Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Tengo la película de Bakshi muy enterrada en mi memoria , pero, en mi caso, creo que esa estética psicodélica-setentera me echaba un poco para atrás, cuando no me estorbaba.

Creo haber leído por algún sitio que en algún momento pensó en los Beatles para doblar a los Hobbits . John Boorman fue otro de los que quiso llevar la obra de Tolkien al cine por esa misma época, pero el guión que había pensado, lleno de sexo y violencia, acabó por echar atrás a los herederos de Tolkien, que no dieron el visto bueno. Al final se desquitó haciendo Excalibur.

Edito: veo que el que quería hacer un Señor de los Anillos con los de Liverpool era nada menos que Stanley Kubrick . Parece que poco antes, los de Disney también se quisieron hacer con los derechos, pero los hijos de Tolkien no aprobaron tampoco su versión de la historia porque querían meter demasiados cambios respecto del material original.

Hace muchisimo tiempo que no veo esa version de LOTR,recuerdo que la primera vez que la vi quizas con 13 o 14 años me enfurecio,no por que no me gustara,si no por los recortes,deberia durar minimo una horita mas.

una pelicula de animacion del estilo Fantasia y Espada que me gustaba mucho es Tygra Hielo y Fuego,
pero tambien hace una cantidad de años enorme que no la he vuelto a videar...asi que no se como habra envejecido.
saludos.

Iniciado por Jane Olsen

Tengo la película de Bakshi muy enterrada en mi memoria , pero, en mi caso, creo que esa estética psicodélica-setentera me echaba un poco para atrás, cuando no me estorbaba.

Creo haber leído por algún sitio que en algún momento pensó en los Beatles para doblar a los Hobbits . John Boorman fue otro de los que quiso llevar la obra de Tolkien al cine por esa misma época, pero el guión que había pensado, lleno de sexo y violencia, acabó por echar atrás a los herederos de Tolkien, que no dieron el visto bueno. Al final se desquitó haciendo Excalibur.

Edito: veo que el que quería hacer un Señor de los Anillos con los de Liverpool era nada menos que Stanley Kubrick . Parece que poco antes, los de Disney también se quisieron hacer con los derechos, pero los hijos de Tolkien no aprobaron tampoco su versión de la historia porque querían meter demasiados cambios respecto del material original.

Hay que tener en cuenta que hasta la revolución producida por los efectos especiales creados por ordenador la posibilidad de ver en imagen real la (falsa) trilogía de Tolkien era totalmente inviable.

Aunque como comento alguna de las decisiones de puesta en escena puedan ser erróneas (pero son sus decisiones, nos gusten o no) en general es una adaptación bastante fiel (epidérmica si se quiere, hubiera necesitado mucho más metraje (véase la versión de Peter Jackson)) pero que mantiene el encanto de la animación hecha a mano.

Y en cuanto el tema de The Beatles, pese a ser un fan absoluto del cuarteto de Liverpool, no quiero ni imaginarme lo que podría haber salido de semejante adaptación...

Quién sabe. O acaso material para el hilo ése de las películas que nunca se hicieron que empezó Mizoguchi ...

Hay muchas obras literarias que, pese a tener momentos muy cinematográficos, son difícilmente adaptables por diversas razones. Así de pronto se me ocurren El sueño de Polifilo, La Divina Comedia, El Paraíso Perdido (de la que había por ahí un proyecto con Alex Proyas que parece que finalmente se ha caído), o sin ir más lejos, Frankenstein (tentada estoy de creer que nunca veremos una adaptación de las andanzas de ésos dos a la altura de la novela).

THE DARK TOWER (2017, LA TORRE OSCURA), co-escrita y dirigida por Nikolaj Arcel.



[El Hombre de Negro huía a través del desierto, y el Pistolero iba en pos de él]

Si hablabamos de fidelidad en lo referido a Tolkien en el comentario anterior, la adaptación a la gran pantalla de la "magnum opus" de Stephen King (al menos eso es lo que él dice, no soy yo quien se lo vaya a rebatir) ha puesto en pie de guerra a buena parte de sus más acérrimos seguidores, pese a contar con el beneplácito del propio autor como se puede observar en los extras que acompañan a la edición en BD.

Siendo yo uno de los no pasó de la lectura del primero (THE DARK TOWER: THE GUNSLINGER (1982), traducido aquí, por primera vez, como LA TORRE OSCURA/1: LA HIERBA DEL DIABLO (1989)) de los ocho volúmenes de que consta la serie, es de agradecer la colosal labor de síntesis llegada a cabo tanto por los guionistas (entre los que se encuentra el propio director) como la exhaustiva labor de poda en el metraje, dejando el montaje final en unos escuetos 94 minutos (¡estamos hablando de una obra de más de 4.000 páginas!) lo cual hace de su visionado una experiencia notablemente liviana y, probablemente por lo mismo, rápidamente olvidable.



Primera edición norteamericana (1982)

Para la elaboración de su obra King tomó elementos de la mencionada obra de Tolkien (si allí hay una Tierra Media aquí se habla de un Mundo Medio; si allí había un Señor Oscuro aquí tenemos el Hombre de Negro; si allí la misión era destruir el Anillo Único aquí la misión es salvar la Torre Oscura) y de los westers de Sergio Leone (el Pistolero es un émulo del Hombre Sin Nombre encarnado por un hierático Clint Eastwood) además de elementos de la leyenda artúrica (los Pistoleros vienen a ser los Caballeros de la Mesa Redonda, protectores de los débiles y defensores del orden frente al caos) y además incluyó numerosas referencias a otras obras suyas (el niño protagonista (Jake Chambers, interpretado por notable Tom Taylor (toda una revelación)) tiene el mismo don que el niño de EL RESPLANDOR).

Un espectáculo visual en el que prima la acción sobre la reflexión y que cuenta con un buen reparto: Idris Elba (como el Pistolero) y Matthew McConaughey (como el (socarrón) Hombre de Negro). Curioso: un enfrentamiento entre un negro (que va vestido de negro) y un blanco (que va vestido también (como bien indica su apodo) de negro). Demasiada similutud cromática. Por cierto, que en la novela el personaje del Pistolero lo encarnaba un blanco (y no iba vestido de negro). Tiempos de corrección política.

Como decía un entretenimiento sin más en una edición impecable en cuanto a imagen y sonido. Y con atractivos extras que ayudan a complementar su visionado.

Vosotros mismos.

Iniciado por Jane Olsen

Quién sabe. O acaso material para el hilo ése de las películas que nunca se hicieron que empezó Mizoguchi ...

Hay muchas obras literarias que, pese a tener momentos muy cinematográficos, son difícilmente adaptables por diversas razones. Así de pronto se me ocurren El sueño de Polifilo, La Divina Comedia, El Paraíso Perdido (de la que había por ahí un proyecto con Alex Proyas que parece que finalmente se ha caído), o sin ir más lejos, Frankenstein (tentada estoy de creer que nunca veremos una adaptación de las andanzas de ésos dos a la altura de la novela).

Aunque he leído varias veces el DRÁCULA de Bram Stoker (novela de la que ya tengo 3 (¡!) ediciones) reconozco que todavía no he catado la obra de Mary Shelley (estoy esperando como agua de mayo la edición anotada de Akal de la mano del estudioso Leslie S. Klinger que está al caer) pero ya sabes, querida amiga Olsen, que soy un gran fan de la pentalogía de Terry Fisher para la Hammer (léase THE CURSE OF FRANKENSTEIN (1957, LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN), THE REVENGE OF FRANKENSTEIN (1958), FRANKENSTEIN CREATED WOMAN (1967), FRANKENSTEIN MUST BE DESTROYED (1969, EL CEREBRO DE FRANKENSTEIN) y FRANKENSTEIN AND THE MONSTER FROM HELL (1974)) así como, por supuesto, el díptico de James Whale FRANKENSTEIN (1931, EL DOCTOR FRANKENSTEIN) y BRIDE OF FRANKENSTEIN (1935, LA NOVIA DE FRANKENSTEIN) que podríamos extender a SON OF FRANKENSTEIN (1939, LA SOMBRA DE FRANKENSTEIN) del siempre interesante Rowland V. Lee.

"El maestro del agua" de Russell Crowe, con Russell Crowe y Olga Kurylenko. Un granjero australiano, con habilidades de zahorí, tras morir su esposa marcha a Turquía para buscar a sus tres hijos fallecidos en la batalla de Galipoli. El ejército británico le ayuda en su busqueda, mientras se hospeda en un hotel donde entabla amistad con la encargada del local. Debut de Crowe como director que se queda en una historia romántica cuando podía haber dado más juego.

La bellísima Olga Kurylenko...

Spoiler:

Iniciado por Alcaudón

THE DARK TOWER (2017, LA TORRE OSCURA), co-escrita y dirigida por Nikolaj Arcel.



[El Hombre de Negro huía a través del desierto, y el Pistolero iba en pos de él]

Si hablabamos de fidelidad en lo referido a Tolkien en el comentario anterior, la adaptación a la gran pantalla de la "magnum opus" de Stephen King (al menos eso es lo que él dice, no soy yo quien se lo vaya a rebatir) ha puesto en pie de guerra a buena parte de sus más acérrimos seguidores, pese a contar con el beneplácito del propio autor como se puede observar en los extras que acompañan a la edición en BD.

Siendo yo uno de los no pasó de la lectura del primero (THE DARK TOWER: THE GUNSLINGER (1982), traducido aquí, por primera vez, como LA TORRE OSCURA/1: LA HIERBA DEL DIABLO (1989)) de los ocho volúmenes de que consta la serie, es de agradecer la colosal labor de síntesis llegada a cabo tanto por los guionistas (entre los que se encuentra el propio director) como la exhaustiva labor de poda en el metraje, dejando el montaje final en unos escuetos 94 minutos (¡estamos hablando de una obra de más de 4.000 páginas!) lo cual hace de su visionado una experiencia notablemente liviana y, probablemente por lo mismo, rápidamente olvidable.



Primera edición norteamericana (1982)

Para la elaboración de su obra King tomó elementos de la mencionada obra de Tolkien (si allí hay una Tierra Media aquí se habla de un Mundo Medio; si allí había un Señor Oscuro aquí tenemos el Hombre de Negro; si allí la misión era destruir el Anillo Único aquí la misión es salvar la Torre Oscura) y de los westers de Sergio Leone (el Pistolero es un émulo del Hombre Sin Nombre encarnado por un hierático Clint Eastwood) además de elementos de la leyenda artúrica (los Pistoleros vienen a ser los Caballeros de la Mesa Redonda, protectores de los débiles y defensores del orden frente al caos) y además incluyó numerosas referencias a otras obras suyas (el niño protagonista (Jake Chambers, interpretado por notable Tom Taylor (toda una revelación)) tiene el mismo don que el niño de EL RESPLANDOR).

Un espectáculo visual en el que prima la acción sobre la reflexión y que cuenta con un buen reparto: Idris Elba (como el Pistolero) y Matthew McConaughey (como el (socarrón) Hombre de Negro). Curioso: un enfrentamiento entre un negro (que va vestido de negro) y un blanco (que va vestido también (como bien indica su apodo) de negro). Demasiada similutud cromática. Por cierto, que en la novela el personaje del Pistolero lo encarnaba un blanco (y no iba vestido de negro). Tiempos de corrección política.

Como decía un entretenimiento sin más en una edición impecable en cuanto a imagen y sonido. Y con atractivos extras que ayudan a complementar su visionado.

Vosotros mismos.

Eres demasiado bueno en la valoración de éste film, el film es insostenible, no he leído el libro y no creo que lo haga, para mi, llegamos a un punto que el mero echo de entretener ya no me vale, y a veces la premisa: mucha acción = entretenimiento, no sirve, y éste film es una muestra, a los 20-25 minutos ya se ve que el film no irá a ningún lugar, nunca un film se me ha hecho tan largo, si me preguntaran dime algo bueno del film, no sabría decir, ya que sólo faltaría que no tuviera buena calidad de imagen, esto no sería una calidad en el cine moderno, es una obligación.

Buenos días por cierto

Fin de semana con mucho cine y muy contrastado:
Los cuentos de Hoffmann, de Michael Powell y Emeric Pressburger. Adaptación cinematográfica de la ópera de Jacques Offenbach sobre relatos de E.T.A. Hoffmann. Vista en la maravillosa edición restaurada por la fundación de Martin Scorsese y publicada por A Contracorriente. Un placer para los sentidos, de una belleza visual desbordante y una imaginación en la puesta en escena, en los decorados, en las coreografías e incluso en las interpretaciones, fabulosa. La película se estructura en un prólogo, tres cuentos (que en la ópera y en la película protagoniza el propio Hoffmann) y un epílogo. El primer cuento es la adaptación de “El hombre de arena”, donde Hoffmann (el tenor Robert Rounseville) se enamora de una autómata (Olympia, interpretada por Moira Shearer); el segundo, de “El reflejo perdido”, una fantasía veneciana, en la que Hoffmann pierde su reflejo como consecuencia de las malas artes del mago Dapertutto y de la cortesana Giulietta (Ludmilla Tchérina); y el tercero, de “El violín de Cremona”, en que la cantante tuberculosa Antonia (la soprano Ann Ayars), alejada del mundo en una isla del Egeo que recuerda la isla de los muertos de Arnold Blöcklin, y bajo el influjo del draculiano Dr.Miracle (un espléndido Robert Helpmann, que también es Coppelius en el primer cuento y Dapertutto en el segundo), se arriesga a morir si continúa cantando. Hoffmann cuenta los tres relatos como ilustración de su mal de amores, de sus fracasos sentimentales. Imprescindible.



Wind River, de Taylor Sheridan (guionista también de Comanchería y Sicario). Un notable thriller “bajo la nieve”. La aparición del cadáver de una chica descalza en medio del paisaje nevado de la reserva india de Wind River pone en marcha una investigación que conduce una agente del FBI (Elizabeth Olsen), ayudada por la policía de la reserva y un cazador del departamento de Caza y Pesca (Jeremy Renner). Sobria producción, mantiene el pulso durante todo el metraje hasta su tensa resolución. Sheridan parece que se perfila como un director a seguir.

Me quedé con ganas de más thriller sobre la nieve y revisé Affliction, uno de los mejores sino el mejor film de Paul Schrader, que en esta ocasión adapta una novela de Russell Banks. El elemento criminal se centra en la muerte, accidental o no, de un importante sindicalista de caza en la zona. El protagonista, Wade (un espléndido Nick Nolte), policía local, sospecha de su colega, mientras su vida privada y profesional se desmorona: muerte de la madre; enfrentamiento con un padre violento (un magnífico James Coburn); separado, tiene problemas con la custodia de su hija; relación incipiente con Margie (Sissy Spacek), pero conflictiva; y un tremebundo dolor de muelas que lo lleva hasta casi la locura.

Rio Conchos, western “crepuscular” de Gordon Douglas, en que la mítica del Far West ya no da para héroes, sino solo para seres violentos, marcados por el odio y el deseo de venganza: de sureños contra yanquis; de blancos contra apaches, etc. El protagonista, Lassiter (Richard Boone), antiguo oficial de la Confederación, se nos presenta en la primera secuencia masacrando un grupo de indios que están enterrando un cuerpo. Con esa carta de presentación, poca simpatía nos va a permitir sentir por él. Tampoco el resto de protagonistas: un criminal que está en prisión (Tony Franciosa); dos militares yanquis (Stuart Whitman y Jim Brown); y una apache (Wende Wagner) que recogen en el camino, han de transportar un cargamento de pólvora para destruir unos modernos rifles que está vendiendo Pardee (Edmond O’Brien), un coronel de la Confederación que parece querer recomponer en México un ejército sureño en colaboración con los apaches. Film violento (hay una dura escena de tortura en la que Boone, Whitman y Brown son arrastrados por caballos), sucio, desmitificador, lo podría haber firmado quizá Robert Aldrich. Uno de los guionistas, Clair Huffaker, lo es también de Los comancheros o Ataque al carro blindado. Lástima que la edición que he visto, de Impulso, no respeta el formato: recorta el scope a 1,85:1.



Y para acabar, la cuota silente: Varieté, de Ewald André Dupont. Espléndido melodrama, que más allá de su argumento un tanto folletinesco, destaca por la imaginación desbordante de su director a la hora de filmarlo. Un feriante de Hamburgo, Boss (Emil Jannings, en una de sus poderosas interpretaciones) acoge en su carromato a una chica huérfana, procedente de algún país oriental (una seductora Lya de Putti), ante el escándalo creciente de su mujer.



Pero Boss decidirá dejar mujer e hijo y huir con la muchacha a Berlín y recuperar su anterior oficio de trapecista. Allí, un trapecista de fama mundial, Artinelli (Warwick Ward), que ha perdido a su compañero de número, los contrata para trabajar en un espectáculo de categoría, pero pronto surge la atracción de Artinelli por la chica y el triángulo amoroso estalla, con fatales consecuencias. Más allá de la trama, con final moralizante como acostumbraba a ser en estos casos (y aún hoy en día), el mérito del film está en el repertorio de elementos visuales puestos en juego: iluminación, movimientos de cámara, montaje, decorados (el teatro, la feria, el parque de atracciones, ambientes tan habituales en el cine de los años 20). Film a recuperar en una excelente restauración que edita Eureka (por cierto, de 95 minutos, no esos 112 que indica imdb). La película mantiene un tono sepia durante todo el metraje.

Iniciado por Alcaudón

Aunque he leído varias veces el DRÁCULA de Bram Stoker (novela de la que ya tengo 3 (¡!) ediciones) reconozco que todavía no he catado la obra de Mary Shelley (estoy esperando como agua de mayo la edición anotada de Akal de la mano del estudioso Leslie S. Klinger que está al caer) pero ya sabes, querida amiga Olsen, que soy un gran fan de la pentalogía de Terry Fisher para la Hammer (léase THE CURSE OF FRANKENSTEIN (1957, LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN), THE REVENGE OF FRANKENSTEIN (1958), FRANKENSTEIN CREATED WOMAN (1967), FRANKENSTEIN MUST BE DESTROYED (1969, EL CEREBRO DE FRANKENSTEIN) y FRANKENSTEIN AND THE MONSTER FROM HELL (1974)) así como, por supuesto, el díptico de James Whale FRANKENSTEIN (1931, EL DOCTOR FRANKENSTEIN) y BRIDE OF FRANKENSTEIN (1935, LA NOVIA DE FRANKENSTEIN) que podríamos extender a SON OF FRANKENSTEIN (1939, LA SOMBRA DE FRANKENSTEIN) del siempre interesante Rowland V. Lee.

Los Franken de la Hammer (sobre todo, las primeras) están chulos, lo que pasa es que -desde mi punto de vista, claro está- se quedan un poco cojos, y se limitan a presentarte un Doctor Frankenstein que es una suerte de Capitán Ahab de la ciencia, dejándose muchos matices del personaje y muchas de las implicaciones y posibles lecturas por el camino. El fallo más gordo es, a mi entender, que el personaje del Monstruo, que es también muy atractivo y carismático y tiene mucho que decir, lo pasan totalmente por alto.

En lo tocante a los de la Universal... lo siento, pero en lo que a mí respecta, la saga acabó con La novia de Frankenstein. Todo lo que vino después fue desvirtuar los personajes originales y marear la perdiz .

Iniciado por mad dog earle

Fin de semana con mucho cine y muy contrastado:
Los cuentos de Hoffmann, de Michael Powell y Emeric Pressburger. Adaptación cinematográfica de la ópera de Jacques Offenbach sobre relatos de E.T.A. Hoffmann. Vista en la maravillosa edición restaurada por la fundación de Martin Scorsese y publicada por A Contracorriente. Un placer para los sentidos, de una belleza visual desbordante y una imaginación en la puesta en escena, en los decorados, en las coreografías e incluso en las interpretaciones, fabulosa. La película se estructura en un prólogo, tres cuentos (que en la ópera y en la película protagoniza el propio Hoffmann) y un epílogo. El primer cuento es la adaptación de “El hombre de arena”, donde Hoffmann (el tenor Robert Rounseville) se enamora de una autómata (Olympia, interpretada por Moira Shearer); el segundo, de “El reflejo perdido”, una fantasía veneciana, en la que Hoffmann pierde su reflejo como consecuencia de las malas artes del mago Dapertutto y de la cortesana Giulietta (Ludmilla Tchérina); y el tercero, de “El violín de Cremona”, en que la cantante tuberculosa Antonia (la soprano Ann Ayars), alejada del mundo en una isla del Egeo que recuerda la isla de los muertos de Arnold Blöcklin, y bajo el influjo del draculiano Dr.Miracle (un espléndido Robert Helpmann, que también es Coppelius en el primer cuento y Dapertutto en el segundo), se arriesga a morir si continúa cantando. Hoffmann cuenta los tres relatos como ilustración de su mal de amores, de sus fracasos sentimentales. Imprescindible.



Wind River, de Taylor Sheridan (guionista también de Comanchería y Sicario). Un notable thriller “bajo la nieve”. La aparición del cadáver de una chica descalza en medio del paisaje nevado de la reserva india de Wind River pone en marcha una investigación que conduce una agente del FBI (Elizabeth Olsen), ayudada por la policía de la reserva y un cazador del departamento de Caza y Pesca (Jeremy Renner). Sobria producción, mantiene el pulso durante todo el metraje hasta su tensa resolución. Sheridan parece que se perfila como un director a seguir.

Me quedé con ganas de más thriller sobre la nieve y revisé Affliction, uno de los mejores sino el mejor film de Paul Schrader, que en esta ocasión adapta una novela de Russell Banks. El elemento criminal se centra en la muerte, accidental o no, de un importante sindicalista de caza en la zona. El protagonista, Wade (un espléndido Nick Nolte), policía local, sospecha de su colega, mientras su vida privada y profesional se desmorona: muerte de la madre; enfrentamiento con un padre violento (un magnífico James Coburn); separado, tiene problemas con la custodia de su hija; relación incipiente con Margie (Sissy Spacek), pero conflictiva; y un tremebundo dolor de muelas que lo lleva hasta casi la locura.

Rio Conchos, western “crepuscular” de Gordon Douglas, en que la mítica del Far West ya no da para héroes, sino solo para seres violentos, marcados por el odio y el deseo de venganza: de sureños contra yanquis; de blancos contra apaches, etc. El protagonista, Lassiter (Richard Boone), antiguo oficial de la Confederación, se nos presenta en la primera secuencia masacrando un grupo de indios que están enterrando un cuerpo. Con esa carta de presentación, poca simpatía nos va a permitir sentir por él. Tampoco el resto de protagonistas: un criminal que está en prisión (Tony Franciosa); dos militares yanquis (Stuart Whitman y Jim Brown); y una apache (Wende Wagner) que recogen en el camino, han de transportar un cargamento de pólvora para destruir unos modernos rifles que está vendiendo Pardee (Edmond O’Brien), un coronel de la Confederación que parece querer recomponer en México un ejército sureño en colaboración con los apaches. Film violento (hay una dura escena de tortura en la que Boone, Whitman y Brown son arrastrados por caballos), sucio, desmitificador, lo podría haber firmado quizá Robert Aldrich. Uno de los guionistas, Clair Huffaker, lo es también de Los comancheros o Ataque al carro blindado. Lástima que la edición que he visto, de Impulso, no respeta el formato: recorta el scope a 1,85:1.



Y para acabar, la cuota silente: Varieté, de Ewald André Dupont. Espléndido melodrama, que más allá de su argumento un tanto folletinesco, destaca por la imaginación desbordante de su director a la hora de filmarlo. Un feriante de Hamburgo, Boss (Emil Jannings, en una de sus poderosas interpretaciones) acoge en su carromato a una chica huérfana, procedente de algún país oriental (una seductora Lya de Putti), ante el escándalo creciente de su mujer.



Pero Boss decidirá dejar mujer e hijo y huir con la muchacha a Berlín y recuperar su anterior oficio de trapecista. Allí, un trapecista de fama mundial, Artinelli (Warwick Ward), que ha perdido a su compañero de número, los contrata para trabajar en un espectáculo de categoría, pero pronto surge la atracción de Artinelli por la chica y el triángulo amoroso estalla, con fatales consecuencias. Más allá de la trama, con final moralizante como acostumbraba a ser en estos casos (y aún hoy en día), el mérito del film está en el repertorio de elementos visuales puestos en juego: iluminación, movimientos de cámara, montaje, decorados (el teatro, la feria, el parque de atracciones, ambientes tan habituales en el cine de los años 20). Film a recuperar en una excelente restauración que edita Eureka (por cierto, de 95 minutos, no esos 112 que indica imdb). La película mantiene un tono sepia durante todo el metraje.

Varieté y Los cuentos de Hoffmann las tengo en el montón (bastante abultado ) de las pendientes.

Para mí, me temo, Robert Helpmann será siempre el (falso) chino con la voz de Alfredo Landa :

¡Natia! ¡Uta! ¡Pio!

...

Iniciado por mad dog earle

Fin de semana con mucho cine y muy contrastado:
Los cuentos de Hoffmann, de Michael Powell y Emeric Pressburger. Adaptación cinematográfica de la ópera de Jacques Offenbach sobre relatos de E.T.A. Hoffmann. Vista en la maravillosa edición restaurada por la fundación de Martin Scorsese y publicada por A Contracorriente. Un placer para los sentidos, de una belleza visual desbordante y una imaginación en la puesta en escena, en los decorados, en las coreografías e incluso en las interpretaciones, fabulosa. La película se estructura en un prólogo, tres cuentos (que en la ópera y en la película protagoniza el propio Hoffmann) y un epílogo. El primer cuento es la adaptación de “El hombre de arena”, donde Hoffmann (el tenor Robert Rounseville) se enamora de una autómata (Olympia, interpretada por Moira Shearer); el segundo, de “El reflejo perdido”, una fantasía veneciana, en la que Hoffmann pierde su reflejo como consecuencia de las malas artes del mago Dapertutto y de la cortesana Giulietta (Ludmilla Tchérina); y el tercero, de “El violín de Cremona”, en que la cantante tuberculosa Antonia (la soprano Ann Ayars), alejada del mundo en una isla del Egeo que recuerda la isla de los muertos de Arnold Blöcklin, y bajo el influjo del draculiano Dr.Miracle (un espléndido Robert Helpmann, que también es Coppelius en el primer cuento y Dapertutto en el segundo), se arriesga a morir si continúa cantando. Hoffmann cuenta los tres relatos como ilustración de su mal de amores, de sus fracasos sentimentales. Imprescindible.



Wind River, de Taylor Sheridan (guionista también de Comanchería y Sicario). Un notable thriller “bajo la nieve”. La aparición del cadáver de una chica descalza en medio del paisaje nevado de la reserva india de Wind River pone en marcha una investigación que conduce una agente del FBI (Elizabeth Olsen), ayudada por la policía de la reserva y un cazador del departamento de Caza y Pesca (Jeremy Renner). Sobria producción, mantiene el pulso durante todo el metraje hasta su tensa resolución. Sheridan parece que se perfila como un director a seguir.

Me quedé con ganas de más thriller sobre la nieve y revisé Affliction, uno de los mejores sino el mejor film de Paul Schrader, que en esta ocasión adapta una novela de Russell Banks. El elemento criminal se centra en la muerte, accidental o no, de un importante sindicalista de caza en la zona. El protagonista, Wade (un espléndido Nick Nolte), policía local, sospecha de su colega, mientras su vida privada y profesional se desmorona: muerte de la madre; enfrentamiento con un padre violento (un magnífico James Coburn); separado, tiene problemas con la custodia de su hija; relación incipiente con Margie (Sissy Spacek), pero conflictiva; y un tremebundo dolor de muelas que lo lleva hasta casi la locura.

Rio Conchos, western “crepuscular” de Gordon Douglas, en que la mítica del Far West ya no da para héroes, sino solo para seres violentos, marcados por el odio y el deseo de venganza: de sureños contra yanquis; de blancos contra apaches, etc. El protagonista, Lassiter (Richard Boone), antiguo oficial de la Confederación, se nos presenta en la primera secuencia masacrando un grupo de indios que están enterrando un cuerpo. Con esa carta de presentación, poca simpatía nos va a permitir sentir por él. Tampoco el resto de protagonistas: un criminal que está en prisión (Tony Franciosa); dos militares yanquis (Stuart Whitman y Jim Brown); y una apache (Wende Wagner) que recogen en el camino, han de transportar un cargamento de pólvora para destruir unos modernos rifles que está vendiendo Pardee (Edmond O’Brien), un coronel de la Confederación que parece querer recomponer en México un ejército sureño en colaboración con los apaches. Film violento (hay una dura escena de tortura en la que Boone, Whitman y Brown son arrastrados por caballos), sucio, desmitificador, lo podría haber firmado quizá Robert Aldrich. Uno de los guionistas, Clair Huffaker, lo es también de Los comancheros o Ataque al carro blindado. Lástima que la edición que he visto, de Impulso, no respeta el formato: recorta el scope a 1,85:1.



Y para acabar, la cuota silente: Varieté, de Ewald André Dupont. Espléndido melodrama, que más allá de su argumento un tanto folletinesco, destaca por la imaginación desbordante de su director a la hora de filmarlo. Un feriante de Hamburgo, Boss (Emil Jannings, en una de sus poderosas interpretaciones) acoge en su carromato a una chica huérfana, procedente de algún país oriental (una seductora Lya de Putti), ante el escándalo creciente de su mujer.



Pero Boss decidirá dejar mujer e hijo y huir con la muchacha a Berlín y recuperar su anterior oficio de trapecista. Allí, un trapecista de fama mundial, Artinelli (Warwick Ward), que ha perdido a su compañero de número, los contrata para trabajar en un espectáculo de categoría, pero pronto surge la atracción de Artinelli por la chica y el triángulo amoroso estalla, con fatales consecuencias. Más allá de la trama, con final moralizante como acostumbraba a ser en estos casos (y aún hoy en día), el mérito del film está en el repertorio de elementos visuales puestos en juego: iluminación, movimientos de cámara, montaje, decorados (el teatro, la feria, el parque de atracciones, ambientes tan habituales en el cine de los años 20). Film a recuperar en una excelente restauración que edita Eureka (por cierto, de 95 minutos, no esos 112 que indica imdb). La película mantiene un tono sepia durante todo el metraje.

Es curioso que esta película cuando la grabé de La 2 allá por principios de los '90 dentro de un ciclo de películas del Oeste el formato fue rigurosamente respetado. Es más, me acuerdo hasta de que en lugar de ser las franjas superior e inferior negras (como es habitual) eran grises.

Un espléndido western, sin duda.

La de Powell y Pressburger está en la pila junto a otros muchos títulos pero tengo ganas de hacerme un ciclo de los dos cineastas, especialmente sus maravillosas incursiones en el Technicolor del que fueron auténticos maestros.

Revisada en Amazon Prime Video, a 1080p y con un más que generoso bitrate. Transfer impecable, con el grano cinematografico exquisitamente representado. Montaje cinematográfico, el único aprobado por su director, el británico Mike Newell.

Newell tiene una cosa buena, a mi juicio; la dirección de actores y el trabajo con ellos a la hora de conseguir un rango emocional creíble y meticulosas composiciones, nada sobreactuadas. Por contra, es un director cuyo trabajo de planificación y puesta en escena deja bastante que desear, siendo obvio y ramplón en muchas ocasiones. Así las cosas, depende en gran medida de lo bueno que sea el guión que le toque (véanse su éxitos con guión del fantástico Richard Curtis) y que tenga a bien apartarse en la medida de lo posible y dejar al texto y a su trabajo metódico con los actores tomar protagonismo.

Afortunadamente, en Donnie Brasco se dan ambas cosas, un guión absolutamente modélico por parte de Paul Attanasio y unas magnificas interpretaciones por parte de Pacino (la manera de andar, de moverse, la dicción, las miradas), que imprime a su personaje un halo de desdichado patetismo y conmovedora cotidianidad siempre desde la contención , y sobretodo Depp, en la que es sin duda una de las mejores actuaciones de su carrera.

Una vampirización progresiva -no me comporto cómo ellos, soy cómo ellos- que comienza con la mirada, se traslada al lenguaje corporal y a la voz, y acaba con su gesticulación facial. De matricula el falso final feliz irónico, con la entrega de la medalla mientras su cabeza esta en otra parte. Ya es otra persona.

Un descenso a los infiernos "hacia dentro", que esta película, muy británica en sus formas, se traduce en que hay mucho que simplemente se nos sugiere; el dilema interior de un hombre que ha llegado a considerar un buen amigo al tipo que en determinado momento deberá entregar, llega a estar por encima de sus hijos, su matrimonio (horrenda Anne Heche, por cierto, único punto negro en el magnífico elenco) y el resto de su vida. Y a menudo, una simple mirada deja ver todo eso.

Porque esta es la historia de la mafia y los matones de a pie, gente que son asesinos o extorsionadores pero a que, a fin de cuentas, también son personas, con sus problemas rutinarios (económicos, sentimentales).... que se nos muestran con dialogos certeros que desnudan el interior de sus personajes, un costumbrismo mafioso casi intimista, que nos fuerza a si no empatizar, al menos intentar comprender sus circunstancias.

En eso incide la estupenda música de Patrick Doyle, alejada completamente de los cánones del género y que opta con acierto por un enfoque camerístico intimista, afín a su estilo y con preponderancia de la cuerda, el piano y el viento madera. El tema principal condensa a la perfección tanto la amistad surgida a pesar de, cómo las aspiraciones rotas, los sentimientos contradictorios o el conflicto de identidad e intereses. Pero por encima de todo, la profunda tristeza derivada de todo ello. Una exquisitez.



Los peores momentos son aquellas secuencias que demandan un vigoroso trabajo de cámara que, sencillamente, no se da, alguna composición chusca y un ralentizado un tanto fuera de lugar. Su ritmo, moroso y pausado, es también muy propio del cine de las islas, una película, al margen de la temática, de personajes y sus dilemas. De personas cuyo oficio resulta estar all otro lado de la ley. Un drama social british, disección de una clase social y sus miseras desde dentro de la mafia, dirigido por Newell con corrección y pulcritud, sin llegar desmerecer el conjunto salvo en las secuencias antes mencionadas. Y ya es bastante, aunque visualmente si sea algo ramplona.

Muy recomendable.

Guardo buen recuerdo de Donnie Brasco, pero la ví hace eones ...

Iniciado por Jane Olsen

Guardo buen recuerdo de Donnie Brasco, pero la ví hace eones ...

Me acordé mucho de ti. De cuando dijiste que aunque ahora nos resulte difícil de creer, por sus borracheras y problemas con las drogas, hubo un tiempo donde Johnny Depp no solo no sobreactuaba, sino que era un gran actor, de método, trabajándose sus personajes. Y que cierto es. Uno ve cosas cómo esta, Eduardo, Sleepy Hollow, Descubriendo Nunca Jamás o Ed Wood, y no puede sino preguntarse donde demonios se ha ido el talento de este hombre.

Iniciado por Branagh/Doyle

Me acordé mucho de ti. De cuando dijiste que aunque ahora nos resulte difícil de creer, por sus borracheras y problemas con las drogas, hubo un tiempo donde Johnny Depp no solo no sobreactuaba, sino que era un gran actor, de método, trabajándose sus personajes. Y que cierto es. Uno ve cosas cómo esta, Eduardo, Sleepy Hollow, Descubriendo Nunca Jamás o Ed Wood, y no puede sino preguntarse donde demonios se ha ido el talento de este hombre.

Es que incluso en películas menores de esa época está inolvidable. No sólo porque entonces era guapísimo y la cámara lo adoraba , sino porque sabía actuar. Véase su personaje de A la hora señalada:



Y otras dos no muy conocidas, pero muy estimables: El amor de los inocentes y ¿A quién ama Gilbert Grape?, ésta última con un jovencísimo Di Caprio que ya apuntaba maneras:






Una pena para lo que ha quedado . Su caso me parece parangonable al de Nicolas Cage, otro actor que también tuvo una época interesante y que ahora parece atrapado en la serie Z.

Te dejas Dead Man.

Doblete bienintencionado de Georg Wilhelm Pabst, director que merecería quizá mayor reconocimiento y un lugar junto a los grandes del cine alemán de antes de la II Guerra Mundial, como Murnau o Lang. Hay una magnífica edición de Eureka con las dos películas.

Cuatro de infantería (Westfront 1918), de 1930. Primer film sonoro de Pabst, se trata de un rotundo alegato antibelicista, basado en una novela de Ernst Johannsen con guion de Ladislaus Vajda (el padre del director de la extraordinaria El cebo). Durante el último año de la I Guerra Mundial, en las trincheras de Francia, seguimos las cuitas de cuatro soldados alemanes: un joven al que llaman “el estudiante” (y que vivirá una fugaz relación amorosa con una chica francesa); Karl, que descubrirá en un breve permiso que la miseria y el hambre oprime a la población civil, y que su mujer presta favores sexuales a cambio de comida; un soldado bávaro, que seguirá a Karl en una última misión suicida; y el teniente, cuyo destino será acabar enloquecido a la vista de la masacre del campo de batalla.



Pabst filma brillantes travellings a lo largo de las trincheras, y reproduce de manera verista la vida en el frente, con largos fragmentos de batalla casi sin diálogos. El panorama es desolador, deprimente, un grito desgarrador en contra del sinsentido de la guerra. La película acaba con unas conmovedoras imágenes de un hospital de campaña, donde se mezclan heridos, mutilados, soldados enloquecidos y cadáveres, tanto de alemanes como también de franceses. El último plano nos muestra un soldado francés malherido cogiéndole la mano a un soldado alemán fallecido: el mensaje es claro, la destrucción de la guerra nos hace a todos víctimas por igual. Hay un plano espectacular en que el rostro de Karl, ya muerto, se convierte en una calavera por efecto del juego de luces. Brillantemente filmada e iluminada (aparece acreditado Fritz Arno Wagner, el director de fotografía de Nosferatu), su banda sonora parece algo primitiva, pero reproduce con mucha imaginación el sonido del campo de batalla sin perjuicio de la fluidez de las imágenes. El rótulo final parece ser una advertencia: “Ende?!”. No, hubo una secuela de 1939 a 1945.

Por su parte, Carbón (Kameradschaft), de 1931, es un canto a la solidaridad entre pueblos y entre trabajadores. Un accidente en una mina de carbón francesa fronteriza con Alemania genera una corriente de solidaridad entre algunos mineros alemanes que organizan un grupo de rescate (no sin recibir reproches e incomprensión de otros compañeros). La película reproduce en estudio el interior de la mina y nos ofrece unas imágenes asfixiantes, claustrofóbicas, de mineros atrapados y desesperados intentos de salvarlos. Incluso un grupo de tres mineros alemanes, que anteriormente se han sentido rechazados en un salón de baile francés (apunte xenófobo, de resentimiento aún bien vivo), decidirán participar por su cuenta en las tareas de salvamiento, rompiendo para ello la verja que delimita en el interior de la mina la frontera entre Francia y Alemania. La camaradería (título original) entre obreros se verbaliza al final en dos parlamentos, uno en francés y otro en alemán, de marcado carácter socialista (en la línea del “proletarios del mundo, uníos”) y antibélico. Hay un momento que enlaza con la anterior Westfront 1918: un minero francés medio enloquecido identifica al minero alemán que viene a rescatarlo con una máscara de gas con un soldado y cree encontrarse de nuevo en el campo de batalla (Pabst lo ilustra transformando la escena y llevándonos a la lucha de trincheras). Al final, no obstante, Pabst no nos ahorra una nota de escepticismo: la verja que separa subterráneamente los dos países vuelve a su lugar, todo vuelve a estar “en orden”. Film de gran belleza, con un trabajo de ambientación sensacional (responsabilidad de Ernö Metzner) y una labor de cámara y de iluminación extraordinario (de nuevo con Fritz Arno Wagner tras la cámara). A destacar que la película se rodó respetando las lenguas de los personajes: unos hablan francés y otros alemán, y que se llegó a estrenar de esa forma, sin subtitulados.



Lamentablemente, los buenos deseos de solidaridad y de paz de Pabst no tuvieron ningún efecto en la realidad alemana. Dos años después triunfaba el nazismo de Hitler, un régimen basado en el odio, la venganza y el racismo. Por supuesto, tanto Westfront 1918 como Kameradschaft fueron inmediatamente prohibidas.

Iniciado por mad dog earle

Te dejas Dead Man.

La tengo en ese montón, que voy a necesitar a este paso un almacén como el de Indiana Jones ...

Iniciado por Jane Olsen

La tengo en ese montón, que voy a necesitar a este paso un almacén como el de Indiana Jones ...

Mientras no acabe teniendo el mismo destino que Rosebud...

Donny Brasco, aun recuerdo que la primera vez que la vi fue en la tele de pequeño (o adolescente, pero fue hace mucho), ya empezada, pero eso no me impidió dejar de terminarla.

Creo que es uno de los papeles mas interesantes y profundos de Deep, cuando todavía era mas el mismo. Además que es de los personajes mas "normales" dentro de su trayectoria, lo que le exigía mas determinación, que se puede observar en como ese trabajo de infiltrado le afecta a su mente y su persona mientras avanza la película, casi angustioso. Hace una gran dupla con todo un Pacino que al igual que su personaje, es perro viejo, el mentor con el alumno que desea aprender del mejor y crean una relación de amistad que te importa en un submundo criminal donde cualquier despiste es la muerte, y su resultado final agridulce.

Además, muy bien dirigida por Newell (que como siempre, de dirección de actores y recreaciones sabe como nadie). Es cierto que en su conjunto no termina de ser una gran obra, pero lo que respecta a lo principal cumple con creces.

No sé por qué siempre confundo esta película con DONNIE DARKO de la que tengo, por cierto, una descomunal edición británica de la mano de Arrow...



Perdonad el off topic...

Donny Brasco es para mi una de las mejores peliculas de Depp,muy buena.
Donnie Darko tambien me parece una pasada de pelicula,la he visto por lo menos 6 0 7 veces,me gusto mucho.

Iniciado por Alcaudón

No sé por qué siempre confundo esta película con DONNIE DARKO de la que tengo, por cierto, una descomunal edición británica de la mano de Arrow...



Perdonad el off topic...

No eres el único ...

Iniciado por mad dog earle

Mientras no acabe teniendo el mismo destino que Rosebud...

Seguramente me pasará lo mismo y me moriré yo antes ...

Johnny Depp efectivamente tuvo unos 80 y 90 muy interesantes. Aparte de su papel en Nightmare on Elm Street (en la cual tampoco destacaba, novio casi random de la Final Girl), era protagonista en la serie 21 Jump Street, la cual no tiene NADA que ver con las películas que han hecho en los últimos años. Se trataba de una serie policial bastante novedosa por cuanto se centraban en una unidad de policías de aspecto muy juvenil que se infiltraban en institutos o universidades como estudiantes tratando de solventar X caso (normalmente drogas y otros delitos). Tenía un aire tosco, un ambiente casi oscuro, con buenos actores y un tono muy personal (incluso un poco incómodo a veces, sin tapujos).

Depp era el protagonista. Aquí las intros de la temporada 1 y 2 (canta la misma actriz co-protagonista)