Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

13:14
Tras el terrible terremoto que azotó a México en el 2017, al youtuber JuanPa Zurita se le hizo buena idea para un video hacer una colecta de un millón de pesos para ayudar a los damnificados. Se alcanzó la meta, pero cinco años después... ¿A dónde fue el dinero? ¿Fue todo un proyecto de vanidad que se salío de control? ¿Que tan culpable es JuanPa?



"Documental" donde las celebridades involucradas en la colecta se arrojan la culpa los unos a los otros, dejando ver lo poco que realmente les importan los damnificados. Pero eso si, dejando bien en claro que JuanPa solo tenía las mejores intenciones.

En cierta manera, se nota que la gente está tan desconectada de la realidad, al punto de hacer esta película un proyecto de vanidad para excusarse de otro proyecto de vanidad, que queda como una sátira involuntaria.

Quizás lo único rescatable es cuando se deja hablar a los afectados, cuya naturalidad y sencilles contrasta brutalmente con el circo de influencers a su alrededor.


THERE IS SOMEBODY INSIDE YOUR HOUSE
Los jovenes de un pueblo americano empiezan a ser victimas de un asesino enmascarado que revela sus más oscuros secretos.


Slasher bien hecho y perfectamente funcional, pero con tantas pistas falsas queda a deber una explicación sobre las tácticas del verdadero asesino.
Creo que está basado en un libro, no sé cuál sea la diferencia, pero me quedé esperando a la frase que titula la película.
A destacar la banda sonora

Dejad paso al pasado

o

BAKUSHÛ (1951, PRINCIPIOS DE VERANO)



Estreno: 3 de octubre de 1951 (Japón).

Estudio: Sochiku Co., Ltd.



Dirigida por Yasujirô Ozu.

Escrita por Kôgo Noda y Yasujirô Ozu.

Fotografiada por Yûharu Atsuta.

Musicalizada por Senji Itô.

Reparto:

Familia Mamiya:

- Abuelos: Shukichi (Ichirô Sugai) y Shige (Chieko Higashiyama)

- Hijos: Koichi (Chishû Ryu) [y su esposa Fumiko (Kuniko Miyake)] y Noriko (Setsuko Hara)

- Nietos: Minoru (Zen Murase) e Isamu (Isao Shirosawa), hijos de Koichi y Fumiko.



Hace ya casi dos años, en plena pandemia, tuve la oportunidad de ver por primera vez una cinta del cineasta japonés Yasujirô Ozu (1903-1963), en concreto la obra maestra PRIMAVERA TARDÍA (1949), protagonizada por la nueva musa del director, la maravillosa Setsuko Hara (1920-2015)...



... y por su actor fetiche, el incombustible (y, en cierta forma, alter ego del director) Chishû Ryu (1904-1993)...



... y ya entonces comenté que su visionado fue una auténtica epifania puesto que me pareció una de las cintas más bellas que había visto hasta la fecha… y quien esto afirma frisa ya los 57 años…

Desde luego no seré yo quien diga que Ozu es el más japonés de todos los grandes directores japoneses pero en lo que sí estoy de acuerdo en que pocos cineastas a nivel mundial han sabido mantener a lo largo de toda una carrera una visión de la vida cotidiana tan coherente y homogénea como la suya.

Uno de los motivos seguramente podríamos atribuírselo a su fidelidad al estudio Shochiku donde realizó, de 1927 a 1962, 51 de los 54 largometrajes que componen su filmografía.

Fidelidad extrapolable a sus más estrechos colaboradores, como el guionista Kôgo Noda (1893-1968), que se encargaría de escribir todas sus películas desde la mencionada PRIMAVERA TARDÍA o el también nombrado Chishû Ryu que trabajó en todas sus cintas, salvo en dos.

Ozu además es uno de los directores que más veces ha versioneado su propia obra y no precisamente por falta de inspiración.

Ejemplos:

1932 / HE NACIDO, PERO… (Su primera cinta sonora) > 1959 / BUENOS DÍAS

1934 / HISTORIA DE LAS HIERBAS FLOTANTES > 1959 / LA HIERBA ERRANTE

1949 / PRIMAVERA TARDÍA > 1960 / OTOÑO TARDÍO > 1962 / EL SABOR DEL SAKE

PRINCIPIOS DE VERANO es la segunda de las tres entregas de la denominada “trilogía Noriko” junto a PRIMAVERA TARDÍA y CUENTOS DE TOKIO (1953).

Noriko, la joven protagonista femenina de estas tres joyas, está encarnada por la celestial Setsuko Hara y aunque pueda parecer un mero capricho por parte de Ozu la elección del nombre dado que entre ellas no existe ningún parentesco, en efecto lo es.



Sin embargo, lo que en realidad hermana a estas tres películas es la visión que de la institución familiar tiene su director y, especialmente, de su inexorable desintegración, así como de la brecha generacional que supuso el (traumático) final de la Segunda Guerra Mundial para el País del Sol Naciente.

No deja de ser paradójico que nadie haya diseccionado tan bien el núcleo familiar como Ozu teniendo en cuenta que no sólo jamás llegó a casarse sino que vivió con su madre hasta la muerte de esta.

Y aunque sea un mera coincidencia Ozu nació y murió en el mismo día, el 12 de diciembre.

Si en PRIMAVERA TARDÍA únicamente eran dos los componentes de la familia Somiya, Shukichi (Ryû) y su hija Noriko (Hara), aquí la misma verá aumentar su número hasta siete, todos ellos impecablemente desarrollados gracias al talento combinado de Noda y Ozu.

Aunque tanto Ryû como Hara intervienen en los tres títulos de la trilogía su parentesco varía de la primera a la última.

Padre e hija en PRIMAVERA TARDÍA; hermanos en PRINCIPIOS DE VERANO; suegro y nuera en CUENTOS DE TOKIO.

En el reparto, además de los citados Ryû y Hara, repiten Haruko Sugimura (allí la tía de Noriko, aquí la madre del futuro esposo de Noriko, Kenkichi Yabe (Hiroshi Nihon’yanagi)) y Kuniko Miyake (allí el – presunto - interés amoroso de Shukichi, aquí la esposa de Koichi).



Usando los títulos anglosajones (algo extrapolable a los patrios) no hay nada más lógico que a LATE SPRING le siga EARLY SUMMER y más teniendo en cuenta que si Noriko en la primera tenía 27 años aquí tiene 28.

Además las dos historias pivotan entre Tokio (donde trabajan Koichi y Noriko) y Kamakura (donde vive la familia Mamiya).

En ambas además la (obsesiva) idea de buscar un marido a la independiente Noriko procede del exterior y siempre con la figura del padre como referente.

En PRIMAVERA es un viejo amigo de este el que sugiere a la joven que ya es hora de que asiente la cabeza y en PRINCIPIOS es el hermano mayor de su padre el que hace lo propio.



Sin embargo, Noriko es completamente feliz en su soltería y viviendo en compañía de su familia.

Aquí, además de la brecha generacional entre padres e hijos (o entre hermanos de distinto sexo) también existe la que se da entre las propias amigas de la protagonista que se dividen claramente entre las solteras (Noriko y Aya (Chikage Awashima), su más íntima amiga) y las casadas y que parecen vivir en mundos opuestos.

Y todavía es mayor esa brecha si hablamos de la tercera generación que representan los hijos del matrimonio formado por Koichi y Fumiko, dos auténticos Zipi y Zape y que aportan las necesarias gotas de humor (y en este caso notablemente socarrón) que siempre impregnan los mejores títulos de su director.



Aunque PRINCIPIOS no alcanza la perfección absoluta de PRIMAVERA lo cierto es que su estructura es todavía más compleja siempre teniendo en cuenta la sencillez ascética de su puesta en escena donde la cámara siempre se posiciona a ras de suelo puesto que la mayor parte la acción se dirime en los (extraordinarios) diálogos que se establecen en los personajes mientras comparten una comida.

Estas dos bellísimas películas son, como decía, reflexiones melancólicas sobre las relaciones familiares y donde además nadie sale ganando.

En PRIMAVERA Noriko aceptaba casarse con un hombre al que no amaba para que así, a su vez, su padre lo hiciese de nuevo. Sin embargo, sólo al final (¡y qué final!) sabremos que todo no fue más que un engaño urdido por este para que su hija dejase por fin el nido y creara su propia familia, aunque ello le rompiera el corazón en mil pedazos.

En PRINCIPIOS los motivos de la marcha de Noriko son todavía más complejos puesto que primero rechaza contraer matrimonio con el candidato propuesto por su jefe, el señor Satake (Shûji Sano) [y del que tanto Noriko como su amiga Aya parecen estar secretamente enamoradas] pero después acepta casarse con un viejo amigo de la familia, viudo y con una hija pequeña y que trabaja como asistente de su hermano, Kenkichi, por el que no siente ningún amor pero sí un profundo respeto.

De esta forma la derrota de Noriko está mucho más atemperada que la de su homónima en la cinta anterior, aunque no ocurre lo mismo con su familia puesto que la partida de la joven parece significar el punto y final de la misma.

Ciertamente no es un final tan amargo como el que cerraba con un broche de Oro (con Mayúsculas) la magistral PRIMAVERA pero ese retrato que se hace la familia Mamiya al completo no es más que un recuerdo de un pasado que jamás volverá a repetirse.



Buenas tardes/noches (o lo que se tercie) y, buena suerte.



…

Las seis colaboraciones entre Setsuko Hara y Yasujirô Ozu:

1949 / LATE SPRING / PRIMAVERA TARDÍA / Noriko Somiya

1951 / EARLY SUMMER / PRINCIPIOS DE VERANO / Noriko Mamiya

1953 / TOKYO STORY / CUENTOS DE TOKIO / Noriko Hirayama

1957 / TOKYO TWILIGHT / CREPÚSCULO EN TOKIO / Takako Numata

1960 / LATE AUTUMN / OTOÑO TARDÍO / Akiko Miwa

1961 / THE END OF SUMMER / EL OTOÑO DE LA FAMILIA KOHAYAGAWA / Akiko

Anoche le pegué un repaso a Stagecoach (La diligencia, 1939) de John Ford. La tenéis, claro, en Filmin.

Clásico western en un género que no me va demasiado (y lo tengo asociado a aburridas tardes de fines de semana en casa cuando tocaba verlas en TV y todo me parecía, no sé, triste y desamparado: yo es que soy más industrial, de ciudad, y eso de ver todo eso árido en pleno siglo XIX, pues no, prefiero irme a la Londres victoriana y seguir las aventuras de Sherlock Holmes ).

Me gusta porque es una de las epítomes del viaje grupal, con gente diversa forzada a aguantarse y que terminan, en algunos casos, con amistades y redenciones. Además, claro, del certero retrato social que en muchos casos sigue presente. Joder que ya sabemos que votaría Gatewood hoy en día, ¿no? Los apestados Dallas y Ringo... Y puntales que parecen inauditos cuando uno piensa en lo que se lleva hoy (Claire Trevor es la primera de la lista en los créditos actorales) y lo que aún no (los mexicanos son... Mexicanos!!! Bilingües, con un inglés así así, pero bilingües).

Más revisión John Ford: Rio Grande (1950). Esta, de nuevo western, es menos sutil que La diligencia. Sin embargo Wayne se casca un papel creíble de Coronel recto pero conmovido por la presencia de su hijo y su esposa. Si en La diligencia es el conductor del carro quien se lleva las escenas divertidas, aquí es el sargento, sin dudas.

Siento no meter más tochaco pero como decía: no es mi género predilecto.

Los culpables


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Un buen thriller atmosférico de cine negro catalan en 1960s.. Un empresario (T Blanco) cuya empresa está en quiebra decide fingir su propia muerte con una complicidad especial, su esposa Arlette (S Campos) y su amante, un médico llamado Andrés (Y Massard) encargado de firmar su muerte. Así podrá cobrar un seguro de vida de cinco millones de pesetas, y los enamorados tendrán vía libre para casarse. Todos ellos están involucrados en una audaz estafa que esperan sea el comienzo de una nueva vida. Pero las cosas se torcerán...

La peli se desarrolla con intriga hasta el desenlace. Una producción eficaz, bien hecha y bien interpretada (falla para mí gusto Massard)


También aporta ocasionalmente algunas novedades, incluyendo aspectos sociales, corrupción social, evasión de dinero a Suiza...


Basada en una obra de teatro,la mujer fatal es interpretada por una extranjera,algo muy de la epoca franquista.


Los personajes habituales responden a los arquetipos clásicos del cine negro, dirigida convincentemente por J Forn, de buen ritmo.Fue un verdadero fracaso, tanto de taquilla como de crítica,pues no está nada mal,a reivindicar.

7/10

Hace años, cuando escuchaba La claqueta, hablaron del cine negro catalán y es algo que me intrigó e interesó a partes iguales. Hace un tiempo me hice con dos pelis de este director, Josep María Forn. Me parece formidable ese "movimiento" cinematográfico en la época en que se dio.

Iniciado por tomaszapa

Hace años, cuando escuchaba La claqueta, hablaron del cine negro catalán y es algo que me intrigó e interesó a partes iguales. Hace un tiempo me hice con dos pelis de este director, Josep María Forn. Me parece formidable ese "movimiento" cinematográfico en la época en que se dio.

Más o menos, entre 1955 y 1965 se hace un cine criminal, ambientado sobre todo en Barcelona, en blanco y negro, muy reivindicable. A mí me encanta recuperarlo, no solo porque suele tener una factura bastante correcta, sino en especial porque me devuelve la imagen de la Barcelona de mi infancia, una ciudad sumamente gris, nada que ver con la Barcelona colorista del 92.

En algún sitio escuché que fue un cine que actuó a modo de oasis en medio de un desierto mediocre (con más o menos hechos brillantes puntuales). Estos ejemplos, o que gente como Berlanga y sus diferentes guionistas se atrevieran a hacer algo distinto, muchas veces desafiando al Régimen (véase también al Fernando Fernan Gomez director) me parece de mucho mérito.

Iniciado por tomaszapa

En algún sitio escuché que fue un cine que actuó a modo de oasis en medio de un desierto mediocre (con más o menos hechos brillantes puntuales). Estos ejemplos, o que gente como Berlanga y sus diferentes guionistas se atrevieran a hacer algo distinto, muchas veces desafiando al Régimen (véase también al Fernando Fernan Gomez director) me parece de mucho mérito.

Por supuesto tenían que ir con pies de plomo. Los "criminales" tenían que ser castigados (pero eso también pasaba en Hollywood), incluso disfrazando a los maquis de bandoleros. Se evitaba la crítica a la policía. Había un exceso de moralismo. Pero, entre fotogramas, se colaba una imagen más real de la sociedad de la época de lo que ofrecía el cine de pandereta o de cartón piedra oficialista.

Hay ejemplos gloriosos en los que al censor se le escapaba tal o cual detalle, demostrando que ese señor no era tan inteligente y que el cineasta en cuestión sí lo era. Lo del cine americano, desde luego, también tiene su miga, pero aquí además, teníamos a la Santa Madre Iglesia Católica, Apostólica y Romana, que imponía la educación y la moral y bla, bla, bla...

Siguiendo con ciclo revisión de John Ford, aunque esta vez en Amazon Prime, toca The Quiet Man (1952). Un film que parece ser (en tema Ford/Wayne soy de menos indagar y empollar que en otros casos) que en el estudio le pidieron primero al trío cineasta, Wayne y O'Hara, un western antes de dar luz verde a Quiet Man.

No se hace extraño ver a Wayne en un papel así: cuadra como plausible ex boxeador, regresando de Pittsburgh a su Irlanda natal, allá por los años 20 (no se que edad se supone que tiene su personaje, parece que menos de la que tenía Wayne, pero cuadraría con esa ola brutal de inmigración a Estados Unidos de finales del XIX a primeros del XX).

Es uno de esos films en los que se hizo un buen trabajo de realismo situacional: rodaron en Irlanda (exteriores, claro, interiores ya en Estados Unidos), con actores irlandeses, uso por tanto de su acento (aunque a la O'Hara se lo not menos) y casi que ese punto lingüístico y social, como siempre que se quiere ahondar en ellos (Irlanda, Escocia..) es buena parte de la gracia del film. Le añadimos, como remate, como Ford y el libreto dan rienda suelta a mostrar el talante rural irlandés, tnato en lo social, como temporal pues hablamos de los años 20: el cortejo, costumbres, catolicismo a saco etc En lo cómico pues como por una buena pelea hasta apuestan los curas.

Excelente fotografía en Technicolor y tramo final, el de la pelea (aunque eso de que Sean lleve a Mary Kate a rastas, y al borde de la agresión, hoy se ve raro...), es muy ameno, divertido, ágil y casi que un poco Billy Wilder (aunque él rodaría con mayor mala leche en el uso de los personajes principales, los locales como alivio cómico, y la propia pelea).

O'Hara, que sin que me caiga mal ni nada, no es de las que me van en la Golden Age (hola Colbert, Goddard, Stanwyck, Fontaine...), tiene breves momentos de comicidad en su rostro, son eso, muy breves, casi que fríos, pero le sientan bien. Ah y mola ver de nuevo, como en Rio Grande, a Victor McLaglen, aunque prefiero su papel en Río Grande porque era muy divertido.

Ah, el flashback de Sean como boxeador, es bastante acojonante.

Anoche terminé mi mini ciclo revisión de John Ford con The Man Who Shot Liberty Valance (1962) que parece podría ser considerado el mejor film del director. Y no es para menos. Es un western pero adquiere una pátina nueva en comparación a otros de Ford: más sucio, oscuro (manida palabra pero esto es John Ford), depresivo... Rodada en delicioso B/N con dos Stewart y Wayne algo crepusculares (para ese momento... Hoy en día alguien con 53-54 años no luce así) y perfectos para sus papeles. Vera Miles es casi uno de los dos únicos rostros femeninos del film y creo, sin ser culpa de la interpretación sino del libreto, que no encauza bien su parte como interés romántico de ambos protagonistas.

Tremenda secuencia final, enlazada con un flashback que se antoja moderno, e inesperado último acto político en el que se ve el paso de la EEUU de cowboys sin ley (la suya, vaya) y la democracia. Andy Devine repite con John Ford con ese deje vocal tan particular.

Parece que hubo alguna que otra tensión en el rodaje. El final, en el tren, enlaza con la revelación de quien mata realmente a Valance, y como esa leyenda es el elefante en la habitación en la vida del Senador.

Edito: qué hambre las escenas en el restaurante el sábado noche... Y eso que a mi esos filetes enormes no... Pero ver el ajetreo, los platazos de carne, judías, patatas...

After Yang



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Una rutina de baile para varias familias de cuatro inicia "After Yang" segundo largometraje
de Kogonada.
Esto no va de lo acostumbrado.
Adaptacion de "Children of the New World: Stories" de A Weinstein.
El technosapien no es una amenaza, sino parte integral de la vida de una familia. Cuando su robot funciona
mal,han de afrontar la pérdida.
La trama nos adentra en una constelación digital,la memoria Yang, revelando un mundo
interior insospechado.
La peli te va adentrando de la mano del rol principal (C Farrell),en
la distancia que se ha abierto entre él y las personas que ama,su mujer e hija.
Cuando Yang no va bien.. Jake inicialmente reacciona con la misma molestia que sentiría por
cualquier aparato defectuoso.


El hecho de que Yang no sea humano no tiene relación con el profundo apego de la pequeña de la familia,
Mika hacia él. Bajo la presión de Kyra (la madre) para resolver el problema rápidamente antes de
que su hija caiga en el desaliento,tras varios intentos afortunadamente encuentran a la curadora
Cleo. Yang y sus recuerdos serían una adición importante a su
exposición permanente sobre tecnosapiens. Eso deja a Jake con decisiones difíciles de
tomar sobre qué decirle a Mika y si estará cómodo con los recuerdos de Yang de su
familia que se van a hacer públicos.
Si bien el escenario nunca se especifica, la influencia asiatica es evidente en la
estética relajante del diseño de producción de interiores
minimalistas así como en el vestuario. También en la tienda de té
dirigida por Jake.
Un futuro donde la tecnología ha sido "escondida" detrás de un halo
Zen, como si se estuviera recuperando de un conflicto global no declarado
o una crisis ambiental.Cuanto más conoce Jake de la vida de Yang, más
le embarga una tristeza solapada durante tiempo.

Los recuerdos de Yang, tanto de su tiempo con Mika y
su familia como con los propietarios anteriores.

En un momento especial hablando sobre las propiedades del té
Yang habla sobre sus orígenes
pero también reflexiona sobre cómo desea que el conocimiento
venga con recuerdos reales de un tiempo y lugar.
Jake contacta con una figura enigmática del pasado de Yang, Ada (H
Richardson)


La peli está plagada de momentos maravillosos cuando Mika regresa intimidada del cole por ser adoptada y
el apoyo emocional de Yang.
Si bien los elementos de la historia tocan la clonación y la inteligencia artificial, sucede
relativamente poco en términos de revelaciones concretas. Pero los fragmentos de la
memoria de Yang a los que Jake accede son decisivos cuando se da cuenta de
cuánto se ha perdido al no compartir más de la vida de su "hijo" y busca corregirlo
con su familia restante.


No es un pequeño cumplido decir que

After Yang parece casi una película de ciencia ficción
estadounidense que Ozu o Kore-eda podrían haber hecho

9/10

Anoche me vi Edge of Tomorrow. Leí por ahí que iba de un bucle temporal y eso siempre mola. Pero vaya, se me va a olvidar rápido: la premisa semi futurista alienígena pasable, Cruise haciendo de Cruise, la Blunt idem, el proceder narrativo del bucle es el habitual (y tiene su punto cómico que en este caso le queda bien al film) y mucha acción y tiros. Y el besito.

E ya. Venga, a otra cosa.

Toca mini repaso Polanski. Repaso que empieza con una que hasta ahora no había visto: Repulsion (1965). No me cuajó del todo pero en absoluto por la calidad del film sino por la tipología de lo narrado. Me resultó interesante ese rodaje justo en el punto en que Londres estaba pasando de la ciudad grisácea post Guerra a una igualmente grisácea (el cambio a la urbe pija actual es muy posterior) pero repleta de cambios en lo cultural (sobre todo musical) y social. De hecho el personaje de Deneuve, y su estética, parece casi lo que hoy sería una recreación de la época (pero en este caso es real ).

El uso situacional de la cámara, sea subjetiva o variando el ángulo (recuerdo algunos desde muy abajo) le dan a Repulsion ese punto de film donde se nota que hay alguien detrás de la cámara, no sólo dirigiendo, sino rodando (y no digo que sea dire de foto o cámara, ya me entendéis). El uso del miedo y la tensión es aún deudora de épocas anteriores y a la vez enlaza con el terror que llegará en los 70 (más pulido y crudo).

La Deneuve es de lo que menos me ha convencido.

El plano final de la fotografía.. Eso sí acojona, eh.

Ayer he visto "Los valientes andan solos" protagonizada por el siempre excelente Kirk Douglas y guión del no menos interesante Dalton Trumbo. Me parece uno de los títulos más a tener en cuenta de la filmografía del gran actor recientemente fallecido ya centenario y según parece su película favorita. Estupendo blanco y negro, una especie de western urbano. Ya al inicio se nos presenta ese avión en medio del "Oeste" para indicarnos que el protagonista vive dentro de un mundo diferente al suyo. Señalo también que creo que la película parece una clara inspiración para un conocido film, el primer Rambo.

Iniciado por Marta_Fdez

Ayer he visto "Los valientes andan solos" protagonizada por el siempre excelente Kirk Douglas y guión del no menos interesante Dalton Trumbo. Me parece uno de los títulos más a tener en cuenta de la filmografía del gran actor recientemente fallecido ya centenario y según parece su película favorita. Estupendo blanco y negro, una especie de western urbano. Ya al inicio se nos presenta ese avión en medio del "Oeste" para indicarnos que el protagonista vive dentro de un mundo diferente al suyo. Señalo también que creo que la película parece una clara inspiración para un conocido film, el primer Rambo.

Esta película tiene muy buena pinta. Kirk estaba tan encantado con el guión y el proyecto, en general, que protagonizó las escenas más peligrosas él mismo, además de no cambiar ni una coma de lo escrito por Trumbo.
Tengo una copia e intentaré verla en breve.

Anoche revisé, dentro de mi mini ciclo Polanski, Rosemary's Baby (1968) que se llamó igual: Rosemary's (la semilla) baby (del diablo) La tenéis, como Repulsion, en Filmin (que cumple 15 años aunque parece que tal como la conocemos ahora fue en 2010).

Primer film de Polanski en Estados Unidos, mayormente ambientado en un apartamento neoyorquino (huele a algún edificio por encima de Times Square, si es que no está en los Upper), aunque en NYC sólo rodaron algunas escenas (las pocas exteriores: parece ser que cuando Rosemary cruza la calle fue tal cual, ella y Polanski cámara en mano), y el resto en estudio en Los Ángeles.

No es un film de terror al uso pero Polanski maneja tan bien la narrativa, los tiempos, merced además a unos diálogos pulidos y un nivel actoral notable, que todo se antoja ligero y entretenido sin caer en excesos. Con la Farrow tengo siempre mis dudas, en los films de Allen a veces me parece brutal (Cairo, September) otras casi nada (Hannah) pero aquí está ideal por ese punto frágil que es clave en este tipo de films (las Final Girl guerreras llegarían más tarde). Además está, con esa vocecita suya, bastante mona, en como dice las cosas y en algunos gestos (como cuando se quema algo en la chimenea o le da el libro a su marido) aunque persiste ese tono frío en su rostro que a mi no... No se que es. En September (por la revelación en el último acto queda justificado vaya) es genial pero en general pues...

Un film sin sorpresas (todo es lo que parece) con esa escena de la violación (hoy se vería brutal que Rosemary inicialmente sonría, no sé si por placer y/o por verse manipulada de esa forma, hasta que se da cuenta que no está en sus facultades y que algo no va bien) y ese aire urbano NYC que tanto mola en una década de tantos cambios: en la fiesta que monta para sus amigos de verdad se puede ver todo un muestrario de la estética femenina de la época en contraste con sus vecinos (se rodó en 1967 y estrenó en 1968, ignoro porque se ambienta en 1965 y 1966).

Bien al final en no mostrar al niño. Grandes las secuencias de apertura y cierre sobrevolando NYC.

Iniciado por Synch

Primer film de Polanski en Estados Unidos, mayormente ambientado en un apartamento neoyorquino (huele a algún edificio por encima de Times Square, si es que no está en los Upper), aunque en NYC sólo rodaron algunas escenas (las pocas exteriores: parece ser que cuando Rosemary cruza la calle fue tal cual, ella y Polanski cámara en mano), y el resto en estudio en Los Ángeles.

Es el edificio Dakota, en la entrada del cual fue asesinado John Lennon en 1980.

She Will


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Veronica (A Krige) es una actriz icónica que se retira a Escocia para un período de convalecencia con su cuidadora (K Eberhardt). Lo que sigue es una historia de empoderamiento,sueños,brujeria...Sigue la tradición del horror gotico, con un trabajo de cámara depredador,roles abstractos y una protagonista llevando las secuelas de una doble mastectomía al limite junto a esas otras horrendas cicatrices psicológicas.



Peli inusual que debería verse sin la opresion de los topicos del me too,eso sí el desenlace para cierto personaje es justicia divina....pero la trama divaga en exceso,personalmente hubiera enfocado la cosa más rollo Argento.

6.7/10

Iniciado por mad dog earle

Es el edificio Dakota, en la entrada del cual fue asesinado John Lennon en 1980.

Edificio que mi hermana y yo visitamos un domingo por la tarde, tras estar toda la mañana por Central Park. Edificio icónico, bonito pero también con ese aire tenebroso que tan bien retrató Roman en esa maravilla de La semilla del diablo.

Iniciado por mad dog earle

Es el edificio Dakota, en la entrada del cual fue asesinado John Lennon en 1980.

Ostras pues sí. Aunque creo que citan una vecina del 12o y no sé si llega a eso. Aunque, bueno, debe ser una licencia. La verdad es que mola mucho que casi toda la película ocurra ahí dentro.

Anoche vi, por primera vez, Bitter Moon (Lunas de Hiel) (1992), de Polanski. La tenéis, como no, en Filmin.

Me gustó lo suyo. Sobre todo por como de interesante me resultó todo. Al leer que era 1992 y con ingleses pensé en eso, Inglaterra '92, pero son varias nacionalidades en un viaje en barco. El contraste entre el matrimonio inglés, con ese acentazo (sobre todo el de él, maravilloso), el de estadounidense de Oscar (que por como dice algunas cosas me recordó a Tom Hanks) y el, obviamente, con acento francés, de Mimi, le dan a la película ese punto de mezcla de acentos tan propio de un viaje en barco como ese.

Es un poco brusco como entramos ya en el primer flashback, con Oscar contando a Nigel toda la historia, pero una vez metida en ella sientes lo que Nigel: que quieres más de eso, más dosis (como dice su esposa), quieres saber que pasó. Tremendos los tres actos: cuando se conocen Oscar y Mimi, con sus primeros experimentos sexuales para seguir el ritmo, el paso al tratamiento hostil de Oscar y la venganza de Mimi haciendo lo propio. El ridículo de Nigel con Mimi y los dos shocks finales muy teatrales pero certeros. No esperaba ambos: ni el tema lésbico (de repente la Scott Thomas pues... Joder) ni los disparos.

No sé si es porque en Filmin es con speed pal pero los bailes de Mimi (Emmanuelle Seigner, la esposa de Polanski) se me antojan bruscos y aunque... Es sexy, y tal, no me creo que sea bailarina. Bien en vestuario cuando deciden que se va a poner Mimi cuando quiere ir guerrera.

Hipnótica la voz de Peter Coyote. Que ronroneo tiene su voz: potencia aún más su figura como narrador.

Y BSO de Vangelis que mete temas de cortejo/romántico/sexual similares a los de Blade Runner, con saxos y tal, muy tópico pero consigue darle ese punto tan auténtico que te dejas llevar por ello irremediablemente (aunque en Blade Runner eran Rachel y Deckard y en Bitter Moon son breves momentos entre Mimi y Nigel y... No).

Iniciado por Synch

Anoche vi, por primera vez, Bitter Moon (Lunas de Hiel) (1992), de Polanski. La tenéis, como no, en Filmin.

Me gustó lo suyo.

Cuando dedicamos un ciclo a revisar toda la filmografía de Polanski, hace ya más de tres años, Bitter Moon recibió bastantes palos. En mi caso la consideré la peor película de Roman. También hubo un cierto consenso es valorar las interpretaciones de Coyote y Seigner como las peores dentro de su filmografía.

Iniciado por mad dog earle

Cuando dedicamos un ciclo a revisar toda la filmografía de Polanski, hace ya más de tres años, Bitter Moon recibió bastantes palos. En mi caso la consideré la peor película de Roman. También hubo un cierto consenso es valorar las interpretaciones de Coyote y Seigner como las peores dentro de su filmografía.

En resumen, y como se suele decir por aquí: mala con agonía