Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por Marty_McFly

Bueno, para ser justos, la frase la dijo en sus comienzos, no recuerdo si cuando estrenó Tesis o Abre los ojos, y por aquel entonces era muy joven, 23-25 años. Es posible que desde entonces haya descubierto la lectura, quién sabe. Es poco probable, en cualquier caso.

Jopé, aún así me extraña un poco ...

Iniciado por Branagh/Doyle

Yo empecé a leer con 3/4 años...


A los 14-15 ya recitaba frente al espejo eso de

¡¡¡The game's afoot; Follow your spirit: and upon this charge, Cry — God for Harry! England and Saint Georgeeeee!!!


Si, soy raro, pero no poder salir a la calle a darle a un balón es lo que tuvo.

¡Que´nivel ..! Yo también pasaba mucho tiempo sola, y por cosas de éstas que pasan en la vida, no aprendí a leer hasta una edad relativamente tardía, pero nunca llegué a ese nivel. Lo más que hacía era hacer dibujos de los personajes del libro que más me habían gustado (y no muy bien ). Y en éstas sigo...

Mujer, recuerda que he vivido gran parte de mi vida en Londres, si no lo del inglés a ver de qué. Así que merito ninguno.





Y lo de no poder salir, literalmente es que no podía jugar en la calle, por mi discapacidad. Cómo las obras de teatro en ediciones cutres de bolsillo estaban más o menos baratas (o bien copias usadas y raídas de suganda ) y no podíamos permitirnos más, las devoré.


Muchos libros. Me enamoré de la literatura siendo crío, y hasta hoy.

Pues ayer empecé mi ciclo de cine navideño viendo Jack Frost - en HD en Movistar + -. Resulta curioso ver a un resucitado Michael Keaton, gracias a Birdman, en este tipo de cintas familiares. Le acompaña Kelly Preston como su mujer, que al final sale incluso igual que el propio Michael.

La película es muy sencilla, casi la historia daría para un corto, pero se nota que está alargada en exceso. Me ha gustado que siempre aparecen paisajes nevados, la casa muy bien decorada para navidad, en ese sentido te mete en el espíritu navideño. Sin embargo, la historia flojea bastante, y es que los momentos que se supone que deben ser emocionantes o provocar alguna lágrima, no lo consiguen en absoluto. Mi nota es un 4, se puede ver, pero se nota mucho que es un film fallido.

Iniciado por Branagh/Doyle

Mujer, recuerda que he vivido gran parte de mi vida en Londres, si no lo del inglés a ver de qué. Así que merito ninguno.





Y lo de no poder salir, literalmente es que no podía jugar en la calle, por mi discapacidad. Cómo las obras de teatro en ediciones cutres de bolsillo estaban más o menos baratas (o bien copias usadas y raídas de suganda ) y no podíamos permitirnos más, las devoré.


Muchos libros. Me enamoré de la literatura siendo crío, y hasta hoy.

Yo tenía (y tengo aún) esos tan cutres de Aguilar (las traducciones no eran muy allá, y en cuanto te los leías dos o tres veces, ya estaban hechos una pena). Y los de RTVE, aquellos amarillos.

Oh, RTVE... aquellos tiempos donde eran referencia cultural del país. Los echo mucho de menos.

Iniciado por Branagh/Doyle

Oh, RTVE... aquellos tiempos donde eran referencia cultural del país. Los echo mucho de menos.

La TV ya no es lo que era....
Anoche vi Predators ya que llevan dias con el anuncio de darla en televicion , y me niego a tragarme los anuncios teniendola en Dvd.
Pues me ha gustado mas que la primera vez que la vi , no mucho mas . Tiene Guiños a la Predator de Arnold , pero me quedo con la del Austriaco sin ninguna duda.
A Brody no lo veo para nada como un "MACHO MACHOTE" . Y para mi gusto lo mejor de la cinta son las distintas especies de Depredadores .

Tracker,Berserker y Falconer tienen su carisma,la verdad es que como pelicula de accion cumple,pegotera...pero es una pelicula de accion...no esta mal.

creo que ya lo comente por aqui,es poco fuerte eso de que Alien Brody con una Calavera sacuda a un Berserker Predator una somanta palos xDDDDDD.

con lo que sudo Dutch en la primera DEPREDADOR para vencer a un Yautja bastante mas Chikkitin .

a mi para estas peliculas preferiria que me metieran a un extraño y el dinero de ese actor tan bueno y tan caro que lo invirtieran en Fan service,osea metraje para los autenticos protagonistas...los Predators,
de todos modos a mi me parecio una pelicula entretenida,mucho mejor que AVP RESURRECTION.

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El mundo sigue.

Película que pasa por ser una de las más malditas del cine español, perseguida por la censura en su momento y que se ha visto muy poco. Y realmente, tiene cosas que se las trae . A mí, sin embargo, me ha supuesto una decepción mayúscula.

Narra la historia de dos hermanas, Eloísa (Lina Canalejas) y Luisa (Gemma Cuervo) que se llevan a matar. Eloísa es una mujer sufrida y decente, pero con un carácter de mil demonios, y que lleva una vida infeliz, casada con Faustino (Fernando Fernán Gómez), y con cuatro hijos pequeños. Viven en un cuchitril, Eloísa se mata a trabajar, va siempre hecha un desastre y su marido, que es camarero, es un bala perdida obsesionado con ganar una quiniela, que se pule el dinero de la familia, le mira el culo en la calle a desconocidas y empina el codo. Luisa en cambio es puta (no lo llegan a decir en la película, pero queda bastante claro); goza de cierta libertad, gana bastante dinero y vive con cierta holgura. Eloísa desprecia a su hermana y no pierde ocasión de hacérselo saber; Luisa por su parte, hace todo lo que puede por zaherirle donde más duele. Aparece también por ahí Agustín González, que hace de escritor y que no se sabe muy bién qué pinta en todo aquello (la he pillado empezada ). Parece una descripción exagerada del argumento, pero os aseguro que es exactamente así. Un día, Faustino acierta una quiniela de catorce y piensa que por fin se va a hacer millonario y se van a acabar todos sus problemas, pero

Spoiler:

los problemas no hacen sino empezar; la quiniela al final resulta que la han acertado otras cuatrocientas personas, el premio es irrisorio y encima él se lo fuma en otras quinielas: cuando va por la calle como zombie lo atropellan y le roban lo poco que le ha quedado; más adelante, acaba robando en el trabajo, le detienen y se le llevan a la cárcel, donde acaba como una chiva y no so vuelve a saber más de él. Su mujer, a la que ha llegado a maltratar -con escenas muy gráficas de violencia- se ha puesto a trabajar de sirvienta, y la hermana puta por fin se va a casar con un señorón rico al que ha logrado engatusar, y que ve muy mal que su hermana trabaje limpiando casas ahora que ella va a ser una gran señora. Tienen la enésima trifulca; la hermana puta se va del barrio y vuelve montada en un cochazo enorme que le ha regalado el marido y que casi no cabe en la calle -es como el coche aquel en que mataron a Kennedy-, y cuando la otra hermana la ve venir, como no quiere verla, le da un ataque de histeria, se tira del balcón -quedando hecha unos verdaderos zorros , de verdad es muy sangriento para una peli española de la época- y cae en sobre el coche, matándose al instante. A la otra hermana, que le había jurado odio eterno y acabar con ella, le da otro ataque de nervios y empieza a gritar y a llorar pidiendo su perdón.

Y ya.

Sin duda que en su día parecería muy atrevida y muy moderna (y, desde luego, tiene cosas que no se veían en el cine español de la época: mujeres maltratadas en primer plano, camas de matrimonio, referencias sexuales muy poco veladas, un personaje que llama guarra a otro...), pero a mí me ha parecido de lo más previsible. Fernando Fernán Gómez no era Vittorio de Sica ni Juan Antonio Bardem, y la película entera es una suma de tópicos tremendistas y de neorrealismo italiano empachado y mal digerido. Con cosas como esos monólogos interiores que tanto me fastidian, y que dan la impresión de que el espectador es tonto y hay que dárselo todo bien masticadito. Con actores sobreactuados hasta casi el ridículo y personajes que rozan la caricatura (por Dios, si es que en esa familia estaban todos de la olla , y formaban unas peloteras tremendas en menos de nada). Con todo, hay un par de grandes momentos interpretativos a cargo de Fernán Gómez y de la Canalejas, y se advierte la intención de contar una historia seria y ambiciosa, pero se notaba que los personajes estaban poco trabajados, y mi impresión es que Fernán Gómez quería imitar cosas del neorrealismo italiano (con algún elemento, incluso, de la Nouvelle Vague, estilos que, por cierto, en mi opinión han superado muy mal el paso del tiempo y se ven hoy terriblemente antiguos -quizá esto explique la pobre impresión que me ha causado la película), sin dominar ese tipo de cine.

Una rareza, y poco más.

Buenas.

Es una historia muy áspera, nada fácil de digerir, y con pocas concesiones al espectador.
A mí me parece una gran película. No creo que le importara tanto a Fernan Gómez el ser atrevido en temas tabús en aquella época; y que se reflejan en la historia; más que plasmar una desesperanza y decrepitud de la sociedad a la que retrata. Personalmente creo que se puede extrapolar tranquilamente a nuestros días en muchos puntos esta historia.
Yo veo una progresión en lo que tú llamas sobreactuación, enfatizada y dirigida a mostrar la locura y bajeza de unos personajes retratados. No veo nada al azar en esta historia, todo esta medido y supeditado a la misma.
Fernan Gómez era un gran admirador del neorrealismo, pero no un burdo imitador a mí parecer. Tiene películas donde muestra claramente esa admiración. Fue una personalidad única, y me refiero por supuesto a su faceta artística, la otra no mi interesa para nada.
Aún así, comprendo perfectamente tu critica, es una película sumamente complicada de digerir, y no muy agradable de ver la verdad.
Yo la vi no hace mucho, y no tuve esa sensación de haber aguantado mal el paso del tiempo, todo lo contrario. Es lo bonito del cine, verdad?

Un saludo.

No sé, yo todo éso lo vi muy mal contado y previsible. Yo creo que hay otras películas de la época que reflejan mejor esa bajeza y esa corrupción de la sociedad de las que hablas, como Calle Mayor, Muerte de un ciclista o Los olvidados (aunque ésta última, hecha en México, creo que podría ser bastante extrapolable a España); por otra parte, llegaba un momento en que me daba absolutamente igual lo que les pasase a los personajes del filme de Fernán Gómez; a tal punto me producían poca empatía. Yo creo que era un director competente y que tenía películas muy buenas (como Viaje a ninguna parte, aunque, en mi opinión, el setenta por ciento de este filme es José Sacristán); pero me parece que con esta combinación de neorrealismo italiano, tremendismo ibérico y Nouvelle Vague francesa no acertó, no sé si es que la película tuvo un rodaje accidentado o qué.

la hermana puta se va del barrio y vuelve montada en un cochazo enorme que le ha regalado el marido y que casi no cabe en la calle -es como el coche aquel en que mataron a Lincoln-,

A Lincoln no lo mataron en un coche, sino en el teatro. Supongo que te refieres a Kennedy, y el lapsus viene dado porque el cochazo en que circulaba por Dallas era un Ford,... modelo Lincoln.

Por cierto, Agustín González, lo que hace por ahí, es ser un vecino que se enamoró en su día de la vecinita que llegó a ser Miss Maravilla, amor platónico, evidentemente. Es un personaje bastante patético y mal dibujado. Faltaría leer la novela en que se basa el film, de Zunzunegui, autor que se suele considerar naturalista.

Yo también entiendo tu crítica, aunque en mi caso sí considero la película de Fernán Gómez un buen film, aunque quizá mitificado en exceso. Ah, y la hermana, Gemma Cuervo, a la que llamas "puta" con insistencia, mas bien es lo que entonces se denominaba una "querida" o una "mantenida", que no hacía propiamente la calle, vamos, que lo que hacía era amancebarse con señorones de postín para ir tirando.

Por cierto, un apunte más sobre El mundo sigue: tal como se cuenta en los extras de la edición de A Contracorriente, la película se estrenó casi de incógnito en una sala de Bilbao y se mantuvo en el ostracismo durante décadas. Sólo se había vuelto a ver en algún pase filmotequero (yo, por ejemplo, la vi en el 2001 en un pase de la Filmoteca de Catalunya). De hecho, pues, casi podríamos decir que estamos ante un estreno. La película, desde luego, era explosiva para la época, no sólo por los personajes y situaciones mostrados, sino sobre todo por el tono extremadamente amargo:

Spoiler:

ese suicidio final, brutal, era una patada en la boca del estómago de los desarrollistas años sesenta

. Inaceptable para la censura de la época, más allá de los aciertos del film, que haberlos haylos.

Ya lo he arreglado . Es lo que tiene escribir a altas horas de la noche, de prisa y corriendo y un tanto perjudicada. En cuanto a lo de la hermana de vida alegre y el personaje de Agustín González, ya te digo que pillé la película empezada. De todas formas, esas señoras no solían estar nada bien vistas, como la hermanita se encarga de recordar cada dos por tres. Creo que precisamente el personaje de González tiene una de las pocas escenas realmente interesantes de la película cuando va a ver al crítico del periódico y este le recuerda amablemente que todos los hijos de los jerarcas del régimen son gente de talento (y ésto me pareció la única cosa en la que de verdad se criticaba al régimen directamente en la película). Fuera de éso, no le pasa gran cosa...Lo demás...me pareció todo muy tópico, esos monólogos interiores que parece como si el director pensara que el espectador es tonto y hay que explicárselo absolutamente todo, el marido zurrando a la mujer y el niño berreando, el marido irresponsable que acaba de mala manera, los padres que casi parecen más de una de esas películas costumbristas de la época que de un drama del realismo social...No sé, ya digo que esas situaciones de bajeza moral y personajes histéricos y al límite se ven mejor en otras películas, como Deseos humanos, Perversidad, Cautivo del deseo o incluso otras películas españolas de la época como Muerte de un ciclista, si bien esta no incide tanto en cuestiones sociales al tratarse de una historia protagonizada por gente de clases sociales altas.

Sí, leo por ahí que la película se estrenó casi de tapadillo, dos años después de su rodaje, en un cine de Bilbao, únicamente, y que sólo estuvo en cartel una semana.

Iniciado por Jane Olsen

...Lo demás...me pareció todo muy tópico, esos monólogos interiores que parece como si el director pensara que el espectador es tonto y hay que explicárselo absolutamente todo, el marido zurrando a la mujer y el niño berreando, el marido irresponsable que acaba de mala manera, los padres que casi parecen más de una de esas películas costumbristas de la época que de un drama del realismo social...No sé, ya digo que esas situaciones de bajeza moral y personajes histéricos y al límite se ven mejor en otras películas, como Deseos humanos, Perversidad, Cautivo del deseo o incluso otras películas españolas de la época como Muerte de un ciclista, si bien esta no incide tanto en cuestiones sociales al tratarse de una historia protagonizada por gente de clases sociales altas...

Pero muy tópico, ¿respecto a qué? No, desde luego, al cine español de la época. Hay que situarse en el contexto: principios de los sesenta en la España franquista. Meter así de corrido: violencia masculina completamente injustificada (aquí no se apela al honor, que tan bien funcionaba en la época), una querida socialmente triunfante, una familia completamente enloquecida (en la que uno de los miembros, el padre de familia, es un guardia; y el exseminarista aparece claramente como un parásito), y ese mundo sórdido de falsas ilusiones (la quiniela), de aprovechados (el propietario del bar), de abortos propuestos (aunque no se den realmente), y sobre todo, insisto, ese final que es como un puñetazo, era algo inaudito para la época.

En todo caso, creo que las comparaciones pertinentes se tendrían que hacer con el cine español de la época, no con el norteamericano. Todo y con eso, sigo creyendo que la sordidez y violencia de la película, sin pizca de humor (algo que solía introducir el cine italiano) ni recurso al género policiaco, resultaba demasiado descarnada para un drama que sitúa el meollo de la trama en el seno de una familia, sacrosanta institución nuclear del régimen.

Justamente también durante estos días se ha pasado por la 2 El inquilino, de José Antonio Nieves Conde. Tirón de orejas a la política de la vivienda del régimen, sin esconder toda la sordidez y miseria de la época, aunque, eso sí, en tono de comedia, que siempre se interpretó como más llevadera para tratar estos temas conflictivos. Tampoco tuvo demasiada fortuna, y tal como se comentó en la introducción, sufrió en el momento del estreno la modificación del final, endulzándolo. También con Fernán Gómez de protagonista, encarnación ideal del "español medio" de la época. Ah, y con mujer y cuatro hijos, para más señas.

Pues no sé ...supongo que en el sentido de que te lo esperas todo mucho y no te sorprende que el marido acabe zurrándole a la mujer porque él es un bicho y ésta cubriéndole de baldones y denuestos porque en el fondo ella es una arpía. En el cine español de la época esas situaciones no solían verse, o por lo menos, no se veían de manera tan gráfica, y si te las ponían, te las solían poner aderezadas de un final moralizante (caso de, por ejemplo, Balarrasa, donde te ponían una familia de clase alta donde todos eran cualquier cosa menos buenos -con la excepción, claro está, del seminarista- pero tenían finales adecuados a sus respectivos pecados). O, como dices, si aparecían tenían un aire de comedia, como en Plácido, o un barniz de cine negro como en Muerte de un ciclista. Pero en las novelas de la época, donde la censura solía ser algo más permisiva (y en algunas cintas de Buñuel, si bien la mayoría hechas en otros países), sí te presentaban esas situaciones tremendistas de miseria material y sordidez moral: en muchas novelas de Cela, de Delibes, de Luis Martín Santos, de Rafael Sánchez Ferlosio... El inquilino también la estuve viendo un rato (la había visto previamente hace la torta de años), pero ésa sí que no la comenté porque no la vi entera. Efectivamente, allí un problema tan acuciante (y también, por desgracia, de plena actualidad) como la falta de viviendas asequibles y adecuadas para gran parte de la población, es tratado con grandes dosis de ironía, y de paso, sirve para también retratar otras situaciones nada positivas de la sociedad, como lo distanciados que están los representantes del poder de los ciudadanos de a pie y lo rapaces y peseteros que son algunos empresarios. Yo creo que ahí esa crítica social sí estaba mejor hecha, en la película de Fernán Gómez no te queda claro si a estos personajes les va tan mal por la sociedad en que viven o si simplemente es porque están como una chiva (y creo que esto no es sólo problema de la película esta en concreto, sino de toda esa corriente tremendista que atravesaba buena parte de la cultura española de la época: la novela en que se basaba esta película no la conocía).

Un apunte más, de interés histórico: tanto Zunzunegui, autor de la novela en que se basa el film de Fernán Gómez, como José Antonio Nieves Conde, director de El inquilino y Surcos, films de "denuncia" dentro de un orden, fueron falangistas, pero al parecer poco dados a comulgar con las ruedas de molino del régimen.

De hecho, creo que en Surcos, que recibió bastante apoyo oficial, a pesar de ser una película que también presentaba una serie de situaciones bastante tremebundas, la censura obligó a cambiar el final de la película.

Iniciado por mad dog earle

Pero muy tópico, ¿respecto a qué? No, desde luego, al cine español de la época. Hay que situarse en el contexto: principios de los sesenta en la España franquista. Meter así de corrido: violencia masculina completamente injustificada (aquí no se apela al honor, que tan bien funcionaba en la época), una querida socialmente triunfante, una familia completamente enloquecida (en la que uno de los miembros, el padre de familia, es un guardia; y el exseminarista aparece claramente como un parásito), y ese mundo sórdido de falsas ilusiones (la quiniela), de aprovechados (el propietario del bar), de abortos propuestos (aunque no se den realmente), y sobre todo, insisto, ese final que es como un puñetazo, era algo inaudito para la época.

En todo caso, creo que las comparaciones pertinentes se tendrían que hacer con el cine español de la época, no con el norteamericano. Todo y con eso, sigo creyendo que la sordidez y violencia de la película, sin pizca de humor (algo que solía introducir el cine italiano) ni recurso al género policiaco, resultaba demasiado descarnada para un drama que sitúa el meollo de la trama en el seno de una familia, sacrosanta institución nuclear del régimen.

Justamente también durante estos días se ha pasado por la 2 El inquilino, de José Antonio Nieves Conde. Tirón de orejas a la política de la vivienda del régimen, sin esconder toda la sordidez y miseria de la época, aunque, eso sí, en tono de comedia, que siempre se interpretó como más llevadera para tratar estos temas conflictivos. Tampoco tuvo demasiada fortuna, y tal como se comentó en la introducción, sufrió en el momento del estreno la modificación del final, endulzándolo. También con Fernán Gómez de protagonista, encarnación ideal del "español medio" de la época. Ah, y con mujer y cuatro hijos, para más señas.

Cito este texto tuyo porque resume mis pensamientos sobre esta obra. Cinematográficamente es algo casi único en la época en que se filma, y socialmente es un retrato feroz de esa España. Lástima que estuviera "secuestrada" su visión durante tanto tiempo. Podría haber abierto un camino más en la forma de hacer cine en esos días, de contar historias de una forma muy diferente a todo lo filmado en esos años.

Claro está, que al final da igual todo esto, al final todo se resume que lo que ves, te atrape o no, da igual los méritos o presuntos méritos que algunos veamos sumados a la historia en cuestión. Y menos mal que es así ;)

Saludos.

Revisada El último hurra, película de John Ford de amplio y jugoso contenido político, muy adecuada para estas fechas. Retrata la última campaña de un alcalde populista, Frank Skeffington (magistralmente encarnado por Spencer Tracy), inspirada al parecer en un personaje real, un longevo alcalde de Boston. El guion, de Frank Nugent, autor de los guiones de varios de los mejores films fordianos (Fort Apache, La legión invencible, El hombre tranquilo, Centauros del desierto, entre otros), es excelente, fluye perfectamente engrasado, y permite a Ford filmar con pasión una película donde aparecen buena parte de sus temas recurrentes: el papel de los americanos de origen irlandés, convertidos en cierta manera en la sal de la nación; el enfrentamiento del populismo integracionista (que aglutina a inmigrantes italianos, judíos, irlandeses, población afroamericana, etc., y que recibe el apoyo tanto de sacerdotes católicos como de rabinos) con los poderes fácticos que representan los estirados y clasistas WASP (encarnados aquí, especialmente, por un banquero, el adusto Basil Rathbone, y el editor de un periódico, John Carradine, con un oscuro pasado como miembro del KKK, todos ellos miembros del Plymouth Club, reducto de la caverna de los defensores de la pureza puritana de los padres de la patria). En ese enfrentamiento, con regusto a lucha de clases no marxista, el alcalde actúa con un sentido muy patrimonialista de la política, clientelar y paternalista, pero efectivo para conseguir sus objetivos, aunque tenga que pisotear ciertos principios legales o utilizar métodos poco ortodoxos (como chantajear al banquero para conseguir la financiación de unas viviendas a costa de ridiculizar a su hijo, un pobre memo). Desde luego, Skeffington no es un político libre de la sombra de la corrupción ni inmaculado en su actuación, pero es alguien salido de abajo que conserva bien presentes sus raíces, y de ellas sigue nutriéndose para lograr sus éxitos electorales.

Ese hombre vive, en la recta final de su vida y de su carrera política, en la soledad de su viudedad (son de una ternura indescriptible los pocos momentos en que recuerda a su mujer, por medio de pequeños detalles tan fordianos: depositar cada día una flor delante de su retrato, encogerse de hombros ante ese retrato una vez consumado el fracaso electoral, o la emoción de reconocer un corazón grabado en su infancia). Además, constata el fracaso como padre (su hijo es un vivalavirgen, que solo se preocupa de fiestas y ligoteos… no sé a qué político próximo me recuerda…). Tracy sabe encontrar siempre la interpretación justa para no caer en un sentimentalismo facilón. Junto a él, una cohorte plural de colaboradores, desde el judío al irlandés, pasando por el WASP ganado a su causa (con los rostros de algunos secundarios habituales, como Pat O’Brien, James Gleason, Ricardo Cortez). No pueden faltar tampoco algunos miembros de la familia fordiana: Anna Lee (una viuda confortada por la “generosidad” impuesta por Skeffington), Jane Darwell, Donald Crisp, el cardenal, Ken Curtis, su sacerdote de cabecera. Quizá el personaje menos logrado sea el del sobrino periodista, Jeffrey Hunter, que actúa como guía para el espectador en el viaje que realizamos a las interioridades del mundo de Skeffington. Incluso se introducen unas reflexiones muy interesantes sobre el papel de la televisión en las campañas políticas, algo que sigue tan de actualidad o más que entonces, cuando poco después Kennedy ganó a Nixon gracias al poder de la “caja tonta”.

En resumen, espléndido film, de rabiosa actualidad, que sin negarnos algunos breves momentos de ese lirismo fordiano tan difícil de describir e imposible de imitar nos revela un Ford (y un Nugent, a partir de una novela de Edwin O’Connor) agudo en su análisis político. Por supuesto, no falta ese aroma de paraíso perdido, esa nostalgia teñida de melancolía por un pasado que ya no es (y que quizá nunca fue), que tan presente estuvo siempre en su cine.

FRÍAMENTE… SIN MOTIVOS PERSONALES (1972) de Michael Winner

Charles Bronson es recordado por la mayor parte del público, además de por algún western ilustre, por su personaje en el “Justiciero de la ciudad” y secuelas; pero la verdad es que el actor participó en unos cuantos thrillers a lo largo de los 70 e incluso de los 80, unos fallidos y/o convencionales (Cabo Blanco, Amor y balas, América violenta, Los compañeros del diablo …) pero otros superiores a los de su más famoso urban vigilante, entre los que destacaría, de los que he visto los últimos meses: el extraordinario policiaco de fondo Hollywood clásico (incluyendo indispensable femme fatale) pero estilemas modernos, llamado “Ciudad Violenta” (1970); o la notable cinta de acción y aventura “Caza salvaje” (1981), precedente de “Acorralado”; a estos se añade ésta muy estimable “The Mechanic” (en título original), una de sus colaboraciones con el director Michael Winner y que, algunos recordarán, fue motivo de un reciente remake con Jason Statham, pasable pero muy inferior a su original, entretenida pero sin la aspereza y sordidez moral de esta otra, y cambiando el final (y hasta aquí llego).



Bronson es un asesino a sueldo (un mechanic, que tal como nos cuentan es quien asesina simulando un accidente), planificando sus misiones en su casa, mientras viste albornoz, escucha música clásica y observa cuadros renacentistas simbolistas. La peli empieza muy bien, con frío y metódico crimen, y a su personaje le encomiendan finiquitar a un amigo suyo, tras lo cual decide adoptar como aprendiz al hijo de este (¿remordimientos? ¿solo buscar un sucesor? lo que sea, no se dice), un jovenzuelo rubito interpretado por Jan-Michael Vincent, personaje caracterizado por una arrogancia púber. La peli baja algo en interés con los primeros pasos de aprendizaje, para volver a ganar enteros con el –como es fácil sospechar- inevitable enfrentamiento entre ambos: tensión sostenida, divertidamente malévolo, mientras planifican a espaldas del otro su muerte. No destriparé el (excelente) climax final, solo añadir el buen hacer de Winner, en la acción, el suspense y, desde luego, las pocas contemplaciones y crueldad de los personajes, para con el espectador (especialmente el actual, que parece necesitar infantil empatía con alguien positivo en pantalla), características del género y su década. La corrección política no se destilaba entonces.

REVISANDO CLÁSICOS: CINE NEGRO (I): ROBERT PARRISH (I)

CRY DANGER (1951) de Robert Parrish

Olympic Productions, Inc./RKO Radio Pictures, Inc.

A Wiesenthal-Frank Production.

Primera película como director del montador Robert Parrish (ganador del óscar por BODY AND SOUL (1947, CUERPO Y ALMA) de Robert Rossen, con quien colaboró también en ALL THE KING'S MEN (1950, EL POLÍTICO) y THE BRAVE BULLS (1951)) CRY DANGER (inédita en cines en España) es una atractiva muestra de cine negro protagonizada por el hoy un tanto olvidado (y excelente) Dick Powell (actor reclicado de los musicales en los años '30 al cine negro en los '40) y la bellísima y pelirroja Rhonda Fleming (todavía vivita y coleando a los 92 años). Trata del tema del amor y la amistad traicionada con un cierto hálito fatalista en una trama bien llevada por Parrish en su ópera prima, con un sólido y sencillo guión de William Bowers (autor del libreto de dos soberbios westerns: THE GUNFIGHTER (1950, EL PISTOLERO) de Henry King y THE LAW AND JAKE WADE (1958, DESAFÍO EN LA CIUDAD MUERTA) de John Sturges) y una estupenda fotografía en b/n del gran Joseph F. Biroc. Una historia bien contada, elegantemente filmada, muy sólida para ser su primera obra y con un final triste que se adecúa a una historia donde los que se suponen que eran tus mejores amigos acaban siendo tus peores enemigos.
Un pequeño gran film a rescatar.

Iniciado por Jane Olsen

El mundo sigue.

Película que pasa por ser una de las más malditas del cine español, perseguida por la censura en su momento y que se ha visto muy poco. Y realmente, tiene cosas que se las trae . A mí, sin embargo, me ha supuesto una decepción mayúscula.

Narra la historia de dos hermanas, Eloísa (Lina Canalejas) y Luisa (Gemma Cuervo) que se llevan a matar. Eloísa es una mujer sufrida y decente, pero con un carácter de mil demonios, y que lleva una vida infeliz, casada con Faustino (Fernando Fernán Gómez), y con cuatro hijos pequeños. Viven en un cuchitril, Eloísa se mata a trabajar, va siempre hecha un desastre y su marido, que es camarero, es un bala perdida obsesionado con ganar una quiniela, que se pule el dinero de la familia, le mira el culo en la calle a desconocidas y empina el codo. Luisa en cambio es puta (no lo llegan a decir en la película, pero queda bastante claro); goza de cierta libertad, gana bastante dinero y vive con cierta holgura. Eloísa desprecia a su hermana y no pierde ocasión de hacérselo saber; Luisa por su parte, hace todo lo que puede por zaherirle donde más duele. Aparece también por ahí Agustín González, que hace de escritor y que no se sabe muy bién qué pinta en todo aquello (la he pillado empezada ). Parece una descripción exagerada del argumento, pero os aseguro que es exactamente así. Un día, Faustino acierta una quiniela de catorce y piensa que por fin se va a hacer millonario y se van a acabar todos sus problemas, pero

Spoiler:

los problemas no hacen sino empezar; la quiniela al final resulta que la han acertado otras cuatrocientas personas, el premio es irrisorio y encima él se lo fuma en otras quinielas: cuando va por la calle como zombie lo atropellan y le roban lo poco que le ha quedado; más adelante, acaba robando en el trabajo, le detienen y se le llevan a la cárcel, donde acaba como una chiva y no so vuelve a saber más de él. Su mujer, a la que ha llegado a maltratar -con escenas muy gráficas de violencia- se ha puesto a trabajar de sirvienta, y la hermana puta por fin se va a casar con un señorón rico al que ha logrado engatusar, y que ve muy mal que su hermana trabaje limpiando casas ahora que ella va a ser una gran señora. Tienen la enésima trifulca; la hermana puta se va del barrio y vuelve montada en un cochazo enorme que le ha regalado el marido y que casi no cabe en la calle -es como el coche aquel en que mataron a Kennedy-, y cuando la otra hermana la ve venir, como no quiere verla, le da un ataque de histeria, se tira del balcón -quedando hecha unos verdaderos zorros , de verdad es muy sangriento para una peli española de la época- y cae en sobre el coche, matándose al instante. A la otra hermana, que le había jurado odio eterno y acabar con ella, le da otro ataque de nervios y empieza a gritar y a llorar pidiendo su perdón.

Y ya.

Sin duda que en su día parecería muy atrevida y muy moderna (y, desde luego, tiene cosas que no se veían en el cine español de la época: mujeres maltratadas en primer plano, camas de matrimonio, referencias sexuales muy poco veladas, un personaje que llama guarra a otro...), pero a mí me ha parecido de lo más previsible. Fernando Fernán Gómez no era Vittorio de Sica ni Juan Antonio Bardem, y la película entera es una suma de tópicos tremendistas y de neorrealismo italiano empachado y mal digerido. Con cosas como esos monólogos interiores que tanto me fastidian, y que dan la impresión de que el espectador es tonto y hay que dárselo todo bien masticadito. Con actores sobreactuados hasta casi el ridículo y personajes que rozan la caricatura (por Dios, si es que en esa familia estaban todos de la olla , y formaban unas peloteras tremendas en menos de nada). Con todo, hay un par de grandes momentos interpretativos a cargo de Fernán Gómez y de la Canalejas, y se advierte la intención de contar una historia seria y ambiciosa, pero se notaba que los personajes estaban poco trabajados, y mi impresión es que Fernán Gómez quería imitar cosas del neorrealismo italiano (con algún elemento, incluso, de la Nouvelle Vague, estilos que, por cierto, en mi opinión han superado muy mal el paso del tiempo y se ven hoy terriblemente antiguos -quizá esto explique la pobre impresión que me ha causado la película), sin dominar ese tipo de cine.

Una rareza, y poco más.

Yo la he visto hace poco, y pienso lo mismo, "una de las mejores peliculas españoles de siempre"....no para mi, un melodrama puro y duro, no desentona ni destaca, no me emociona en ningún momento y se me ha hecho eterna. Lejos del peor (el menos bueno mejor dicho) Berlanga y Buñuel.

Estos dias estoy enganchadisimo al nuevo canal de M+ Star Wars, menos mal que falta poco para el episodio 7, pero ya he visto 2 veces mas el Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi, ademas de las demas una vez mas, tambien todos los extras y parte del making-of de esta ultima y partes de la comic-Con, vamos tengo un Hype de SW brutal, la pintaque tiene este nuevo episodio es brutal, a las ya vistas no les pongo ni nota que ya todas me parecen buenas, bueno mejor la saga original, supongo que no soy el unico que espera este estreno del Episodio VII, vamos que ya queda muy poquito.

Moby Dick (John Huston; 1956)

Fantástica película de aventuras del Hollywood de los 50, que viene a ser la precursora de la obra maestra de Spielberg, Tiburón. Gregory Peck nos ofrece una interpretación feroz y psicópata que el personaje del Capitán Abab requiere: un capitán obsesionado por cazar una ballena gigante que en otros tiempos le dejaría grandes secuelas tanto físicas como psíquicas.

Huston, al igual que un par de décadas más tarde hiciera Spielberg, opta por insinuar a la bestia/ballena en vez de enseñar, cazando previamente otro ejemplar (como pasa también en la película de Spielberg), mostrándola sólo en el final con el cruel desenlace de Ahab muriendo a manos de la propia ballena, tal vez víctima de sus propias obsesiones llevándose por delante a toda la tripulación.

Espléndido además el trabajo de Leo Genn, el Petronio de Quo Vadis; un gran actor relevado normalmente a papeles secundarios, pero aquí funciona como el contrapunto cuerdo y sensato al personaje de Gregory Peck. Y siguiendo con los paralelismos con Tiburón, creo que su personaje podría encajar con el Jefe Brody de Tiburón, mientras que el Ahab de Peck con el personaje de Quinn.

Como notas negativas, se nota demasiado la maqueta de la ballena y algunos secundarios no aportan nada a la narración, pero es una gran película de aventuras que no puede bajar de un bien merecido 8.