Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

PADAK: SWIMING TO THE SEA
Un pez es capturado en el tanque de una de esas marisquerías donde preparan la comida tan fresca que todavía esta viva cuando la sirven. Ahí desafía la autoridad de un lenguado que gobierna el tanque e intenta convencer a otros peces de escapar con él al mar.

Tremenda sorpresa. Seria fácil limitarme a llamarla "Buscando a Nemo clasificación C." pero va mucho más allá de eso.
Es una película muy cruda (pun intended) que aunque la trama parece predecible, acaba eligiendo rumbos nada convencionales.
La animación es intencionalmente desagradable, pero también hay secuencias en que se pone creativa experimentando con otros estilos.
Altamente recomendable, si están dispuestos a tolerar la violencia y el gore (a pescados)

Su único pecado es mentir descaradamente en su publicidad, queriendo disfrazarse de película infantil.

Deduzco por el tipo de escritura del cartel que se trata de una película surcoreana, con lo cual me creo lo de su crudeza. Ahí, por suerte, por sus diferencias culturales, tienen menos clara que en Hollywood la necesidad de suavizar las historias para llegar a un gran público.

Lo de si una peli de animación "se disfraza" de infantil es el viejo debate: a algunas personas siempre le va a parecer inconcebible que una película animada protagonizada por peces pueda estar dirigida a adultos.

REVISANDO CLÁSICOS: LA CIENCIA FICCIÓN (CON UN TOQUE DE TERROR)

o

TERRORE NELLO SPAZIO (1965, TERROR EN EL ESPACIO) de Mario Bava



Coproducción italo/hispano/norteamericana.

Estudio: Italian International Film / Castilla Cooperativa Cinematográfica / American International Pictures.

Productor: Fulvio Lucisano.

Guion: Ib Melchior, Alberto Bevilacqua, Callisto Cosulich, Mario Bava, Antonio Román y Rafael J. Salvia, basado en la historia “Una notte di 21 ore” de Renato Pestriniero (Oltre il cielo n.º 61, junio de 1960).



Dirección artística: Giorgio Giovannini.

Fotografía: Antonio Rinaldi (en Technicolor y formato panorámico) y Mario Bava y Antonio Pérez Olea (no acreditados).

Música: Gino Marinuzzi, Jr.

Reparto: Barry Sullivan (Capitán Mark Markary), Norma Bengell (Sanya), Ángel Aranda (Wess), Evi Marandi (Tiona).

Duración: 1 h 23 m 55 s (Copia en DVD editada por Regia Films en 2014).

Inicio de rodaje: 22 de marzo de 1965.

Estreno: 15 de septiembre de 1965 (Italia); 27 de octubre de 1965 (EUA); 10 de abril de 1966 (España).

1980 no es sólo el año Alfred Hitchcock (1899-1980) sino también el año…

... Terence Fisher (1904-1980)…

… o el año Mario Bava (1914-1980).

Si hace unos meses tuve oportunidad de comentar una de las grandes obras maestras del realizador italiano, I TRE VOLTI DELLA PAURA/LE TROIS VISAGES DE LA PEUR/BLACK SABBATH (1963, LAS TRES CARAS DEL MIEDO) (https://www.mundodvd.com/las-ultimas...7/#post4474000), hoy traigo a colación otra de sus incursiones en el cine fantástico, fascinante mixtura entre la ciencia ficción y el terror que además de ser una de las fuentes cinematográficas más preclaras de las que bebió Ridley Scott (1937) para su magnum opus ALIEN (1979, ALIEN (EL OCTAVO PASAJERO)) tiene las suficientes virtudes por si misma como para haberse convertido en una auténtica cult movie con todas las de la ley.

TERROR EN EL ESPACIO, noveno largometraje de Bava y su quinta incursión en los terrenos del fantástico (siempre con un marcado toque gótico) tiene paradójicamente en sus carencias (presupuestarias) sus mayores virtudes (cinematográficas).



Si bien como antes mencionaba la película es uno de los referentes fílmicos de la obra maestra de Scott, junto con IT! THE TERROR FROM BEYOND SPACE (1958) de Edward L. Cahn (1899-1963) (https://www.mundodvd.com/las-ultimas...0/#post4338111) y QUEEN OF BLOOD (1966) de Curtis Harrington (1926-2007), es igualmente cierto que la misma viene influenciada a su vez por títulos clásicos del cine norteamericano como son IT CAME FROM OUTER SPACE (1953) de Jack Arnold (https://www.mundodvd.com/las-ultimas...4/#post3895888) o INVASION OF THE BODY SNATCHERS (1956, LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS) de Donald Siegel.









De la película de Arnold (y basada en una historia de Ray Bradbury) toma la idea de unos alienígenas que se apoderan de los cuerpos de sus hospedadores humanos aunque bien es cierto que si en IT CAME lo hacen únicamente para poder reparar su nave estrellada en nuestro planeta y poder seguir así su viaje interestelar, aquí en cambio estamos ante una civilización agonizante que pretende sobrevivir a la muerte de su estrella poseyendo a los astronautas y de esta forma retornando al planeta de origen donde se convertirían en una seria amenaza frente a la especie humana.

Sin embargo, no olvidemos que en la película y pese a la (prodigiosa) puesta en escena de Bava o a la cartelería (especialmente la norteamericana) los alienígenas no son tanto entidades malignas como seres vivos que ponen el instinto de conservación de su especie por encima de cualquiera otra consideración. Algo, por otra parte, que ha hecho siempre el ser humano a lo largo de su historia, incluso a costa de exterminar a sus propios congéneres...

De la película de Siegel toma igualmente la idea de la posesión y el que ésta tenga lugar únicamente cuando el individuo no está consciente. Recordemos que uno de los títulos que se barajaron para la película fue “Sleep No More”.

Aparte de las (claras) implicaciones políticas de la obra maestra de Siegel, en especial en lo referente a la Caza de Brujas de McCarthy, aquí tampoco los alienígenas son especialmente malévolos sino que, por el contrario, traen consigo una paz y una prosperidad desconocida en la convulsa EUA de los años ‘50, eso sí, a costa de la supresión de la identidad individual disuelta en la monocorde colectividad…

Lo primero que me llama la atención de TERROR EN EL ESPACIO es que pese a ser una de las propuestas fantásticas del director con un cromatismo más exacerbado los títulos de crédito originales (al menos los de la copia italiana) son…



… en blanco y negro.

[Por cierto, hemos de aplaudir con entusiasmo por la excelente edición que de esta película llevó a cabo Regia Films en 2014 incluyendo los tres montajes originales (el italiano, el español y el norteamericano) y que nos permite (si uno tiene la suficiente paciencia) comparar los mismos y así poder decantarnos por uno o por otro].



https://doblekultocinema.com/2014/10...e-regia-films/

Si como ya comentaba en LAS TRES CARAS DEL MIEDO el uso del color fue capital para acentuar el tono ominoso de las tres historias que vertebraban la película (especialmente de las dos últimas) aquí Bava, que contó con un presupuesto irrisorio (algo, por otra parte, habitual en el cine de género italiano de la época), usó el mismo para potenciar el aspecto irreal del planeta en el que aterrizan los protagonistas, ayudado además por el uso de la niebla y que le permite solventar con notable ingenio las carencias presupuestarias.





Lo que tiene de simple la historia se sublimará por la poderosa puesta en escena de Bava basada como decía en el color y en el uso de los decorados (obra de Giorgio Giovannini) que tienen un marcado corte expresionista, perfectamente acordes con el planeta de pesadilla al que han ido a parar los protagonistas.





Dos naves estelares, la Argos y la Galliot, acuden al planeta Aura a investigar una señal emitida desde el mismo.



- Ojo, no estamos hablando de una señal de socorro sino simplemente de una emisión de origen extraterrestre (aunque ésta no sea la expresión más correcta gramaticalmente hablando como veremos al final…). -

Las naves poseen un dispositivo que impide que los (numerosos) meteoritos con los que tienen que lidiar en el largo viaje estelar supongan un problema para la integridad de las naves.

Este dispositivo será capital en la resolución de la historia como pronto podremos ver.

En las proximidades del planeta un incremento progresivo de la fuerza de gravedad provocará el desvanecimiento de todos los tripulantes…



… salvo el capitán de la Argos, Mark Markary (un Barry Sullivan, impuesto por la AIP norteamericana y que tiene entre su amplia filmografía títulos míticos como THE BAD AND THE BEAUTIFUL (1952, CAUTIVOS DEL MAL) de Vincente Minnelli o FORTY GUNS (1957) de Samuel Fuller).

Como luego averiguaremos ese momento de desvanecimiento será aprovechado por los habitantes inmateriales del planeta para apoderarse de sus cuerpos.

Sin embargo, gracias a la intervención del capitán la tripulación del Argos, no así la del Galliot, podrá recuperar el dominio de los mismos.

El planeta es un lugar desértico e inhóspito y ciertamente el aterrizaje en el mismo así como el entorno que lo envuelve evoca poderosamente la llegada de la “Nostromo” al planetoide Acheron (o LV-426).



E igualmente la presencia de esqueletos de alienígenas gigantes (incluido el del supuesto emisor del incomprensible mensaje (¿tal vez de advertencia?)) en una gigantesca nave estelar varada son un claro antecedente del piloto espacial fosilizado en su puesto de combate y muerto en extrañas circunstancias…





Y no nos olvidemos que tanto el exterior como el interior de las naves son muy similares y además Bava se las ingenia de tal forma que los espacios en el interior de las mismas parezcan mayores vistos desde dentro que desde fuera.



Dado lo raquítico del entramado argumental (en los títulos de crédito aparecen hasta 6 guionistas, aunque al parecer únicamente Bava, Bevilacqua (que ya había trabajado con él en LAS TRES CARAS DEL MIEDO) y Cosulich intervinieron en el libreto), donde asistiremos (al igual que en ALIEN) a la progresiva disminución del número de integrantes de la tripulación del Argos, el mayor interés de la propuesta es cómo el director va creando una atmósfera de pesadilla basada más en lo que se sugiere que en lo que se muestra (como hacía el maestro Jacques Tourneur) y que nos llevará hasta un final digno de un episodio de “The Twilight Zone” (1959-1964), la mítica serie de Rod Serling y que no pienso desvelar…





Como decía lo poderoso de la puesta en escena de Mario Bava se sustenta en un uso primoroso del color, con esas elecciones cromáticas tan personales del italiano (en consonancia con el trabajo conjunto de Jack Asher y de Terence Fisher para la Hammer Film Productions británica) en donde imperan las texturas primarias; en los decorados minimalistas y abstractos (la necesidad es la madre del ingenio); en el vestuario de los astronautas (que fluctúa entre el negro y el naranja) y en la música y los sonidos electrónicos que se ajustan como un guante a ese descenso a los infiernos (relativos) de los protagonistas.









Y a destacar igualmente la famosa escena en la que los tripulantes salen de sus tumbas, rodada a cámara lenta y que es todo un antecedente de THE PLAGUE OF THE ZOMBIES (1966) de John Gilling...



Y aunque no aparezcan acreditados tanto el propio director como el luego famoso Carlo Rambaldi, se encargarían de los (modestos pero efectivos) efectos especiales de la película.

Espero verme pronto QUEEN OF BLOOD y, por supuesto, ALIEN y comentarlas en este rincón aunque conyunturalmente me veré alejado de los foros durante unos días por la invasión de mi espacio vital en forma de bichos y demás parientes…

Un saludo a todos y cuidaros que no está el horno para bollos.

Esta tierra es mi tierra (Bound for Glory, 1976), de Hal Ashby



Biopic de los inicios de la carrera musical del gran mito del folk norteamericano, Woody Guthrie, ídolo de juventud de Bob Dylan (interpretado con mucho acierto por David Carradine, aún reciente su papel de Caine en la popularísima serie de televisión Kung Fu).



El film se inicia durante la Gran Depresión en Texas, donde vive Woody con su familia, en un pueblo polvoriento y empobrecido. Intenta sobrevivir sin mucho éxito pintando rótulos, hasta que finalmente se decide a viajar hasta California a la búsqueda de trabajo (remedando la odisea de la familia Joad, narrada por John Steinbeck en “Las uvas de la ira” y filmada por John Ford en el film homónimo). Un buen día, sin avisar a su mujer ni al resto de su familia, coge los pinceles y una guitarra y se sube a un mercancías. Después de vivir las peripecias habituales de la época a bordo del tren (reflejadas en multitud de films como El emperador del norte, de Robert Aldrich), Woody consigue llegar a la soleada California, para descubrir que lo que les espera a tantos y tantos desplazados son trabajos precarios, mal pagados y alojamientos provisionales en campos de tiendas (¿a qué me suena?). Guthrie entra en contacto con un agitador sindical y músico, Ozark Bule (Ronnie Cox), personaje al parecer ficticio, que lo introduce en los ambientes sindicales y también en las emisiones radiofónicas, donde empieza a ser conocido y a tener éxito, consolidándose como cantante en solitario o junto a la solista Memphis Sue (interpretada por la misma actriz que hace de esposa, Melinda Dillon). Pero Guthrie no es un hombre fácil de contentar ni de domesticar, ni en el ámbito familiar ni en el artístico. Así, al final del film, cuando se le abre un brillante porvenir como cantante, decide volver a la carretera y viajar hacia Nueva York dispuesto a asumir nuevos retos. Ashby nos lo muestra dando la espalda a su presente soleado para alejarse hacia un futuro incierto. Excelente film, magníficamente interpretado y ambientado, que nos hace pensar en que su director es uno de los grandes olvidados de su generación, la de los Scorsese, Coppola, De Palma y compañía, un valor a revalorizar, autor de films tan especiales y atractivos como: Harold and Maude, The Last Detail, Shampoo, o las oscarizadas El regreso (Coming Home) (Oscar para el guion y para Jane Fonda y Jon Voight) y Bienvenido Mr. Chance (Being There) (Oscar para Melvyn Douglas como mejor secundario… el año en que ganó el Oscar como mejor película una de cuyo nombre no quiero acordarme ). Eso sí, la arriesgada fotografía de Haskell Wexler (polvorienta y con mucho filtro difusor) requeriría una mejor edición que el viejo DVD de MGM para poderla valorar con justicia.

A mi me gustó bastante Esta tierra es mi tierra, cuando la vi hace ya bastantes años, cuando salió en dvd. Después he pillado el BD, pero no lo he catado aún. Recuerdo que pese a su duración (es larguilla), efectivamente, Carradine estaba muy bien. Técnicamente, también está muy bien, porque por la fotografía, los escenarios elegidos, la dirección artística, etc...nos lleva a aquella época con gran facilidad.
A pesar de obtener en su momento 6 nominaciones al Oscar (entre ellas, mejor película) y llevarse dos (fotografía, que destacaba) y canción, no es una de las más recordadas actualmente de aquel año. De hecho, es que competía con extraordinarias películas, que hoy se recuerdan por todos: Rocky, Taxi driver, Network y Todos los hombres del presidente.

Iniciado por tomaszapa

A mi me gustó bastante Esta tierra es mi tierra, cuando la vi hace ya bastantes años, cuando salió en dvd. Después he pillado el BD, pero no lo he catado aún.

Se me había pasado esa edición en BD, veo que de DIVISA. Si la catas, ya dirás qué tal, porque la imagen del DVD se queda muy justita tirando a pobre, entre otras cosas porque como comento la fotografía de Wexler es muy exigente, juega mucho con elementos muy típicos de los 70, como cierto todo difuso de la imagen, como si se filmara con un filtro, con lo que la nitidez sufre y uno no sabe si es debido a la copia o es un efecto deseado. En su día la vi de estreno, pero ya no recuerdo cómo se veía en pantalla grande.

Ashby es un poco como Cimino o como lo que tendría que haber sido Malick, sino hubiera sido felizmente recuperado años después. Son autores que, a diferencia de los 5 de su gneración, aún buscaba engarzar el medio cinematográfico a aspiraciones de Gran Narrativa.

Personalmente me quedo con Cimino.

Los Spielberg, Scorsesse, Lucas, DePalma, también George Miller en Australia...(Coppola como siempre, se queda fuera de cualquier análisis, por sus peculiaridades), son autores cuya medio natural es el medio audiovisual. Hacen un cine totalmente Cine, y además de su virtuosismo técnico y Natural, indagan en las funciones del lenguaje variandolas a voluntad.

Pero limitarse al lenguaje tenía como penitencia abandonar la Idea y los personajes. Los leitmotivs visuales o sonoros que definen un personaje, lo convierten en una caracterización andante, las caracterizaciones (que no personajes) se enfrentan, pero no se enfrentan las ideas que representan. A mi entender, hay una orsonwellización en el mal sentido del término.

¿Era el paso natural?..Quizás el medio audiovisual también requiere su fuego lento. Vemos la Alta Literatura en ¨Los soprano¨ pues no tenemos las castrantes 2 horas de un film....o las 4, es lo mismo.

El caso es que si los cineastas antes habían leído, con los Spielberg, ect, habían visto muchísimo cine; ahora, ni les interesa la Alta Literatura, ni el Cine.

Como resultado tenemos Her de Spike Jonze (que para mí, es incomprensible), o la mayoría de producciones de Netflix.

Lo que sí está claro, al menos desde mi modesto punto de vista, es que el cine de los '70 es muy superior al de los '80 que muchos lo tenemos demasiado mitificado porque es el cine con el que convivimos desde niños (o jóvenes, como es mi caso, dado que nací en 1966).

De hecho, yo diría que el cine de los '70 es incluso mejor que el de los '60, al menos en lo referente al cine norteamericano, en buena medida debido al elevado número de superproducciones de dudosa calidad y pésimos resultados en taquilla, en especial en lo referido al cine musical.

En los '70 se aunaba a la vez el cine intimista (o de autor, aunque uno no tiene por qué implicar lo otro) y el cine de espectáculo de una forma tan armónica que hoy es casi imposible de imaginar en el cine más actual.

Ahí tenemos EL CAZADOR o LA PUERTA DEL CIELO de Cimino, EL PADRINO o APOCALYPSE NOW de Coppola, LA GUERRA DE LAS GALAXIAS de Lucas o TIBURÓN o ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE de Spielberg.

Grandes películas, varias de ellas auténticas obras maestras y donde lo espectacular no eclipsaba la excelencia de las propuestas.

Iniciado por Alcaudón

Lo que sí está claro, al menos desde mi modesto punto de vista, es que el cine de los '70 es muy superior al de los '80 que muchos lo tenemos demasiado mitificado porque es el cine con el que convivimos desde niños (o jóvenes, como es mi caso, dado que nací en 1966).

Por supuesto, estamos generalizando y siempre habrá excepciones (se me ocurren unos cuantos nombres de directores y títulos de películas), pero en mi opinión los 70 (y no solo en el ámbito cinematográfico) es el último período en que se arriesgó, sobre todo desde el punto de vista creativo, en el terreno de la producción de películas. Desde entonces vivimos un cine cada vez más convencional y de fórmula, con un gran despliegue de efectos especiales digitales, lo que no impide que se puedan realizar excelentes films, pero algo se ha perdido por el camino. Algo parecido diría de la música, pero ese es terreno de tomaszapa.

Iniciado por mad dog earle

Por supuesto, estamos generalizando y siempre habrá excepciones (se me ocurren unos cuantos nombres de directores y títulos de películas), pero en mi opinión los 70 (y no solo en el ámbito cinematográfico) es el último período en que se arriesgó, sobre todo desde el punto de vista creativo, en el terreno de la producción de películas. Desde entonces vivimos un cine cada vez más convencional y de fórmula, con un gran despliegue de efectos especiales digitales, lo que no impide que se puedan realizar excelentes films, pero algo se ha perdido por el camino. Algo parecido diría de la música, pero ese es terreno de tomaszapa.

Mira que yo soy ochentero puro de oliva, pues me pilló en plena niñez y adolescencia, cuando uno es una esponja (Bob Esponja, que diría Alcaudón ). Pero está claro que la cantidad de grandes directores que hicieron obras maestras en los 70 y la capacidad para arriesgar, como dice mad dog, no se repitió en los 80.
De todas formas, eso va con los tiempos. los 70 eran tiempos reivindicación de todo tipo y los 80 eran tiempos de complacencia, de ganar dinero, de opulencia, de nuevo bienestar. Y eso se traduce en el cine.

Aunque musicalmente, por alusiones, tengo que decir, que los 70f ueron muy buenos, pero los 80 también fueron maravillosos. De hecho, donde pongo el bajón es a mediados de los 90. De ahí en adelante, ya me ha interesado mucho menos la música en el sentido de copar mi existencia vital. Ahora sigo todas las listas y hay cositas que me gustan (sobre todo el country, aunque también haya evolucionado a pop en muchos casos), pero en los 80 hay discazos míticos.

Iniciado por tomaszapa

Aunque musicalmente, por alusiones, tengo que decir, que los 70f ueron muy buenos, pero los 80 también fueron maravillosos. De hecho, donde pongo el bajón es a mediados de los 90. De ahí en adelante, ya me ha interesado mucho menos la música en el sentido de copar mi existencia vital. Ahora sigo todas las listas y hay cositas que me gustan (sobre todo el country, aunque también haya evolucionado a pop en muchos casos), pero en los 80 hay discazos míticos.

Precisamente hablando de country, o mejor de country rock, esta mañana he disfrutado del disco "Burrito de luxe", de The Flying Burrito Brothers, la banda liderada por el malogrado Gram Parsons (que ya había pasaso antes por The Byrds). Esa frescura y descaro me cuesta encontrarlos en la música posterior, aunque sin duda en los 80 hay muy buenos discos. Dejo como muestra una versión de la magnífica "Wild Horses" del tándem Jagger-Richards, que los Burritos grabaron incluso antes de que la pieza apareciera en "Sticky Fingers" (Parsons era un muy buen amigo de Richards, con el que compartía intereses musicales... y otras cosas ).

La banda Flying Burrito Brothers ha sido legendaria. Llevo escuchando su nombre desde hace la tira de años, incluso antes de que me acercara al country. A decir verdad, no se ha prodigado en las listas de éxito country, aunque desde luego ha influenciado en muchos artistas que habitaban esas listas.

El mayor éxito en la Hot Country Songs de esta banda fue este She belongs to everyone but me,que alcanzó el puesto 16 a finales de 1981. En esa época, el grupo country que rompía en las listas era Alabama

Acabo de ver el precioso ¿documental? Honeyland, muy recomendable por la autenticidad de su protagonista, con una forma de vivir en vías de extinción en este mundo globalizado y sobreexplotado. Además cuenta con una estupenda fotografía y unos planos muy naturalistas que nos hacen espiar todo lo que acontence en este microcosmos.

Esa Honeyland logró este año en los Oscar la rara hazaña de ser el primer documental nominado en esa categoría y además en la de mejor película internacional. Antes había arrasado en Sundance, en la categoría internacional de documentales.

Jam session cinematográfica con 4 mitos, 4, de la música jazz: dos trompetistas (Chet Baker y Miles Davis) y dos saxofonistas (Dexter Gordon y Charlie Parker).

Let’s Get Lost (1988), de Bruce Weber



Excelente documental sobre Chet Baker, uno de los grandes vocalistas y trompetistas de jazz de todos los tiempos (y ocasional actor en Hell’s Horizon, de Tom Gries, o la italiana Urlatori alla sbarra, de Lucio Fulci, junto a Adriano Celentano y Mina), compañero de algunos de los grandes como Charlie Parker o Gerry Mulligan, además de desarrollar una brillante carrera como solista. El film ofrece armónicamente una magnífica mezcla de material original y de archivo, con entrevistas a Baker y a amigos, familiares y amantes varias, así como fragmentos de actuaciones y grabaciones en estudio, todo ello servido con una espléndida fotografía en blanco y negro de Jeff Preiss. Weber huye de los caminos trillados del documental sobre músicos y consigue un film muy atractivo, guste o no la música de Baker (aunque creo que es difícil que no guste), un músico genial que como tantos otros se autodestruyó a base de drogas (cocaína, heroína…), aderezadas con numerosas mentiras e infidelidades a sus diversas mujeres y amantes, circunstancias vitales que tuvieron un reflejo patético en su rostro: de joven y hermoso en sus inicios a envejecido y decrépito en sus últimos años (agravado por la pérdida de los dientes a consecuencia de una paliza de origen controvertido).



Quiso el destino que el mismo año de la realización del film, Baker se precipitara al vacío desde el balcón de un hotel en Ámsterdam: ¿accidente o suicidio?

Miles Ahead (2015), de Don Cheadle



De un documental a un film de ficción basado en un personaje real. Cheadle, en su debut tras la cámara, se mete en la piel de Miles Davis durante un largo período de inactividad del músico, a mediados de los 70, en que dejó de tocar en público y de grabar discos, encerrado en su apartamento neoyorquino, dando rienda suelta a sus múltiples adicciones y obsesiones. Cheadle, no obstante, se aleja de una mirada reverencial hacia el maestro para, en su lugar, firmar un guion junto a Steven Baigelman que se traduce, en muchos momentos, en forma de comedia de acción. Un supuesto periodista de The Rolling Stone, Dave Braden (Ewan McGregor), intenta escribir un reportaje sobre el músico para descubrir el porqué de su retiro. Davis ha estado grabando algo en su estudio privado, y custodia la cinta como un tesoro (un atractivo MacGuffin). Pero hay muchos intereses económicos para hacerse con ese material, en especial por parte de un mánager sin escrúpulos, Harper (divertido Michael Stuhlbarg), hasta el punto de robarlo. Así, Davis en compañía de Braden intenta recuperar la grabación sin parar en los medios para conseguirla, lo cual, dada el gatillo fácil del músico, da pie a una serie de descabelladas situaciones. En medio, se nos cuenta diversos encuentros (o desencuentros) con su mujer, la bailarina Frances Taylor (Emayatzy Corinealdi), una relación que acabó en su día en una separación inevitable.

Cheadle le coge el gusto a su encarnación de Davis, reservándose un concierto final en que comparte escena con músicos de la talla de Herbie Hancock o Wayne Shorter. Divertido acercamiento a un mito del jazz.

Alrededor de la medianoche (‘Round Midnight, 1986), de Bernard Tavernier



Si Miles Ahead es un film de ficción protagonizado por un personaje real, Round Midnight gira alrededor de un personaje de ficción, el saxofonista Dale Turner, interpretado por un músico real, el gran Dexter Gordon, inmerso en un guion (firmado por Tavernier y David Rayfiel) que se inspira en dos músicos reales, el saxofonista Lester Young y el pianista Bud Powell.

Dale Turner es un músico en decadencia a causa del alcoholismo, que se refugia en París (a principios de los 60), tocando por las noches en un club de jazz, el Blue Note, y sobreviviendo gracias sobre todo a las atenciones de un aficionado francés, Francis (François Cluzet), que sacrifica su vida privada para acoger y cuidar a Dale, como si fuera su padre.



Quizá el papel de ángel de la guardia de Francis, su devoción un tanto exagerada, lastra algo el film, pero en todo caso la presencia imponente de Dexter Gordon, la credibilidad que otorga al personaje, es impresionante, hasta el punto de que, a pesar de no ser un actor y haber trabajado en escasas ocasiones en el mundo del cine, llegó a estar nominado al Oscar como mejor actor principal (el premio se lo llevó Paul Newman por El color del dinero).

Acompañando en diversos momentos a Gordon vemos en pantalla a grandes nombres del jazz, desde los nombrados en el film anterior Herbie Hancock (responsable además de la banda sonora del film) y Wayne Shorter, a John McLaughlin (guitarrista) o Ron Carter (bajista), junto al vibrafonista Bobby Hutcherson, que tiene un papel más extenso, como el vecino de Dale aficionado a la cocina. También Martin Scorsese tiene una breve aparición como el mánager norteamericano de Dale Turner.

Aunque el personaje de Cluzet acaba resultando un tanto cargante, solo por ver y oír (tocar y hablar) a Gordon vale la pena. Un buen film de Tavernier, al que da la impresión que la veneración por Gordon le pierde en algún momento.

Bird (1988), de Clint Eastwood



Y de un falso saxofonista interpretado por uno de real, a uno de real encarnado por un “falso” saxofonista. Biopic de Charlie “Bird” Parker, encarnado por Forest Whitaker, en una gran interpretación. Eastwood mezcla diferentes momentos de vida de Parker (recurriendo al hermano de Forest, Damon, para el papel del joven Charlie), en un puzle bien trabado y engrasado que hace cortas las más de dos horas y media de metraje. Por supuesto, la droga, una vez más, juega un papel central en la desdichada peripecia vital de Parker, destrozado en su fase final por la muerte de su hija pequeña. Junto a Whitaker, destaca Diane Venora en el papel de su sufrida esposa Chan.



También se nos representa en pantalla a otro mito, el trompetista Dizzy Gillespie (Samuel E. Wright),



o al compañero de cuitas de Charlie durante una gira de su quinteto por el Deep South, el también trompetista, judío por más señas, Red Rodney (Michael Zelniker).

Cocinada a fuego lento, con un espléndido trabajo de fotografía de Jack N. Green (que ha acompañado a Eastwood en buena parte de sus films posteriores), jugando magistralmente con las sombras y la oscuridad, en Bird Eastwood superó la reválida ante la crítica más exigente, pasando de ser un director de westerns o de films de acción, y la encarnación perfecta de “Dirty” Harry (tan denostado por una parte del público), a ser catalogado como un clásico, un director exquisito. Un gran film, sin duda.

El ángel (2018), de Luis Ortega



Atractivo film del argentino Luis Ortega, en que se nos cuentan las peripecias de Carlitos Robledo Puch, criminal condenado a cadena perpetua con solo 20 años por diversos asesinatos y robos (lleva actualmente 48 años en prisión). Carlitos, de aspecto angelical, de ahí el sobrenombre, con sus ricitos de querubín, se muestra como un psicópata capaz de asesinar fríamente. Lo encarna con notable acierto Lorenzo Ferro, en su debut. Carlitos entra en contacto con Ramón (Chino Darín) y su padre (Daniel Fanego), delincuentes más expertos, pero a los que supera por su facilidad con el gatillo y su temeridad. Completa el reparto Cecilia Roth, como la madre de Carlitos. Como curiosidad, el director es hijo del cantante Palito Ortega (que me castigó los oídos durante mi tierna juventud). Del padre suena en la banda sonora el tema “Corazón contento”, además de una versión de “La casa del sol naciente”. Para vuestra perturbación, os dejo este delirante vídeo junto a Marisol.



Emboscada final (The Highwaymen, 2019), de John Lee Hancock



La película de Hancock parece el reverso de la famosa Bonnie and Clyde, de Arthur Penn, una de las películas que pusieron los fundamentos del llamado New Hollywood. A diferencia del film de Penn, que se centraba en la icónica pareja de delincuentes (exaltados poco menos que como héroes en su día, nuevos Robin Hood para muchos, algo que potenciaba su versión fílmica de los 60), Emboscada final (título español que remite al episodio final del film) gira alrededor de la pareja de policías Frank Hamer y Maney Gault (sobrios Kevin Costner y Woody Harrelson respectivamente, encarnando a personajes reales), exagentes de los Rangers de Texas (por aquel entonces disueltos), contratados como “highwaymen” (agentes de la policía de tráfico) para la ocasión. Bonnie y Clyde solo aparecen brevemente en algunos momentos a lo largo del film, casi siempre filmados a distancia o sin que los veamos por completo, a través de la ventanilla del coche.

El film, inevitablemente, adquiere cierto aire de western, con los veteranos agentes (envejecidos y fondones) persiguiendo a lo largo de la geografía del Medio Oeste a los forajidos, substituyendo los caballos por los coches. Aunque el film está rodado e interpretado (Kathy Bates o John Carroll Lynch entre los secundarios) con corrección (aunque quizá con un metraje un tanto excesivo), da pie a la reflexión ver cómo ha variado tanto el enfoque de este suceso 52 años después del de Penn, tanto argumentalmente como formalmente. El otro día hablábamos de que el cine, en general, ha dejado de lado el riesgo durante las últimas décadas… pues eso.

Si el otro día le tocó a Commando, ahora a Top Gun:

Comedias involuntarias: Top Gun

Iniciado por mad dog earle

Bird (1988), de Clint Eastwood



Y de un falso saxofonista interpretado por uno de real, a uno de real encarnado por un “falso” saxofonista. Biopic de Charlie “Bird” Parker, encarnado por Forest Whitaker, en una gran interpretación. Eastwood mezcla diferentes momentos de vida de Parker (recurriendo al hermano de Forest, Damon, para el papel del joven Charlie), en un puzle bien trabado y engrasado que hace cortas las más de dos horas y media de metraje. Por supuesto, la droga, una vez más, juega un papel central en la desdichada peripecia vital de Parker, destrozado en su fase final por la muerte de su hija pequeña. Junto a Whitaker, destaca Diane Venora en el papel de su sufrida esposa Chan.



También se nos representa en pantalla a otro mito, el trompetista Dizzy Gillespie (Samuel E. Wright),



o al compañero de cuitas de Charlie durante una gira de su quinteto por el Deep South, el también trompetista, judío por más señas, Red Rodney (Michael Zelniker).

Cocinada a fuego lento, con un espléndido trabajo de fotografía de Jack N. Green (que ha acompañado a Eastwood en buena parte de sus films posteriores), jugando magistralmente con las sombras y la oscuridad, en Bird Eastwood superó la reválida ante la crítica más exigente, pasando de ser un director de westerns o de films de acción, y la encarnación perfecta de “Dirty” Harry (tan denostado por una parte del público), a ser catalogado como un clásico, un director exquisito. Un gran film, sin duda.

La película que me hizo amar a Clint Eastwood (como director) y que recuerdo haber visto por primera vez no en el cine sino en la universidad imagino que al poco de su estreno.

REVISANDO (SUCINTAMENTE) LA (ESCUETA) FILMOGRAFÍA (COMO DIRECTORA) DE IDA LUPINO (1918-1995) / PARTE II:

NEVER FEAR (1950)



Directora: Ida Lupino.

Producción: The Filmakers, Inc.

Distribución: Eagle-Lion Films, Inc.

Productor: Collier Young.

Guion: Ida Lupino y Collier Young.

Diseño de producción: Van Nest Polglase.

Fotografía: Archie Stout.

Música: Leith Stevens.

Montaje: William H. Ziegler y Harvey Manger.

Reparto: Sally Forrest (Carol Williams), Keefe Brasselle (Guy Richards), Hugh O’Brian (Len Randall), Eve Miller (Phyllis Townsend), Lawrence Dobkin (Dr. Middleton), Rita Lupino (Josie).

Duración: 82 minutos.

Rodaje: desde mediados de septiembre hasta principios de octubre de 1949.

Estreno: enero de 1950.

NEVER FEAR, película inédita (al igual que el resto de la filmografía como realizadora de Lupino, salvo la escasamente estimulante THE TROUBLE WITH ANGELS (1966, ÁNGELES REBELDES)) en salas comerciales en nuestro país, es el debut oficial de la actriz en tareas de dirección aunque como ya vimos en la primera entrega del coleccionable la mayor parte de la paternidad (o en este caso mejor dicho, maternidad) de NOT WANTED (1949) se le debería atribuir a ella y no al firmante Elmer Clifton quien no sólo enfermó a poco de iniciarse el rodaje sino que murió ese mismo año.

[Recordemos que la actriz también echaría una mano al mismísimo Nicholas Ray en una de sus mejores películas, ON DANGEROUS GROUND (1951) y en la que además era la coprotagonista junto al gran Robert Ryan].

Y ya que estamos en ello y dado que en otro rincón de este enorme cajón de sastre que es mundodvd estamos dando las últimas puntadas a la (exhaustiva y extenuante) revisión de la filmografía de Sir Alfred Hitchcock, me gustaría mencionar que Ida Lupino dirigió 2 episodios de la serie “Alfred Hitchcock Presents” (1955-1962), en concreto el n.º 201 (6 de diciembre de 1960) y el n.º 207 (24 de enero de 1961), ambos pertenecientes a la 6ª temporada (y, por tanto, inéditos en DVD en nuestro país dado que sólo se editaron las tres primeras (y con el orden de los episodios alterados...)).

E igualmente dirigió otro para la mítica serie “The Twilight Zone” (1959-1964), el n.º 25 de la 5ª (y última temporada).

La rebautizada The Filmakers (antes Emerald, que era el nombre de su madre, la también actriz Connie Emerald (1892-1959)) no sólo sería el vehículo que la estrella emplearía para sus proyectos como directora sino que igualmente serviría de plataforma para otras producciones en las que intervendría como productora y/o actriz (léase BEWARE, MY LOVELY (1952) de Harry Horner (de nuevo con Robert Ryan) o PRIVATE HELL 36 (1954) de Don Siegel).





Aunque quizás NEVER FEAR me parece una película inferior a NOT WANTED, debido por un lado a la atroz copia que me ha servido para realizar este modesto comentario y por otro al hecho de un exceso de didactismo en la historia, lo cierto es que la película anoche visionada es tal vez la más personal de toda la filmografía como directora de la actriz.



Y digo ésto por que Ida Lupino, al igual que Carol, la protagonista de la historia (de nuevo una excelente Sally Forrest), sufrió de joven de poliomielitis, una enfermedad infecciosa causada por un virus (¡ay, los dichosos virus!) y que afecta principalmente al sistema nervioso.



Aunque la polio es una enfermedad más recurrente en la infancia la actriz la sufrió en 1934, a la edad de 16 años, un poco más joven que Carol que está a punto de cumplir la mayoría de edad (21 años).

La pareja artística (de baile) que forman Carol y Guy (un Keefe Brasselle que había coprotagonizado igualmente la (oficiosa) primera película de la actriz) verá truncado su sueño de conseguir el éxito y la fama cuando a ella la diagnostiquen de polio.

Lupino prioriza desde el principio el profundo amor que los dos jóvenes se profesan y será precisamente ese amor “bigger than life” el que hará posible el “milagro” de la recuperación de ella a pesar de su actitud inicial no sólo negativa sino francamente hostil frente a todos los que quieren ayudarla en su recuperación.

Antes hablaba de un cierto exceso de didactismo que lastraba en cierta medida la película aunque también es cierto que es precisamente la minuciosidad que la actriz/directora/guionista/productora dedica al proceso de recuperación de Carol (con un magnífico trabajo no sólo de la actriz Sally Forrest, que vendría a ser no sólo en ésta sino en otras producciones de Lupino su alter ego, sino también del resto de integrantes del reparto, incluido actores no profesionales dado que la película se rodó en los mismos lugares en donde tiene lugar la acción, en este caso el Kabat-Kaiser Institute de Santa Monica, California) lo que le da una mayor credibilidad a la historia.



Aquí de nuevo Forrest y Brasselle destilan una excelente química e igualmente el debut de Hugh O’Brian que aquí interpreta a Len, un interno que gracias al amor secreto que profesa a la joven logrará cambiar la actitud de ésta no sólo ante la enfermedad sino incluso ante la vida que la espera de ahora en adelante, vuelve a demostrar el talento de Lupino en la dirección de actores.





Quizás tampoco el final sea tan bello como el de NOT WANTED y de hecho es más bien un tanto forzado pero también es cierto que en estos tiempos que vivimos es estimulante ver en la gran pantalla (o en este caso a través de la pequeña) que el amor triunfa sobre todos los obstáculos, algo que desgraciadamente no parece que acontezca en la vida real...

Pero no sólo eso sino que igualmente la puesta en escena funcional pero armónica y sustentada gracias a la colaboración de grandes talentos detrás de las cámaras (el gran Van Nest Polglase (1898-1968) en el diseño de producción (y que tendría un papel decisivo en los títulos postreros de la inmensa – en todos los sentidos – filmografía del pionero Allan Dwan (1885-1981) [y del que espero hacer una sucinta revisión de los mismos en un futuro cercano… ]); el excelente Archie Stout (1886-1973) en la aquilatada fotografía en blanco y negro (y que se encargaría de alguno de los mejores títulos de John Ford como FORT APACHE (1948, ídem) o THE SUN SHINES BRIGHT (1953)); la bella partitura de Leith Stevens (1909-1970)) demuestra que su pericia no tenía nada que envidiar a la de sus colegas masculinos.



Y además Lupino siempre supo mantenerse en los márgenes del cine mal llamado “B” dado lo idiosincrásico de sus propuestas que difícilmente suscribían los grandes estudios.

Quizás por ello aunque tuvo que lidiar con presupuestos raquíticos (en este caso 151.000 dólares (¡!)) logró a cambio una mayor libertad creativa como pronto podremos ver en este modesto rincón si la salud y el tiempo (y el virus – el “otro” virus -) lo permite.

Feliz tarde y cuidaros.

NO TENGAS MIEDO, como reza el título original de la película…

… pero tampoco hagamos el tonto y estropeemos lo que todos hemos construido con tanto esfuerzo y sacrificio.







P.D. La copia anoche visionada NO pertenece a este paquete...

REVISANDO EL WESTERN MODERNO

o

THE MISSING (2003, DESAPARICIONES)



Copyright 2003 by Revolution Studios Distribution Company, LLC.

Estreno: 26 de noviembre de 2003 (EUA); 12 de marzo de 2004 (España).

Dirigida por Ron Howard.

Producida por Brian Grazer, Daniel Ostroff y Ron Howard (y Thomas Eidson y Sue Berger Ramin).

Escrita por Ken Kaufman a partir de la novela “The Last Ride” de Thomas Eidson (Nueva York, 1995) [“La última galopada”, Editorial Valdemar, Frontera n.º 10, 2015].

Fotografiada por Salvatore Totino (en Color by De Luxe y Super 35).

Musicalizada por James Horner.

Protagonizada por Tommy Lee Jones (Samuel Jones), Cate Blanchett (Maggie Gilkeson), Evan Rachel Wood (Lilly Gilkeson), Jenna Boyd (Dot Gilkeson), Aaron Eckhart (Brake Baldwin).



Aunque podría parecer que el impulso que el western retomó en los años ‘80/’90 con títulos tan importantes (independientemente de sus calidades dramáticas y/o estéticas) como DANCES WITH WOLVES (1990, BAILANDO CON LOBOS) de Kevin Costner, UNFORGIVEN (1992, SIN PERDÓN) de Clint Eastwood, WYATT EARP (1994, ídem) de Lawrence Kasdan o WILD BILL (1995, ídem) de Walter Hill había desaparecido en años postreros, lo cierto es que el mismo siguió dando muestras, aunque fuese de forma esporádica, de que no todo estaba dicho en el género norteamericano por antonomasia.

Títulos como OPEN RANGE (2003, ídem) del citado Kevin Costner o los más recientes THE HOMESMAN (2014, DEUDA DE HONOR) de (curiosamente) Tommy Lee Jones, THE HATEFUL EIGHT (2015, LOS ODIOSOS OCHO) de Quentin Tarantino, BONE TOMAHAWK (2015, ídem) de S. Craig Zahler o BRIMSTONE (2016, BRIMSTONE (LA HIJA DEL PREDICADOR)) de Martin Koolhoven, demuestran que el género está lejos de hincar la rodilla aunque hay que reconocer que su Edad de Oro queda ya muy lejos en el tiempo.

No tenía a Ron Howard (1954) ni por un director especialmente brillante ni por su afección al género que llegó a su cumbre en los años ‘50 en los que nació el primero actor (recordemos su papel en la estupenda THE COURTSHIP OF EDDIE’S FATHER (1963, EL NOVIAZGO DEL PADRE DE EDDIE) de Vincente Minnelli) junto a Glenn Ford y Shirley Jones) y luego (desde 1977) director.



Y padre, no nos olvidemos (al menos yo no lo hago) de una de mis pelirrojas favoritas, la guapísima Bryce Dallas Howard (1981) que no sólo protagoniza uno de mis títulos de cabecera del fantástico reciente como es THE VILLAGE (2004, EL BOSQUE) de M. Night Shyamalan (e incomprensiblemente inédita en BD en todo el globo terráqueo) y que veo que también ha hecho sus pinitos en el campo de la dirección (en concreto, un episodio de la estupenda serie de Netflix, THE MANDALORIAN (2019-...), el n.º 4 de la (por ahora) primera temporada).



DESAPARICIONES toma como base la novela “La última galopada” (1995) de Thomas Eidson, un autor que por lo que he podido apreciar al ver la película (no he leído todavía la novela que forma parte de la estupenda colección (Frontera) que la editorial Valdemar está publicando desde 2011) tiene una cierta querencia por mezclar los hechos históricos con el fantástico, una aproximación que igualmente ha llevado hasta sus últimas consecuencias un título tan fascinante (y perverso) como es la citada BONE TOMAHAWK.



Y una película que me recuerda en cierta forma al (posiblemente) mejor western de Robert Aldrich (1918-1983), ULZANA’S RAID (1972, LA VENGANZA DE ULZANA), que venía a ser la imagen especular (o invertida) de APACHE (1954, ídem) y donde, al igual que en la película revisada este domingo (lo siento, empiezo a acumular reseñas ), los protagonistas son los apaches.

Y es que en ambas el desencadenante del conflicto que afecta a los protagonistas es la huida de la agencia de San Carlos, en Arizona, de un grupo de apaches que si en la película de Aldrich lo hacían para huir de las deplorables condiciones de vida que existían en la misma y recuperar así su modo de vida tradicional (matanzas incluidas), aquí (curiosamente) serán apaches que formaban parte de una compañía que se encargaba de vigilar la reserva, al frente de los cuales se situará “El Brujo” (sic), un individuo brutal aunque inteligente y que parece disponer de poderes especiales…







Es una lástima que la película (o la novela) no ahonde en el hecho de que también, en cierta forma, "Maggie" es una curandera y de esta forma establecer un paralelismo entre alguien que se dedica a hacer el mal y alguien que, por el contrario, se encarga de deshacer ese mal.



También es una historia de reconciliación.

La que se da entre Samuel (un espléndido Tommy Lee Jones) y su hija, “Maggie” (una igualmente estupenda Cate Blanchett).





Y es que el primero no sólo abandonó a su esposa y a sus hijos sino que se fue a vivir con los apaches. ¿Por qué? Nunca lo sabremos…

Sabiendo que su final está próximo Samuel logrará finalmente el perdón de “Maggie” cuando la hija mayor de ésta, Lilly (Evan Rachel Wood), sea raptada por los apaches fugitivos con el fin de venderla a ella y a otras cautivas en México (ecos de obras fordianas capitales como son THE SEARCHERS (1956, CENTAUROS DEL DESIERTO) o TWO RODE TOGETHER (1961, DOS CABALGAN JUNTOS)…) y la ayude a recuperarla.



La película, como en la mencionada LA VENGANZA DE ULZANA, no rehuye las atrocidades de los apaches contra los colonos que (ilegalmente) ocuparon sus tierras pero tampoco recarga las tintas e igualmente muestra la sinrazón de los blancos frente a las culturas nativas de Norteamérica.

La acción de la cinta tiene lugar en 1885 en Nuevo México, estado fronterizo con Arizona y fue rodada en los mismos parajes en los que acontece.



Aunque un pelín larga y a veces un tanto rutinaria en su desarrollo es un buen exponente del western crepuscular (o sea, el que comienza en los años ‘60…) y cuenta además de con una espléndida fotografía en Scope de Salvatore Totino, un colaborador habitual del director, con la bella partitura del gran James Horner.

Y mencionar de pasada que la hoy famosa Elisabeth Moss (1982), ya sabéis, la protagonista de la serie “El cuento de la criada” (2017-…) y de la que hoy mismo (creo) que me veré su recientísima THE INVISIBLE MAN (2020, EL HOMBRE INVISIBLE) de Leigh Whannell que adquirí hace unos pocos días, tiene un pequeño papel como una de las cautivas.





De cualquier forma, un interesante western aunque no alcanza la categoría de alguno de los títulos mencionados más arriba pero que es todo un bálsamo para los que amamos el género y que cuenta con la presencia de dos actores de la categoría de Blanchett y Jones.

Vosotros mismos.

Feliz tarde/noche.

El Angel es una magnífica película, coproducida entre Argentina y España. Todo el elenco está magnífico, pero obviamente destaca sobremanera el joven Lorenzo Ferro. Tiene un desparpajo en la película, que parece que llevara años y años de profesión.
Mencionado ya Palito Ortega (a mi me gusta bastante ese video, por la curiosa mezcla entre arreglos musicales de las dos versiones- me gusta más la de Marisol-), la canción que realmente me dio vueltas a la cabeza durante días, tras ver la película, es El extraño del pelo largo, un temazo de un grupo de rock argentino, La joven guardia, lanzado en 1968.
Con todo, lo más interesante es que su autor es Roque Narvaja, guitarrista y cantante de ese grupo en la época, y que años más tarde triunfó con temazos como Menta y limón o Santa Lucía (que en España la llevó al éxito el gran Miguel Rios). En esa época (entre mediados de los 70 y los 80), y como otros artistas argentinos, Narvaja estaba exiliado en España, huyendo de la Dictadura argentina.

Iniciado por Alcaudón

Y mencionar de pasada que la hoy famosa Elisabeth Moss (1982), ya sabéis, la protagonista de la serie “El cuento de la criada” (2017-…) y de la que hoy mismo (creo) que me veré su recientísima THE INVISIBLE MAN (2020, EL HOMBRE INVISIBLE) de Leigh Whannell que adquirí hace unos pocos días, tiene un pequeño papel como una de las cautivas.

Para mí Elisabeth Moss es Peggy Olson, uno de los puntales de las siete temporadas de Mad Men, una mujer que lucha para triunfar en un mundo de hombres, para que un mad man sea en realidad una mad woman. Ya comentarás esta The Invisible Man, a la que le tengo ganas.

Elisabeth Moss, que está espléndida en Mad Men, tuvo que esperar a recoger su recompensa con la posterior serie para tv, El cuento de la criada. Con ella, se llevó el Globo de Oro y le Premio Emmy. Ahí también está muy bien.

Iniciado por mad dog earle

Para mí Elisabeth Moss es Peggy Olson, uno de los puntales de las siete temporadas de Mad Men, una mujer que lucha para triunfar en un mundo de hombres, para que un mad man sea en realidad una mad woman. Ya comentarás esta The Invisible Man, a la que le tengo ganas.

Muy sucintamente dado que es una película de este mismo año.

Eso sí, ya adelanto que me ha parecido espléndida y Elisabeth Moss bien merecería una candidatura a los Oscar aunque me temo que la Academia no tiene especial querencia por el género fantástico y/o de terror.

Esta noche creo que pondré al día con una de las muchas revisiones que estoy llevando a cabo, tal vez la de la Hammer.