Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Pues acabo de terminar de ver la única pelicula que me quedaba por ver de Gillian, "Miedo y asco en Las vegas" (1998).
Estaba esperando a verla cuando la añadiera a la colección, pero me la he encontrado en filmin, y he aprovechado.
Joer, me ha parecido una maravilla.

Spoiler:

Esa generación que pensaba que iba a cambiar el mundo fumando porros, ya vemos como han terminado.

Es una película demasiado rara, y entiendo las malas criticas que recibió por parte de cierto público que se vea sobrepasado por tanta ida de rosca, pero a mi me ha encantado.

Lo que me llegue a reir con Miedo y asco en Las vegas,a mi me gusto mucho.

Piraña 2 (Piranha 3DD) (2012)..................... 6











Dos años después de estrenarse en cines Piraña 3D, la notable versión del clásico ochentero dirigida por Alexandre Aja, nos llegó su secuela que no llega a causar tanto furor, por así decirlo. Al menos, en mi opinión. El plantel de actores es completamente diferente, el lugar en dónde ocurre la trama tres cuartos de lo mismo, pero lo que es bueno es que mantiene el tipo de acción que tenía la anterior. Hacía tiempo que quería hincarte el diente (perdón por el juego de palabras) a la secuela, pero no tuve oportunidad hasta ahora. Sin duda, el guión no es una maravilla, pero el director consigue alegrarnos bien la vista en muchas secuencias y algunas para ponernos la piel de gallina. Mencionar a las guapas Danielle Panabaker (interpreta a Caitlin Snow alias Killer Frost en la serie televisiva The Flash) y a Katrina Bowden (vista en la serie Rockefeller Plaza alias 30 Rock y en cintas como American Pie: El reencuentro, que se estrenó en el mismo año que la que ahora nos ocupa). Recuperamos a modo de cameo a Ving Rhames y a Christopher Lloyd que ya pudimos ver en la de Aja. Entraria dentro del grupo de "las segundas partes nunca fueron buenas", pero no para llegar a odiarla. Pasable tirando a interesante y cuando terminas con ella a otra cosa mariposa, como se suele decir. Mi nota final es de 6/10.

Iniciado por dawson

Piraña 2 (Piranha 3DD) (2012)..................... 6











Dos años después de estrenarse en cines Piraña 3D, la notable versión del clásico ochentero dirigida por Alexandre Aja, nos llegó su secuela que no llega a causar tanto furor, por así decirlo. Al menos, en mi opinión. El plantel de actores es completamente diferente, el lugar en dónde ocurre la trama tres cuartos de lo mismo, pero lo que es bueno es que mantiene el tipo de acción que tenía la anterior. Hacía tiempo que quería hincarte el diente (perdón por el juego de palabras) a la secuela, pero no tuve oportunidad hasta ahora. Sin duda, el guión no es una maravilla, pero el director consigue alegrarnos bien la vista en muchas secuencias y algunas para ponernos la piel de gallina. Mencionar a las guapas Danielle Panabaker (interpreta a Caitlin Snow alias Killer Frost en la serie televisiva The Flash) y a Katrina Bowden (vista en la serie Rockefeller Plaza alias 30 Rock y en cintas como American Pie: El reencuentro, que se estrenó en el mismo año que la que ahora nos ocupa). Recuperamos a modo de cameo a Ving Rhames y a Christopher Lloyd que ya pudimos ver en la de Aja. Entraria dentro del grupo de "las segundas partes nunca fueron buenas", pero no para llegar a odiarla. Pasable tirando a interesante y cuando terminas con ella a otra cosa mariposa, como se suele decir. Mi nota final es de 6/10.

Compañero Dawson pero te dejas a lo mejor de la peli y no es mujer y tiene mucho pelopecho:



Se interpreta a si mismo, y evidentemente se ríe de si mismo, la mejor autoparodia que se puede ver, sólo por los instantes Hasselhoff el film vale la pena ,sabiendo que lo otro es malo malo y encima hay poquísimos nudies comparándolo con la segunda, la de Aja, ahí hay mucha más chicha, hombre se trata de una exploit de una exploit, más rienda suelta al asunto!!!!; y la de Dante por época no nos da muchos obsequios. Yo le doy un 4'5/10, siendo un 4'25 todo de Hasselholf, y el otro 0,25 a repartir entre todos los demás.

Vistas estos días:

Típico producto de "spanish horror" dirigido por Leon Klimovsky (uno de los nombres más importantes de esta corriente cinematográfica, que tiene cintas mucho mejores que esta a mi entender, como La noche de Walpurgis o La saga de los Drácula).

Con guión de Paul Naschy, en su biografía, el "hombre lobo español" contaba de su descubrimiento y fascinación por el infame personaje histórico Gillles de Rais, del cual quería hacer una película. Pero por supuesto, en aquellos tiempos donde la censura aún imperaba, la historia de un asesino de masas pederasta y sádico no iba a ser aceptada. La cosa fue remozándose hasta componer una historia de espadachines y brujerías, en la que Naschy interpreta a Gilles de Lancré, antiguo paladín del mismo Rey, ahora olvidado, que pretende encontrar en la alquimia los secretos de la vida eterna y del acceso al trono del rey al que una vez sirvió. Pero, para ello, hay que sacrificar doncellas en pos de su sangre, muy útil en los rituales satánicos...

Me esperaba más de un título emblemático, veo la historia algo desinflada, y los actores, que parecen recitar sus diálogos más que decirlos, no ayudan mucho, algo que creo, pasaba con frecuencia cuando se hacían "pelis de época" de serie B. Quizás en parte la culpa de mi poca estima proviene de una copia con una calidad visual algo ínfima, en cualquier caso, es un título visionable. Nuestra filmografía los tiene mucho peores.

Dirigida por Warren Beatty para su lucimiento personal junto con Buck Henry, "El cielo puede esperar" es un pequeño clásico de los 70 que hasta ahora se me había pasado por completo. Cuenta la historia de un jugador de fútbol americano, Joe Pendleton, que está a punto de jugar la Súpercopa con su equipo, los Rams. Todos parecen coincidir en que ha nacido para ello, pero desgraciadamente, sufre un atropello cuando iba en bici por un túnel. Su acompañante celestial decide que la muerte era inevitable, y le saca de su cuerpo, llevándole de camino al cielo, donde, tras insistir en que él no puede haber muerto, se descubre que ha sido un error y que en realidad habría sobrevivido al accidente, pues no le toca morir hasta el año 2025.

Que curioso resulta a veces ver películas "antiguas" y escuchar como fechas futuras una que nosotros tenemos hoy próxima. Al pobre Joe le quedarían solo 7 años de vida

El señor Jordan (el gran James Mason) decide devolver a Joe a la tierra, pero descubre que su cuerpo ya ha sido incinerado, por lo que se le ofrecen otros varios cuerpos que ocupar, de personas que van a morir inminentemente. Finalmente, ocupa el cuerpo de un millonario al que su alcohólica esposa (Dyan Cannon) y su secretario personal (Charles Grodin) acaban de asesinar. Joe se enfrentará con una ecologista, Betty Logan (Julie Christie) que ha ido a protestar porque una refinería petrolífera va a destruir todo un antiguo pueblo americano, desalojando a cientos de familia. Tras comprobar que es cierto, Joe decide no trasladar allí la refinería, y empieza a dar una orientación ética a su empresa, para desconcierto de sus accionistas, al tiempo que compra su equipo, los Rams, y contrata a su antiguo entrenador (Jack Warden) para que ponga en forma su nuevo cuerpo y poder jugar la Supercopa...

Un repartazo de quitar el hipo, con esos secundarios setenteros entrañables, la fotografía de William A. Fraker deliciosa, me ha parecido una película entretenida y divertida.

Iniciado por Jane Olsen

¿Lleva una pistola en forma de falo ...? Ya me imaginaba que esta película sería poco discreta, pero...



Mi problema con la Novak es justo el contrario . La veo muy fría, muy inexpresiva...

Y sí, sospecho que la mujer no está muy en sus cabales. Aún recuerdo cuando salió despotricando contra el filme The Artist, y su uso de parte de la música de Vértigo.



Soy consciente de que me meto en terrenos pantanosos, pero habría que iniciar una petición en Change.org para que lograr que Lucas dejara de mejorar las películas clásicas de Star Wars (las demás, ya ni las considero siquiera Star Wars ).

Pues ojo que la de Flesh Gordon tiene segunda parte... allá por 1990 "Le Retour de Flesh Gordon, os dejo el trailer de yt bajo vuestra responsabilidad:

Spoiler:

Y ahora lo último que he visto:


Es tan mala que te acabas riendo



Muy buena película, me la recomendaron hace tiempo y tenían razón.



Aquí la llamaron Decisión Final, película entretenida sobre los líos se que montan durante el Draft. La recomendaron en un programa radiofónico deportivo que suelo escuchar y acertaron a poco que os guste un poco la NFL os resultará curiosa.

Iniciado por Charles Lee Ra

Vistas estos días:

Típico producto de "spanish horror" dirigido por Leon Klimovsky (uno de los nombres más importantes de esta corriente cinematográfica, que tiene cintas mucho mejores que esta a mi entender, como La noche de Walpurgis o La saga de los Drácula).

Con guión de Paul Naschy, en su biografía, el "hombre lobo español" contaba de su descubrimiento y fascinación por el infame personaje histórico Gillles de Rais, del cual quería hacer una película. Pero por supuesto, en aquellos tiempos donde la censura aún imperaba, la historia de un asesino de masas pederasta y sádico no iba a ser aceptada. La cosa fue remozándose hasta componer una historia de espadachines y brujerías, en la que Naschy interpreta a Gilles de Lancré, antiguo paladín del mismo Rey, ahora olvidado, que pretende encontrar en la alquimia los secretos de la vida eterna y del acceso al trono del rey al que una vez sirvió. Pero, para ello, hay que sacrificar doncellas en pos de su sangre, muy útil en los rituales satánicos...

Me esperaba más de un título emblemático, veo la historia algo desinflada, y los actores, que parecen recitar sus diálogos más que decirlos, no ayudan mucho, algo que creo, pasaba con frecuencia cuando se hacían "pelis de época" de serie B. Quizás en parte la culpa de mi poca estima proviene de una copia con una calidad visual algo ínfima, en cualquier caso, es un título visionable. Nuestra filmografía los tiene mucho peores.
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Y yo que no acabo de entender la emoción que suscita el Fantaterror español . Esas ambientaciones costrosas. Esas historias que apenas son historias. Esas interpretaciones que más que interpretaciones son ponerse delante de la cámara. Esos maquillajes de saldo. Esos efectos especiales de chichinabo. Esa música de derribo ...

He visto poco, lo admito, pero ese poco no me ha dejado con ganas de más...

Iniciado por kolombo

Pues ojo que la de Flesh Gordon tiene segunda parte... allá por 1990 "Le Retour de Flesh Gordon, os dejo el trailer de yt bajo vuestra responsabilidad:

No, gracias . A mí me basta con saber que existen, como diría del gordo de la tienda de tebeos de los Simpsons...

Puedo imaginar el título de la tercera: La venganza de Gonorreion...

Iniciado por Jane Olsen

Y yo que no acabo de entender la emoción que suscita el Fantaterror español . Esas ambientaciones costrosas. Esas historias que apenas son historias. Esas interpretaciones que más que interpretaciones son ponerse delante de la cámara. Esos maquillajes de saldo. Esos efectos especiales de chichinabo. Esa música de derribo ...

He visto poco, lo admito, pero ese poco no me ha dejado con ganas de más...

¡Bueno, aquí habría mucha tela que cortar! En verdad, con lo único que estoy de acuerdo es que los FX eran los que eran... época en que cine de terror "solo lo saben hacer los americanos", no había dinero, medios ni industria para hacer efectos especiales a la altura en nuestro país. Aún así, los maquillajes a veces eran buenos (pienso en el Jorobado de la morgue), las transformaciones en hombre lobo a veces estaban logradas y tenían su artesanía (pegar pelo a pelo e ir rodando la "evolución" mediante stop motion).

Respecto a lo demás... pues hay de todo. Por ejemplo, yo no soporto el cine de Jesús Franco. No le niego al hombre la valía de rodar cientos de películas a su puta bola, ni los santos bemoles de hacer pelis de sangre, tacos y felpudos en plena época franquista, ni su cinefilia (tenía muy buen gusto como cinéfilo, quizá más que como cineasta) ni su cariño por el medio, pero yo he visto varias películas suyas y no comulgo con su "rollo". Se me hacen difíciles de acabar. No es lo mío.

No estoy de acuerdo en que no haya buenas historias en el fantaterror. Diría que más bien, no había (o no abundaban) historias originales, aunque ser original es una contrariedad en pleno siglo XX; el fantaterror bebe y mucho de diversas fuentes, desde el giallo a los cocktails de monstruos de la Universal, el pastiche literario y las novelas de a duro. Historias las hay, incluso buenas, no serán Hamlet ni el Manuscrito encontrado en Zaragoza, pero ahí tienes el Caminante por ejemplo, con ese diablo cabroncete y guasón recorriéndose una España salida del Lazarillo de Tormes, la saga de los templarios o ese pastiche delicioso que es La marca del hombre lobo; locuras imposibles de ciencia ficción como Los monstruos del terror, o la tragedia del "jorobado de la morgue"...

Respecto a lo que comentas de la música, pues lo mismo, no se puede juzgar un todo por una parte. Hay música salchichera de ciencia ficción cutre sacada de váyase a saber donde, y está Waldo de los Ríos, enorme compositor, o los inolvidables coros de los templarios de Ossorio.

Yo recomiendo ver, al menos, las siguientes películas de fantaterror hispano antes de salvar o condenar todo un subgénero:

1) La marca del hombre lobo
2) El caminante
3) Quien puede matar a un niño y La residencia, de Chicho Ibañez Serrador
4) El jorobado de la morgue
5) El huerto del francés
6) La tetralogía de los muertos ciegos de Amando de Ossorio (pura poesía visual, las cabalgadas a cámara lenta con música de coros de sus templarios siempre he pensado que inspiraron el tratamiento de los Nazgul en la Comunidad del anillo, por loco que suene).

Pero vamos, que habrá quien conozca a fondo y deteste el fantaterror hispano y tampoco pasa nada. Como decía mi abuela, a tenor del amor de mi abuelo por el fútbol que ella no compartía, "no a todo el mundo le tiene que gustar lo mismo"

Iniciado por Charles Lee Ra

¡Bueno, aquí habría mucha tela que cortar! En verdad, con lo único que estoy de acuerdo es que los FX eran los que eran... época en que cine de terror "solo lo saben hacer los americanos", no había dinero, medios ni industria para hacer efectos especiales a la altura en nuestro país. Aún así, los maquillajes a veces eran buenos (pienso en el Jorobado de la morgue), las transformaciones en hombre lobo a veces estaban logradas y tenían su artesanía (pegar pelo a pelo e ir rodando la "evolución" mediante stop motion).

Respecto a lo demás... pues hay de todo. Por ejemplo, yo no soporto el cine de Jesús Franco. No le niego al hombre la valía de rodar cientos de películas a su puta bola, ni los santos bemoles de hacer pelis de sangre, tacos y felpudos en plena época franquista, ni su cinefilia (tenía muy buen gusto como cinéfilo, quizá más que como cineasta) ni su cariño por el medio, pero yo he visto varias películas suyas y no comulgo con su "rollo". Se me hacen difíciles de acabar. No es lo mío.

No estoy de acuerdo en que no haya buenas historias en el fantaterror. Diría que más bien, no había (o no abundaban) historias originales, aunque ser original es una contrariedad en pleno siglo XX; el fantaterror bebe y mucho de diversas fuentes, desde el giallo a los cocktails de monstruos de la Universal, el pastiche literario y las novelas de a duro. Historias las hay, incluso buenas, no serán Hamlet ni el Manuscrito encontrado en Zaragoza, pero ahí tienes el Caminante por ejemplo, con ese diablo cabroncete y guasón recorriéndose una España salida del Lazarillo de Tormes, la saga de los templarios o ese pastiche delicioso que es La marca del hombre lobo; locuras imposibles de ciencia ficción como Los monstruos del terror, o la tragedia del "jorobado de la morgue"...

Respecto a lo que comentas de la música, pues lo mismo, no se puede juzgar un todo por una parte. Hay música salchichera de ciencia ficción cutre sacada de váyase a saber donde, y está Waldo de los Ríos, enorme compositor, o los inolvidables coros de los templarios de Ossorio.

Yo recomiendo ver, al menos, las siguientes películas de fantaterror hispano antes de salvar o condenar todo un subgénero:

1) La marca del hombre lobo
2) El caminante
3) Quien puede matar a un niño y La residencia, de Chicho Ibañez Serrador
4) El jorobado de la morgue
5) El huerto del francés
6) La tetralogía de los muertos ciegos de Amando de Ossorio (pura poesía visual, las cabalgadas a cámara lenta con música de coros de sus templarios siempre he pensado que inspiraron el tratamiento de los Nazgul en la Comunidad del anillo, por loco que suene).

Pero vamos, que habrá quien conozca a fondo y deteste el fantaterror hispano y tampoco pasa nada. Como decía mi abuela, a tenor del amor de mi abuelo por el fútbol que ella no compartía, "no a todo el mundo le tiene que gustar lo mismo"

Pues fíjate que de las que citas, precisamente las únicas que salvo de la quema son La marca del hombre Lobo (que deja, en la retina del espectador, escenas tan interesantes y sugerentes como la imagen de Waldemar Daninsky encadenado a la pared y gritando en plena transformación), El jorobado de la Morgue (que se va hacer puñetas en el momento en que tienen la graciosa ocurrencia de sacar al monstruño -hubiera sido mucho mejor si no te lo llegan a enseñar-) y ¿Quién puede matar a un niño? (ésta, más que nada, por lo original de la propuesta y el clima asfixiante y opresivo). La Residencia me gustó hasta que llegaba al desenlace, muy WTF para mi gusto.

Mi problema es que todos esos rallies de monstruos de la Universal de que tanto beben estos títulos, es precisamente de lo que menos me gusta del terror clásico. Cuando tenías que empezar a sacar a los monstruos por tandas para que hicieran algún efecto era que algo no iba ya demasiado bien.

Yo reconozco que he visto una parte ínfima del cine fantástico y/o de terror de la década de los '60 y los '70.

De hecho, sólo recuerdo con bastante agrado NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS (1974) de Jorge Grau (que era una más que digna derivación de la fundacional LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1968)) y PÁNICO EN EL TRANSIBERIANO (1972) de Eugenio Martín (tal vez por la presencia de los dos colosos de la actuación como Peter Cushing y Christopher Lee).

Paul Naschy siempre me pareció un actor muy limitado (vamos, que no era Bela Lugosi o Boris Karloff) y además muchas veces aparecía doblado. Nunca he entendido la fascinación por este actor, especialmente en el extranjero, donde le equiparan a los dos citados o Vincent Price o Peter Cushing o Christopher Lee.

En fin, cuestión de gustos.

Iniciado por Charles Lee Ra

Dirigida por Warren Beatty para su lucimiento personal junto con Buck Henry, "El cielo puede esperar" es un pequeño clásico de los 70 que hasta ahora se me había pasado por completo. Cuenta la historia de un jugador de fútbol americano, Joe Pendleton, que está a punto de jugar la Súpercopa con su equipo, los Rams. Todos parecen coincidir en que ha nacido para ello, pero desgraciadamente, sufre un atropello cuando iba en bici por un túnel. Su acompañante celestial decide que la muerte era inevitable, y le saca de su cuerpo, llevándole de camino al cielo, donde, tras insistir en que él no puede haber muerto, se descubre que ha sido un error y que en realidad habría sobrevivido al accidente, pues no le toca morir hasta el año 2025.

Que curioso resulta a veces ver películas "antiguas" y escuchar como fechas futuras una que nosotros tenemos hoy próxima. Al pobre Joe le quedarían solo 7 años de vida .

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Me ha hecho gracia el comentario sobre las "películas antiguas", porque además en este caso se trata de un remake (o de una nueva adaptación de la obra de Henry Segall), El difunto protesta (Here Comes Mr.Jordan), de Alexander Hall, con Robert Montgomery (en el papel que hizo Warren Beatty), Claude Rains (en el de James Mason) y Evelyn Keyes (en el de Julie Christie) entre otros.

Y lo curioso es que ambas, El difunto protesta y El cielo puede esperar tuvieron éxito en la temporada de premios.
La del año 42 ganó dos Oscar, el de guión y el de material o historia original (en aquella época eran categorías distintas a ahora) pero tuvo nominaciones importantes, como mejor actor (Robert Montgomery), mejor película o mejor director. La Crítica de NY, que era la única que funcionaba por entonces, sí consideró a Montgomery mejor actor del año.
Aquel año triunfó en los Oscar Qué verde era mi valle. Además, Gary Cooper obtuvo su primer oscar por El sargento York.



La de Beatty solo ganó el Oscar a dirección artística, pero estuvo nominado a casi todo lo demás, como mejor película, director, actor principal, guión (todo Beatty) o actores de reparto. En los Globos de Oro si obtuvo tres: película de comedia, actor de comedia, Beatty y actriz de reparto, Dyan Cannon.
Aquel fue el año de El cazador, de Cimino, y de Vietnam, en general, porque Jon Voight recibió el de mejor actor por El regreso, de Hal Ashby.

Hablando de remakes, Una familia de Tokio, de Yôji Yamada, nueva versión 60 años después de la obra maestra de Yasujiro Ozu, Cuentos de Tokio, con aroma de conmemoración y homenaje. Ante el remake de un título de estas características, uno de los mejores films de la historia del cine, uno siempre se pregunta “¿hacía falta?”, sabiendo que difícilmente la nueva versión va a igualar (ya no digo a superar) la original. Como decía (y confirma Antonio Santos en el videocomentario de la edición en BD/DVD de A Contracorriente), el film del veterano Yamada se realizó con la voluntad de rendir homenaje a Ozu, no solo retomando una de sus historias más reputadas, sino también “citando” constantemente su estilo, tanto en la colocación de la cámara, en el encuadre de los personajes dentro de las peculiares arquitecturas domésticas japonesas o en esos planos exteriores tan típicos de Ozu, donde planos generales de calles, edificios, trenes, etc., nos acercan de manera contextualizadora a los personajes y sus conflictos. Por lo demás, la historia es similar a la del film de Ozu, pero introduciendo algunas variaciones significativas (sobre todo en los personajes de Noriko y de Shuji) y, sobre todo, endulzando, suavizando algo lo descarnado del relato del maestro. Yamada entrega un drama familiar emotivo (se recomienda tener a mano una caja de kleenex), “real como la vida misma”, sobre diferencias intergeneracionales, envejecimiento y muerte, sobre lo asfixiante de lo cotidiano y el paso del tiempo, inclemente y nivelador, pero todo ello siempre con un nivel por debajo de la profundidad de Ozu, como si de un copista aplicado se tratara, pero encontrando a faltar la mano del maestro. Con todo, film de “grato” visionado (aunque nos puede dejar bastante tocados anímicamente… en uno de esos ejemplos de dudoso cine de evasión ), rodado con buen pulso y excelentemente interpretado. Hay que verla, aunque solo sea para despertar de nuevo las ganas de visionar el film de Ozu (y ya puestos, su filmografía al completo… al menos la que tenemos disponible).

Dos curiosas propuestas, exóticas dentro de sus géneros respectivos:

Lejos de los árboles, de Jacinto Esteva, uno de los pilares de la llamada Escuela de Barcelona (sobre el que su colega Joaquim Jordà rodó un documental biográfico imprescindible: El encargo del cazador). Se trata de un documental ácido e incómodo, que parece beber directamente del Buñuel de Las Hurdes, para mostrar una miscelánea de costumbres, ritos y atavismo de lo más carpetovetónico de la España negra, con una curiosa derivación urbana hacia los locales de flamenco o un ensayo de Antonio Gades. Imágenes impactantes, de gran belleza, en un crudo blanco y negro.



Stella Cadente, de Lluís Miñarro. Ejercicio de estilo sobre fondo histórico, que el propio director (que también es guionista y productor) califica en los títulos de “divertimento”. Quizá la pregunta es: ¿“divertimento” para quién? Quizá para Miñarro, los actores y el equipo de rodaje, porque da la impresión que quizá se lo pasaron bien, pero me parece que divertimento dudoso para el espectador. La película toma como excusa, como mero McGuffin, el breve período del reinado de Amadeo de Saboya, paréntesis entre el destronamiento de Isabel II, y con ella de los Borbones, y la proclamación de la fugaz I República española. Pero que nadie espere un análisis histórico, social o político sobre este rey ni sobre este concreto período histórico. Lo que Miñarro nos entrega es una selección de cuadros escénicos un tanto marcianos, que a menudo rozan o caen en el ridículo (¡esa masturbación con un melón o una calabaza!), puntualmente de una cierta belleza (aprovechando, por ejemplo, el rodaje en el Castel del Monte, en Bari), sin ningún sentido narrativo, por el que van desfilando el rey (un Àlex Brendemühl, inmutable ante tamaño desaguisado, lo mejor del film), la reina (una Bárbara Lennie que pasaba por ahí), ministros y personal de servicio de la Corte, con especial mención de una cocinera/concubina (interpretada con notable entrega por Lola Dueñas). Un apunte lingüístico difícil de entender: los personajes hablan en catalán o en castellano supongo que en función de las lenguas de los actores, pero sin ninguna adecuación a los personajes que interpretan, así el rey Amadeo, italiano, habla en catalán, pero la reina, María Victoria, italiana también, habla en castellano, lo que añade otro distanciamiento más a la narración histórica, al que hay que añadir una banda sonora con varias canciones pop francesas. En resumen, una curiosidad perfectamente prescindible.

Gran interpretación.

Volviendo a los viejos hábitos...





O

LA PRIMERA EDAD DE ORO DEL CINE FANTÁSTICO (1931-1936) / PARTE VIII

THE MOST DANGEROUS GAME (1932, EL MALVADO ZAROFF) de Ernest B. Schoedsack e Irving Pichel.



Estudio: RKO Radio Pictures, Inc.

Productores: Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack

Guión: James Ashmore Creelman

Dirección artística: Carroll Clark

Fotografía: Henry Gerrard

Música: Max Steiner

Reparto: Joel McCrea (Bob), Fay Wray (Eve), Leslie Banks (Zaroff), Robert Armstrong (Martin)

Duración: 63 minutos

Inicio de rodaje: 16 de mayo de 1932

Estreno: 16 de septiembre de 1932

El enorme éxito obtenido por las producciones fantásticas y/o terroríficas de la Universal fue un más que goloso incentivo para que los demás estudios se pusieran las pilas y empezaran a producir películas en la misma línea y, entre ellos, sería la RKO la que obtendría los mejores resultados, con clásicos como el que hoy comentamos brevemente (ay, mis dolores de espalda... ) o la inmortal KING KONG (1933), ambas (curiosamente) dirigidas por el mismo individuo: Ernest B. Schoedsack (1893-1979), una rara avis dentro del panorama cinematográfico de la época.



Si bien es cierto que EL MALVADO ZAROFF parece más correcto enmarcarla dentro del cine de aventuras, lo cierto es que la textura del relato lo aproxima todavía más al género fantástico, algo que comparte con su coetánea, la citada KING KONG. Y más teniendo que ambas películas se rodaron simultáneamente y no sólo compartieron reparto (Fay Wray, Robert Amstrong) sino también decorados (como podemos apreciar en la famosa escena del tronco que hace de puente):





Tampoco hemos de olvidar citar a dos personalidades como Merian C. Cooper (que con su compañía Pioneer llevaría a la gran pantalla las primeras películas en Technicolor de tres bandas y que, además, en los años '40 fundaría con John Ford la Argosy donde el temperamental director elaboraría alguna de sus más grandes obras maestras (FORT APACHE (1948), LA LEGIÓN INVENCIBLE (1949), RÍO GRANDE (1950), EL HOMBRE TRANQUILO (1952) o THE SUN SHINES BRIGHT (1953), sin olvidar el epílogo que supuso CENTAUROS DEL DESIERTO (1956)) e Irving Pichel (que trabajaría igualmente como director y como actor (y que sería objeto de represalias durante la Caza de Brujas)).

Ni al gran compositor Max Steiner, uno de los más grandes de la Historia del Cine (junto a Herrmann, Rozsa o Tiomkin) y que, al igual que en KING KONG, elabora una banda sonora que sentaría escuela (hay que tener en cuenta que muchas de las producciones fantásticas (léase las de la Universal) carecían de columna sonora compuesta ex profeso).

O la gran labor del director artístico Carroll Clark que crea un lugar que parece estar fuera del espacio y del tiempo, un lugar de ensueño (o más bien de pesadilla) donde no hay sitio al que huir y el peligro acecha en todos los lados.



Un relato donde el cazador (un joven Joel McCrea (más conocido por sus papeles dentro del western (del que sería uno de los rostros más conocidos)) se convierte en la presa.

Un superpredador (en este caso, el malvado Conde Zaroff (encarnado de forma intensa por el británico Leslie Banks (en una performance muy deudora del Conde Drácula interpretado por el gran Bela Lugosi)) al que las presas normales se le han quedado pequeñas y que busca en la caza del hombre el remate final a su carrera (al parecer, la idea se le empezó a formar cuando fue embestido por un búfalo en África (ese gesto recurrente de acariciarse la enorme cicatriz de su rostro) una coartada como otra cualquiera para exacerbar los delirios de una mente ya (irreparablemente) trastornada.





Una heroína (la habitual Fay Wray (la reina del "chillido" de la época)) que rápidamente se enamorará del protagonista y con el que compartirá la larga persecución contrarreloj, a través de esos ambientes primordiales que parecen reunirse en la pequeña isla donde el Conde es amo y señor.

Un Conde que gusta de enmarcar sus trofeos (en este caso cabezas humanas (algunas de ellas guardadas en frascos con formol (cual Frankenstein cualquiera)) en una sala donde sólo lleva a sus presas antes de que empiece su persecución.

Una lucha por la supervivencia en la que, finalmente, vencerá el ingenio del protagonista y donde el villano perecerá a manos de su propia jauria de sabuesos.

Breve y contundente es EL MALVADO ZAROFF. Ojalá alguna de las producciones actuales tomara buena nota de ello.



Felices sueños.

Un Irving Pichel al que encontramos en otro interesante film de terror, en este caso de la Universal: Dracula's Daughter, encarnando al servidor de la vampira, Sandor.

Irving Pichel fue uno de los Diecinueve de Hollywood y fue incluido en la Lista Negra en 1951. Su primer trabajo como director fue, precisamente, EL MALVADO ZAROFF (al parecer se encargó de los diálogos mientras Schoedsack se dedicaba a las escenas de acción). También podemos recordar a Pichel como la persona que inició la Edad de Oro de la ciencia ficción con la película DESTINATION MOON (1950), una producción de George Pal.

Iniciado por mad dog earle

Un Irving Pichel al que encontramos en otro interesante film de terror, en este caso de la Universal: Dracula's Daughter, encarnando al servidor de la vampira, Sandor.

Una película que está pronto al caer...

... si la salud lo permite...

También codirigió (con Lansig C. Holden) la interesantísima She, adaptación de una novela de H.Rider Haggard, en una producción de Meriam Cooper. Schoedsack, Pichel, Cooper... nombres que se relacionan alrededor de un tipo de films de aventuras fantásticas, tremendamente sugestivas. Aquí comparé la película con la novela: De la literatura al cine. Por cierto, Alcaudón...

Iniciado por mad dog earle

Dos curiosas propuestas, exóticas dentro de sus géneros respectivos:

Lejos de los árboles, de Jacinto Esteva, uno de los pilares de la llamada Escuela de Barcelona (sobre el que su colega Joaquim Jordà rodó un documental biográfico imprescindible: El encargo del cazador). Se trata de un documental ácido e incómodo, que parece beber directamente del Buñuel de Las Hurdes, para mostrar una miscelánea de costumbres, ritos y atavismo de lo más carpetovetónico de la España negra, con una curiosa derivación urbana hacia los locales de flamenco o un ensayo de Antonio Gades. Imágenes impactantes, de gran belleza, en un crudo blanco y negro.



Stella Cadente, de Lluís Miñarro. Ejercicio de estilo sobre fondo histórico, que el propio director (que también es guionista y productor) califica en los títulos de “divertimento”. Quizá la pregunta es: ¿“divertimento” para quién? Quizá para Miñarro, los actores y el equipo de rodaje, porque da la impresión que quizá se lo pasaron bien, pero me parece que divertimento dudoso para el espectador. La película toma como excusa, como mero McGuffin, el breve período del reinado de Amadeo de Saboya, paréntesis entre el destronamiento de Isabel II, y con ella de los Borbones, y la proclamación de la fugaz I República española. Pero que nadie espere un análisis histórico, social o político sobre este rey ni sobre este concreto período histórico. Lo que Miñarro nos entrega es una selección de cuadros escénicos un tanto marcianos, que a menudo rozan o caen en el ridículo (¡esa masturbación con un melón o una calabaza!), puntualmente de una cierta belleza (aprovechando, por ejemplo, el rodaje en el Castel del Monte, en Bari), sin ningún sentido narrativo, por el que van desfilando el rey (un Àlex Brendemühl, inmutable ante tamaño desaguisado, lo mejor del film), la reina (una Bárbara Lennie que pasaba por ahí), ministros y personal de servicio de la Corte, con especial mención de una cocinera/concubina (interpretada con notable entrega por Lola Dueñas). Un apunte lingüístico difícil de entender: los personajes hablan en catalán o en castellano supongo que en función de las lenguas de los actores, pero sin ninguna adecuación a los personajes que interpretan, así el rey Amadeo, italiano, habla en catalán, pero la reina, María Victoria, italiana también, habla en castellano, lo que añade otro distanciamiento más a la narración histórica, al que hay que añadir una banda sonora con varias canciones pop francesas. En resumen, una curiosidad perfectamente prescindible.

De lo del melón he oído hablar ...Cómo será, que la comentan en esta página, especializada en el cine cutre y salchichero...

Iniciado por Alcaudón

Una película que está pronto al caer...

... si la salud lo permite...

La de la vampira es canela fina . Y con una relación lésbica que le pasó totalmente por alto a la censura de la época ...

Iniciado por Jane Olsen

De lo del melón he oído hablar ...Cómo será, que la comentan en esta página, especializada en el cine cutre y salchichero...

Pues si, tal como lo cuenta. Yo he intentado ser un poco más fino (cosas de estilo) y concederle el beneficio de la duda (aquello del "divertimento"), pero como espectador no difiero del fondo. No me atreví a confirmar si era un melón (dije melón o calabaza), porque se trata de un plano general, bastante lejano, y aunque me pareció un melón, no me quedaron ganas de volver a mirarlo. ¿A qué demonios viene ese plano? Pues en eso debe consistir el divertimento: en follarse una cucurbitácea.

Iniciado por mad dog earle

También codirigió (con Lansig C. Holden) la interesantísima She, adaptación de una novela de H.Rider Haggard, en una producción de Meriam Cooper. Schoedsack, Pichel, Cooper... nombres que se relacionan alrededor de un tipo de films de aventuras fantásticas, tremendamente sugestivas. Aquí comparé la película con la novela: De la literatura al cine. Por cierto, Alcaudón...

Te aseguro, amigo mad dog earle, que me encantaría pero últimamente ando con muchos problemas de espalda que me impiden sesiones continuadas delante del ordenador.

Iniciado por Alcaudón

Te aseguro, amigo mad dog earle, que me encantaría pero últimamente ando con muchos problemas de espalda que me impiden sesiones continuadas delante del ordenador.

Yo soy ya prácticamente un cadáver que camina, como mi admirado Erik ...

Gracias, amiga Olsen. Tú siempre dando ánimos...