Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por Narmer

Os quería preguntar ahora que he estado revisionando las pelis de monstruos de Universal que no veía desde que era niño y me ha saltado una duda sobre la mítica escena de Frankenstein y la niña. Es posible que el final de la escena cuando la tira al agua estuviera censurada años atrás?? seguramente sea por el tiempo y que no me acuerdo, porque creo que no he vuelto a verla desde que tenía como 7 años... y lo que recordaba era que la escena se cortaba cuando estaban jugando con las flores y no se sabía lo que le hacía a la niña.

Por supuestísimo. No sé en otros países, pero aquí sí estuvo censurada (¡a la censura hispana no la ganaba nadie!). En mi infancia, época en que Frankenstein se reestrenó y la pude ver en cines de barrio, la escena se cortaba después de tirar las florecillas al agua. Después, lo que se veía era al padre llevando el cuerpo sin vida de la niña en brazos.

Iniciado por Synch

Secret Admirer (David Greenwalt, 1985)



Esta la vi por primera vez hace más de 20 años (tal vez 1993-1994) y me atrajo lo que decía la escueta ficha de la programación de TV del periódico que estaba leyendo. Era algo como comedia romántica de la cual destaca su particular banda sonora. Y pensé que algo debía tener esa BSO. Y me llevé una grata sorpresa al comprobar que esta era obra de Jan Hammer, el checo que se encargó de la BSO propia de Miami Vice durante las cuatro primeras temporadas. Para Secret Admirer -totalmente contemporánea a Miami Vice- escribió uno de esos estribillos instrumentales que le caracterizaban y que a mi, la verdad, me gustó y me gusta lo suyo. Además, para mayor satisfacción personal, su música suena durante casi toda la película, sonando muy a lo Miami Vice pero con el tono adecuado al género claro (esto no es una serie drama policial con personajes que sufren sino una ligera comedia romántica de enredo).

...

Para mí Jan Hammer siempre será el teclista de la Mahavishnu Orchestra, el proyecto del guitarrista John McLaughlin, que apareció con fuerza a principios de los 70, siguiendo la estela de los experimentos jazzísticos de Miles Davis. Aquí una muestra:

Iniciado por mad dog earle

Por supuestísimo. No sé en otros países, pero aquí sí estuvo censurada (¡a la censura hispana no la ganaba nadie!). En mi infancia, época en que Frankenstein se reestrenó y la pude ver en cines de barrio, la escena se cortaba después de tirar las florecillas al agua. Después, lo que se veía era al padre llevando el cuerpo sin vida de la niña en brazos.

Lo cual es una estupidez porque resulta mucho más terrible dejar a la imaginación que le ha hecho el monstruo a la niña... cosas de la censura.

Iniciado por Charles Lee Ra

Lo cual es una estupidez porque resulta mucho más terrible dejar a la imaginación que le ha hecho el monstruo a la niña... cosas de la censura.

Pues sí . Por cierto, que en el libro esa escena es justamente al revés (¿a vueltas con De la literatura al cine ..?).

Iniciado por Charles Lee Ra

Lo cual es una estupidez porque resulta mucho más terrible dejar a la imaginación que le ha hecho el monstruo a la niña... cosas de la censura.

Ciertamente, pero eso de mostrar cómo se mata a una niña era demasiado para la censura del momento, aunque el resultado es que la elipsis da pie a imaginar todo tipo de sevicias.

Iniciado por mad dog earle

Ciertamente, pero eso de mostrar cómo se mata a una niña era demasiado para la censura del momento, aunque el resultado es que la elipsis da pie a imaginar todo tipo de sevicias.

Exacto, es curioso porque entonces he tardado como 30 años en ver la escena completa y la verdad creo que es mucho más escabroso cortarla, porque como comentais nos imaginamos cosas mucho peores que tirarla al agua.

A mí, francamente, siempre me ha gustado más la elípsis (aunque sea involuntaria, como en este caso) y creo que lo que se sugería en pantalla es mucho más interesante que lo que finalmente hemos podido ver.

En el caso de EL CEREBRO DE FRANKENSTEIN la escena de la violación de Veronica Carlson fue rodada por orden expresa de Sir James Carreras y tanto el director Terence Fisher como el protagonista principal, Peter Cushing, la rodaron con un más que evidente disgusto. Yo hubiera preferido que la hubiesen eliminado de la copia en DVD/BD ya que además no tiene continuidad en la historia.

Iniciado por mad dog earle

Para mí Jan Hammer siempre será el teclista de la Mahavishnu Orchestra, el proyecto del guitarrista John McLaughlin, que apareció con fuerza a principios de los 70, siguiendo la estela de los experimentos jazzísticos de Miles Davis. Aquí una muestra:

Y aquí, en el homenaje a Les Paul en 1988, con Tony Levin y diospadretodopoderoso Eddie Van Halen:

Harry Potter and the Deathly Hallows, Part 1 (David Yates, 2010).

En V.O., claro. No es que el doblaje de la saga fuera un desastre (salvo en aquella segunda parte, en el caso de Ron.. Qué pasó ahí? ) pero los acentos brit de los personajes son impagables. Hermione doblada, no es Hermione.

Me ha gustado más que en el cine (no sé si la volví a ver ). Mantengo que no era necesario cortar la historia en dos aunque puedo entender a la Warner queriendo estirar el mayor evento cinematográfico y social -junto a LOTR- de la década anterior, y del blockbuster, con el permiso de Star Wars (y si hablamos de las precuelas, o antes, no fue tan transversal ni global como Potter y los Anillos) y los pepinos individuales de turno (Superman, Indiana Jones, E.T., Batman '89, Jurassic Park, Titanic). Lo mantengo pero aún así ahora he apreciado más esta entrega como una película individual, defendible.

Grint y Radclife no es que mejoren demasiado con los años, pero Watson sí, mucho, desde aquellas histriónicas interpretaciones infantiles de las dos primeras entregas. Y el resto, claro, son el elenco de lujo de actores británicos que se dejan llevar por un director de esos que está, pero no, no se si se me entiende. Estar, está, pero no saca jugo. Es como si dirigiera un episodio de una serie, con la Rowling como show creator y Heyman como showrunner. Cumple y entrega el trabajo. Al no haber firmado el guión, y con esa estructura un poco TV, la autoría palidece un poco. Sin negarle nada, eh, que dirigir un pepino de estos debe ser titánico.

Lo bueno de esta entrega es que es única: no Hogwarts, no alumnos (salvo algunas escenas, Draco aparte), con la excepción de la siempre encantadora Luna, la cual merece una saga para ella sola, de 10 películas. No?

Y es única porque los tres amigos se encuentran solos, huyendo pero a la vez persiguiendo algo. No me convence todo el asunto de los horrocruxes ni los tres objetos (aunque en el libro fuera así, pero es que ya ahí no me gustó demasiado) y ahí Kloves o Yates podrían haber sacado más jugo.

Buenas escenas en nochebuena y con Dobby al final, muy emotivo, en el cine me enganchó desprevenido y hasta me emocioné, hoygan. Pero Yates, como no, no nos empaqueta una película de esas que se te eriza la piel (que para eso está este género), los grandes momentos escasean, el montaje justea y la BSO se queda a medias.

Tengo una duda marrana pero la dejo para el hilo de Harry Potter.

Edito: he revisado lo que dije -en su hilo- al salir del cine de ver esta película y ya opinaba casi lo mismo. Por alguna razón recordaba que me gustó menos

Dos películas con elementos fantásticos en géneros diversos:

Taron y el caldero mágico, producción Disney de dibujos animados convencionales que, como apuntaba Jane Olsen hace unos días, ha caído un poco en el olvido. En mi caso, ha sido el primer visionado, y hasta cierto punto comprendo el porqué de ese relativo olvido. De entrada se trata de un digest de “Las Crónicas de Prydain”, una saga de cinco novelas del norteamericano Lloyd Alexander, que nos sitúa en una tierra de fantasía, quizá cercana a lo que podría ser el mundo de Tolkien, lo cual apunta a la necesidad de embutir mucha información en solo 80 minutos. Hay un anciano mago, brujas, gnomos, un rey malévolo y esquelético (el Horned King, con la voz de John Hurt, quizá lo más atractivo de la función),



un ejército de muertos, una cerdita con el don de ver el futuro, una princesa que aparece por ahí sin mucho sentido con una esfera de luz mágica (que poco juego da en la película), un bardo patoso, un extraño ser peludo, Gurgi, que pretende ser el elemento infantil y humorístico sin demasiada fortuna (me ha recordado el Jar Jar de la saga Star Wars), un engendro que actúa como fiel ayudante del rey cornudo, una espada con poderes mágicos, etc. El asunto va de encontrar un caldero negro que encierra el espíritu de un malvado rey y con el cual se puede dominar el mundo. Todo el argumento es muy confuso, lo cual redunda en la indefinición genérica: no parece un film para niños (demasiado tétrico y violento y difícil de entender), pero tampoco para adultos; la historia romántica entre Taran (que no Taron), el porquerizo que cuida de la cerdita, y la princesa está metida con calzador y no tiene ningún encanto; la sucesión de acontecimientos parece desafiar el sentido de la lógica narrativa; hay personajes que aparecen, como el mago Dallben o los gnomos, para luego desaparecer, etc. Tampoco los dibujos son demasiado sofisticados: salvo algunos ambientes tenebrosos y quizá los momentos más terroríficos, el resto es sumamente vulgar. Además, su ambientación celta comporta unos nombres difíciles de retener, de ahí que en la versión subtitulada en castellano (supongo que también en el doblaje) se hagan adaptaciones francamente peregrinas: el bardo Fflewddur Fflam se convierte en Fausto, o la princesa Eilonwy en Elena. A destacar la presencia de algunas voces de altura: Freddie Jones es el viejo mago Dallben; Nigel Hawthorne es el bardo; Hurt el rey cornudo, o John Huston el narrador. Tampoco ayuda el título original de la película: “The Black Cauldron”, "el caldero negro"; en este caso al menos el título en castellano le intenta insuflar un poco de aliento fantástico aunque a costa del cambiarle el nombre al protagonista.

La diosa de fuego (She), producción de Merian C. “King Kong” Cooper, dirigida por Lansig C. Holden (su único largometraje) e Irving Pichel, del que el otro día Alex comentaba The Most Dangerous Game. Estamos ante la adaptación de una novela de aventuras de H.Rider Haggard, autor de la archifamosa “Las minas del rey Salomón”. He destacado el nombre de Cooper porque entiendo que este es un film sobre todo de productor, dentro de la RKO Radio Pictures, la misma productora de King Kong. Y se nota: ¿os dice algo esta puerta?



Este film es uno de los que se colorearon hace una década con supervisión de Ray Harryhausen (por parte de Legend Films). Aunque veo que estos coloreados son muchísimo mejores que los de hace unos años (para la cadena Turner), me quedo con la versión en blanco y negro, que es la que he visto (en esta edición, bastante correcta, que incluye ambas copias… y que me costó menos de 2 € en ese lugar que Alex frecuenta).

Estamos en el terreno de la aventura fantástica pura: un norteamericano descendiente de ingleses (Randolph Scott, más dicharachero de lo habitual) emprende una expedición hacia el norte de Europa con un amigo (Nigel Bruce) de su tío, el cual acaba de fallecer y que le ha legado como última voluntad un secreto de familia: la existencia de algo que permite acceder a la vida eterna en algún lugar del Ártico. Los expedicionarios, después de algunos accidentes (una enorme avalancha de nieve y rocas de hielo, muy convincente), llegan a una extraña civilización que florece en un valle en medio de las montañas, como si fuera el Shangri-La de Horizontes perdidos. La diferencia es que aquí domina el país una reina cruel, She (interpretada por Helen Gahagan, actriz y cantante de Broadway en su único papel en el cine), que quiere por encima de todo recuperar a su amado muerto hace siglos, John Vincey, encarnado ahora por su descendiente Leo (el personaje de Scott). Leo se debatirá entre dejarse arrastrar por el amor de She y adquirir él también la vida eterna o escapar de ese mundo con el amor más terrenal que le ofrece Tanya (Helen Mack). La película es un desmadre de decorados y vestuario, con momentos tremendamente brillantes, otros marcadamente kitsch, entre el expresionismo y el art déco: visualmente una gozada, a pesar de las debilidades argumentales y actorales. A destacar la banda sonora de Max Steiner y los modelitos de She, uno de los cuales sirvió de inspiración a Disney para la madrastra de Blancanieves. Deliciosamente recomendable.

Es curioso cómo cambian los tiempos. En los 80 uno no tenía ni la décima parte de medios para conocer noticias, para estar al día, para estar al loro de lo que había entonces. Parece que todo llegaba más tarde, y cuando llegaba, nos parecía una novedad.
Hablo de los videoclubs. El resto de mi familia (la de mi padre, que era la que vive más cerca) tenía video ya en los 80, pero en mi casa no podíamos tenerlo. Tuve que comprarme una hucha y ya en 1988, tras todo un verano de pegar sablazos a diestro y siniestro, me pillé mi primer video. Eso y las dos primera cintas para grabar vhs fueron un acontecimiento que jamás olvidaré.
La cuestión es que ya pude entrar con todo derecho a uno de esos lugares sagrados, plagados de carátulas chulas y de pelis porno (que por entonces todavía no llamaban mi atención).
Una de las primeras que pude ver fue Admiradora secreta, la típica película de los 80, muy propia de esas estanterías.



Synch y Charles han desgranado sus virtudes (bso, la prota de Padres Forzosos y los otros y otras...). Para mí, funcionaba muy bien. Otra vez más, nos tenemos que situar. Eran los 80, y la imagen estaba muy idealizada. Y creo que sigue funcionando muy bien, que es muy efectiva, porque no tiene más pretensiones que hacernoslo pasar bien durante un par de horas, y si puede ser, que recordemos eso tan pasado para algunos de lo que es enamorarse.

Por cierto, que el año pasado salió una edición de esas dudosas de Resen, que está la mar de bien. BD.

Dos películas más con elementos fantásticos:

Phantasma, de Don Coscarelli. Película suficientemente bizarra y psicotrónica como para haberse convertido en un film de culto, culto al cual no pertenezco. Ya en el lejano 1979, cuando la vi de estreno, me pareció un film infumable del cual solo recordaba tres detalles: la presencia inquietante de un “Tall Man” (interpretado por un actor que responde al apropiado nombre artístico de Angus Scrimm); una esfera plateada, arma letal que aparecía de vez en cuando; y un vistoso decorado de aspecto marmóreo donde pasa buena parte de la acción. Creo que si vuelvo a ver esta película dentro de muchos años (cosa que, visto que he esperado 38 a revisarla, no creo que pase), mi memoria solo habrá conservado los mismos tres detalles. Porque el resto es una mescolanza argumental de difícil digestión, con portal a otra dimensión o planeta; extraños enanos agresivos; seres de constitución alienígena, como el mismo Tall Man; bichitos repugnantes; una señora (o lo que sea) que atrae a los hombres al cementerio para matarlos;… en fin, un sinsentido que seguramente debe hacer las delicias de algunos aficionados al género, porque el producto en cuestión cuenta con varias secuelas a lo largo de dos décadas, con varios de los protagonistas del primer film (entre ellos, Agnus Scrimm), para mí algo tan incomprensible como el enmarañado argumento del film original.





Godzilla, de Gareth Edwards. Me había parecido leer comentarios que dejaban esta nueva entrega del monstruo de origen japonés muy por encima del Godzilla de Roland Emmerich. No puedo compararlas porque del film de Emmerich solo he visto algunos trozos por televisión. Ahora bien, esta propuesta de Edwards me parece francamente mala, con el delito además de desaprovechar un casting excepcional: Bryan Cranston (¡qué manera de desaprovechar un gran actor!), Juliette Binoche (en un visto y no visto), Sally Hawkins (de puro relleno), David Strathairn (con cara de palo en un papel nulo), Elizabeth Olsen (con la misma cara llorosa a lo largo de toda película), Ken Watanabe (con la misma expresión boquiabierta a lo largo de los años en que transcurre la acción). Además, el que acaba siendo el protagonista, el británico Aaron Taylor-Johnson, se gana a pulso pasar a encabezar la lista de actores inexpresivos. ¿Y el argumento? Un despropósito, pero eso no sería lo más grave, sino que lo peor es que el ritmo narrativo es nulo: superposición de imágenes sin ton ni son. Además, los monstruos (los MUTO) que aparecen para hacer el mundo un poco menos habitable de lo que ya es de por sí, son feos de cojones, sin ninguna gracia, lo cual ya justifica por si solo que Godzilla despierte de su siesta submarina para acabar con ellos y restablecer el orden… sobre las ruinas de una San Francisco arrasada. O sea, que hay que dar las gracias a que los problemas se puedan resolver a lo bestia (nunca mejor dicho), por lo cual recemos para que sigamos matando moscas a cañonazos, porque aunque el resultado sea un reguero de caos y destrucción en la brutalidad está la solución. Lamentable, eso sin contar que se apunta que las pruebas nucleares en el Pacífico en realidad fueron intentos de matar a Godzilla (sic). Quizá la película pueda hacer felices a los amantes de las películas de monstruos japonesas (cosa que dudo), pero no es mi caso. Apunto que lo que quizá pudiera salvar algo el visionado, algunas espectaculares imágenes apocalípticas de un San Francisco hecho trizas, se echaba a perder en el visionado que hice de la emisión de la 6, con pixelaciones a troche y moche y colores completamente inestables (no sé si por culpa de verla en una grabación hecha de la emisión televisiva o porque esta ya fue mala de origen).

Decíamos ayer...

REVISANDO CLÁSICOS: EL WESTERN: LA TRILOGÍA DE LA CABALLERÍA DE JOHN FORD (II).

SHE WORE A YELLOW RIBBON (1949, LA LEGIÓN INVENCIBLE).

Argosy Pictures Corp. / RKO Radio Pictures, Inc.



Parte central de la llamada "Trilogía de la Caballería" (junto a FORT APACHE (1948, ídem) https://www.mundodvd.com/las-ultimas...1/#post3784497 y RIO GRANDE (1950, RÍO GRANDE)) y la única rodada en Technicolor (bellísimo, que le supuso a su operador, el gran Winton C. Hoch, el Oscar en la categoría), LA LEGIÓN INVENCIBLE (perfecta traslación del original ELLA LLEVABA UNA CINTA AMARILLA) se configura como el vértice estético de la misma, una obra de una belleza deslumbrante



y un prístino ejemplo del estilo de su director, un John Ford en la plenitud de su arte y toda una lección de como contar una historia, sin estridencias, sin levantar la voz, acompasando su discurrir al monótono ritmo de vida de un aislado puesto militar, situado en tierra de nadie, primer paso de la "civilización" en su rápida expansión hacia el Oeste.



Basada, al igual que el resto de la serie, en los cuentos que sobre el Fuerte Starke James Warner Bellah publicara en la revista The Saturday Evening Post entre 1946 y 1950 (en este caso COMANDO (1946), LA GRAN CACERÍA (1947) y PARTIDA DE GUERRA (1948), todos ellos publicados en el recopilatorio UN TRONAR DE TAMBORES por la editorial Valdemar dentro de su excelente colección Frontera (2012))



y convenientemente reescritos primero por Laurence Stallings (que aportaría la lucha de los tenientes Cohill (John Agar) y Pennell (Harry Carey, Jr.) por las atenciones de Olivia (Joanne Dru)) y el subsiguiente pulido por parte de Frank S. Nugent (un crítico reciclado en guionista y autor de los libretos de alguna de las más grandes obras maestras de Ford (léase WAGON MASTER (1950), THE QUIET MAN (1952, EL HOMBRE TRANQUILO), THE SEARCHERS (1956, CENTAUROS DEL DESIERTO), THE LAST HURRAH (1958, EL ÚLTIMO HURRA) o TWO RODE TOGETHER (1961, DOS CABALGAN JUNTOS)) que aportarían una visión más progresiva que el rancio conservadurismo y el racismo implícito en los relatos del autor (que, no obstante, fue un colaborador habitual de John Ford con el que trabajó en los guiones (sobre obras ajenas) de piezas del calibre de SERGEANT RUTLEDGE (1960, EL SARGENTO NEGRO) y THE MAN WHO SHOT LIBERTY VALANCE (1962, EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE)).

Estamos en 1876. El general Custer y su ejército acaban de ser completamente aniquilados en la famosa batalla de Little Big Horn (como se narraba de forma oblícua en la magistral FORT APACHE) y las tribus indias andan soliviantadas, con los ánimos crecidos, cerrando pactos entre ellas y con el claro objetivo de expulsar de una vez y para siempre al usurpador blanco de sus territorios ancestrales de cacerías.

SHE WORE... narra los últimos seis días antes de su retiro del capitán Nathan Brittles (un más que brillante John Wayne, en uno de los mejores papeles de su carrera) y su última misión: el intento de detener la más que inminente confrontación entre los tribus indígenas y las tropas del ejército de la Unión. Un último hurra, un brindis al Sol, que el cuasi-retirado Brittles, apurando hasta el último minuto logrará llevar a cabo, evitando así una guerra que no hubiera llevado más que sufrimiento a ambas partes.

Aquí John Ford centra en la figura de un ya otoñal John Wayne (como decía, espléndido, merecedor de una candidatura al Oscar) el nudo gordiano de la trama de la historia.

Sus visitas a la tumba de su mujer y sus hijas (mil veces copiadas, nunca mejoradas), con uno atardeceres rojos como la sangre (que recuerdan poderosamente a los que William Cameron Menzies diseñó para LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ),



y la adopción como su nueva familia del ejército, donde ejerce como figura paternalista de los jóvenes tenientes Cohill y Pennell y por extensión de todos los soldados a su cargo y donde, tras 40 años de servicio, ve con melancolía (no ha conocido otra vida) como se acerca el momento de decir adiós a todas las cosas que más ama en el mundo. Miedo a sentirse un "outsider". Como Ethan Edwards en CENTAUROS.

La labor del director de fotografía Winton C. Hoch, basada (a sugerencia de Ford) en los cuadros de Frederic Remington, recrea por un lado los tonos azules de los cielos puros del Oeste y el color de las casacas de los soldados y de otro, los rojos de los atardeceres, el color de la tierra y los vestidos de los indios.

La famosa escena de la tormenta, rodada con escasa iluminación natural y que le valió un Oscar a Hoch, fue rodada por éste en contra de sus deseos (de hecho presentó una protesta formal ante la American Society of Cinematographers) y es una muestra más tanto del talento plástico del director como de su famosa mala baba a la hora de imponer sus decisiones contra viento y marea.



SHE WORE... es la respuesta de John Ford al visionado de la magistral RÍO ROJO, con un John Wayne, también otoñal, lleno de arrugas y también de sabiduría (la que aporta la vida, no los libros) y con usufructo, igualmente, de actores de dicha película como la hermosa Joanne Dru o el pelirrojo Harry Carey, Jr.



Un puñetazo en la mesa para decir que sigue siendo el más grande.

Y no faltan las escenas de humor y las peleas (con un descacharrante Victor McLaglen, presente en toda la Trilogía). Ni los bailes. Ni las cabalgadas por aquellas tierra inóspitas y hermosas.

Y lo que todavía quedaba por llegar...

Iniciado por mad dog earle

Dos películas con elementos fantásticos en géneros diversos:

Taron y el caldero mágico, producción Disney de dibujos animados convencionales que, como apuntaba Jane Olsen hace unos días, ha caído un poco en el olvido. En mi caso, ha sido el primer visionado, y hasta cierto punto comprendo el porqué de ese relativo olvido. De entrada se trata de un digest de “Las Crónicas de Prydain”, una saga de cinco novelas del norteamericano Lloyd Alexander, que nos sitúa en una tierra de fantasía, quizá cercana a lo que podría ser el mundo de Tolkien, lo cual apunta a la necesidad de embutir mucha información en solo 80 minutos. Hay un anciano mago, brujas, gnomos, un rey malévolo y esquelético (el Horned King, con la voz de John Hurt, quizá lo más atractivo de la función),



un ejército de muertos, una cerdita con el don de ver el futuro, una princesa que aparece por ahí sin mucho sentido con una esfera de luz mágica (que poco juego da en la película), un bardo patoso, un extraño ser peludo, Gurgi, que pretende ser el elemento infantil y humorístico sin demasiada fortuna (me ha recordado el Jar Jar de la saga Star Wars), un engendro que actúa como fiel ayudante del rey cornudo, una espada con poderes mágicos, etc. El asunto va de encontrar un caldero negro que encierra el espíritu de un malvado rey y con el cual se puede dominar el mundo. Todo el argumento es muy confuso, lo cual redunda en la indefinición genérica: no parece un film para niños (demasiado tétrico y violento y difícil de entender), pero tampoco para adultos; la historia romántica entre Taran (que no Taron), el porquerizo que cuida de la cerdita, y la princesa está metida con calzador y no tiene ningún encanto; la sucesión de acontecimientos parece desafiar el sentido de la lógica narrativa; hay personajes que aparecen, como el mago Dallben o los gnomos, para luego desaparecer, etc. Tampoco los dibujos son demasiado sofisticados: salvo algunos ambientes tenebrosos y quizá los momentos más terroríficos, el resto es sumamente vulgar. Además, su ambientación celta comporta unos nombres difíciles de retener, de ahí que en la versión subtitulada en castellano (supongo que también en el doblaje) se hagan adaptaciones francamente peregrinas: el bardo Fflewddur Fflam se convierte en Fausto, o la princesa Eilonwy en Elena. A destacar la presencia de algunas voces de altura: Freddie Jones es el viejo mago Dallben; Nigel Hawthorne es el bardo; Hurt el rey cornudo, o John Huston el narrador. Tampoco ayuda el título original de la película: “The Black Cauldron”, "el caldero negro"; en este caso al menos el título en castellano le intenta insuflar un poco de aliento fantástico aunque a costa del cambiarle el nombre al protagonista.

La diosa de fuego (She), producción de Merian C. “King Kong” Cooper, dirigida por Lansig C. Holden (su único largometraje) e Irving Pichel, del que el otro día Alex comentaba The Most Dangerous Game. Estamos ante la adaptación de una novela de aventuras de H.Rider Haggard, autor de la archifamosa “Las minas del rey Salomón”. He destacado el nombre de Cooper porque entiendo que este es un film sobre todo de productor, dentro de la RKO Radio Pictures, la misma productora de King Kong. Y se nota: ¿os dice algo esta puerta?



Este film es uno de los que se colorearon hace una década con supervisión de Ray Harryhausen (por parte de Legend Films). Aunque veo que estos coloreados son muchísimo mejores que los de hace unos años (para la cadena Turner), me quedo con la versión en blanco y negro, que es la que he visto (en esta edición, bastante correcta, que incluye ambas copias… y que me costó menos de 2 € en ese lugar que Alex frecuenta).

Estamos en el terreno de la aventura fantástica pura: un norteamericano descendiente de ingleses (Randolph Scott, más dicharachero de lo habitual) emprende una expedición hacia el norte de Europa con un amigo (Nigel Bruce) de su tío, el cual acaba de fallecer y que le ha legado como última voluntad un secreto de familia: la existencia de algo que permite acceder a la vida eterna en algún lugar del Ártico. Los expedicionarios, después de algunos accidentes (una enorme avalancha de nieve y rocas de hielo, muy convincente), llegan a una extraña civilización que florece en un valle en medio de las montañas, como si fuera el Shangri-La de Horizontes perdidos. La diferencia es que aquí domina el país una reina cruel, She (interpretada por Helen Gahagan, actriz y cantante de Broadway en su único papel en el cine), que quiere por encima de todo recuperar a su amado muerto hace siglos, John Vincey, encarnado ahora por su descendiente Leo (el personaje de Scott). Leo se debatirá entre dejarse arrastrar por el amor de She y adquirir él también la vida eterna o escapar de ese mundo con el amor más terrenal que le ofrece Tanya (Helen Mack). La película es un desmadre de decorados y vestuario, con momentos tremendamente brillantes, otros marcadamente kitsch, entre el expresionismo y el art déco: visualmente una gozada, a pesar de las debilidades argumentales y actorales. A destacar la banda sonora de Max Steiner y los modelitos de She, uno de los cuales sirvió de inspiración a Disney para la madrastra de Blancanieves. Deliciosamente recomendable.

Yo guardo buen recuerdo de Taron: su tono singularmente violento y oscuro, su villano terrorífico (con uno de los finales más espantosos del Universo Disney

Spoiler:

¡tras convocar a un ejército de esqueletos vivientes se deshace, literalmente, en polvo !

), la ausencia de canciones, el protagonista, que no es el típico héroe que nunca falla y que habrá de hacer frente prácticamente solo a situaciones muy duras, los elementos cómicos reducidos al mínimo... Pero probablemente hay lo que dices, los ingredientes no están del todo bien combinados, y el manjar resultante es algo indigesto. Se dice que Tim Burton, aunque no acreditado, intervino en esta película, y a él se debe el tono sombrío y tenebroso de la misma, aunque la mayor parte de sus ideas y conceptos fueron finalmente desechados.

Iniciado por Jane Olsen

Yo guardo buen recuerdo de Taron: su tono singularmente violento y oscuro, su villano terrorífico (con uno de los finales más espantosos del Universo Disney

Spoiler:

¡tras convocar a un ejército de esqueletos vivientes se deshace, literalmente, en polvo !

), la ausencia de canciones, el protagonista, que no es el típico héroe que nunca falla y que habrá de hacer frente prácticamente solo a situaciones muy duras, los elementos cómicos reducidos al mínimo... Pero probablemente hay lo que dices, los ingredientes no están del todo bien combinados, y el manjar resultante es algo indigesto. Se dice que Tim Burton, aunque no acreditado, intervino en esta película, y a él se debe el tono sombrío y tenebroso de la misma, aunque la mayor parte de sus ideas y conceptos fueron finalmente desechados.

Lo que apuntas es precisamente lo que más atractivo me hace el producto (en especial, la ausencia de canciones y el humor limitado, sin los chistes que han acabado siendo marca de fábrica del cine de animación de Disney), pero no se atreven a llevarlo hasta el final, de ahí las patosidades del bardo, la parejita romántica (aunque de lo más sosa y sin gracia), las payasadas de Gurgi (bicho extraño y algo fuera de lugar), etc. Lo que pasa es que el resultado chirría por todas partes, es muy poco homogéneo y armónico, y tiene un ritmo muy irregular. Además, se hace difícil empatizar con los personajes y dudo que los críos, público por antonomasia del cine de Disney, se sientan demasiado cómodos con esta película rara, de argumento lioso y rebuscado. Quedan en el recuerdo algunos buenos (y terroríficos) momentos.

Iniciado por mad dog earle

Lo que apuntas es precisamente lo que más atractivo me hace el producto (en especial, la ausencia de canciones y el humor limitado, sin los chistes que han acabado siendo marca de fábrica del cine de animación de Disney), pero no se atreven a llevarlo hasta el final, de ahí las patosidades del bardo, la parejita romántica (aunque de lo más sosa y sin gracia), las payasadas de Gurgi (bicho extraño y algo fuera de lugar), etc. Lo que pasa es que el resultado chirría por todas partes, es muy poco homogéneo y armónico, y tiene un ritmo muy irregular. Además, se hace difícil empatizar con los personajes y dudo que los críos, público por antonomasia del cine de Disney, se sientan demasiado cómodos con esta película rara, de argumento lioso y rebuscado. Quedan en el recuerdo algunos buenos (y terroríficos) momentos.

A mí más fallida y peor en ese aspecto me parece El jorobado de Notre Dame. Es como si no se atrevieran a hacer la película seria que realmente quisieran haber hecho, y no acabaran de ponerse de acuerdo en si es una película para adultos o para niños (por cierto, mala elección de tema para una película familiar. Éso de entrada). En el caso de El jorobado...la película está aquejada de la esquizofrenia más absoluta, y combina momentos absolutamente chuscos e infantiles (toda la trama de las gárgolas parlanchinas , el preso anciano que sirve para hacer gags recurrentes...) con otros terriblemente serios y dramáticos (en especial, el prólogo).

Iniciado por mad dog earle

Dos películas con elementos fantásticos en géneros diversos:

Taron y el caldero mágico, producción Disney de dibujos animados convencionales que, como apuntaba Jane Olsen hace unos días, ha caído un poco en el olvido. En mi caso, ha sido el primer visionado, y hasta cierto punto comprendo el porqué de ese relativo olvido. De entrada se trata de un digest de “Las Crónicas de Prydain”, una saga de cinco novelas del norteamericano Lloyd Alexander, que nos sitúa en una tierra de fantasía, quizá cercana a lo que podría ser el mundo de Tolkien, lo cual apunta a la necesidad de embutir mucha información en solo 80 minutos. Hay un anciano mago, brujas, gnomos, un rey malévolo y esquelético (el Horned King, con la voz de John Hurt, quizá lo más atractivo de la función),



un ejército de muertos, una cerdita con el don de ver el futuro, una princesa que aparece por ahí sin mucho sentido con una esfera de luz mágica (que poco juego da en la película), un bardo patoso, un extraño ser peludo, Gurgi, que pretende ser el elemento infantil y humorístico sin demasiada fortuna (me ha recordado el Jar Jar de la saga Star Wars), un engendro que actúa como fiel ayudante del rey cornudo, una espada con poderes mágicos, etc. El asunto va de encontrar un caldero negro que encierra el espíritu de un malvado rey y con el cual se puede dominar el mundo. Todo el argumento es muy confuso, lo cual redunda en la indefinición genérica: no parece un film para niños (demasiado tétrico y violento y difícil de entender), pero tampoco para adultos; la historia romántica entre Taran (que no Taron), el porquerizo que cuida de la cerdita, y la princesa está metida con calzador y no tiene ningún encanto; la sucesión de acontecimientos parece desafiar el sentido de la lógica narrativa; hay personajes que aparecen, como el mago Dallben o los gnomos, para luego desaparecer, etc. Tampoco los dibujos son demasiado sofisticados: salvo algunos ambientes tenebrosos y quizá los momentos más terroríficos, el resto es sumamente vulgar. Además, su ambientación celta comporta unos nombres difíciles de retener, de ahí que en la versión subtitulada en castellano (supongo que también en el doblaje) se hagan adaptaciones francamente peregrinas: el bardo Fflewddur Fflam se convierte en Fausto, o la princesa Eilonwy en Elena. A destacar la presencia de algunas voces de altura: Freddie Jones es el viejo mago Dallben; Nigel Hawthorne es el bardo; Hurt el rey cornudo, o John Huston el narrador. Tampoco ayuda el título original de la película: “The Black Cauldron”, "el caldero negro"; en este caso al menos el título en castellano le intenta insuflar un poco de aliento fantástico aunque a costa del cambiarle el nombre al protagonista.

La diosa de fuego (She), producción de Merian C. “King Kong” Cooper, dirigida por Lansig C. Holden (su único largometraje) e Irving Pichel, del que el otro día Alex comentaba The Most Dangerous Game. Estamos ante la adaptación de una novela de aventuras de H.Rider Haggard, autor de la archifamosa “Las minas del rey Salomón”. He destacado el nombre de Cooper porque entiendo que este es un film sobre todo de productor, dentro de la RKO Radio Pictures, la misma productora de King Kong. Y se nota: ¿os dice algo esta puerta?



Este film es uno de los que se colorearon hace una década con supervisión de Ray Harryhausen (por parte de Legend Films). Aunque veo que estos coloreados son muchísimo mejores que los de hace unos años (para la cadena Turner), me quedo con la versión en blanco y negro, que es la que he visto (en esta edición, bastante correcta, que incluye ambas copias… y que me costó menos de 2 € en ese lugar que Alex frecuenta).

Estamos en el terreno de la aventura fantástica pura: un norteamericano descendiente de ingleses (Randolph Scott, más dicharachero de lo habitual) emprende una expedición hacia el norte de Europa con un amigo (Nigel Bruce) de su tío, el cual acaba de fallecer y que le ha legado como última voluntad un secreto de familia: la existencia de algo que permite acceder a la vida eterna en algún lugar del Ártico. Los expedicionarios, después de algunos accidentes (una enorme avalancha de nieve y rocas de hielo, muy convincente), llegan a una extraña civilización que florece en un valle en medio de las montañas, como si fuera el Shangri-La de Horizontes perdidos. La diferencia es que aquí domina el país una reina cruel, She (interpretada por Helen Gahagan, actriz y cantante de Broadway en su único papel en el cine), que quiere por encima de todo recuperar a su amado muerto hace siglos, John Vincey, encarnado ahora por su descendiente Leo (el personaje de Scott). Leo se debatirá entre dejarse arrastrar por el amor de She y adquirir él también la vida eterna o escapar de ese mundo con el amor más terrenal que le ofrece Tanya (Helen Mack). La película es un desmadre de decorados y vestuario, con momentos tremendamente brillantes, otros marcadamente kitsch, entre el expresionismo y el art déco: visualmente una gozada, a pesar de las debilidades argumentales y actorales. A destacar la banda sonora de Max Steiner y los modelitos de She, uno de los cuales sirvió de inspiración a Disney para la madrastra de Blancanieves. Deliciosamente recomendable.

Lansing C. Holden fue el asesor en el tratamiento del primitivo Technicolor que les supuso a W. Howard Greene y Harold Rosson un Oscar especial a mejor fotografía en color en 1937 por THE GARDEN OF ALLAH (1936, EL JARDÍN DE ALÁ), con una bellísima Marlene Dietrich.



Fantástica la comparativa con la madrastra de Blancanieves, amigo earle. Toda una belleza turbadora, lejos de la sinsorguería de la princesita.

Leo que Lansing C.Holden fue compañero de Cooper en la I Guerra Mundial en Francia, como piloto de avión. Luego fue Cooper el que lo atrajo a Hollywood. De todas maneras, si nos guiamos por imdb, su participación en el mundo del cine fue muy breve, y solo alcanza cuatro o cinco películas, siendo She el único largometraja que dirigió. En este tipo de películas, donde el productor pesa tanto, es difícil decir qué es atribuible al director, mucho más en este caso en que también está acreditado Irving Pichel, que recordemos que compartió el crédito de director de The Most Dangerous Game con Ernest B. Schoedsack (a su vez, codirector con Cooper de King Kong).

Iniciado por mad dog earle

Leo que Lansing C.Holden fue compañero de Cooper en la I Guerra Mundial en Francia, como piloto de avión. Luego fue Cooper el que lo atrajo a Hollywood. De todas maneras, si nos guiamos por imdb, su participación en el mundo del cine fue muy breve, y solo alcanza cuatro o cinco películas, siendo She el único largometraja que dirigió. En este tipo de películas, donde el productor pesa tanto, es difícil decir qué es atribuible al director, mucho más en este caso en que también está acreditado Irving Pichel, que recordemos que compartió el crédito de director de The Most Dangerous Game con Ernest B. Schoedsack (a su vez, codirector con Cooper de King Kong).

"She" fue una presa facil compañero......"tengui". Por cierto la de la Hammer: "la venganza de la diosa de fuego" (The Vengeance of She) tiene algo que ver con "She"? un remake, un basado en, una continuación....

Curiosamente me traje de la central hace unas semanas "la legión invencible", quería traerme un potente de Ford, y dude con "la diligencia" y "Fort Apache".

Ustedes me motivan y también me ahorran tiempo a la hora de elegir que film pongo, ambas caen ésta semana o la otra fijo.

Yo hace como 4-5 años vi por primera vez "Phantasma", con mucha ilusión y entusiasmo, y me llevé un chasco parecido al del compañero Mad. Por masoquismo me compré las otras partes, quien sabe, las segundas partes cuando la primera te decepciona bastante, quizás son mejores.

FORT APACHE es MUY superior a LA DILIGENCIA, aunque este último tiene más carga cinéfila.

LA LEGIÓN INVENCIBLE y RÍO GRANDE que completan la trilogía de la caballería (a la que podríamos añadir MISIÓN DE AUDACES) son igualmente maravillosas.

Yo recuerdo Taron una peli interesante aunque no me acabó de convencer. Phantasma me parece que tiene algunas ideas curiosas, pero se me hace una película antipática, no sé muy bien porqué ... quizá el (torpe) tono narrativo y dramático, y los personajes / interpretaciones (y eso que las secuelas son muchííiiiiiiisimo peores).
La diosa de fuego de Pichel / Holden no me acabó de gustar la primera vez que la vi (quizá porque la compare demasiado injustamente con la novela de Haggard, que me parece magistral, una de mis favoritas desde que la leí de crio), pero en revisión, y sin pensar en comparar, me pareció deliciosa, y mucho mejor que la de La Hammer (por cierto, amigo Alex Fletcher, ambas son adaptaciones de la novela, y con nada que ver entre si mas alla de eso). Por cierto tambien, que lo de la ambientación ártica debio ser inspirada por la secuela de la novela, Return of She, también de Haggard, que no he leido, pero se que tiene lugar en el Himalaya (la primera acontecía en una calurosa África).

La legión invencible es uno de los films más visualmente hermosos que he visto. Lo dice alguien que aún no le ha encontrado el punto al cine de Ford.

Iniciado por Frank Zito

Yo recuerdo Taron una peli interesante aunque no me acabó de convencer. Phantasma me parece que tiene algunas ideas curiosas, pero se me hace una película antipática, no sé muy bien porqué ... quizá el (torpe) tono narrativo y dramático, y los personajes / interpretaciones (y eso que las secuelas son muchííiiiiiiisimo peores).
La diosa de fuego de Pichel / Holden no me acabó de gustar la primera vez que la vi (quizá porque la compare demasiado injustamente con la novela de Haggard, que me parece magistral, una de mis favoritas desde que la leí de crio), pero en revisión, y sin pensar en comparar, me pareció deliciosa, y mucho mejor que la de La Hammer (por cierto, amigo Alex Fletcher, ambas son adaptaciones de la novela, y con nada que ver entre si mas alla de eso). Por cierto tambien, que lo de la ambientación ártica debio ser inspirada por la secuela de la novela, Return of She, también de Haggard, que no he leido, pero se que tiene lugar en el Himalaya (la primera acontecía en una calurosa África).

La legión invencible es uno de los films más visualmente hermosos que he visto. Lo dice alguien que aún no le ha encontrado el punto al cine de Ford.

Bueno. Nadie es perfecto...

En cambio a mi, Phantasma me parece de lo mejor que nos legó el cine fantástico en los 70

Es muy extraña. Es una película introspectiva, se nota claramente que no es un producto de Hollywood, que procede de una sola mente que ha hecho la mayoría del trabajo creativo. Es cierto, no hay dinero, los actores son prácticamente aficionados, y la película es un caos... ¿pero hay orden en ese caos?

Recuerdo que cuando "Pesadilla en Elm Street" salió en vídeo, es slogan de la caratula rezaba "Por fin una cámara consigue filmar el interior de una pesadilla"; yo creo que Coscarelli pretendía algo parecido y que casi lo consigue. Hay que ver la película en su contexto, los últimos 70, en cuanto a cine fantástico, copados por Michael Myers y las posibilidades que ofrecía. Estaba a punto de caernos encima el boom del slasher, de Viernes 13 y sus mil hijos que vinieron de todas partes del mundo. También fue una época en la que la gente empezaba a volver a interesarse por temas paranormales, de aquellos lodos vienen estos fangos: ufología, espiritismo, poderes de la mente... creo que algo de ese ambiente se refleja en la película también, y que hoy en día sin conocer ese contexto muchas cosas se ven aún más extrañas.

Phantasma es una marcianada, una mixtura de terror, ciencia ficción de estar por casa y fantasía; no tiene explicación alguna, no hay respuesta, y eso es otro de sus grandes alicientes. Para mí, es una película irrepetible, cuyo éxito se apoya en un cierto estado de gracia entre una enorme mediocridad técnica y actoral, una banda sonora acertadísima, la fotografía cutre que beneficia y crea una atmósfera, unos decorados soberbios dentro del poco dinero que hubo, mucha imaginación...

Las secuelas nunca las compro. La segunda era una "venta del producto" a Hollywood: más dinero, mejores actores y más medios, y en esencia un despliegue de efectos especiales totalmente gris, que podía haber sido cualquier secuela de Freddy. La tercera y la cuarta intentaron volver al bajo presupuesto, los mismos actores y metiendo más marcianadas y guiones absurdos, pero por una parte, intentaron dar respuestas o explicaciones a la primera parte (un gran error) y por otra, intentaban repetir lo irrepetible.

Volviendo a "King Kong", acabo de ver el cortometraje de Iván Zulueta "Kinkón", es simplemente comprimir el film "King Kong" en 6 minutos, esto del cine experimental me da mucho miedo, no suelo interesarme por él, salvo excepciones; en éste caso lo encuentro absolutamente innecesario, y sinceramente no se si es un homenaje o un desprecio hacia mítico film. Creo que "Arrebato" del mismo director está dentro del cine experimental, motivo, a pesar de la buena prensa que tiene, me da una pereza considerable verla.

Arrebato es una de mis películas favoritas de cine español: un auténtico ejercicio de metacine, adelanatada a su tiempo, simplemente maravillosa. Tiene algunas concesiones a su época (si no conoces, por ejemplo, el fenómeno de la movida madrileña, algunas cosas te resultarán ajenas y extrañas) pero es una maravilla. A mi me metió el vicio por filmar en Super 8 cuando la vi por primera vez en los 90, vicio que sigo arrastrando en 2017

Dale una oportunidad, intenta verla sin prejuicios y sabiendo de ella lo menos posible... es un viaje, disfrútalo.