Nápoles en la de 1831. Ojalá editen en España esa edición estupenda que acredita a Percy y traía, creo que era así, las 3 versiones.

Mad dog earle, mírate mi privado y ya nos cuentas...

Malo ... Pero te recuerdo que lo del pelo negro y largo ya salía en el libro.

Con la versión de Calvin Floyd me pasa un poco lo mismo que con el Drácula de Jesús Franco. Me atraen su sencillez y su respeto hacia el material literario original. Pero todo es tan descafeinado y pobretón que el resultado final se queda un poco en una declaración de intenciones más que otra cosa. Con la diferencia de que la película de Floyd sea quizá un poquito mejor que la de Franco (cosa no muy difícil, por otra parte). Y que la de Franco tiene a Christopher Lee , que para mí son palabras mayores. Si hubieran metido a algún gran actor en la de Floyd quizá la cosa hubiera cambiado.

Y si puedes, no dejes de echar un vistazo a la versión con Ian Holm. A mí me sorprendió para bien.

Recuerdo que en su día compré el Frankenstein de Branagh en VHS, como parte de una colección de quioscos "Cine de terror". Y que la vi (entera) y jamás he podido volver a hacerlo.

He de decir que me apasiona su génesis, me encanta leer o escuchar hablar sobre esta película, pero soy incapaz de verla otra vez

Yo sí le veo sentido a la desnudez de Frankenstein durante el nacimiento de la criatura (no deja de ser una justificación argumental) pues el nacimiento del monstruo nos es presentado casi más como un parto que como un acto de creación artificial al que estamos acostumbrados en el cine de Frankie.

Iniciado por Charles Lee Ra

Recuerdo que en su día compré el Frankenstein de Branagh en VHS, como parte de una colección de quioscos "Cine de terror". Y que la vi (entera) y jamás he podido volver a hacerlo.

He de decir que me apasiona su génesis, me encanta leer o escuchar hablar sobre esta película, pero soy incapaz de verla otra vez

Yo sí le veo sentido a la desnudez de Frankenstein durante el nacimiento de la criatura (no deja de ser una justificación argumental) pues el nacimiento del monstruo nos es presentado casi más como un parto que como un acto de creación artificial al que estamos acostumbrados en el cine de Frankie.

Fíjate que aunque como idea tiene cierto interés, yo no la veo muy adecuada en el contexto de Frankenstein. Lo que hace Frankenstein no es algo natural ni espontáneo, como pueda ser un parto. Precisamente, la novela entera se puede entender como una crítica al concepto tradicional patriarcal de la ciencia, y cómo esa subversión de los roles puede tener consecuencias negativas. Hay una dicotomía muy acusada en todo ese mundo entre lo natural y lo artificial, lo humano y lo divino, lo femenino y lo masculino, lo espontáneo y lo sintético, lo rural y lo civilizado. Y lo que hace del Monstruo verdaderamente tal -yo siempre lo he visto así- es, aparte de su soledad, lo antinatural de su nacimiento.