Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por Charles Lee Ra

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Bueno mad, hoy en día no es excusa, pero yo creo que hasta hace unos 20-25 años, ver películas en VOSE en España era casi imposible. Por un lado, su disponibilidad era limitadísima a los cuatro festivales que hubiese y a un par de cines de arte y ensayo en las principales capitales; y por otro, lamentablemente, el índice de alfabetización de nuestro país no era para estar muy orgulloso. Y conforme retrocedemos, peor es el panorama.

Creo que fue en los 80/90 cuando La2 empezó a emitir películas en VOSE, maravillosa iniciativa (así vi en su idioma original películas como La naranja mecánica, El club de los cinco o La escalera de caracol). Más adelante, con la llegada del láser disc empezó a democratizarse el asunto (aunque el láser disc fue totalmente anecdótico en nuestro país) y desde que apareció el DVD, sí que no hay excusa.

El asuntillo de los doblajes siempre genera largos debates. Lo de que hasta hace 20-25 años no se podían ver películas en VO... supongo que depende de dónde. No es lo mismo un cine de una pequeña población, donde supongo que en el caso improbable que aún tengan una sala de cine en funcionamiento difícilmente se verán films en VO, que una ciudad como Barcelona o Madrid. Yo me zambullí en los cines de arte y ensayo (en Barcelona) a finales de los 70 (o sea, hace 40 años), y lo habitual eran las VO subtituladas. Es cierto que los films más comerciales era difícil verlos en VO, pero hubo un cierto revival de películas clásicas en VO (muchas estrenadas entonces porque antes lo había impedido la censura), como un mítico ciclo Bogart de siete títulos, donde descubrí esa voz nasal y un poco de bocina de Bogart, fea probablemente, pero inconfundible.

La cuestión de la alfabetización ya es otro debate. En todo caso, hay países de habla hispana, como Uruguay (que me corrija algún uruguayo), donde el doblaje no era lo habitual. Precisamente ahora hay todo un movimiento crítico contra un injustificado aumento de los doblajes. En otros países europeos, tampoco es habitual el doblaje. Es curioso, porque precisamente la falta de doblaje se puede leer como un recurso proteccionista, que decanta al espectador a la producción en la propia lengua. En cambio, en la España de la Hispanidad y los "300 millones", el doblaje fue durante mucho tiempo la opción única en beneficio de las películas americas, lo cual, cierto es, visto el panorama político quizá fue una suerte. Pero en genaral creo que es un error, difícilmente justificable hoy en día. En todo caso, el número de copias en VO debería ser siempre superior al de las dobladas. Por algo se empieza. ¡Ah, y que las cadenas de televisión emitan siempre con la opción de VO subtitulada (y a poder ser, al menos por lo que respecta al inglés, también subtituladas en inglés).

The Mask (Chuck Russell, 1994)



Esta también hacía mucho que no la veía pero estaba muy grabada a fuego. La vi en el cine (casi seguro en diciembre de 1994) y varias veces después, y siempre me gustó, le vi algo especial, algo que me recordaba al Batman de Tim Burton en su uso de un entorno en parte realista y en parte adaptado ya al cómic: esa ciudad llamada Edge City (de hecho empezamos con un plano digno del Gotham de Anton Furst-Tim Burton), casi todo ocurre de noche, personajes cuya comicidad es tomada menos en cachondeo de lo que haríamos en la vida real etc

Acabo de bajar su nota del 7 que tenía a un 6 en mi FilmAffinity, así como resumen. Vaya que me sigue gustando pero menos.

Y es bastante potable. Una adaptación de un cómic original que, como tantas y tantas adaptaciones del género dio mil vueltas en aquellos años (Batman, SpiderMan, X-Men, Watchmen... Todas con mil guiones, directores etc hasta que dieron con la versión final) debido a que sólo Superman y Batman (junto a Spider-Man los más famosos, además) habían triunfado. Probablemente fuera, como siempre, las dudas que hoy en día han desaparecido, es más, las que ahora son un plus: como adaptar al cine las convenciones del cómic. Y en The Mask, pese a que no he leído el material original, el resultado es notable porque la historia, sus personajes y el diseño de producción tienen un aire cómic, una extensión visual del propio Stanley Ipkiss, que le confiere un aspecto muy logrado y en aquel momento único.

La historia es la conocido en el género, de origen en este caso: persona random, un perdedor con mala suerte en este caso, consigue poderes y por el camino se gana un adversario al que termina derrotando. Y con chica de por medio. Lo bueno es que el citado estilo de The Mask permite que todo eso sea muy natural y no nos preocupamos de la credibilidad. Jim Carrey ( en su año: encadenó Ace Ventura, The Mask y Dumb and Dumber; entiendo que el éxito de la primera llevó al de las otras dos), pese a que me cae bien, o tolero sus muecas hasta muy cierto punto (en algunos casos me hace reír, en otros muchos no), le sienta bien el papel pese a que se nota cuando aprovecha/n para que realice sus propias muecas o imitaciones: como la de Dirty Harry al final (no recuerdo como harían eso en el doblaje).

Dura poco, no se entretiene, los FX en su momento fueron sorprendentes con la ILM y Ken Ralston (Epsidio VI, Back to the future, y más tarde jefe de Sony Imageworks), y sin duda es interesante que la máscara potencie lo que querrías ser, lo que más te gusta. En el caso de Stanley lo convierte esencialmente en un dibujo animado y en esos momentos, aunque me llega a cargar un poco, es divertido ver todos los recursos clásicos del género que utiliza. Los dos números musicales centrales son un acierto e insisto en un diseño de producción notable, mezclando cómic, dibujos animados y una extraña sensación de ciudad distópica.



Ahora voy con lo polémico: nunca he encontrado atractiva a Cameron Díaz. Es decir, sí, claro, pero no tanto como he percibido en el resto de mortales. Salvo en esta película, la de su debut. Pese a que no borda el papel sí cuadra con la dama en apuros a salvar por el héroe. Es bastante imposible, casi irreal, así que le queda de fábula a una historia como esta.

Lástima del villano. Podría haber sido tan divertido como Stanley, o su equivalente terrorífico, pero apenas tiene cabida en el espectáculo de Carrey.

Eso sí, viva ese perro!! Grande Milo:

Iniciado por Jane Olsen

Yo siempre lo intento ver todo en VO, y a poder ser, sin rótulos. Y éso que yo empecé a ver cine de esta manera de un modo muy tardío, y también me curtí con sesiones de tarde en que muchos de esos clásicos del cine aparecían con doblajes también clásicos. Desgraciadamente, esto también me limita mucho . Como decía Terenci Moix, o no sé quién, procuro ver sólo películas en idiomas que más o menos entiendo (francés, inglés, alemán, italiano...), pero por otra parte, sólo tengo una vida que vivir, y ¡hay tantísimo cine..!

El caso de Christopher Lee es especialmente sangrante. No sólo tenía una voz asombrosa (hasta el punto de que estoy pensando en considerarle el mejor Fantasma de la Ópera de la historia sólo por el audiolibro; no entiendo que no interviniera en ningún musical, y que sólo de manera tardía grabara discos donde cantaba), sino que además, hablaba tanto inglés como italiano (su madre era una especie de condesa italiana). Bueno, pues en películas como La frustra e il corpo, o la que cita Mad Dog de Hércules, su voz está doblada por otros actores tanto en la versión italiana como en la inglesa .

...

Sí, eso lo decía Terenci, gran cinéfilo. Pero si realmente seguía siempre esa máxima (cosa que dudo), se tuvo que quedar sin ver muchísimo cine, desde el sueco al ruso pasando por el japonés (y quizá el alemán), porque tan políglota no era, y ese sacrificio me parece difícil de asumir por parte de un cinéfilo. No le veo ningún problema a los subtítulos, es un recurso inevitable, como inevitables son las traducciones, ya que, desgraciadamente, como mucho nos podemos defender en tres o cuatro lenguas (hay quien solo en una y gracias), pero en el mundo hay miles de lenguas. No sé ni una palabra de bengalí, pero eso ¿me ha de impedir ver las maravillosas películas de Satyajit Ray? Asumo que me voy a perder muchas cosas con los subtítulos, pero también me las perdería con un doblaje, de hecho más todavía, porque perdería el sonido de la lengua.

Iniciado por jack napier

Es como el redoblaje de Tiburón, horrible. El doblaje originario lo conservaba la primera edición en DVD, actualmente descatalogada. Eso sin hablar del doblaje de los Hermanos Marx, que se carga todos los matices y se inventan palabras de los chistes de Groucho, entre él y Chico, o las traducciones de Chico a Harpo. Eso sin entrar en el redoblaje de Sopa de Ganso, infinitamente peor al primero.

El doblaje original de King Kong estaba en buen estado. En el DVD llevaba una frase ("¿Recuerda esa llamada de socorro?") redoblada, ignoro el motivo (esa frase estaba doblada en el VHS) y una escena en VOSE que sí que no figuraba en el VHS y nunca fue doblada. No me parece motivo para redoblar, ya que ambos momentos no llegan ni al minuto.

El redoblaje fue televisivo, según creo, ya que cuando se estrenó King Kong de Peter Jackson, Antena 3 emitió "por todo lo alto" la versión de los 70 y ahí fue redoblada. Redoblaje que, me perdonen sus responsables, me parece bastante deficiente.

Yo tengo esta película tanto en VHS (las dos ediciones hechas en nuestro país) DVD (tengo dos copias por si acaso) y Blu Ray. Que tengo tirado en un armario, porque lo que hice con él fue ripearlo y añadirle el audio del DVD en una "edición casera". También tengo pensado hacer otra con el sonido del VHS que como digo, es el de cines completo, aunque al haber una escena de más en el DVD, cuadrarlo será bastante más difícil.

Pero bueno, que me enrollo. Que me pasa siempre con esta película. No soy imparcial

Lo de que hasta hace 20-25 años no se podían ver películas en VO... supongo que depende de dónde. No es lo mismo un cine de una pequeña población, donde supongo que en el caso improbable que aún tengan una sala de cine en funcionamiento difícilmente se verán films en VO, que una ciudad como Barcelona o Madrid.

Yo crecí en un pueblo que tenía, el año que nací, unos 10.000 habitantes (hoy tiene el doble). En mi infancia había cuatro cines, y ninguno ponía pelis en VO. En mi adolescencia abrieron unos "multicines" (solo tenían tres salas) y tampoco. La primera vez que pude ver películas en VO fue en los pases de La2. Hoy en día todos esos cines han cerrado, y en 1999 abrieron unos "macro cines" que... MUY ocasionalmente, hacen pases en VO. Vamos, que si no fuera por el DVD / Blu Ray, por aquí seguiríamos igual que en los 80

Yo soy partidario acérrimo de la V.O.S.E. (que, primero gracias a La 2 (y a veces, a La 1) y luego al DVD, pudimos disfrutar) pero tengo grabado a fuego los doblajes de las películas más antiguas que recuerdo: TIBURÓN (de la que tengo copia con el doblaje original ) y LA GUERRA DE LAS GALAXIAS.

Iniciado por Alcaudón

Yo soy partidario acérrimo de la V.O.S.E. (que, primero gracias a La 2 (y a veces, a La 1) y luego al DVD, pudimos disfrutar) pero tengo grabado a fuego los doblajes de las películas más antiguas que recuerdo: TIBURÓN (de la que tengo copia con el doblaje original ) y LA GUERRA DE LAS GALAXIAS.

Yo tengo el DVD aquel de Tiburón con el doblaje original (de hecho, fue el SEGUNDO DVD que compré). Aunque las últimas veces que la he visto ha sido en VO. Recuerdo que también hubo en su momento una edición redoblada de Superman sin el doblaje original, pero recularon y lo incluyeron en la siguiente edición. No entiendo que con Tiburón no lo hagan. Puede que con el DVD hubiera excusa, pero con la de espacio que lleva un Blu Ray, no me creo que no puedan meter una pista en mono.

Puedes dar el salto al HD con Tiburón. El bd conserva el doblaje original
Saludos

Lo cierto es que muchos doblajes originales se han perdido. Y es una pena, porque eran magníficos. Esa voz de Charlton Heston en EL PLANETA DE LOS SIMIOS. O la Richard Dreyfuss en TIBURÓN.

Pero ya digo que yo veo TODAS las películas (en cualquier idioma) en V.O.S.E., salvo las que son en 3-D (es un poco complicado ver la película con los subtítulos saliéndote de la pantalla) y las de animación.

Iniciado por Alcaudón

Lo cierto es que muchos doblajes originales se han perdido. Y es una pena, porque eran magníficos. Esa voz de Charlton Heston en EL PLANETA DE LOS SIMIOS. O la Richard Dreyfuss en TIBURÓN.

Pero ya digo que yo veo TODAS las películas (en cualquier idioma) en V.O.S.E., salvo las que son en 3-D (es un poco complicado ver la película con los subtítulos saliéndote de la pantalla) y las de animación.

Comparto lo que comentas sobre "El planeta de los simios"... su doblaje es de mis favoritos, con Claudio Rodriguez doblando a Taylor (dobló a Heston varias veces más, por ejemplo en El tormento y el éxtasis).

Respecto a los doblajes perdidos, hay gente haciendo labores de recuperación por Internet, pero creo que nunca se recuperarà todo.

Dicho esto, he visto Breve encuentro, de Lean, y El rapto de Bunny Lake, de Otto Preminger.

Breve encuentro es un peliculón del quince, donde un encuentro impersonal en la cafetería de una estación de tren, o un puñetero grano de arena en el ojo y un médico en el lugar adecuado pueden cambiarte la vida. Todo empieza con ese hombre y esa mujer, tan serios en la cafetería, y una vieja chismosa que les interrumpe, y no sabemos de que hablaban ni porque estaban tan solemnes. Luego, la protagonista, Laura (Celia Johnson), irá desgranando un monólogo interno impresionante mientras nos cuenta como, casi sin darse cuenta, se enamora de un desconocido médico, Alec (Trevor Howard) pese a estar ambos casados y con niños.

Una historia de amor imposible como tantas contadas por Hollywood, pero aquí especialmente bien narrada e interpretada. Impresionantes los protagonistas y los secundarios (ese marido, bueno pero indiferente, o el desternillante personal de la cafetería), esas miradas, esos sentimientos, esa relación de altibajos, apasionada y llena de culpabilidad, terceras personas metiéndose por en medio...
Y por supuesto, al final, entendemos el porqué del principio, el porqué de esa solemnidad, el porqué de la tristeza de Laura, el porqué le hubiera gustado estrangular a la vieja chismosa. A mi también me han dado ganas!

Junto con "En algún lugar del tiempo" (una de mis películas favoritas de todos los tiempos) la mejor historia de amor que he visto nunca en una pantalla.


Con El rapto de Bunny Lake ya llevo tres pelis de Preminger vistas, un puñetero maestro. Curiosamente, las tres giran en torno a un crimen en torno al cual surgen grandes dudas (sobre su autoría o sobre si el crimen se cometió realmente). Con "Bunny Lake" se alcanzan unos grados de surrealismo dignos de Laura, más una considerable paranoia, y gracias a unos actores de primera, la película se ve sin uno darse cuenta de que pasa el tiempo.

Tenemos a una madre soltera, Ann Lake (Carol Lynley) que llega con su hija a Inglaterra para vivir con su hermano Stephen (siempre es un placer ver al desaprovechado Keir Dullea) y que deja a su hija en la escuela, para luego no encontrarla. Nadie parece haber visto a la niña, ni la profesora, ni la cocinera que supuestamente debería haberla vigilado hasta que llegase la primera, ni ninguna de las otras niñas. Mientras la angustia va haciendo presa de la pequeña familia Lake, el superintendente encargado del caso (Laurence Olivier, grande) empieza a sospechar que la niña, Bunny Lake, en realidad no existe, y su supuesta "madre" es una enferma mental...

Es increíble como Otto nos va metiendo en esa atmósfera enrarecida, y como nos va haciendo dudar de la existencia de una niña a la que nosotros los espectadores nunca hemos visto, mientras nos presenta un desfile de personas perturbadas que podrían, o no esconder algo: el casero borracho y de inciertas intenciones, la retirada directora de la escuela, que vive en el piso de arriba escribiendo un libro sobre traumas y pesadillas infantiles (Martita Hunt, la inolvidable Baronesa Meinster de Las novias de Dracula).

Soberbia.

Iniciado por Charles Lee Ra

Comparto lo que comentas sobre "El planeta de los simios"... su doblaje es de mis favoritos, con Claudio Rodriguez doblando a Taylor (dobló a Heston varias veces más, por ejemplo en El tormento y el éxtasis).

Respecto a los doblajes perdidos, hay gente haciendo labores de recuperación por Internet, pero creo que nunca se recuperarà todo.

Dicho esto, he visto Breve encuentro, de Lean, y El rapto de Bunny Lake, de Otto Preminger.

Breve encuentro es un peliculón del quince, donde un encuentro impersonal en la cafetería de una estación de tren, o un puñetero grano de arena en el ojo y un médico en el lugar adecuado pueden cambiarte la vida. Todo empieza con ese hombre y esa mujer, tan serios en la cafetería, y una vieja chismosa que les interrumpe, y no sabemos de que hablaban ni porque estaban tan solemnes. Luego, la protagonista, Laura (Celia Johnson), irá desgranando un monólogo interno impresionante mientras nos cuenta como, casi sin darse cuenta, se enamora de un desconocido médico, Alec (Trevor Howard) pese a estar ambos casados y con niños.

Una historia de amor imposible como tantas contadas por Hollywood, pero aquí especialmente bien narrada e interpretada. Impresionantes los protagonistas y los secundarios (ese marido, bueno pero indiferente, o el desternillante personal de la cafetería), esas miradas, esos sentimientos, esa relación de altibajos, apasionada y llena de culpabilidad, terceras personas metiéndose por en medio...
Y por supuesto, al final, entendemos el porqué del principio, el porqué de esa solemnidad, el porqué de la tristeza de Laura, el porqué le hubiera gustado estrangular a la vieja chismosa. A mi también me han dado ganas!

Junto con "En algún lugar del tiempo" (una de mis películas favoritas de todos los tiempos) la mejor historia de amor que he visto nunca en una pantalla.


Con El rapto de Bunny Lake ya llevo tres pelis de Preminger vistas, un puñetero maestro. Curiosamente, las tres giran en torno a un crimen en torno al cual surgen grandes dudas (sobre su autoría o sobre si el crimen se cometió realmente). Con "Bunny Lake" se alcanzan unos grados de surrealismo dignos de Laura, más una considerable paranoia, y gracias a unos actores de primera, la película se ve sin uno darse cuenta de que pasa el tiempo.

Tenemos a una madre soltera, Ann Lake (Carol Lynley) que llega con su hija a Inglaterra para vivir con su hermano Stephen (siempre es un placer ver al desaprovechado Keir Dullea) y que deja a su hija en la escuela, para luego no encontrarla. Nadie parece haber visto a la niña, ni la profesora, ni la cocinera que supuestamente debería haberla vigilado hasta que llegase la primera, ni ninguna de las otras niñas. Mientras la angustia va haciendo presa de la pequeña familia Lake, el superintendente encargado del caso (Laurence Olivier, grande) empieza a sospechar que la niña, Bunny Lake, en realidad no existe, y su supuesta "madre" es una enferma mental...

Es increíble como Otto nos va metiendo en esa atmósfera enrarecida, y como nos va haciendo dudar de la existencia de una niña a la que nosotros los espectadores nunca hemos visto, mientras nos presenta un desfile de personas perturbadas que podrían, o no esconder algo: el casero borracho y de inciertas intenciones, la retirada directora de la escuela, que vive en el piso de arriba escribiendo un libro sobre traumas y pesadillas infantiles (Martita Hunt, la inolvidable Baronesa Meinster de Las novias de Dracula).

Soberbia.

Casi todas las películas de Preminger son recomendables y varias de ellas auténticas obras maestras.

Si ya has visto LAURA, te recomiendo con otras piezas maestras de cine negro suyas como FALLEN ANGEL (1945, ÁNGEL O DIABLO), WHIRLPOOL (1949, VORÁGINE), WHERE THE SIDE WALKS ENDS (1950, AL BORDE DEL PELIGRO), THE 13TH LETTER (1951, CARTAS ENVENENADAS), ANGEL FACE (1953, CARA DE ÁNGEL), THE MAN WITH THE GOLDEN ARM (1955, EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO) y, especialmente, ANATOMY OF A MURDER (1959, ANATOMÍA DE UN ASESINATO).

De Preminger he visto, aparte de Laura y Bunny Lake, Anatomía de un asesinato que recuerdo espléndida (y menudo reparto). Tomo buena nota de las demás que citas

Iniciado por Charles Lee Ra

Comparto lo que comentas sobre "El planeta de los simios"... su doblaje es de mis favoritos, con Claudio Rodriguez doblando a Taylor (dobló a Heston varias veces más, por ejemplo en El tormento y el éxtasis).

Respecto a los doblajes perdidos, hay gente haciendo labores de recuperación por Internet, pero creo que nunca se recuperarà todo.

Dicho esto, he visto Breve encuentro, de Lean, y El rapto de Bunny Lake, de Otto Preminger.

Breve encuentro es un peliculón del quince, donde un encuentro impersonal en la cafetería de una estación de tren, o un puñetero grano de arena en el ojo y un médico en el lugar adecuado pueden cambiarte la vida. Todo empieza con ese hombre y esa mujer, tan serios en la cafetería, y una vieja chismosa que les interrumpe, y no sabemos de que hablaban ni porque estaban tan solemnes. Luego, la protagonista, Laura (Celia Johnson), irá desgranando un monólogo interno impresionante mientras nos cuenta como, casi sin darse cuenta, se enamora de un desconocido médico, Alec (Trevor Howard) pese a estar ambos casados y con niños.

Una historia de amor imposible como tantas contadas por Hollywood, pero aquí especialmente bien narrada e interpretada. Impresionantes los protagonistas y los secundarios (ese marido, bueno pero indiferente, o el desternillante personal de la cafetería), esas miradas, esos sentimientos, esa relación de altibajos, apasionada y llena de culpabilidad, terceras personas metiéndose por en medio...
Y por supuesto, al final, entendemos el porqué del principio, el porqué de esa solemnidad, el porqué de la tristeza de Laura, el porqué le hubiera gustado estrangular a la vieja chismosa. A mi también me han dado ganas!

Junto con "En algún lugar del tiempo" (una de mis películas favoritas de todos los tiempos) la mejor historia de amor que he visto nunca en una pantalla.


Con El rapto de Bunny Lake ya llevo tres pelis de Preminger vistas, un puñetero maestro. Curiosamente, las tres giran en torno a un crimen en torno al cual surgen grandes dudas (sobre su autoría o sobre si el crimen se cometió realmente). Con "Bunny Lake" se alcanzan unos grados de surrealismo dignos de Laura, más una considerable paranoia, y gracias a unos actores de primera, la película se ve sin uno darse cuenta de que pasa el tiempo.

Tenemos a una madre soltera, Ann Lake (Carol Lynley) que llega con su hija a Inglaterra para vivir con su hermano Stephen (siempre es un placer ver al desaprovechado Keir Dullea) y que deja a su hija en la escuela, para luego no encontrarla. Nadie parece haber visto a la niña, ni la profesora, ni la cocinera que supuestamente debería haberla vigilado hasta que llegase la primera, ni ninguna de las otras niñas. Mientras la angustia va haciendo presa de la pequeña familia Lake, el superintendente encargado del caso (Laurence Olivier, grande) empieza a sospechar que la niña, Bunny Lake, en realidad no existe, y su supuesta "madre" es una enferma mental...

Es increíble como Otto nos va metiendo en esa atmósfera enrarecida, y como nos va haciendo dudar de la existencia de una niña a la que nosotros los espectadores nunca hemos visto, mientras nos presenta un desfile de personas perturbadas que podrían, o no esconder algo: el casero borracho y de inciertas intenciones, la retirada directora de la escuela, que vive en el piso de arriba escribiendo un libro sobre traumas y pesadillas infantiles (Martita Hunt, la inolvidable Baronesa Meinster de Las novias de Dracula).

Soberbia.

Precisamente estuve revisitando la semana pasada Breve encuentro. En general, no soy de películas románticas, odio todas esas películas tipo Pretty Woman y demás, pero algo tiene Breve encuentro que la hace especial. Quizá la manera en que te cuenta Lean todo, haciendo que los protagonistas sean gente normal, en un lugar vulgar y con reacciones muy humanas, pero expresadas con gran fuerza, lo que hace que te identifiques con ellos. Quizá el uso del Concierto de Rachmaninov (me encanta Rachmaninov) que dota a la película de un aliento épico y a la vez, intimista, de un exuberante romanticismo...

No he visto esa de Bunny Lake. Laura es una de las películas míticas del cine negro. Anatomía de un asesinato es una cinta muy celebrada, y en su día, muy polémica por los temas tratados y por la manera de abordarlos, pero a mí, francamente, se me hizo plúmbea (como casi todas las pelis de juicios, que ellas y yo no nos llevamos bien). El hombre del brazo de oro... no sé si mi cuerpo aguantará otro visionado. Mi madre me contó que de adolescente se coló a verla en el cine (no tenía la edad, y era de las gravemente peligrosas). Yo creo que debió de ser de las primeras películas mainstream de Hollywood en abordar sin tapujos temas como la drogadicción y la marginalidad. Éxodo me resultó muy pesada y un tanto descompensada en su resultado final. De Río sin retorno guardo buen recuerdo, aunque lo que parece el rodaje fue un infierno y Marilyn acabó detestando la película con toda su alma. Parece que Preminger también la hizo a desgana. La dama de armiño la vi de pequeña y me encantó, la volví a ver no hace tanto y desde luego no me gustó tanto, con ese estilo de opereta cinematográfica en plan Lubbitsch (la empezó él, pero se murió al mes y poco de comenzar el rodaje ) tan artificioso y esa pareja protagonista (Betty Grable y Douglas Fairbanks Jr.) que me pareció poco elegante y un tanto fuera de lugar.

De Breve encuentro hay un remake con Richard Burton y Sophia Loren (??), dirigida por Alan Bridges. Huelga decir que se queda lejos del film de Lean. De hecho, tanto Lean como Bridges adaptan una obra teatral de Noël Coward, "Still Life".

Y, qué casualidad, no sé si Charles Lee Ra ha sido consciente de ello, pero ese casero borracho de El rapto de Bunny Lake es, precisamente, ... Noël Coward. O sea que el doblete es perfecto.

THE FAMILY WAY (1966, LUNA DE MIEL EN FAMILIA) de John y Roy Boulting (productor y director, respectivamente).



Janbox Ltd. / Boulting Brothers

He de reconocer que mi primera intención a la hora de visionar la cinta era porque la banda sonora venía firmada por el entonces beatle Paul McCartney (el primer trabajo discográfico de un miembro de la banda al margen de la misma) y además supervisada y arreglada por George Martin.



Y cuál ha sido mi sorpresa al encontrarme con una estupenda película, basada en una obra teatral de Bill Naughton ("All in Good Time" (y con guión del propio autor)) y excelentemente interpretada por un elenco en estado de gracia, donde podemos destacar a John y Hayley Mills (padre e hija en la vida real), Hywel Bennett o Marjorie Rhodes, además del hitchconiano Barry Foster (en un papel que parece el gérmen del psicópata sexual y estrangulador de la magistral FRENZY (1972, FRENESÍ)).

La historia es sencilla pero está magnificamente contada por los hermanos Boulting.

Una comedia dramática donde el sexo (o más bien, la falta de sexo) es el nudo gordiano de la historia (como lo era, por otra parte, en la magistral SPLENDOR IN THE GRASS (1961, ESPLENDOR EN LA HIERBA) de Elia Kazan). La pulsión erótica mal entendida como hilo conductor de la trama.

Narra las desventuras de la pareja formada por la dulce e ingenua Jenny (la niña prodigio Hayley Mills, a la que todos los de mi generación hemos amado de niño) y el sensible Arthur (Hywel Bennett), recien casados, sin casa propia (viven en el domicilio de los padres de él (Ezra (un colosal John Mills) y Lucy (una no menos magnífica Marjorie Rhodes)) pero incapaces de consumar su matrimonio (no tanto por parte de ella como de él) en un ambiente opresivo, el barrio donde viven los protagonistas, donde todo el mundo se conoce y donde los secretos más íntimos quedan revelados ante la vista de todos.



Es una delicia cómo los Boulting narran una historia tan sensible (para la época) como el tema de la virginidad (al principio de la película un narrador nos va presentando los personajes que intervienen en la trama, empezando por la inocente Jenny (20 años, los mismos que tenía la actriz en ese momento): "Érase una vez una doncella. Tenía 20 años por lo que bien puede decirse que era un mirlo blanco" (sic)).

El joven Arthur, siempre arropado por su madre y despreciado por su padre (un hombre de rudos modales que no entiende que su hijo se pase todo el rato leyendo libros (él no ha leído uno en su vida) y oyendo música clásica (especialmente Beethoven)).

El padre de Arthur, Ezra, un hombre infelizmente casado (su amistad con su amigo de la infancia, Billy, es más que sospechosa (como bien indica en una extraordinaria secuencia su mujer (fue con ellos de luna de miel (¡!))) cuya mayor afición es meterse con su hijo y beber cerveza.

La madre, Lucy, protectora de su hijo y paciente con su incapaz marido al que, pese a todo, ama y perdona sus defectos.

No quiero alargarme.

El final, feliz, es de una delicadeza extrema y finalmente, tras consumar el matrimonio, la pareja abandona el hogar donde vivían y el padre, en un gesto de grandeza que le honra y redime a su personaje, acepta pagar de su propio bolsillo las 200 libras que necesitan para tener su propio nido de amor. Una escena con la sensibilidad a flor de piel y donde las tablas de un veterano como John Mills (que llegaría a ganar un Oscar como actor de reparto en la incomprendida (y magistral) RYAN'S DAUGHTER (1970, LA HIJA DE RYAN), la última obra maestra de David Lean) nos dejan con un sabor de boca agridulce pues vemos resquebrajarse la fachada cínica del progenitor, un hombre más sensible de lo que él mismo creía.



Curisomente, lo que al principio del visionado de la cinta me atraía más, la banda sonora de Paul McCartney, no es especialmente llamativa (y creo que aunque firmada por éste la mayor parte del trabajo corrió a cargo de George Martin (después de todo, en aquella época The Beatles estaban en la cima de su carrera, empezando la grabación del single "Strawberry Fields Forever / Penny Lane" (el mejor del grupo y que, curiosamente, no llegó al nº 1 en Inglaterra) y de su magnum opus, el álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band").

Y un par de chascarillos.

En su época, aparte de la temática tratada en la película, se montó un revuelo porque la actriz principal, Hayley Mills, aparece semidesnuda en una escena (totalmente inocente, por otra parte).





Y también porque durante el rodaje de la película entró en relaciones con el director, Roy Boulting, que por entonces estaba casado y tenía 52 años (ella 20). La pareja llegó a casarse en 1971.

Una más que grata sorpresa. Y es que la liebre salta cuando uno menos se lo espera...



Ah, y Hayley Mills fue una de las candidatas a protagonizar LOLITA de Stanley Kubrick (http://mercurie.blogspot.com.es/2010...be-lolita.html). Por entonces tenía 14 años...

Léon: The Professional (Luc Besson, 1994)



Esta la tenía pendiente. Gran agujero, lo sé

Casi todo lo que he visto de Luc Besson me ha gustado, en especial The Big Blue, una película, especial, distinta, uno de los pocos casos en los que la forma se impone al fondo, por lo menos en mi caso. Cuando era adolescente eso podía ganarme, sin problemas (es como la música new age, la forma es la música, el fondo ya lo pongo yo al escucharla), pero conforme he ido ganando edad he considerado de mucho mayor talento creativo la existencia de un fondo amén del peso de la forma (el cual no me supone problema si lo hay, o no, o mucho o poco). Pero The Big Blue es una gran excepción. Basta con ver la intro:



Joder, no?

Bien pues Leon: The Professional retiene el dúo Luc Besson en la dirección con Eric Serra en la BSO, quien aportó la maravillosa BSO de The Big Blue. Y consigue algo bastante tremendo: la película está ambientada en la NYC contemporánea (1993-1994) pero se ve distinta a la mayoría de películas. No termina de cuadrar ese aire estético, de atmósfera y esa música de Eric Serra con lo que desprende la ciudad, pero en ese momento, cuando lo ves, funciona. Y la película está llena de pequeños momentos como ese, con o sin la BSO de Serra:



Lo que ocurre, y ya me lo esperaba, no sólo es evidente viendo incluso un poster, sino que no es lo más relevante del film: una preadolescente de 12 años malvive con sus hermanos, y medio hermanos, con su padre y con la pareja de este, en un piso de NY cuando un mando corrupto de la DEA aniquila a toda la familia salvo a la pequeña Matilda, la cual, en una gran escena de contención dramática, llega al rellano tras la matanza, pasa de largo y se va directa hacia su vecino, Leon, un sicario profesional, y consigue entrar en su piso. Pronto ella conseguirá un intercambio: ella limpiará y le ayudará a leer, él le enseñará el oficio para, claro, poder vengarse de ese agente de la DEA y sus hombres.

Pero el film, claro, es otra cosa. Son Jean Reno y una espléndida Natalie Portman en uno de esos aciertos plenos en casting. Su historia también es previsible pero es como la cuenta Besson y como la interpretan ambos actores. Eso es lo que, más allá de que sea más o menos creíble (la película muestra a un Leon tremendamente letal pero casi imposible, parece más Batman que un ser humano normal), hace que su relación tenga un sentido en el desarrollo de ambos personajes: al conocerse, al vivir juntos, ambos se completan, ambos obtienen algo que antes no tenían. Matilda consigue un mejor padre del que tenía, se siente segura, tiene un objetivo en la vida y un profesional que le enseña; Leon consigue el calor humano de una niña de 12 años, una edad en la que ni se es niña, ni se es mujer, un cóctel de vitalidad que embauca a Leon y le hace más humano. Y más débil.



Por supuesto el film es conocido también por algo similar a lo que ocurriría con el futuro papel de Portman en la aún mejor Beautiful Girls (Jonathan Demme, 1996). Besson (se la) juega con la incipiente sexualidad de Matilda sin que llegue en ningún momento al mal gusto o a la incomodidad, sin recrearse en ello, pero es lo suficientemente inteligente como para no descartar algo tan obvio (ya en su primer escena, con una Matilda fumando, triste, en el rellano podemos ver que responde a la clásica niña de entorno urbano difícil que ha crecido demasiado deprisa)



Probablemente ambos personajes no llegan a sintonizar en el mismo tono de dicha relación: Matilda afirma estar enamorada, su comportamiento es el de la niña que quiere crecer deprisa y empieza a conocer el alcance de su feminidad (en unos pocos minutos en la calle, sola, esperando a Leon, ya liga con un chaval y parece aceptarlo sin más), pero también sabemos que puede mentir, jugar y verse limitada por una consciencia débil por edad y debilitada por si situación (especialmente por el asesinato de su hermano de 4 años). Leon esencialmente es un inepto social, probablemente algo corto de entendederas, que cuando abre el corazón a Matilda cae rendido producto de su propio bloqueo, le sale todo vaya: carencias familiares, de cariño, de amigos, de mujeres y de hijos. Besson no nos da a entender en ningún momento que Besson vea en Matilda nada más que una hija improvisada. Creo que ahí es clave la edad y apariencia de Portman. Si tuviera la que tiene en Beautiful Girls.. Bien, basta con rememorar que ocurría en aquella. Que nos ocurría a nosotros. De hecho aquello era menos polémico porque Marty se acercaba a una edad menos polémica y descaradamente usaba su feminidad, aún tibia, para alterar a s nuevo vecino, pero en Leon, Matilda ve coartados sus intentos de madurez por su propia apariencia y edad. En resumen: esto sólo se iría de madre si Leon tuviera, en efecto, conductas pedófilas, o esto fuera la Edad Media, o Canción de hielo y fuego (los libros sí, pues en la serie esos personajes femeninos de 8-15 años son plenamente adultos).

El final recupera el tono de acción, y ese Leon extremadamente hábil y letal, terminando con su vida al tiempo que con la del agente corrupto, un eficiente (como no) Gary Oldman.

Ah, y termina con un tema de Sting!!! Le sienta de fábula a Besson, al film, incluso a Eric Serra, por raro que suene

Iniciado por Charles Lee Ra

Por cierto, al alimón con los comentarion de Synch, algo que olvidé comentar sobre la saga de Arma Letal, el personaje de Leo Getz que interpreta Pesci es muy, muy similar, por no decir idéntico, a un personaje secundario de Corrupción en miami: Izzy. Estaba interpretado por Martín Ferrero (de ahí que me haya acordado de comentarlo viendo El hotel... ).

Izzy era el típico "enteradillo" que estaba en todos los fregaos de Miami, que conocía a todo el mundo y podía hacer un "quien es quien" a Sonny y Ricardo, un pelmazo insoportable, siempre con sus chorradas, cobardica, pesetero, pero inofensivo y se hacía de querer. Son personajes tan calcados que resulta curioso.



Más curioso aún, en el piloto de Corrupción en Miami, Martin Ferrero salió interpretando a un mafioso travesti, que moría al final de ese mismo episodio. Tiempo después salió de nuevo, interpretando a un personaje completamente distinto. misterios de la tele

Luego salió en Jurassic Park.

Sin duda Izzy era muy divertido (aunque su uso a conveniencia del guión era, al final, excesivo). No obstante, cuando visita a Sonny en el hospital, cuando el balazo, uno se lo cree. Bendita resonancia emocional! Lo bueno era ver en que andaba metido en ese momento. Un milagro que no terminase muerto como tantos y tantos personajes en una serie que no entendía de imposiciones felices.

Por cierto que El gran azul es una de mis películas favoritas de todos los tiempos, algo sin palabras. Es de una belleza casi ultraterrena, tanto en lo visual como en lo sonoro ( banda sonora de Eric Serra, varios de sus temas están permanentemente en mi MP4), actores maravillosos en estado de gracia...

He de decir que nunca he practicado la apnea como el protagonista, pero sí soy submarinista aficionado y entiendo perfectamente a Jacques y su pasión por ese mundo. Cuando estás "ahí abajo" se te olvida "arriba".

Y ya como cachondeo, antes de ver la película vi el tráiler en VHS, y me dejó acojonado... o sea, creo es un trailer que no define la película, pero yo de niño me quedé con la idea de que era algo en plan Abbyss

Iniciado por Charles Lee Ra

Por cierto que El gran azul es una de mis películas favoritas de todos los tiempos, algo sin palabras. Es de una belleza casi ultraterrena, tanto en lo visual como en lo sonoro ( banda sonora de Eric Serra, varios de sus temas están permanentemente en mi MP4), actores maravillosos en estado de gracia...

He de decir que nunca he practicado la apnea como el protagonista, pero sí soy submarinista aficionado y entiendo perfectamente a Jacques y su pasión por ese mundo. Cuando estás "ahí abajo" se te olvida "arriba".

Y ya como cachondeo, antes de ver la película vi el tráiler en VHS, y me dejó acojonado... o sea, creo es un trailer que no define la película, pero yo de niño me quedé con la idea de que era algo en plan Abbyss

A mi me pasaba lo mismo. Viendo la portada pensaba que iba sobre algún delfín, ballena o similar. Luego descubrí la BSO, en 1997, escuchándola en un viaje BCN a Madrid. Estuve años fascinado con la BSO pero sin haber visto la película! Cuando finalmente la vi, aunque no me gusta tanto como la propia BSO, si le reconozco que es tremendamente especial, distinta, tiene un aire new age, algo europeo (del sur, mediterráneo) algo que los que hemos crecido en el mar puede afectarnos un poco más. La película, en definitiva, es tan rara o misteriosa como el propio chaval que la protagoniza

Esa intro es maravillosa.

Blade runner 2049.

La peli en general muy bien, bien rodada, montada y actuada, es una digna secuela, cosa dificil.


Pero si hay un par de cosas que me impiden ponerla de sobresaliente. Por un lado la música creo que a veces se les ha ido de las manos, muy obvia y estridente en las partes "bonitas" visualmente. Es una queja muy menor, la verdad, daba por hecho que lo de Vangelis iba a ser irrepetible.


Y por otro... es algo decepcionente la falta de originalidad que hay en lo que propone. Es cierto que llego habiendo leido el libro original, el videojuego, varios animes/pelis inspiradas por ella... pero las nuevas cosas que propone, me gustan, pero sin alardes. Probablemente sea Armitage III la cosa que mas elementos tuvo que he visto retomados aqui, y es de mediados de los 90. No he podido evitar pensar en cosas asi durante el visionado bastantes veces.

El resultado es notable y una buena secuela. Pero les ha faltado rematarla del todo.

Nota: 8.5

Timecop (Peter Hyams, 1994)



Esta la vi en el cine -casi seguro que en enero de 1995-, me gustó, la vi varias veces después en casa y me la sé de cabo a rabo. Vista ahora no puedo decir que haya perdido mucho (veo que tengo un 5 en FilmAffinity, y lo puse en marzo de 2010), no es que sea gran cosa, pero tiene cierto empaque y además trata el tema temporal con un acierto y sin demasiadas chorradas.

Fue un relativo éxito (Van Damme nunca fue Stallone o Schwarzenegger) en 1994-1995. Un policía viudo, aún hecho polvo tras lo ocurrido, trabaja en 2004 en una división encargada de vigilar viajes en el tiempo ilegales, yendo al momento en el que alguien pretende cambiar algo (normalmente queriendo sacar tajada de ello) y impidiéndolo. En uno de los viajes se ve implicado con un senador corrupto que está usando los viajes temporales para financiar su campaña para Presidente de los Estados Unidos. De paso, Max Walker, el protagonista, tiene una oportunidad de cambiar el pasado y salvar a su mujer. Está basado en un cómic cuyos autores producen/escriben la película. Sam Raimi estaba también en ella como productor.

Destaco, de entrada, la escena inicial, corta pero que te casca la premisa de forma inmediata:



Lo que me gusta es el uso conceptual de esa idea. Cuando en el subforo de series comentamos El Ministerio del Tiempo suelo citar mucho Timecop: en la serie española lo que hacen es muy similar, esto es, vigilar el tiempo. Ok. Sin embargo siempre son hechos la hostia de históricos (por ej: ocurre algo que hará que Cervantes no escriba el Quijote) y cuando viajan para que todo suceda como siempre sucedió resulta que son los del Ministerio del Tiempo los que lo hacen posible. Porque pocas veces esa alarma inicial sucede porque un viajero del presente viaja de forma ilegal sino porque en el año X, las cosas suceden de otras forma. Así que los hechos que conocemos como históricos siempre fueron paridos por los del Ministerio del Tiempo. Lo cual tiene su gracia (bucle temporal?) pero no creo que fuera la idea de la serie.

En Timecop la tecnología que usan les avisa de cuando se ha iniciado un cambio temporal en el pasado y tienen un margen entre ello y que se ancle defintivamente en el tiempo. Con eso evitan que el presente esté siempre cambiando. Ese margen que se dan (que según la gravedad les da más o menos tiempo) impide que por el simple hecho de viajar al pasado a, por ejemplo, matar al padre del jefe de policia, este no fallezca o desaparezca en ese mismo momento en el presente. En El Ministerio del Tiempo, por supuesto, eso se lo pasan por el....

Y por supuesto, en una misión a 1994, cuando se cambian los hechos, Walker regresa a un 2004 cambiado. Eso indica que la película usa el sistema de una sola línea temporal que se reescribe, sin bucles ni universos alternativos. El problema lo veo en la secuencia inicial. Según el film, los hechos se suceden con Walker y Melissa llegando vivos a 2004, McComb manda matar a Walker cuando era un policía desconocido, en 1994, pero sólo consigue matar a Melissa, dejando a Walker vivo y viudo hasta 2004. Eso justificaría porque McComb habla de esa forma con Walker en la visita a las instalaciones. Cuando Walker tiene que acudir a 1994 en una misión, cambia todo, y vuelve de nuevo a 1994, puede salvar a Melissa y a si mismo. Que regrese a un 2004 en el que es el mismo Walker que dejó atrás prueba que no hay universos alternativos. Otro tema es que, para que fiese redondo, Melissa debería saber que ese Walker es ya el que la visitó en 1994.

El tema es que la primera vez que vemos a Melissa, en 1994, con el Walker de 1994, en el centro comercial, parece la misma, y la misma escena, que más tarde cuando ya ha hablado con el Walker del futuro. Así pues debemos suponer que hubo un primer viaje de Walker de 2004 a 1994 avisando a Melissa pero todo salió mal? Qué sucedió con ese Walker? Si el propio Walker afirma que hubo una primera versión en que nadie les quería asesinar y ahora lo está arreglando, entonces la versión intermedia, con Melissa muerta y Walker vivo, también es producto de un viaje pero, insisto, que ocurrió con el Walker del futuro entonces?

Vale, ya lo dejo

No es que sea muy fan de Van Damme. Sus limitaciones actorales no es que molesten en este film pero sí todas las chorradas que debía hacer: la patada estática en el centro comercial; apertura de piernas de forma totalmente random (es decir, no, pero sí) en dos escenas y cierta imagen ruda, cutre, que no me va pero bueno. Por contra tenemos a Mia Sara, una actriz muy plausible en su aspecto e interpretación. Siempre me gustó. Y dos actores sólidos como Ron Silver y Bruce McGill, amen de una Gloria Reuben que por entonces yo conocía de Urgencias/E.R.

Tampoco entiendo el exagerado diseño de 2004. Joder, que son sólo 10 años y nos ponen coches futuristas automatizados, casas también con todo automatizado/inteligencia central etc Por entonces existía la barrera del 2000 que ciertamente hacía que pensar en X año con un 2 delante fuera muy futurista pero es muy exagerado. Como el cambio de Walker y McComb en esos 10 años. Los tópicos de la policía, de Max-Melissa (y el niño... ) no me importan porque le dan al film la ligereza que requiere en esos aspectos.

Por cierto: la escena de 2004 en la que Walker regresa a su casa y rememora un vídeo de 1994 se parece a algo muy similar a Minority Report, eh!

De Preminger, aparte de tres -excelentes- citadas (Laura, Anatomía de un asesinato y la de Bunny Lake) sólo he visto otras tres: la también magnífica y osada para su época (le incitaba la polémica a este realizador, al parecer) Tempestad sobre Washington, con la política americana y la homosexualidad como temas estrella; Éxodo, sobre la creación del Estado de Israel, es, en cambio, aburridota (no por él y su labor de dirección como causa, pero es que el guión no me interesó demasiado, al menos cuando la vi, hace ya tiempo); y Rosebud, sobre el secuestro de unas chicas por el terrorismo árabe, que tiene muy mala prensa, por lo que he visto, pero a mi me pareció una película interesante (la nota final, de pesimismo anticipatorio, me recordó en cierta manera, a la del Munich spielberiano)

DARK COMMAND (1940, MANDO SINIESTRO) de Raoul Walsh.



Republic Pictures Corp.

Segundo western del gran Raoul Walsh (1887-1980) tras el espectacular THE BIG TRAIL (1930, LA GRAN JORNADA) que ya tuve oportunidad de comentar aquí mismo (https://www.mundodvd.com/las-ultimas...6/#post4128897), DARK COMMAND se convertiría en la película más cara (750.000 dólares) de la modesta Republic hasta la fecha dado que el presidente de la misma, Herbert J. Yates, tuvo que pedir prestados a otras compañías al director y a dos de los tres protagonistas (Claire Trevor (que ya había hecho pareja con John Wayne en la mítica STAGECOACH (1939, LA DILIGENCIA)) y Walter Pidgeon), cantidad que el estudio recuperaría con creces al ser su película más taquillera hasta la fecha. [Inciso: Los enormes beneficios conseguidos por la compañía a finales de la Segunda Guerra Mundial harían cambiar la política de estrenos del estudio, logrando atraer a grandes directores como Frank Borzage (MOONRISE (1948)), Allan Dwan (SANDS OF IWO JIMA (1949, ARENAS SANGRIENTAS)), John Ford (RIO GRANDE (1950, RÍO GRANDE), THE QUIET MAN (1952, EL HOMBRE TRANQUILO), THE SUN SHINES BRIGHT (1953)), Fritz Lang (HOUSE BY THE RIVER (1950)), Lewis Milestone (THE RED PONY (1949)) u Orson Welles (MACBETH (1948)) que darían gran prestigio al estudio (aunque también es cierto reconocer que estas producciones "de prestigio" rara vez resultaban rentables)].

La historia comienza en 1859 en la ciudad de Lawrence, en el estado de Kansas, dos años antes del inicio de la Guerra de Secesión (1861-65) y narra las correrías del tristemente famoso William Clarke Quantrill (aquí llamado Cantrell (sic)), interpretado por el impecable Walter Pidgeon, un maestro de escuela (enamorado de la hija del banquero de la ciudad (encarnado por una efusiva Claire Trevor)), culto y elegante y que tras perder en las elecciones a marshal frente al recien llegado Bob Seton (un ya emergente John Wayne), un hombre honrado pero que no sabe leer ni escribir y que, además, le roba al objeto de su amor, se convierte en el jefe de una banda de forajidos que, actuando bajo la bandera confederada, asolaron el territorio y cuyo episodio más tristemente célebre fue la quema de la citada ciudad y la muerte de más de 150 civiles (aspecto éste, obviado por la película, donde las fuerzas comandadas por el marshal Seton logran frenar la amenaza de Cantrell y acabar con su vida).

Un guión no muy solvente escrito a seis manos y basado en el libro del famoso autor de novela negra W. R. Burnett es llevado con buen pulso por el maestro Walsh que contó con el apoyo de un productor tan interesante como Sol C. Siegel (que llegaría a ser vicepresidente (a cargo de la producción) de MGM); una contrastada fotografía en b/n de Jack Marta; una banda sonora exquisita del gran Victor Young (uno de mis músicos favoritos del Hollywood clásico) y un grupo de conocidos rostros en los papeles secundarios (entre los que destacan el característico George "Gaby" Hayes y la futura estrella del western Roy Rogers).

Y ya se atisban esbozos de personajes que en un futuro tendrán una importancia capital en la obra del director, como es la madre de Cantrell, interpretada por la gran Marjorie Main (aquí, contraria a los hechos de los que su hijo es responsable) que parecen presagiar a la colosal Ma Jarrett de WHITE HEAT (1949, AL ROJO VIVO), la obra cumbre del género de gangsters, con un Cody Jarrett en la cima del mundo...

Y esa referencia final a Shakespeare, escritor por que Walsh sentía especial devoción, como demostraría más adelante introduciendo sus temas en alguna de sus mejores películas.







Felices sueños.

Hacia tiempo que tenía pendiente una película de un género que me encanta como es el de aventuras. "El hombre que pudo reinar" es una cinta de aventuras clásica y rodada con muy buen gusto por John Huston, con dos personajes unidos por una gran amistad que se disponen a realizar un viaje insólito en busca de riquezas.

La pareja Connery-Caine está espléndida, están los dos fantásticos, aunque creo que el personaje de Caine tiene los mejores momentos y frases... ostras de la china!! La historia en sí creo que es muy típica, pero es tan entretenida que se disfruta mucho, todo rodado en localizaciones reales claro, y eso a día de hoy es gratificante. Además también está un joven Christopher Plummer, que su papel no es muy largo también está muy bien.

Iniciado por Narmer

Hacia tiempo que tenía pendiente una película de un género que me encanta como es el de aventuras. "El hombre que pudo reinar" es una cinta de aventuras clásica y rodada con muy buen gusto por John Huston, con dos personajes unidos por una gran amistad que se disponen a realizar un viaje insólito en busca de riquezas.

La pareja Connery-Caine está espléndida, están los dos fantásticos, aunque creo que el personaje de Caine tiene los mejores momentos y frases... ostras de la china!! La historia en sí creo que es muy típica, pero es tan entretenida que se disfruta mucho, todo rodado en localizaciones reales claro, y eso a día de hoy es gratificante. Además también está un joven Christopher Plummer, que su papel no es muy largo también está muy bien.

Para mi gusto personal en 1975 se estrenaron las tres últimas obras maestras del género de aventuras:

- THE MAN WHO WOULD BE KING (1975, EL HOMBRE QUE PUDO REINAR) de John Huston

- THE WIND AND THE LION (1975, EL VIENTO Y EL LEÓN) de John Milius

- JAWS (1975, TIBURÓN) de Steven Spielberg

Casualmente, las dos primeras protagonizadas por Sean Connery (que también sería cabeza de cartel en otra (cuasi)pieza maestra al año siguiente como fue ROBIN AND MARIAN (1976, ROBIN Y MARIAN) de Richard Lester, con la exquisita Audrey Hepburn).

Macbeth (2015).

Muchos son los grandes cineastas que se han aproximado a esta absorbente e inmortal historia de ambición, asesinatos, traición y pasiones desatadas. Orson Welles, Kurosawa (cuya versión estoy por decir que es la mejor), Polanski... Cada uno, intentando innovar dentro de lo posible y dar su propia visión de la historia, acorde con la época en que le ha tocado vivir.

Desgraciadamente, nos ha tocado vivir en una época muy sosita y muy mediocre, muy políticamente correcta, en la cual, todo parece ya inventado, y sin embargo, es obligatorio hacerse el moderno. Macbeth (un Michael Fassbender que -lo siento, Campanilla- no me transmite gran cosa) lleva los ojos pintados a lo Miguel Bosé, y se pasea por ahí descalzo y con un camisón mugriento; Lady Macbeth (una Marion Cotillard que a la postre, se me antoja lo mejor del conjunto, lo cual tampoco es que sea gran cosa), lleva los ojos pintados a lo Blade Runner y collares de albercana; las tres horripilantes brujas son tres buenas señoras inglesas con pinta de hippies maduras de ésas que se pasan el día haciendo colchas de patchwork y té chai, y así todo por el mismo jaez. Me ha gustado lo justito: introduce algunos cambios discutibles en el venerable texto original y una ambientación sosota y modernilla, entre cruda y minimalista, a lo capítulo de Vikingos, gótico revisitado vía Ikea, lo que significa que veremos escoceses con la cara pintada a lo Brave Heart y escocesas como vestidas de ansotanas intercalados con personajes de apariencia japonizante. Mucho monólogo interior recitado con la pasión de un analista leyendo las cotizaciones de la bolsa. Mucho plano larguísimo de paisaje desolado. Mucha escena de primeros planos de actores con la mirada perdida donde no sucede nada, como intentando vagamente imitar algo de Bergmann. La música consiste en una serie de chirridos y lamentos inacabables, vagamente folk, que hace pensar en alguien muy deprimido jugando con los samples de algún disco de música celta de ésos que hace años vendían en el Natura.

Tirando a aburrida. Pese a ser una de las obras más cortas de Shakespeare, se hace aquí larga... Dirige Justin Kurzel con más pretensiones que resultados. Producen los hoy denostados hermanos Weinstein (soy feminista como quien más, pero empiezo a pensar que el Me too se está saliendo de madre).