Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Los cómics son una de mis grandes pasiones (aparte del cine y los libros). Y, desde luego, las aventuras de Astérix y Obélix son de los tebeos que más veces he leído desde mi infancia. Ahora, además, podemos disfrutarlos en las magníficas ediciones a tamaño y color original y en el orden en que fueron originalmente publicadas de la mano de Salvat (La gran colección).

Iniciado por jack napier

Astérix y Obélix. Misión Cleopatra (Alain Chabat; 2002)







Recuerdo que en su día, allá por finales de los noventa, me emocioné como seguidor y coleccionista de tebeos de Astérix de toda la vida, al saber de que por fin se trasladaran las aventuras de Astérix a la gran pantalla. Pensaba, iluso de mí, de que no sólo iban a ser unas adaptaciones decentes, sino que iba a ver las historias de Uderzo y Goscinny en carne y hueso, pero nada más lejos de la realidad: la primera película de una serie de cuatro, "Astérix y Obélix contra el César" no sólo carecía de una mínimo de calidad cinematográfica, sino que logró aburrirme soberanamente; la película era un atropello a la creación y a la genialidad de Uderzo y Goscinny. La segunda, "Asteríx y Obélix Misión Cleopatra", me gustó algo más, y es una película que guardo cariño por ser de las primeras que me compré en dvd. La tercera, Astérix en los Juegos Olímpicos; y la cuarta y última "Astérix al Servicio Secreto de su Majestad" son directamente para tirar al cubo de la basura, horribles es poco...

Y es "Misión Cleopatra" la que me he atrevido a revisar, y bueno, sigo pensando más o menos igual: es floja, hay demasiadas tonterías, un exceso de humor bobalicón e infantil (gracias al insufrible Numerobis de un tal Jamel Debouzze); pero sí que, aunque se pasa la esencia de Astérix muchas veces por la entrepierna, por lo menos tiene detalles y ciertos toques que guardan fidelidad a los tebeos, que no tienen ninguna de las otras tres.

Me encanta tanto Gerard Depardieu como Obélix como Christian Clavier como Astérix, son los únicos que parecen tomarse esto en serio. Monica Bellucci da el pego como una parodia de Cleopatra, con vestidos recargados y exagerados; actríz y modelo limitadita, pero claro, con un físico imponente que cuadra muy bien con la Cleopatra del mundo de Astérix, de la que por cierto Uderzo la dibujaría pensando en Liz Taylor. Y el resto, pues un Panorámix muy sosito; un Julio César, interpretado por Alain Chabat, el director también de la película, que se limita a decir cuatro frases y a posar; una pandilla de secundarios de encefalograma plano. Pero el peor es Numerobis, que no hace más que gesticular, bailar y decir tonterías, cargándose él solito la película (cuanto hubiera ganado si hubieran recortado o suprimido su papel, o que hubieran contratado a otro actor francés decente).

En los tebeos de Astérix había sátira, acidez, crítica social y humor inteligente, en cambio aquí hay humor ridículo, chabacano e infantil a más no poder. Por ejemplo, no sé a que viene a cuento meter números musicales cada dos por tres (aunque alguno puede tener su gracia, como cuando se enamora Astérix de la cortesana de Cleopatra); o meter una ridícula escena de un documental sobre la langosta para evitar mostrar la violencia del ataque de Obélix a los romanos; y la ridícula peleita a lo Dragon Ball entre Numerobis y Paletábix mejor ni hablar

A pesar de la cantidad de momentos bochornosos y de actuaciones de nivel amateur, la película deja algunos cosas salvables: el buen hacer y el carisma de Clavier y Depardieu; el aspecto visual y el toque en general de tebeo (todas las escenas de los piratas, las bofetadas a los romanos y el efecto de la poción mágica está bastante conseguido). Buen nivel de efectos especiales (a destacar el ataque de los romanos al Palacio de Cleopatra o la carrera de Astérix huyendo para avisar a Cleopatra). Los trajes son clavados al cómic: tanto el de Astérix y Obélix como el de los piratas y los romanos. Y sin olvidar el guiño al Imperio Contraataca, con permiso a Lucas mediante, claro.

Christian Clavier fue el más listo al bajarse del barco en esta, porque ya debía de intuir que lo que venía era aún peor. De todas formas, de las cuatro películas es la única que puedo ver de vez en cuando; es entretenida y por lo menos se deja ver, a pesar del odioso Numerobis y del humor tan pueril.

Astérix se merecía algo mejor, cualquier película de animación le da mil vueltas a cualquiera de imagen real.

5,5

Edito: creo que la película recoge no sólo referencias al tebeo "Astérix y Cleopatra", sino también a la "Residencia de los Dioses" y a "Astérix y los Godos". Si alguien ha visto la película y encuentra alguna otra, que lo diga

La primera de estas de Astérix con actores -soy fan de los comics, pero nunca lo he sido demasiado, y pese a todo, las aventuras de los irreductibles galos siempre me han caído mucho mejor que las del repelentito Tintín - la vi en el cine cuando se estrenó. En el último cine que quedaba en mi barrio, que cerró las puertas esta primavera. Ahora es un supermercado . Qué me parecería, que no la he vuelto a ver, ni me he molestado con ninguna de sus secuelas . Las versiones animadas -salvo, quizá, Las doce pruebas, que tenía verdaderos hallazgos-, aunque malillas y demasiado infantiles, me parecían mucho más simpáticas y honestas. Mónica Bellucci siempre me ha parecido una mujer vulgar, tanto en su físico como en su manera de exhibirlo.

EL ÚLTIMO GRAN ROMÁNTICO DEL CINE CLÁSICO NORTEAMERICANO

O

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE NICHOLAS RAY / PARTE IV:

BORN TO BE BAD (1950)



Estudio: RKO Radio Pictures, Inc.

Productor: Robert Sparks.

Guión: Edith Sommer, basado en la adaptación de Charles Schnee de la novela "All Kneeling" de Anne Parrish (Nueva York, 1928). Diálogos adicionales Robert Soderberg y George Oppenheimer.

Dirección artística: Albert S. D'Agostino y Jack Okey.

Fotografía: Nicholas Musuraca (en b/n).

Música: Frederick Hollander.

Reparto: Joan Fontaine (Christabel), Robert Ryan (Nick), Zachary Scott (Curtis), Joan Leslie (Donna), Mel Ferrer (Gobby)

Duración: 94 minutos

Inicio de rodaje: 20 de junio de 1949.

Rodada entre dos obras mayores como son LLAMAD A CUALQUIER PUERTA y (especialmente) IN A LONELY PLACE (ambas colaboraciones con Humphrey Bogart y su compañía Santana), BORN TO BE BAD es una película menor, en la línea de A WOMAN'S SECRET, donde sólo cabe destacar el notable trabajo creativo del gran director de fotografía Nicholas Musuraca (aunque la copia visionada (de sólo 89 minutos) deja bastante que desear) y un buen reparto, eso sí, totalmente supeditado al divismo de Joan Fontaine, por aquella época una más de las amantes del magnate de la RKO Howard Hughes...

La acción transcurre en San Francisco aunque no es que importe demasiado porque la película está integramente rodada en interiores.

Christabel (una, como siempre, afectadísima Joan Fontaine (lo siento, nunca fue santo de mi devoción...) ) es la sobrina (pobre) del importante editor John Caine (Harold Vermilyea) para el que trabaja la inteligente y bella Donna (una mucho más entonada Joan Leslie (una actriz hoy poco recordada... )) en cuyo piso va a ser temporalmente acogida la primera. Una Christabel que hasta ahora había vivído con su tía (más bien pobretona) Clara (Virginia Farmer (que ya había trabajado con Ray en la citada A WOMAN'S SECRET)) en la pequeña ciudad de Santa Flora y a la que su tío intenta introducir en su empresa para lo cual deberá de empezar a estudiar las tareas más habituales que le exija su puesto de trabajo.

En el piso de Donna convergen el extravagante pintor Gobby (un, como siempre, burlón Mel Ferrer (al que estoy empezando a coger simpatía (y al que acabo de ver en la maravillosa ENCUBRIDORA de Fritz Lang))), el millonario Curtis (Zachary Scott y su eterno bigotito), prometido de Donna, y más tarde el rudo pero atractivo escritor y viajero Nick (un como siempre excelente Robert Ryan (el actor que más veces colaboró con Nicholas Ray a lo largo de su carrera)).



La sencilla trama (no hacían faltan tantas manos para un argumento tan manido) es la progresiva depredación que la aparentemente cándida Christabel va a ejercer sobre todos los hombres que rodean a la atractiva Donna, empezando por Nick, un hombre de fuerte personalidad que enseguida se encaprichará de la mosquita muerta que parece Christabel (y el único hombre por el que sentirá una auténtica pasión (o atracción sexual, la mano de Hughes es muy larga... )) pero al que pronto sustituirá por el más atractivo (monetariamente hablando) Curtis, un atolondrado millonario al que rápidamente engatusará trastocando el profundo amor que sentía por Donna por el suyo interesado. Y no olvidemos la fascinación que Christabel ejerce sobre el divertido Gobby (sin duda, el personaje más atractivo de la función) y un retrato de la misma que tendrá importancia en el desenlace de la trama.





Ciertamente, BORN TO BE BAD (bonito título para una ¿mala? película) fue un encargo del magnate Hughes a uno de sus protegidos (Ray rodaría y/o acabaría varias películas de directores que no comulgaban con el preboste de la RKO y Hughes, por su parte, le protegería de la Caza de Brujas, aunque Ray nunca fue un director cuyas ideas políticas pudieran ser objeto de persecución) y no un proyecto de su elección.

Lo mejor de la película es el final (al parecer se rodó más de uno) en el que primero Christabel, una vez repudiada por Curtis (seguía viendo a sus espaldas a Nick (el único hombre al que en realidad amaba)) y además había desatendido a su tía (a la que había obligado a volver a Santa Flora pues no soportaba la idea de que Curtis le tomara cariño), se lleva un montón de abrigos de piel de recuerdo en su coche y sufre un accidente. A raíz del mismo debe ser operada y rápidamente se encapricha del atractivo y maduro cirujano. Una vez denunciado éste por su esposa, la bruja (permitanme la expresión) de Christabel se enrolla con el abogado que la va a defender.

Y de mientras el retrato que le pintó Gobby sube y sube de precio cada vez que un escándalo sucede a otro.

Un final anormalmente feliz y ciertamente atípico pues Christabel no recibe ningún castigo (como así era norma por el código de autocensura de la industria).

Y, finalmente, y esto es una apreciación personal, es difícil de creer que una mujer como Joan Fontaine (a años luz del talento y la belleza de su hermana Olivia de Havilland) sea capaz de seducir a tres hombres tan diferentes y casi sin pestañear. ¿He dicho tres...?



Si es que en Hollywood todo es posible...

Felices y dulces sueños.

Iniciado por Jane Olsen

La primera de estas de Astérix con actores -soy fan de los comics, pero nunca lo he sido demasiado, y pese a todo, las aventuras de los irreductibles galos siempre me han caído mucho mejor que las del repelentito Tintín - la vi en el cine cuando se estrenó. En el último cine que quedaba en mi barrio, que cerró las puertas esta primavera. Ahora es un supermercado . Qué me parecería, que no la he vuelto a ver, ni me he molestado con ninguna de sus secuelas . Las versiones animadas -salvo, quizá, Las doce pruebas, que tenía verdaderos hallazgos-, aunque malillas y demasiado infantiles, me parecían mucho más simpáticas y honestas. Mónica Bellucci siempre me ha parecido una mujer vulgar, tanto en su físico como en su manera de exhibirlo.

A mí sí me gusta Tintín, pero no tanto como Astérix, que me encanta desde siempre. No me canso de releer de vez en cuando los tebeos, tengo la colección completa (como un ochenta por ciento de las primeras ediciones de Pilote y el resto la he completado con sucesivas reediciones); las de Pilote no las conservo en demasiado buen estado, pero para mí tienen un gran valor sentimental.

Hacer versiones en carne y hueso de Astérix el tiempo ha demostrado que ha sido un tremendo error. La única salida que veo es hacer algo como hizo Spielberg con Tintín, con capmotion y animación digital, para conservar el espíritu del tebeo; buenos actores, un buen guión y una buena dirección.

De las películas de animación es cierto que en su mayoría son infantiles (sobre todo a partír de los noventa, en dónde meten más canciones para niños), pero la animación de la mayoría sigue siendo una maravilla, que ya quisieran muchas actuales. Las tres primeras de los sesenta y setenta, siguen siendo las mejores: "Las Doce Pruebas" (el tebeo es una obra de arte, mi favorita y la mejor obra de Uderzo y Goscinny); Astérix y Cleopatra; y Astérix el Galo". La de los ochenta, aunque inferiores, tampoco están tan mal (a me gusta más Astérix en Bretaña que "La Sorpresa del César" o "El Golpe del Menhir").

Yo soy de los que espera con ansiedad la segunda parte de las aventuras de Tintín del gran Steven Spielberg.

Born to Be Bad

Esta vez tengo poco a añadir al excelente y ajustado comentario de Alcaudón. En todo caso solo unas pinceladas:

- El título: muy bueno (por cierto, poco antes Robert Wise había rodado Born to Kill, un film noir que sin ser una maravilla es claramente superior al de Ray). Con todo, el título es engañoso, porque el personaje de Christabel más que "mala" (no mata a nadie, como podría pensarse) lo que es, sobre todo, es una arribista de tomo y lomo, astuta y sin escrúpulos, una auténtica arpía, pero que parece justificarse por un pasado de pobreza y austeridad en un pueblecito californiano, mientras su tío en San Francisco es un hombre rico (y parece que no especialmente generoso). La que sí parecía "born to be bad" era Bette Davis en una película de John Huston de 1942, In This Our Life, que presenta notables semejanzas argumentales. En el film de Huston, casualmente, la perjudicada por la arpía Davis es... Olivia de Havilland (gran amiga de la gran Bette). Curiosamente, en imdb el film de Ray se califica de "drama/film noir" (yo no le veo nada de noir) mientras que el de Huston, en donde sí hay caso criminal, solo de "drama", un ejemplo más de lo arbitrario de las etiquetas.

- Fotografía de Musuraca: un tanto decepcionante. Es correcta, faltaría más, pero del director de fotografía de la mayoría de titulos producidos por Val Lewton uno esperaba mucho más.

- Tono del film: como también pasaba con A Woman's Secret, hay una cierta indefinición en el tono, reforzado por un final, ocurrente en sí mismo (lo describe perfectamente Alcaudón), pero que otorga un aire ligero a la conclusión del drama bastante anticlimático. No es un film criminal, no es un melodrama desbordado (como los de la Davis o la Crawford), ni una comedia romántica... es más bien un film insulso que gira casi única y exclusivamente alrededor de la figura de Christable, o dicho de otra manera, de Joan Fontaine. Sin ser un fan de la hermana de Olivia, a mí sí que es una actriz que me gusta en varios de sus papeles (las hitchcockianas Rebecca y Suspicion, su Jane Eyre, la maravillosa Letter from an Unknown Woman de Ophüls, o Island in the Sun, de Rossen). Pero aquí, ciertamente, no da el tipo, uno no la ve como esa especie de devora hombres, además de obsequiarnos de manera demasiado reiterada con una expresión de risueña victoria un tanto bobalicona. Reconozco que comparada con Joan Leslie no hay color, aunque hay que decir que su vestuario no la favorece en nada.



Todo ello contrasta con la insistencia machacona de repetir durante el film que es "bella"... quizá en otros films, pero no en este (el cuadro, por cierto, es horroroso).



- Los parteners masculinos: Zachary Scott resulta un tanto soso y tontorrón;



Robert Ryan parece que se dosifique a lo largo del film para no evidenciar que se come a la Fontaine en cada secuencia, su personaje da la impresión de pertenecer a otro film (seguramente mucho mejor);



mientras Mel Ferrer aguanta el tipo con una sonrisa burlona y cierto cinismo (puesto de evidencia en el detalle del precio del cuadro), resultando un personaje simpático, que flota sin implicarse en las tramas amorosas de Christabel.

- Eufemismo: el matrimonio entre Curtis (Scott) y Christabel es un fracaso desde el principio. Se hace evidente que hay una total falta de relaciones sexuales, ilustrado con la frase de Curtis de que "nunca la ve". Por otro lado, contrasta con la pasión (poco creíble) de Christabel por Nick (Ryan).

En resumen, hasta ahora vamos empatados con Ray: dos films buenos (They Live By Night casi excelente) y dos films mediocres, sino malos. El próximo, In a Lonely Place, pasa por ser uno de sus mejores títulos... veremos, no tengo un recuerdo excesivamente bueno, aunque seguro que subirá el nivel.

Para mí IN A LONELY PLACE es, tal vez, la mejor película de Nicholas Ray. Y hablamos de un director con un ramillete de obras maestras.

"Carita de mono" :

Iniciado por Alcaudón

Para mí IN A LONELY PLACE es, tal vez, la mejor película de Nicholas Ray. Y hablamos de un director con un ramillete de obras maestras.

Teniendo a Johnny Guitar en su filmografía esa afirmación me parece un tanto osada. La semana que viene saldremos de dudas.

Iniciado por Jane Olsen

"Carita de mono" :

Sí, pero como "monkey face" daba el tipo, aquí sí que le cuadra lo de mosquita muerta. Como también en Rebecca en el papel de la mujer sin nombre, o como la institutriz Jane Eyre, o como esa niña enamoradiza de Letter from an Unknown Woman. Pero el papel de rompecorazones de Born to Be Bad no le va en absoluto.

Watchmen (Zack Snyder, 2009)



Revisada hoy, no sé porque, ha surgido

En el cine me encantó, y en las pocas revisiones posteriores, también, y en este mismo foro creo que la cité en mi Top 5 del género junto a Batman, TDK, Superman y Avengers. Esta vez me ha gustado algo menos, aunque me sigue gustando, pero es normal: veo el cine (y todo, vaya) algo distinto que hace casi 10 años.

No me he leído la novela gráfica (este año me he puesto con los cómics y está en lista, espero que pronto) pero sé que Snyder usó la misma como storyboard, con gran resultado para mí cuando la vi en el cine, y no tanto ahora pero también, pero a la vez con críticas del sector fan de la novela. Supongo -es más, me suena haber leído precisamente eso- que debe ser tema de la traslación, de lo que funciona en un medio pero no en otro.

Atendiendo al ritmo del film, que no es malo, pero sí que hay algunos problemas de ritmo y especialmente de desaparición de personajes durante mucho tiempo (lo cual afecta a la narrativa), puede que sea ese el problema. Añado, además, que hay un par de momentos de los que no me gustan en los films: Hollis contándole a Daniel algo que saben ambos, de sobra, pero no de pasada, sino a modo resumen... Joder, pero si con esa intro tan cojonuda ya era suficiente! Y luego el largo, típico y tópico momento del villano contando todo su plan, y lo que realmente ocurrió, con flashbacks, a lo Jessica Fletcher.

Efectos visuales y demás me siguen gustando aunque siempre, inevitablemente, se va notando el paso del tiempo (los cromas mejoran tanto que ahora vemos lo que antes no cantaba tanto), amen de a Laurie luchando en la cárcel con calzado plano (la doble de acción, claro), en vez del taconazo (eso estaba en el cómic? No sé, eso siempre me ha chirriado: una heroina que vaya como quiera pero con tacones me saca del film, Catwoman de TDKR inclusive, incluso las de Agents of SHIELD, aunque grueso y disimulado, llevan) que siempre lleva.

Las escenas de acción y algunos recursos visuales, como ya me sucedía en Man of Steel y Batman V Superman, están a medio camino entre la muy buena realización y la idea de que se confía demasiado en ellas, como si no fuera natural y se buscase cierto efecto.

La escena de sexo entre Laurie y Daniel... Bueno, muy comiquera, eso sí, supongo que era la idea pero este tipo de escenas de sexo de pose estética siempre se me ha hecho raro. Aunque, eso sí, mucho mejor eso que lo de follar bajo sábanas

Me quedo con la escena inicial, con la intro/créditos, con el aire logrado de distopia urbana casi Blade Runner (aunque los puntos casi paródicos, como ese maquillaje de Nixon, quedan raros con el tono del film, especialmente porque se toma muy en serio), con las disertaciones del Dr Manhattan (logrando que sintamos lo carente de vida que resultan sus pensamientos), con la última escena de Rorschach y el Dr Manhattan, muy lograda. Y con la BSO ajena, algo que no me va demasiado normalmente porque cualquier acierta con listas de spotify, pero en este caso la sensación es de pleno, por ejemplo con 99 Luftballoons de la gran Nena o el The Times They Are A-Changing (logrando una cojonuda sensación de paso del tiempo) o el The Sound of Silence en el entierro, cojonudo.

Finalmente mención especial al casting (Snyder, sin duda, tiene ojo para esto), Jackie Earle Haley, Patrick Wilson (Nite Owl es como un Batman, no?), Mathew Goode (como esconde el acento ), Jeffrey Dean Moran y un gran Billy Crudup.... Malin Akerman ya no, es raro pero... Es que no me ha transmitido nada, podrían haber puesto a otra a mitad de película y lo agradecería

Recuerdo que la experiencia de ver Watchmen en el cine me impactó muchísimo.
Merece verse en pantalla grande y en casa, mejor con un proyector.

TONY ROME (1967, HAMPA DORADA) de Gordon Douglas.

Arcola-Millfield Productions / Twentieth Century-Fox Film Corp.



Muestra tardía de cine negro dirigida con escaso entusiasmo por el otrora interesante Gordon Douglas, un especialista en westerns (y de los que podemos destacar el estrenado ese mismo año CHUKA (1967, ídem), además del excelente RIO CONCHOS (1964, RÍO CONCHOS)) y que tiene igualmente en su haber un clásico inmarcesible del cine de ciencia ficción como es THEM! (1954, LA HUMANIDAD EN PELIGRO) [pronta revisión en este mismo rincón ].

Compartiendo título en español con uno de los clásicos fundacionales del cine de gángsteres (LITTLE CAESAR (1930, HAMPA DORADA) de Mervyn LeRoy) TONY ROME, que es el nombre del protagonista, un detective privado afincado en Miami Beach (y que vive además en un yate) encarnado con el piloto automático puesto por el cantante/actor Frank Sinatra, nos narra una historia sencilla pero enrevesada (por ello de que parezca más interesante de lo que en realidad es) basada en una novela de Marvin H. Albert ("Miami Mayhew", Nueva York, 1960).



Una película que se inicia con un zoom al trasero de la co-protagonista (la guapa Jill St. John (Ann Archer en la película)) y que acaba con idéntico zoom en la misma parte de la anatomía femenina, no puede tomarse demasiado en serio y menos en tiempos como estos tan políticamente correctos...



Lo de menos es la intriga.

El ex-policía y ahora detective privado Anthony (Tony) Rome es llamado por un antiguo colega que ahora ejerce de lo mismo pero en un hotel de mala muerte y como favor personal (una vez salvó la vida al primero) le pide que se encargue de una joven (Sue Lyon (la Lolita de la película de Kubrick y Nabokov)) que ha aparecido inconsciente (borracha que dirían otros) en una de las habitaciones del hotel.



El Macguffin de la película parece ser un broche de diamantes que la susodicha llevaba cuando salío de casa valorado en 5.000 dólares y que ha desaparecido. Una minucia si lo comparamos con el halcón maltés de la película homónima (hecho de "el material con que se forjan los sueños").

Es una pena que la nómina de ilustres personalidades que colaboraron en la película (el productor Aaron Rosenberg (responsable de los excepcionales westerns de Anthony Mann y James Stewart para la Universal-International; el director de fotografía Joseph Biroc (que aquí emplea el formato Panavision y el color by De Luxe, acorde con el lugar donde acontece la acción pero demasiado detonante para una pieza de cine negro); el reparto (con actores/actrices de la calidad de Richard Conte o Gene Rowlands)) esté por muy por debajo del nivel habitual de sus prestaciones.



Una película además que pese a tener un carácter misógino es notablemente casta. Tony Rome mantiene una relación (no física) con Ann Archer pese a las constantes insinuaciones de ésta.

Y donde además se tratan de pasada temas como el lesbianismo, la prostitución, el tráfico de drogas y los yonquis o la bigamia, todo ello en un megamix de difícil digestión.

Y 110 minutos de película se me antojan disparatados para una historia casi de encefalograma plano.

Tengo la continuación por ahí pero dudo que me atreva dados los resultados de la hoy comentada. Claro que para eso somos completistas...

Iniciado por mad dog earle

Sí, pero como "monkey face" daba el tipo, aquí sí que le cuadra lo de mosquita muerta. Como también en Rebecca en el papel de la mujer sin nombre, o como la institutriz Jane Eyre, o como esa niña enamoradiza de Letter from an Unknown Woman. Pero el papel de rompecorazones de Born to Be Bad no le va en absoluto.

Tengo el mismo problema con Ivanhoe (¿se puede creer alguien que un hombre prefiera a la pavisosita de la Fontaine a una mujer como Liz Taylor?):

Yo no, desde luego...

A mí me gusta más Joan Fontaine.

Iniciado por Abuelo Igor

A mí me gusta más Joan Fontaine.

No sé en comparación a quien pero estoy de acuerdo en eso. Siempre

Iniciado por Synch

No sé en comparación a quien pero estoy de acuerdo en eso. Siempre

Iniciado por horner

Recuerdo que la experiencia de ver Watchmen en el cine me impactó muchísimo.
Merece verse en pantalla grande y en casa, mejor con un proyector.

A mi me gustó mucho pero entonces veía el cine de otra forma (quiero decir, no me refiero a sentado y mirando hacia delante ), y el tema de una distopia urbana como esa, con un what if coherente con la idea de los superhéroes participando en los actos bélicos estadounidenses y perpetuando a Nixon en el poder, vigilantes con conflictos de identidad y repudiados por la población etc Aunque todo eso ya estaba en la novela era de admirar la traslación a imagen real.

Ahora mismo todo eso me sigue gustando pero preferiría que hubiera algo más alrededor de todo eso, algo más cinematográfico, más vivo. Aún así creo que seguiría entrando en mi Top 10 del género.

DOS CLÁSICOS DEL CINE DE ANIMACIÓN BRITÁNICO:

ANIMAL FARM (1954, REBELIÓN EN LA GRANJA) de John Halas y Joy Batchelor.

Fuente: Animal Farm (1945, Rebelión en la granja) de George Orwell (Planeta, Barcelona, 1969).

WATERSHIP DOWN (1978, OREJAS LARGAS) de Martin Rosen.

Fuente: Watership Down (1972, La colina de Watership) de Richard Adams (Ultramar, Barcelona, 1975).

Dos piezas maestras del cine de animación cuando éste se realizaba todavía completamente a mano lo que significaba varios años en el desarrollo de los proyectos y en la elaboración de cientos de miles de dibujos y de centenares de escenarios donde insertar los mismos.



REBELIÓN EN LA GRANJA, basada en la obra homónima de Orwell (en realidad el título debería ser LA GRANJA DE ANIMALES, aunque ciertamente no suena igual) fue producida por Halas y Batchelor a lo largo de 1951-54 y fue el primer largometraje de dibujos animados realizado en el Reino Unido y también el primero en tocar un temática no apta (en un principio) para el público infantil.

La historia de la famosísima novela corta de Geoge Orwell es lo suficientemente conocida como para mencionar ni siquiera un breve resumen.

Sólo denotar el excelente e imaginativo trabajo llevado a cabo por los realizadores a la hora de trasladar a la gran pantalla y con la máxima fidelidad una obra con un intencionalidad política tan marcada (la denuncia del comunismo y, especialmente, los crímenes de guerra del dictador Stalin en la URSS, antes y durante la Segunda Guerra Mundial).

Aunque el final aquí es más optimista que en la novela ya que finalmente los animales oprimidos se rebelan contra sus nuevos amos, los cerdos y los perros que les sirven de guardia pretoriana (como las SS alemanas), ello no es óbice para considerarla una excelente versión (todavía imbatida en cuanto a adaptaciones a la gran pantalla) y que demuestra el poder de esta fábula antitotalitarista de alcance (desgraciadamente) universal y tan vigente entonces como hoy en día.

Y no nos olvidemos destacar la vital aportación de Maurice Denham que dobló a TODOS los animales de la película. En nuestro país sería el gran Teófilo Martínez (que llegaría a ser la voz de Félix Rodríguez de la Fuente a la muerte de este en los capítulos finales de El hombre y la tierra (Fauna canadiense)) el que puso su espléndida voz para servir de narrador y de hilo conductor de la trama (en la versión original lo haría Gordon Heath).

Y como curiosidad, parece demostrado que la CIA colaboró financieramente (y de forma anónima, por supuesto) en la elaboración de la cinta.

Sin duda una espléndida película de la que, desgraciadamente, no disponemos de una buena edición en BD en nuestro país. Circula por ahí una edición en BD-R (que es la que yo ingenuamente compré desconociendo tal circunstancia) que no pienso recomendar.



OREJAS LARGAS, adaptación de la popularísima novela de Richard Adams (De LITERATURA FANTÁSTICA: LAS 100 MEJORES NOVELAS: “Después de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, ésta es, probablemente, la novela de literatura fantástica de mayor éxito en los últimos tiempos, y ciertamente la de mayor éxito de un escritor británico. Como el libro de Tolkien, fue un “éxito inesperado”, la obra excéntrica de un autor desconocido que superó cualquier posible expectativa. Se vendió en cantidades enormes, y pese al conservadurismo implícito del libro parece haber atraído a los adultos más jóvenes, la generación “hippy” ecológicamente consciente de fines de los años sesenta y comienzos de los setenta (el mismo tipo de gente que había convertido a Tolkien en un best-seller tardío pocos años antes)”) es otro excelente ejemplo de un cine de animación orientado a un público más adulto y que (circunstancias de la vida) coincidió en el tiempo con la más que interesante adaptación a la gran pantalla de la obra del arriba citado Tolkien de la mano de Ralph Bakshi (THE LORD OF THE RINGS (1978, EL SEÑOR DE LOS ANILLOS), ya comentada en este rincón hace un tiempo...

Proyecto personal de Martin Rosen (que ejerció de guionista, productor y director (su primera película en tal faceta)) en estrecha colaboración con el montador Terry Rawlings, OREJAS LARGAS (absurdo título el que le adjudicó el distribuidor español de turno) es a la vez un canto a la vida sencilla de las gentes del campo y un virulento manifiesto en contra de las actitudes fascistas de las clases superiores (en este caso los protagonistas son conejos (son los únicos animales que hablan)) respecto al proletariado que les sostiene.

Una historia que se inicia con la creación del mundo de la mano del dios/sol Frith y de las criaturas que lo habitan, al principio todas iguales. Entre ellos destacó El Ahrira, el príncipe de los conejos. Todos vivían en armonía hasta que los conejos (con su elevadísima tasa de natalidad) empezaron a esquilmar los recursos que todos compartían. Frith le pidió a El Ahrira que controlara a su pueblo pero éste hizo oídos sordos. Como castigo, Frith transformó al resto de los animales en carnívoros y a los conejos en su principal presa. De esta forma las poblaciones comenzaron a reducirse drásticamente. Un El Ahrira arrepentido de su soberbia recibió como contraprestación la rapidez en la huida y la inteligencia para engañar a sus enemigos.

Y así comienza nuestra historia.

Los protagonistas serán dos conejos hermanos, Hazel (Avellano) y Fiver (Quinto). Este último sufre una visión en la cual predice una destino funesto para la conejera donde habitan. El conejo jefe (estamos ante una sociedad fuertemente jerarquizada y estratificada) se niega a atender los ruegos de Quinto. En los terrenos en los que está asentada la colonia puede verse un cartel donde se anuncia la inminente construcción de viviendas de alto “standing”...

Avellano junto a Quinto y un puñado de conejos descontentos deciden huir en busca de un lugar más seguro y donde todos vivan en paz y armonía, sin imposiciones ni diferencias de clase. Ese lugar será Watership Down.

Pero para llegar allí tendrán que sufrir mil y una peripecias y la muerte de varios integrantes de la partida, unos a manos de los predadores y otros a manos de bandas de conejos rivales (muchas de ellas regidas de forma dictatorial por un líder parafascista y su guardia de corps).

No se escatiman escenas de violencia (inusitadas para la época y para el público para el que supuestamente estaba dirigido) que delimitan un relato de un viaje y una búsqueda (como en la citada obra maestra de Tolkien) y que finalmente llegará a buen puerto.

Un final en el que el conejo de la muerte (una figura como una sombra) visitará en sus últimos días a un Avellano convertido en un patriarca de una enorme conejera en una escena de rara belleza.

La violencia y la muerte tratada de forma inteligente y como algo consustancial a la vida misma.

Una bella película en una magnífica edición de la mano de la recientemente creada Rekete, con una excelente calidad de imagen y con atractivos extras. Esta SÍ es la manera de editar un clásico.



Feliz tarde.

Iniciado por Alcaudón

TONY ROME (1967, HAMPA DORADA) de Gordon Douglas.

Arcola-Millfield Productions / Twentieth Century-Fox Film Corp.



Muestra tardía de cine negro dirigida con escaso entusiasmo por el otrora interesante Gordon Douglas, un especialista en westerns (y de los que podemos destacar el estrenado ese mismo año CHUKA (1967, ídem), además del excelente RIO CONCHOS (1964, RÍO CONCHOS)) y que tiene igualmente en su haber un clásico inmarcesible del cine de ciencia ficción como es THEM! (1954, LA HUMANIDAD EN PELIGRO) [pronta revisión en este mismo rincón ].

Compartiendo título en español con uno de los clásicos fundacionales del cine de gángsteres (LITTLE CAESAR (1930, HAMPA DORADA) de Mervyn LeRoy) TONY ROME, que es el nombre del protagonista, un detective privado afincado en Miami Beach (y que vive además en un yate) encarnado con el piloto automático puesto por el cantante/actor Frank Sinatra, nos narra una historia sencilla pero enrevesada (por ello de que parezca más interesante de lo que en realidad es) basada en una novela de Marvin H. Albert ("Miami Mayhew", Nueva York, 1960) y que tendría el suficiente éxito comercial como para elaborar una rápida secuela, THE DETECTIVE (1968, EL DETECTIVE), también dirigida por Douglas.

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Y otra más que ya cae de lleno en lo ridículo: La mujer de cemento (Lady in Ciment, 1968), con la presencia corporal de Raquel Welch, basada en otra novela de Marvin H.Albert.




De hecho, la que no es una secuela es El detective: el personaje de Sinatra no es Tony Rome, sino Joe Leland, la novela en que se inspira es de Roderick Thorp,... y sale Lee Remick. Hace mucho que la vi, pero en su día me gustó.

Menos mal que siempre estas alerta querido amigo.

"Hanna" de Joe Wright con Saoirse Ronan, Eric Bana y Cate Blanchett. Hanna es una joven que ha sido entrenada apartada del mundo por su padre, ex agente de la CIA, para una misión que cumplirá cuando esté preparada. Al llegar el momento, los antiguos compañeros de su padre irán en busca de Hanna, a quien hacen prisionera y escapa realizando un viaje desde Marruecos hasta Berlin, donde descubrirá la verdad sobre su vida. Un thriller entretenido, con momentos frenéticos y una banda sonora adecuada a cargo de Chemical Brothers.

Iniciado por Synch

Watchmen (Zack Snyder, 2009)



Revisada hoy, no sé porque, ha surgido

En el cine me encantó, y en las pocas revisiones posteriores, también, y en este mismo foro creo que la cité en mi Top 5 del género junto a Batman, TDK, Superman y Avengers. Esta vez me ha gustado algo menos, aunque me sigue gustando, pero es normal: veo el cine (y todo, vaya) algo distinto que hace casi 10 años.

No me he leído la novela gráfica (este año me he puesto con los cómics y está en lista, espero que pronto) pero sé que Snyder usó la misma como storyboard, con gran resultado para mí cuando la vi en el cine, y no tanto ahora pero también, pero a la vez con críticas del sector fan de la novela. Supongo -es más, me suena haber leído precisamente eso- que debe ser tema de la traslación, de lo que funciona en un medio pero no en otro.

Atendiendo al ritmo del film, que no es malo, pero sí que hay algunos problemas de ritmo y especialmente de desaparición de personajes durante mucho tiempo (lo cual afecta a la narrativa), puede que sea ese el problema. Añado, además, que hay un par de momentos de los que no me gustan en los films: Hollis contándole a Daniel algo que saben ambos, de sobra, pero no de pasada, sino a modo resumen... Joder, pero si con esa intro tan cojonuda ya era suficiente! Y luego el largo, típico y tópico momento del villano contando todo su plan, y lo que realmente ocurrió, con flashbacks, a lo Jessica Fletcher.

Efectos visuales y demás me siguen gustando aunque siempre, inevitablemente, se va notando el paso del tiempo (los cromas mejoran tanto que ahora vemos lo que antes no cantaba tanto), amen de a Laurie luchando en la cárcel con calzado plano (la doble de acción, claro), en vez del taconazo (eso estaba en el cómic? No sé, eso siempre me ha chirriado: una heroina que vaya como quiera pero con tacones me saca del film, Catwoman de TDKR inclusive, incluso las de Agents of SHIELD, aunque grueso y disimulado, llevan) que siempre lleva.

Las escenas de acción y algunos recursos visuales, como ya me sucedía en Man of Steel y Batman V Superman, están a medio camino entre la muy buena realización y la idea de que se confía demasiado en ellas, como si no fuera natural y se buscase cierto efecto.

La escena de sexo entre Laurie y Daniel... Bueno, muy comiquera, eso sí, supongo que era la idea pero este tipo de escenas de sexo de pose estética siempre se me ha hecho raro. Aunque, eso sí, mucho mejor eso que lo de follar bajo sábanas

Me quedo con la escena inicial, con la intro/créditos, con el aire logrado de distopia urbana casi Blade Runner (aunque los puntos casi paródicos, como ese maquillaje de Nixon, quedan raros con el tono del film, especialmente porque se toma muy en serio), con las disertaciones del Dr Manhattan (logrando que sintamos lo carente de vida que resultan sus pensamientos), con la última escena de Rorschach y el Dr Manhattan, muy lograda. Y con la BSO ajena, algo que no me va demasiado normalmente porque cualquier acierta con listas de spotify, pero en este caso la sensación es de pleno, por ejemplo con 99 Luftballoons de la gran Nena o el The Times They Are A-Changing (logrando una cojonuda sensación de paso del tiempo) o el The Sound of Silence en el entierro, cojonudo.

Finalmente mención especial al casting (Snyder, sin duda, tiene ojo para esto), Jackie Earle Haley, Patrick Wilson (Nite Owl es como un Batman, no?), Mathew Goode (como esconde el acento ), Jeffrey Dean Moran y un gran Billy Crudup.... Malin Akerman ya no, es raro pero... Es que no me ha transmitido nada, podrían haber puesto a otra a mitad de película y lo agradecería

Olvidaba mencionar la BSO propia de Tyler Bates, a lo Brad Fiedel, con mucho teclado, samplers y demás. Cojonudo el tono noir/distópico que consigue, idóneo para este film. Es de esas BSO que funcionan mucho mejor con las imágenes pero el tema Edward Blake - The Comedian es BRUTAL, parece sacado de Blade Runner.

Iniciado por mad dog earle

De hecho, la que no es una secuela es El detective: el personaje de Sinatra no es Tony Rome, sino Joe Leland, la novela en que se inspira es de Roderick Thorp,... y sale Lee Remick. Hace mucho que la vi, pero en su día me gustó.

Supongo que sabréis que "La jungla de cristal" se inspira en una novela de Thorp protagonizada por el mismo personaje de "El detective" y que Sinatra poseía los derechos, con lo cual tuiveron que ofrecérsela a él primero porque tenía prioridad. ¿Os imagináis al abuelo Frank repartiendo estopa en el rascacielos? Hoy en día, con esa tecnología digital que permite poner la cabeza de la actriz principal en el cuerpo de una patinadora sobre hielo, esa fantasía podría haberse hecho realidad. Es más, creo que Charles Bronson debió de hacer algunas entregas de la saga "Death Wish" a edades parecidas a la que tenía Frankie entonces.