Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por tomaszapa

Los 70 fueron maravillosos en cuanto a creatividad de los directores. Hay bastantes más aún de las que no se ha citado. De Lumet, Pakula o Bogdanovich por citar algunos estupendos cineastas.

Me quedo con los 2 primeros y sus thrillers sobre conspiraciones y corruptelas.

Saludos

D.

Iniciado por Dcb13

Me quedo con los 2 primeros y sus thrillers sobre conspiraciones y corruptelas.

Saludos

D.

Maravillosos ambos, pero yo añado con sumo gusto La última película o Luna de papel, ejemplos de "actualización" de los clásicos con un acertadísimo uso del blanco y negro.

Iniciado por Dcb13

...
Pero ojo, que no sea un devoto de este tipo de cine no significa que no haya películas de las consideradas de arte y ensayo que me gusten o me parezcan interesantes. Así, a bote pronto, se me ocurren La noche (1961), de Antonioni, El amor después del mediodía (1973), de Eric Rohmer o cosas más accesibles (o eso me parece a mi) como Los cuatrocientos golpes (1959) o Tirad sobre el pianista (1960), ambas de Truffaut ( aunque lo que más me gusta del director francés es La sirena de Mississippi (1969), que ya queda fuera de este tipo de cine, pues me parece un noir más convencional)

Saludos

D.

Causalmente, me estoy programando un ciclo completo de Truffaut, aprovechando que están todos sus largos publicados. Nunca ha sido un director de mi gusto, y esta revisión (o primer visionado en algunos casos) no hace más que confirmar mis prevenciones hacia su obra. De todas formas, ciñéndonos al debate iniciado sobre lo que algunos estáis llamando cine "de arte y ensayo" de los sesenta/setenta, la verdad es que, vistas hoy, las películas de Truffaut no las incluiría en ese apartado, me parecen en general mucho más convencionales de lo que seguramente parecían en su día. Hay, eso sí, cierta frescura, cierto desparpajo, y una loable querencia por los personajes jóvenes, que conectan bien con los sesenta, pero no creo que responda a ese modelo más "intelectualizado", "transgresor" o "ideológicamente combativo" que caracteriza a varios cineastas de la época, fundamentalmente europeos. Valga como ejemplo esa tendencia de Truffaut a un cierto cine de género (el noir, la ciencia ficción, el cine histórico, la adaptación literaria), mucho más pegado a los cánones genéricos de lo que ese otro cine planteaba.

A mí, de Truffaut, después de haber visto ya 15 de sus 21 largos, la película que más me gusta con diferencia es la primera: Los 400 golpes, aunque también tengo un aprecio especial por La habitación verde. En cambio, no me gusta su cine noir y cada vez menos su reputada Jules y Jim.

EL LEÓN (1962) de Jack Cardiff.

Segunda aventura africana que veo dirigida por Cardiff, después de la extraordinaria “Último Tren a Katanga” (1968); aunque a mucha diferencia del brío y la virulencia de Katanga, El León viene a ser casi un drama sitcom, con un tanto burda (EMHO) historia, de la relación de una niña con un león, contrapuesto con el padre que la abandonó, que se entiende el fin, entramado psicólógico de la trama, pero resulta al fin demasiado bobo. La peli tiene una buena, aparente foto (esperable en Cardiff) pero la realización es bastante plana, y por el metraje desfilan actores característicos de muchas pelis del estilo (Trevor Howard, Capucine, William Holden). Hay alguna escena de malevolencia infantil (el aparente gusto de la niña por amenazar con dar órden al felino de matar) y algún curioso apunte erótico (la niña y una danza africana) pero poco más para animar el aburrimiento.

Iniciado por mad dog earle

Causalmente, me estoy programando un ciclo completo de Truffaut, aprovechando que están todos sus largos publicados. Nunca ha sido un director de mi gusto, y esta revisión (o primer visionado en algunos casos) no hace más que confirmar mis prevenciones hacia su obra. De todas formas, ciñéndonos al debate iniciado sobre lo que algunos estáis llamando cine "de arte y ensayo" de los sesenta/setenta, la verdad es que, vistas hoy, las películas de Truffaut no las incluiría en ese apartado, me parecen en general mucho más convencionales de lo que seguramente parecían en su día. Hay, eso sí, cierta frescura, cierto desparpajo, y una loable querencia por los personajes jóvenes, que conectan bien con los sesenta, pero no creo que responda a ese modelo más "intelectualizado", "transgresor" o "ideológicamente combativo" que caracteriza a varios cineastas de la época, fundamentalmente europeos. Valga como ejemplo esa tendencia de Truffaut a un cierto cine de género (el noir, la ciencia ficción, el cine histórico, la adaptación literaria), mucho más pegado a los cánones genéricos de lo que ese otro cine planteaba.

A mí, de Truffaut, después de haber visto ya 15 de sus 21 largos, la película que más me gusta con diferencia es la primera: Los 400 golpes, aunque también tengo un aprecio especial por La habitación verde. En cambio, no me gusta su cine noir y cada vez menos su reputada Jules y Jim.

A mí, Truffaut es de los pocos directores de ese estilo que me gusta hasta cierto punto. Yo sigo pensando que fue una pena que este tipo se muriera tan pronto, creo que tenía mucho talento.

Iniciado por Jane Olsen

A mí, Truffaut es de los pocos directores de ese estilo que me gusta hasta cierto punto. Yo sigo pensando que fue una pena que este tipo se muriera tan pronto, creo que tenía mucho talento.

Lo que pasa es que, como ya he indicado, en mi caso no lo considero de "ese estilo". Me parece que pertenece a la categoría de director cinéfilo (sus referencias al cine clásico, fundamentalmente el norteamericano, son constantes), que aborda la renovación de algunos géneros y que insufla cierto aire "moderno" a narraciones en principio bastante clásicas, no siempre con éxito: por ejemplo, su Fahrenheit 451 me parece un film bastante desmayado, que se salva por el tratamiento cromático de Roeg, la música de Herrmann y la presencia de Julie Christie; sus adaptaciones de novela negra americana (William Irish, David Goodis) no me convencen; y su ciclo Antoine Doinel, salvo en Los 400 golpes, me parece tan insufrible como me lo parece Jean-Pierre Léaud como actor. Mención aparte merece Jules y Jim, adaptación de una novela de Henri-Pierre Roché, que a cada visionado que hago (y ya son unos cuantos) me gusta menos.

Dentro de la llamada "nouvelle vague" (etiqueta, como casi todas, utilizada con demasiada alegría), me quedo sin duda mucho antes con Rohmer y Chabrol, o con Malle o Resnais si es que los podemos incluir en el mismo grupo.

Iniciado por mad dog earle

De todas formas, ciñéndonos al debate iniciado sobre lo que algunos estáis llamando cine "de arte y ensayo" de los sesenta/setenta, la verdad es que, vistas hoy, las películas de Truffaut no las incluiría en ese apartado, me parecen en general mucho más convencionales de lo que seguramente parecían en su día. Hay, eso sí, cierta frescura, cierto desparpajo, y una loable querencia por los personajes jóvenes, que conectan bien con los sesenta, pero no creo que responda a ese modelo más "intelectualizado", "transgresor" o "ideológicamente combativo" que caracteriza a varios cineastas de la época, fundamentalmente europeos. Valga como ejemplo esa tendencia de Truffaut a un cierto cine de género (el noir, la ciencia ficción, el cine histórico, la adaptación literaria), mucho más pegado a los cánones genéricos de lo que ese otro cine planteaba. .

Seguramente por eso que tu dices, por su carácter más convencional y estar más apegado a los cánones genéricos, no tengo problemas con lo poco que he visto de Truffaut, algo que no puedo decir, por ejemplo, de Godard y Resnais, aunque, insisto, no estoy demasiado puesto con ese tipo de cine.

De hecho, vi bastante seguido Tirad sobre el pianista (1960) y Banda aparte (1964), y lo único que puedo decir es que la primera me pareció que tenía un nosequé que le daba un encanto especial y que la segunda tenía momentos verdaderamente sonrojantes que te descolocaban.

Sospecho, aunque son solo conjeturas, que Godard se encerró en sus manera de hacer cine, siempre buscando experimentar, llamar la atención y ser rupturista y, en cambio, Truffaut no tuvo inconveniente en tocar otros palos y evolucionar de una manera más clásica.

Saludos

D.

mad dog lo explica muy bien. Hay un tipo de cineasta que ha mamado el cine (porque lo ha visto desde pequeñito) de su barrio, de su pueblo, aquel que proyectaba distintos géneros casi siempre yanquis. Eso se impregna en los genes cinematográficos de uno, sin nisiquiera pretenderlo. Eso creo.
Me acuerdo de Scorsese o de Bogdanovich o de Spielberg o de Allen, por decir algunos nombres.
En varios de estos y otros casos, además, por generación vivida, se ven "impactados" por el cine que llega de Europa de "artistas que van asu bola" (expresion que me he inventado sobre la marcha).

Ya el grado de influencia, asimilación, etc... de cada cine en cada cineasta difiere y ahí está la gracia.

Iniciado por Dcb13

De hecho, vi bastante seguido Tirad sobre el pianista (1960) y Banda aparte (1964), y lo único que puedo decir es que la primera me pareció que tenía un nosequé que le daba un encanto especial y que la segunda tenía momentos verdaderamente sonrojantes que te descolocaban.
D.

Por cierto, y para cerrar el círculo volviendo a la película que ha originado estos comentarios, Soñadores, de Bertolucci. Uno de los films que se citan explícitamente es Banda aparte, precisamente esa célebre secuencia de la carrera del trío protagonista a través del Louvre. Bertolucci "homenajea" la secuencia haciendo que su trío protagonista reproduzca la carrera con el objetivo de batir el récord de los personajes de Godard (!!!!). Y lo consiguen. No sé muy bien por qué, pero me parece que ese reto al que se sienten obligados esos jóvenes ilustra a la perfección lo fracasado de la propuesta del director italiano.

CHINANGO
De esas terribles películas que es mucho más interesante su historia detras de camaras, pero la película en si es un hermoso desastre.
Nuestro héroe, un mexicano descendiente de monjes shaolines, hereda un talismán mistico, pero las mafias chinas y mexicanas también lo quieren.
Filmada con nulo presupuesto, pero mucho entusiasmo, Chinango se jacta de ser la primer película de artes marciales mexicana. Casi todas las escenas, en especial las peleas, fueron filmadas sin segundas tomas pues no tenian permisos para grabar en ninguna de las locaciones, lo cual, irónicamente, les da un toque muy natural y hasta realista.
Aunque es una película mexicana, esta doblada por que el audio era imposible de usar al estar grabando a prisas. En cuanto al doblaje empleado, es todo un ridículo coctel de estereotipos.
Se nota mucho que las limitaciones los obligaron a hacer serios recortes al guion: los poderes del talisman jamás son usados, los villanos no llegan a hacer nada y la chica parecía que iba a tener un mayor papel.
En lo positivo, las peleas estan bien hechas, en especial considerando las circunstancias, y el actor protagonista se esfuerza muchó mas de lo que la película merece.

Y si, el titulo es una fusión de "Chino" y "Chilango" (habitante de la Ciudad de México)

The H-Man

Alejandose de haber dirigido algunas monster-movies con la Toho (la cual es productora de este pequeño film), Ishiro Honda, el padre de Godzilla (o mas bien, uno de los padres), se aventura con este entretenido, pero correcto producto.

La trama gira en torno a unas misteriosas desapariciones en Tokyo, lo unico que queda de los desaparecidos es su ropa, hasta que un cientifico describe a la policia que el culpable podria ser unos misteriosos seres que se denominan 'H-Man', que con tan solo tocar a una de sus victimas, se disuelven.

Honda, quien habia demostrado pericia con Gojira, Rodan entre otros monstruos gigantes y la Toho, con interes en producir films mas alejados del kaiju (monstruos gigantes, para entendernos), demuestra pericia y correcion a la hora de filmar este entretenido film, que cuenta con unos logrados efectos especiales y los actores cumplen sobradamente, repiten algunos de los habituales de la Toho: Kenji Sahara y Akihiko Hirara (el dr. Serizawa de la Gojira original), son los principales motores del relato y como he dicho, arriba, cumplen sobradamente. Un producto de serie B, curisisimo y recomendable.

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Flashdance (Adrian Lyne, 1983)

Mi primera vez con Flashdance pues tenía ese agujero en mi historial de totems ochenteros con posibilidad de no superar el paso del tiempo. Vamos que es necesario verla entonces, o a cierta edad, para apreciar algo.

Y así es. La película en si misma me ha parecido digna de un telefilm. Historia de superación perseguetusueñosylolograras que destaca sólo por su envoltorio musical (la BSO de Moroder que de paso compone el mítico tema cantado por Irene Cara, y aparte el otro tema mítico, el Manian de Sembello), y esa estética a lo Rocky en el que el protagonista persigue su sueños en una área urbana deprimida del este (en este caso es Pittburgh,pero en el mismo Pennsylvannia que Rocky) y se habla de los mitos de Hollywood, riqueza y fama casi como lo hacía el espectador no norteamericano de la época.

En en ese sentido es muy ochentera y icónica, con ese estudio en el que vive la protagonista, la novedad de hacer que su trabajo diurno sea de soldadora o la propia Jennifer Beals, que ya es bastante decidida y autosuficiente desde el minuto 0. La conocida toma de su entreno al son de Maniac y la audición final con el What a feeling son los momentos recordados del film. Ambas canciones fueron nominadas a mejor canción en los Oscar, con victoria para la segunda.

No sucede gran cosa, hay momentos sin sentido (eso que suelta su compi bailarina hacia al final... Imagino que pretendía ser una metáfora pero aún no sé qué significa lo de los vestidos ), el romance no da vergüenza ajena pero no aporta nada, y las subtramas de su amiga la patinadora y del cómico-cocinero son lamentables por cuanto no importan lo más mínimo al espectador, que ni ha empatizado con ellos ni tienen incidencia suficiente en el devenir de la historia de la protagonista.

Ah, los números de baile, bien, y hay que darle el mérito correspondiente a la doble de Beals, Marine Jahan.

Por cierto, producción de Bruckheimer-Simpson, y ejecutiva de Guber-Peters, los futuros productores de Batman '89.

Synch

Iniciado por debenito

El renacido (The revenant) 9.5

El mejicano director Alejandro Gonzalez Iñarritu mas conocido por Amores perros, Babel o 21 gramos nos trae este 2016 El renacido. Es un drama centrado en la supervivencia y el instinto de venganza.



Siglo diecinueve, Leonardo di Caprio es un explorador en la América profunda y salvaje del este, se acerca el invierno y empieza a reinar el frío. Es uno de los miembros de la expedición de tramperos que recolectan pieles. Va acompañado de su hijo medio indio Hawk. En un momento inesperado es atacado por un oso y es destrozado. Sus compañeros son acechados por una nativos americanos y no pueden arriesgarse a cuidarle de sus profundas heridas. Tom Hardy interpreta a su compañero Fitzgerald que lo acompaña hasta el final. Tiene la labor de cuidarle para darle un entierro decente pero decide dejarlo solo y agonizando. Lo que no se espera nadie es que va a sobrevivir a calamidades con su imponente fuerza de voluntad, agarrándose a la vida, perdido en la inmensidad de la naturaleza.



Una advertencia que es mas que necesaria: es una película amarga llena de imágenes explicitas y crudas. Veremos al protagonista sangrar, romperse, quedarse inconsciente, sufrir, gemir, retorcerse en dolor, babear, agonizar y arrastrarse. Es un viaje al mismísimo infierno. De hecho lo entierran y lo dan completamente por muerto, pero renace y de ahí el título. La historia no es agradable pero está retratada de una forma bellísima y cargada de elementos muy visuales, casi alegóricos. No es una obra para todos los públicos, tanto por el contenido como por la duración. Es muy intensa en cuanto a acción, con un estilo hiperrealista y abundante subtexto sobre temas transcendentales. Las referencias cinematográficas son muy evidentes, hasta el punto que han llegado a calificar este film como plagio de las obras de Tarkosky. Entre ellas hay escenas miméticas a El espejo, Nostalgia, Stalker y La infancia de Iván.

Lo mejor: la composición y los movimientos de cámara. El manejo es soberbio.
Lo peor: El sonido, hay momentos tan íntimos cargados de tanta agonía que resultan perturbadores.

¿La has visto en casa ...?

A raíz de la pinta de Di Caprio en las fotos, propongo que para la próxima película que hagan sobre Jesucristo, le dén el papel principal. O sobre Frankenstein, creo que sería un Victor Frankenstein buenísimo.

Bueno, a lo que voy. Tercera entrega del ciclo conradiano (a éste paso, me voy a tirar un año ). La luz que mata (Der Gang in die Nacht).

Decía Murnau, director de esta película (que se dio por perdida durante bastantes años, hasta que en los ochenta se encontró una copia en un archivo de Alemania oriental: esta es otra de ésas películas antiguas que necesita de una restauración urgente), que solo le interesaban dos tipos de películas: los pequeños dramas urbanos de tipo intimista, al estilo del Kammespielfilm (que tendrían su ejemplo en la cinta que nos ocupa hoy o Nju -que no es de Murnau pero que casi lo parece-, o en El último, o en Amanecer, que sería la culminación de las ideas que aparecen en esta película), o las historias de corte sobrenatural (como Nosferatu, Fausto, La cabeza de Jano o Satanás, éstas dos últimas lamentablemente perdidas). Quizá esta Luz que mata, siendo claramente un drama urbano, tenga un pie en el extraño mundo de Nosferatu, representado por esa especie de destino aciago tan del gusto de los realizadores germanos del momento, la representación de esa naturaleza agitada, que refleja las emociones de los personajes y es casi un personaje más, y ese misterioso pintor encarnado por Conrad Veidt, que tiene algo de fatal y a la vez de celestial, y que casi parece una aparición del más allá.

Repiten los protas de La tumba india: junto a Conrad tenemos a Olaf Fonss como el Dr. Eigil Börne y a Erna Morena como Hélène.

El Dr. Börne es un reputado médico, especializado al parecer en curar enfermedades de los ojos, pero está tan abstraído por su afán científico que le presta muy poca atención a su lánguida prometida, Hélène. Una noche visitan un teatro, y la bailarina principal, Lily (Gudrun Bruun), se siente extrañamente atraída por Eigil, llegando a fingir una lesión para que Eigil vaya a atenderla a su camerino. Poco a poco inician una relación, que termina por apartar al aburrido Eigil de sus estudios y a romper con su prometida, para irse a vivir al campo con Lily, donde ejercerá como médico rural. Todo parece ir bien y ambos son muy felices con su bucólica nueva vida, hasta que una extraña casualidad lleva a Eigil a interesarse por un misterioso pintor que se ha quedado ciego y que vive recluído en el pueblo desde hace algunos años (Veidt). Eigil devuelve la vista al pintor y éste empieza a hacerse amigo suyo y a frecuentar su casa. Lo malo es que Lily, que al principio sentía un inexplicable terror hacia él, también empieza a interesarse por él. La misma noche en que opera al pintor, Eigil recibe una carta de la casa de su antigua novia, en la que le cuentan que desde que él la abandonó ha enfermado y no sale de su habitación. Un día, sintiendo cada vez más remordimientos, decide ir a verla, pero se encuentra con que ella ha empeorado y no quiere verle. Al volver, se encuentra con que Lily ha sucumbido ante los anoréxicos encantos del atribulado artista, y monta una escena terrible de celos (y éso que sólo se los encuentra paseando por la montaña , no quiero ni pensar lo que hubiera podido pasar si los llega a encontrar desnudos en el dormitorio de ella ). Eigil abandona a Lily y regresa a la ciudad, donde sigue trabajando como médico, pero es ahora un hombre cruel y amargado. Poco después, recibe la visita de Lily: el pintor se está quedando otra vez ciego y suplica su ayuda; pero la respuesta de Eigil es que si quiere que vuelva a curar a su amado...ella tendrá que suicidarse...

Con estos ingredientes tan poco verosímiles y melodramáticos, Murnau logra hacer una historia extrañamente poderosa y lírica, que pese al estado fragmentario y deteriorado de la película, tiene una fuerza tremenda y una enorme capacidad de sugestión. Así, en la escena de la curación del ciego, y la recepción por parte de Eigil de la carta de su antigua novia, se desata una violenta tempestad en medio de la noche, y Lily, que tiene horribles presentimientos, de pronto se levanta de la cama, se pone el traje que llevaba cuando por primera vez vio a Eigil y se aranca a bailar al ritmo de la tormenta. Con un estilo casi caligaresco, al que añade una nueva dimensión espiritual (el innominado y misterioso pintor de esta cinta sería el contrapunto espiritual del mundano seductor al que interpretaba en Nju), Conrad interpreta de manera estilizada al extraño que viene a inmiscuirse en las vidas de esta gente y a truncar su felicidad. Hay escenas en que casi parece el hermano pequeño del Drácula de Lugosi, para que os hagáis una idea, en tanto que en otros momentos adopta una actitud entre rígida y fantasmal que permite adivinar lo que podría haber sido un Monstruo de Frankenstein interpretado por este hombre. Y sin embargo, el pintor mismo es un juguete de destino, que acepta serenamente. Las gentes del pueblo dicen de él, literalmente, que es bueno como un santo, y de hecho la primera vez que Eigil se lo encuentra está rezando. Incluso la indumentaria y los ademanes del personaje tienen un aire ciertamente clerical.

Una película del tiempo en que se filmaban emociones. La pintura del alma.

Lawrence de Arabia......... 10 en Blu-Ray,calidad de imagen Demo,de Referencia absoluta,sin duda una de las 10 mejores películas de la Historia del Cine,Épica,Grandiosa,Inmensa,Maravillosa además acompañada por una calidad de imagen apabullante,sólo he visto tamaña calidad o comparable en otras películas filmadas en 70mm como Ben-Hur,2001:Odisea del Espacio o Los Diez Mandamientos que con su Vistavisión tenía una calidad soberbia.

Iniciado por mad dog earle

su ciclo Antoine Doinel, salvo en Los 400 golpes, me parece tan insufrible como me lo parece Jean-Pierre Léaud como actor

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- Frío en Julio:
Magnífico thriller. No entiendo la crítica que se le hace por copiar al cine de Carpenter. La música es lo único que se parece, porque la trama nada tiene que ver con el maestro, que una y otra vez repetía esquema argumental (vamos, el de Río Bravo ). Más bien se parece a los Coen, diría yo.
En realidad, hay algunos giros de guión un poco forzados, pero no impiden el disfrute constante del film. Genial Sam Shepard. Un 8

- Los impostores:
Gran sorpresa, porque no había visto esta peli de Scott, y para mi gusto roza la obra maestra. Te engancha desde el principio, no deja de sorprender, los actores están maravillosos (me encantó Cage), está cuidada formalmente, y no entiendo muy bien la poca repercusión de la película. Me pasó igual con El reino de los cielos-director´s cut. No entiendo ese rechazo desde algunos sectores al cine de Scott. Un 9

- Mr. Holmes:
Me ha gustado bastante, y eso que no tenía grandes esperanzas puestas en ella, aunque me encantó Dioses y monstruos, con el mismo director y protagonista, y con la que guarda bastantes similitudes tanto en forma como en contenido. Gran interpretación, muy contenida a nivel dramático para no resultar un dramón de telefilm. Se agradece la sugerencia en este aspecto, aportando mucho al personaje y a la historia lo no dicho. Un 7.

Saludos

Footloose (Herbert Ross, 1984)

Si ayer vi por vez primera Flashdance, hoy le ha tocado el turno de Footloose. Menudos dos agujeros tenía en el c.v. de clásicos ochenteros

Bueno esta me ha gustado bastante más. No deja de ser la prototípica película ochentera norteamericana con todos los tópicos aunque Footloose no deja de haber contribuido a ellos (es aquello por lo que uno debe recordar que en 1984 no era tópica, era actual, o en cualquier caso formaba y alimentaba una tendencia): el instituto, los chicos buenos que adoptan rápidamente al nuevo, los chicos malos, la rebeldía de la adolescencia etc

Aquí la novedad es que trata del joven Ren llegando a un pueblo de no se donde (Medio Oeste tal vez? ) está prohibido bailar entre otras restricciones impuestas por los salvaguardas de la moralidad. Absolutamente todo es previsible, no hay sorpresa ni atrevimiento por ninguna parte pero, oye, la película no está del todo mal, el guión fluye, los personajes tienen su recorrido, los secundarios cumplen con su papel (cada uno incide en la historia principal, sus acciones tienen consecuencias en la misma y en los personajes principales) y al final es todo bastante resultón.

Los números musicales son muy escasos, básicamente tres, dos de ellos muy conocidos y bueno, no están mal, especialmente la BSO, repleta de clásicos pop suave ochentero.

Que no está mal, vamos.

Synch

Iniciado por Synch

Footloose (Herbert Ross, 1984)

Si ayer vi por vez primera Flashdance, hoy le ha tocado el turno de Footloose. Menudos dos agujeros tenía en el c.v. de clásicos ochenteros

Bueno esta me ha gustado bastante más. No deja de ser la prototípica película ochentera norteamericana con todos los tópicos aunque Footloose no deja de haber contribuido a ellos (es aquello por lo que uno debe recordar que en 1984 no era tópica, era actual, o en cualquier caso formaba y alimentaba una tendencia): el instituto, los chicos buenos que adoptan rápidamente al nuevo, los chicos malos, la rebeldía de la adolescencia etc

Aquí la novedad es que trata del joven Ren llegando a un pueblo de no se donde (Medio Oeste tal vez? ) está prohibido bailar entre otras restricciones impuestas por los salvaguardas de la moralidad. Absolutamente todo es previsible, no hay sorpresa ni atrevimiento por ninguna parte pero, oye, la película no está del todo mal, el guión fluye, los personajes tienen su recorrido, los secundarios cumplen con su papel (cada uno incide en la historia principal, sus acciones tienen consecuencias en la misma y en los personajes principales) y al final es todo bastante resultón.

Los números musicales son muy escasos, básicamente tres, dos de ellos muy conocidos y bueno, no están mal, especialmente la BSO, repleta de clásicos pop suave ochentero.

Que no está mal, vamos.

Synch

Yo no he visto ninguna de las dos .

Iniciado por Jane Olsen

Yo no he visto ninguna de las dos .

Tampoco te pierdes nada

Pero tras la revisión de Grease me apetecía avanzar en este tipo de cine con bailoteos.

Synch

Huyyyy...ésa vertiente tuya no la conocía ...

Propongo crear un hilo para el cine de berridos y bailoteos.

Iniciado por Jane Olsen

Huyyyy...ésa vertiente tuya no la conocía ...

Propongo crear un hilo para el cine de berridos y bailoteos.

De todo lo que he visto, lo mío sería a lo Kenickie pero cuando llevo unas 3 copas

Buena idea, si se crea el hilo, volcaré todo mi amor por West side story

Synch

A todo esto, enorme -como siempre- momentazo en el programa de Jimmy Fallon:



Synch

Iniciado por Jane Olsen

...Bueno, a lo que voy. Tercera entrega del ciclo conradiano (a éste paso, me voy a tirar un año ). La luz que mata (Der Gang in die Nacht)...

Leyendo la sinopsis de esta película me he acordado de Una mujer en la playa, de Jean Renoir (uno de sus films más oníricos y fascinantes), por la presencia demiúrgica de un pintor ciego, aunque quizá las similitudes se queden ahí.

Por cierto, ¿dónde has visto la película? ¿En youtube o hay alguna edición a la venta?