Tema: Kenneth Branagh

Iniciado por Marty_McFly

A mí también me gusta más el de la Hammer, pero bueno, son formas distintas de contar las cosas. Brannagh se apoya mucho en sus conocimientos escénicos, de ahí esos "excesos". Por lo que recuerdo le funciona a medias, pero es una versión a tener en cuenta.

Entiendo que esto confunda en el sentido de que no se sepa muy bien que pensar. Me explico, luego el tipo se marca contrapicados, picados, planos secuencias o travellings, lo que demuestra que conoce y domina los recursos cinematográficos. Pero a la vez, ininste en combinarlos con la técnica teatral clásica (juegos de luces, primeros planos y soliloquios, cambios de vestuarios, intensidad emocional desbordada, música enfática, dirección de actores y declamación de lo diálogos cómo si estuviesen sobre las tablas...).

Muchos opinan que el cine, a dios gracias, es lo suficientemente autónomo y rico en recursos para no tener que tomar prestado cosas de un medio mucho más "estático". Y sin embargo, esa combinación (patente ya desde "Enrique V") a mi es lo que me fascina de su cine.


Coppola no entendía la gran cantidad de dialogo plasmado en forma de monologo y soliloquio en Frankenstein, y llegó a decir a de Niro que porque interpretaba sus líneas como si fuese Ricardo III.


PD: Por cierto Marty, en Enrique V hay quien le critica ya esos excesos (y eso que sin duda podría considerarse la más sobria de sus películas), en tramos cómo el a menudo alabado monologo a la luz de la luna la víspera de la batalla final. Dicen que el texto y la interpretación son tan poderosas que el hecho de que Branagh rompa a llorar (en primerísimo primer plano, además) y que Doyle musicalice esa escena con un in crescendo continuo resulta demasiado enfático.

Es más, lo del ego no es cosa reciente ni de Frankenstein, había un texto por ahí que concluía que Henry V era la obra de un megalómano ególatra.

No sé que pensarás tú, Marty, pero, calificar a alguien esos términos solo porque no te convenza su obra...

Iniciado por Branagh/Doyle

No sé que pensarás tú, Marty, pero, calificar a alguien esos términos solo porque no te convenza su obra...

Yo creo que tiene más que ver con que el que escribiera eso no conoce los recursos teatrales que Brannagh combina con los cinematográficos.

Iniciado por Marty_McFly

Yo creo que tiene más que ver con que el que escribiera eso no conoce los recursos teatrales que Brannagh combina con los cinematográficos.

¿Y no cabe la posibilidad de que los conociese, y aún así le pareciese over the top porque le saca de la película?. Aún así las calificaciones personales me parecen fuera de lugar.

Iniciado por Branagh/Doyle

¿Y no cabe la posibilidad de que los conociese, y aún así le pareciese over the top porque le saca de la película?. Aún así las calificaciones personales me parecen fuera de lugar.

Le puede parecer over the top, o no funcionarle, y es perfectamente respetable, pero atribuirlo al ego del director parece más encaminado a que no entiende el recurso. Poniéndose en la perspectiva escénica, es perfectamente aceptable.

Tras leer el ensayo enlazado por Branagh/Doyle, realizo algunos comentarios.

Lo primero, indicar que yo creo que la versión de Branagh es la más fiel a la novela en cuanto a su temática relativa la moderno Prometeo, ese nuevo hombre que tendría que brillar como un Dios y al que al nacer imperfecto su creador/padre rechaza. Para mi este es un tema clave en el film y que Branagh presenta de la mejor de las maneras tanto en lo visual como en lo conceptual en la excelente secuencia de dentro de glaciar.

Para mí ahí nace todo el conflicto entre creador y creador, entre doctor y criatura y desde ahí es desde donde evolucionarán los personajes. La criatura al final, ve que la venganza tampoco le colma y sigue necesitando el amor/aprobación paterna y el creador termina comprendiendo las recriminaciones de la criatura, a la cual no acepta desde el primer momento que la ve imperfecta (Final de la apabullante secuencia de la creación). Por tanto, indicar eso, la lucha que hay establecida entre ambos personajes que, desde el primer momento se plasma de forma física. Hay está ese nacimiento de la criatura, momento lleno de líquido amniótico y desnudez donde un casi desnudo creador, se emparenta momentáneamente con su creado (en este sentido yo creo que por esta razón está bien pesando que Branagh saliera a pecho descubierto). Luego la lucha sigue y se presenta jalonada de cadáveres (de nuevo lo físico).

Por tanto en cuanto a la temática creo que Branagh acierta al destacar eso, la lucha entre creador y criatura que, vemos cómo evoluciona como persona y como va tomando conciencia de su soledad y abandono. Esto para mí es un acierto de la novela y de esta versión, el ver eso que la criatura comete atrocidades, pero que también muestra el origen de eso odio y rabia. No estamos ante la criatura “a lo Karlof” que parece que razona poco y que no verbaliza nada. Sólo por esto, por mostrar estos elementos presentes en a novela de Shelley y bastante obviados en muchas otras adaptaciones [lo que no implica que me parezcan malas, sino, solamente más alejadas del espíritu original de la novela] creo que la versión de Branagh debe ser muy bien considerada.

Por tanto, Branagh toma todos los elementos románticos de la novela y los mantiene en su film y, creo de forma arriesgada, pero para mí muy conseguida, exacerba estos elementos plasmándolos en pantalla de una forma tan recargada como apabullante. Primero mediante la adopción de un tono operístico palpable en esos puntos álgidos que jalonan el film, con los dos momentos de la creación a la cabeza. Además Branagh recurre al universo shakesperiano para crear momentos de monólogos también con cierto punto de exageración que presentan sentimientos a flor de piel. Y luego está el uso de un diseño de producción o vestuario en algunos momentos manierista, casi con algún detalle anacrónico (esa escalera, para mí más expresionista que romántica) que termina apuntalando ese tono exagerado, operístico del conjunto.

Y es que además Branagh filma todo de una manera diría que agresiva por momentos con esos movimientos de cámara casi constantes, (de nuevo el momento de la creación), esos picados y contrapicados, los planos generales en el glaciar, o esos planos circulares que parecen encerrar de forma gráfica la pasión y casi obsesión que hay entre Victor y Elizabeth (aquí es verdad que se puede ver la influencia de Vertigo, al mostrarse de forma visual la especie de espiral de pasión necrófila (tan bien supo representar Bass gráficamente) que se establece entre Victor, Elizabeth y la criatura y como se indica en el ensayo, porque un hombre enajenado consigue la resurrección de su amada muerta.
En definitiva, para mí una grandísima película y de las que conozco, la más fiel adaptación de la novela de Shelley, lleva de ese espíritu romántico tan presente en la novela.

Saludos

¡Mil gracias, Tripley!

Ahora a ver si sacas tiempo para revisar Hamlet.

Iniciado por Branagh/Doyle

Ahora a ver si sacas tiempo para revisar Hamlet.

Sí, y este Frankenstein

Saludos

Una última reflexión:

Tengo la impresión de que lo que pasó con Frankenstein fue probablemente, si es que no lo fue, un caso paralelo al del Drácula de Coppola que la precedió en un par de años (y de hecho fue una de las impulsoras del revival gótico de los 90' del que ya he hablado). Días atrás estaba yo leyendo Hollywood gótico, de David J. Skal, libro que recomiendo vivamente a todos los interesados en el terror gótico clásico, y mayormente en Drácula. En un momento dado, al final del libro, hablan de Coppola, que quería volver a primera fila, y que había hecho en los últimos tiempos unas películas que parece que no habían gustado demasiado. Anunció que haría una versión de Drácula pequeña, experimental, y con actores desconocidos. "La haremos todo lo oscura y erótica que sea posible". Pero según parece, conforme el presupuesto de la película iba aumentando y el estudio iba metiendo más mano en la película (entre otras cosas, parece que fueron los que impusieron la historia de amor, muy influidos, al parecer, por el éxito de crítica y público de La bella y la bestia), el interés de Coppola iba disminuyendo. Se anunció a bombo y platillo como "la más fiel adaptación de Drácula", lo cual -en palabras de Skal- no era sino una grandísima paparrucha. La película dividió inmediatamente a crítica y público: unos la consideraron una experiencia fascinante, un "gymkana caleidoscópica por un siglo de historia del personaje", mientras que para otros (entre los cuales se encuentra una servidora ) la consideraron "un aburrido y pretencioso barullo, un festival de fotografía mareante, chorros de sangre y mujeres contorsionadas". No sé exactamente qué tal fue la gestación de este Frankenstein, pero tengo la sensación de que debió de pasar algo parecido (según tengo entendido, Coppola era el que la iba a dirigir en un primer momento, y Darabont, el guionista, acabó echando pestes de Branagh y diciendo que la película que se acabó haciendo no tenía nada que ver con el guión que él había escrito. Tengo mucha curiosidad por leer ese guión y saber hasta qué punto cambiaron cosas). La película también dividió mucho a la crítica y al público: unos alababan su intento por acercarse más a la obra original y su atmósfera oscura y dramática, mientras que otros vieron una película caótica, excesiva y pretenciosa. A día de hoy sigue recibiendo opiniones dispares.

Edito: por seguir con la temática gótica, veo que el doodle de hoy está dedicado a Victor Hugo, y una de sus imágenes es el Jorobado de Notre Dame. Por desgracia, no han metido a cierto señor que ríe un montón ...

Jane, lo cierto es que aunque hubo críticas dividas, la mayor parte pulverizó la cinta, dirigiendo además calificativos personales poco halagüeños contra su director (quizá acentuados por el escándalo extra matrimonial que supuso su affaire con la Carter, y que de manera muy desagradable y sensacionalista acabó plasmado en la prensa, acelerando el posterior divorcio de Thompson).


Teniendo en cuenta que costo $45 millones de la época, en USA apenas recuperó su inversión, aunque gracias al mercado internacional (particularmente, cómo viene siendo costumbre con Branagh, en Francia fue muy alabada), y el vídeo domestico posterior, se las apaño para sacar beneficios -poca cosa-.

Curiosamente, excepto En lo más crudo del crudo invierno (su siguiente película, en blanco y negro, sin música y con un presupuesto nulo), que le valió el Leon de Oro al mejor director en Venecia en 1995 ,y Hamlet (nominaciones a los Oscar incluidas), NINGUNA película posterior de Branagh ha recuperado el favor mayoritario de la crítica en USA hasta yo diría que Cenicienta, la cual parece haber encantado en todas partes, y convencido a crítica y público.


Por otro lado, cómo bien dices, el Drácula de Coppola es fiel a la novela de Stoker en la medida que yo soy casto y pio es decir nada en absoluto, más allá de tomar personajes y el esqueleto del detonante de la trama. A partir de ahí, Paco hace su película, re-escribiendo y cambiando cosas continuamente. Cada cual tendrá su punto de vista, pero a mi me fascina ese relato romántico del vampiro que lo es porque esta enfermo de amor, en un relato cargado de pasión malsana y sexo. Hipnotizantes (para mí, repito), fotografía, y -tan controvertido- diseño de producción y vestuario.


La aproximación de Branagh (que termino adueñándose por completo de todos los aspectos de la producción con mano de hierro, sacando de quicio a un Coppola que no comprendía muchas de sus decisiones y se arrepentiría enormemente de haberlo contratado) a Frankenstein es mucho más fiel a la novela de Shelley de lo que Coppola fue nunca a Stoker, pero el espíritu romántico y la pasión desbordante de su ejecución llevan a una intensidad emocional que a muchos les pareció ridícula o pasada de vueltas (sobre todo con el hiperbólico -aunque bellamente simbólico en mi opinión- climax final que se sacó de la mano el irlandés).

El indudable tamiz a lo tragedia Shakesperiana y la delicada dirección de actores, terminaron de ganarme. Por último, la música, una obra operística de dimensiones colosales pero a su vez dotada del fuerte sentido lirico y romántico de su compositor, tiene la virtud de contar toda la historia por si misma, pero su constante presencia en pantalla y lo desmesurado de sus dimensiones terminaron por exasperar a mucha gente.


Creo que el hecho de elevar lo hiperbólico y excesivo a la máxima potencia de manera consciente y premeditada fue algo muy arriesgado, pero que tal cómo dice Tripley puede entenderse cómo la asimilación sin complejos de los postulados románticos de la época. Hay a quien le funciona, y hay a quien le saca por completo.


Ambas películas me encantan y tuvieron procesos tortuosos de gestación y control creativo, algo que las hace más fascinantes a mi juicio, en parte porque también se puede comprender perfectamente por que no gustan

...

Sabía que había habido una especie de rollo extramatrimonial raro por en medio del rodaje, pero no de su alcance y consecuencias. Una especie de "efecto Cleopatra", pero a la inversa, vaya (la gente que iba a ver la peli de Manckiewicz a los cines por el morbo de ver a la Taylor y a Burton, que eran pareja no sólo en la ficción, sino ya también en la vida real y cuyos respectivos matrimonios se habían ido al garete durante el rodaje)...

Aunque tal vez no sea este el hilo adecuado para ello, he decidido ponerlo aquí, con ello tendré una excusa para irme poniendo al día.


MARY SHELLEY'S FRANKENSTEIN (1994), de Patrick Doyle.



Cuarta colaboración del compositor con su director fetiche, Kenneth Branagh.

Compuesta en el período más creativo de Doyle, tras grandes partituras como Enrique V, Morir todavía, Mucho ruido y pocas nueces o Carlito's Way (titulada aquí como Atrapado por su pasado) y la frenética Needful things.

Aquí vuelve a componer para una película enmarcada en el cine fantástico, si bien la aproximación del director y el compositor están tratadas como si de una tragedia shakespeariana se tratara.

Influenciado por esto, aquí Doyle vuelve a mostrar un estilo que nos puede recordar a ese frenesí de su anterior Needful things (hecho que le reportó en su momento ciertas críticas, en las que se aducía que el compositor se había dejado llevar por los excesos de la aproximación de Branagh en su interpretación/dirección de la obra de
Shelley), si bien, en mi humilde opinión, la composición es más compleja, más lírica y en la que el oyente debe mantener la atención a lo largo de la partitura, para poder apreciar la obra en su conjunto.

Esto queda patente ya en el primer tema (To think of a story), en el que se sintetizan los temas que el compositor irá desarrollando a lo largo del score (reflejando la torturada psique/alma del protagonista, cuya ambición cegará su raciocinio, costándole lo que más quiere).



Para desarrollar el tema de amor de Elizabeth, Doyle usará instrumentos de viento (flautas y oboes) y para la relación padre/hijo entre Victor y su criatura, los metales y la percusión son usados con efectividad, casi escuchamos las violentas consecuencias de sus actos.

Un gran detalle, que comentaba el compositor en una entrevista, era que en el cine de género, le gustaba componer ciertas piezas y movimientos teniendo en cuenta la pista de los efectos sonoros, de modo que la música (vista junto a la película) se retroalimentase de las cadencias y ritmos de estos, con lo que la sensación del espectador/oyente es más orgánica ("¡está viva!" como diría Victor ).

Curiosamente (todo y que, a priori, el tema daba para ello), el compositor no hace ningún uso de coros a lo largo de la partitura (otro toque de originalidad, que demuestra la gran originalidad e imprevisibilidad de Doyle, que sí los usó de forma juguetona y granguiñolesca para la anterior Needful things).

Pese a que algunos criticaron que la energía y violencia del score se les hacía pesada en la escucha aislada (el compacto de la edición tiene una duración de unos generosos para la época 69 minutos), en mi opinión resulta muy equilibrada, puesto que el gran trabajo de Doyle nos proporciona un completo arco dramático de su personaje principal, en el que vemos el progresivo envenenamiento del alma de Victor, movido por buenas intenciones, aunque su arrogancia y ambición acabarán cegando su lucidez, provocando la muerte sobre todos aquellos que le rodean (nótese el distintivo tono que el compositor da a las dos creaciones, la primera enérgica, pasional, siendo la segunda más fría, sólo movida por la locura y el dolor).



Para finalizar, un pequeño comentario respecto a las producciones de Coppola que se realizaron por entonces.

Si bien la recepción que tuvieron ambas producciones fue muy diferente (el Drácula coppoliano disfrutó de una mejor acogida por parte de crítica y los resultados de taquilla fueron generosos, llegando a ganar tres premios de la Académia, mientras que el Frankenstein de Branagh no contó con la misma suerte) y pese a que ambas cuentan con sus seguidores/detractores, creo que la mayor parte de aficionados estarán de acuerdo en que la música de ambas (aunque muy diferentes entre sí) es sensacional, auténticas rara avis incluso en su momento que parecen mejorar a cada nueva escucha, algo que debemos agradecer a sus directores (no quiero ni imaginarme que habrían pasado si el estudio hubiera rechazado a ambos compositores...)


PD: Para Mr. & Mrs. Branagh/Doyle en su aniversario.

¡Enhorabuena y gracias por vuestro apoyo!

Saludos.

¡Muchas gracias, MIK!

Iniciado por MIK

Aunque tal vez no sea este el hilo adecuado para ello, he decidido ponerlo aquí, con ello tendré una excusa para irme poniendo al día.


MARY SHELLEY'S FRANKENSTEIN (1994), de Patrick Doyle.



Cuarta colaboración del compositor con su director fetiche, Kenneth Branagh.

Compuesta en el período más creativo de Doyle, tras grandes partituras como Enrique V, Morir todavía, Mucho ruido y pocas nueces o Carlito's Way (titulada aquí como Atrapado por su pasado) y la frenética Needful things.

Aquí vuelve a componer para una película enmarcada en el cine fantástico, si bien la aproximación del director y el compositor están tratadas como si de una tragedia shakespeariana se tratara.

Influenciado por esto, aquí Doyle vuelve a mostrar un estilo que nos puede recordar a ese frenesí de su anterior Needful things (hecho que le reportó en su momento ciertas críticas, en las que se aducía que el compositor se había dejado llevar por los excesos de la aproximación de Branagh en su interpretación/dirección de la obra de
Shelley), si bien, en mi humilde opinión, la composición es más compleja, más lírica y en la que el oyente debe mantener la atención a lo largo de la partitura, para poder apreciar la obra en su conjunto.

Esto queda patente ya en el primer tema (To think of a story), en el que se sintetizan los temas que el compositor irá desarrollando a lo largo del score (reflejando la torturada psique/alma del protagonista, cuya ambición cegará su raciocinio, costándole lo que más quiere).



Para desarrollar el tema de amor de Elizabeth, Doyle usará instrumentos de viento (flautas y oboes) y para la relación padre/hijo entre Victor y su criatura, los metales y la percusión son usados con efectividad, casi escuchamos las violentas consecuencias de sus actos.

Un gran detalle, que comentaba el compositor en una entrevista, era que en el cine de género, le gustaba componer ciertas piezas y movimientos teniendo en cuenta la pista de los efectos sonoros, de modo que la música (vista junto a la película) se retroalimentase de las cadencias y ritmos de estos, con lo que la sensación del espectador/oyente es más orgánica ("¡está viva!" como diría Victor ).

Curiosamente (todo y que, a priori, el tema daba para ello), el compositor no hace ningún uso de coros a lo largo de la partitura (otro toque de originalidad, que demuestra la gran originalidad e imprevisibilidad de Doyle, que sí los usó de forma juguetona y granguiñolesca para la anterior Needful things).

Pese a que algunos criticaron que la energía y violencia del score se les hacía pesada en la escucha aislada (el compacto de la edición tiene una duración de unos generosos para la época 69 minutos), en mi opinión resulta muy equilibrada, puesto que el gran trabajo de Doyle nos proporciona un completo arco dramático de su personaje principal, en el que vemos el progresivo envenenamiento del alma de Victor, movido por buenas intenciones, aunque su arrogancia y ambición acabarán cegando su lucidez, provocando la muerte sobre todos aquellos que le rodean (nótese el distintivo tono que el compositor da a las dos creaciones, la primera enérgica, pasional, siendo la segunda más fría, sólo movida por la locura y el dolor).



Para finalizar, un pequeño comentario respecto a las producciones de Coppola que se realizaron por entonces.

Si bien la recepción que tuvieron ambas producciones fue muy diferente (el Drácula coppoliano disfrutó de una mejor acogida por parte de crítica y los resultados de taquilla fueron generosos, llegando a ganar tres premios de la Académia, mientras que el Frankenstein de Branagh no contó con la misma suerte) y pese a que ambas cuentan con sus seguidores/detractores, creo que la mayor parte de aficionados estarán de acuerdo en que la música de ambas (aunque muy diferentes entre sí) es sensacional, auténticas rara avis incluso en su momento que parecen mejorar a cada nueva escucha, algo que debemos agradecer a sus directores (no quiero ni imaginarme que habrían pasado si el estudio hubiera rechazado a ambos compositores...)


PD: Para Mr. & Mrs. Branagh/Doyle en su aniversario.

¡Enhorabuena y gracias por vuestro apoyo!

Saludos.

Fascinante cómo sin haber entrado en un análisis pista a pista, en un par de párrafos expones aspectos muy importantes.


En efecto, y curiosamente, el tema principal (aunque a primera vista pueda parecer lo contrario) no es el de la relación de Victor con la criatura, sino con su seres queridos, más concretamente Elizabeth. Es la columna vertebral de este trabajo, cambiando según los acontecimientos (jubiloso, alegre, a modo de vals al inicio, lánguido, tortuoso, triste, apasionado...), hasta que llega el momento en que la criatura se apodera de el y lo hace suyo , primero cómo parte de su propia identidad (cuando lo tocan la familia en el bosque y la criatura sonríe sabemos que ahora representa también que se siente querido por primera vez en su vida), y cuando se lo roba a Elizabeth y Victor tras su noche de bodas (le oímos tocarlo en la flauta y sabemos que anda cerca), llegándolo a despojar de su identidad primigenia, cómo un acto de desafío musical a su creador.

Esto es así porque la música y película en realidad se centran en los aspectos humanistas del relato, más que en el terror de lo llevado a cabo y el descenso a los infiernos que conlleva , que también. Cómo muestra, tomese el corte Yes, I Speak, y escuchese el delicado juego de las cuerdas con las flautas, entrelazadas ambas secciones en su progresión armónica intimísimo e introspección; el dialogo musical que ilustra las interpelaciones de la criatura a su padre en la pantalla. Pura exquisitez, donde el concepto narración musical alcanza cotas altísimas.


En este sentido, hay algo que has comentado en todas las reseñas de Doyle que has realizado hasta el momento, y es el tema de la imprevisibilidad.

Puede parecer, escuchando fragmentos de obras cómo Dead Again o Frankenstein que lo que prima en ambas es la acción, mientras que una vez concluida la audición nos damos cuenta de que a diferencia de la mayoría de compositores, que suelen primar lirismo o contundencia dependiendo del relato, Doyle solía aunar ambos con igual intensidad en la primera etapa de su carrera, haciéndolos confluir y que unas desgarradoras cuerdas no quedasen fuera de lugar después de que los metales y la percusión hayan sido los protagonistas 20 minutos antes, por ejemplo .

Esto, según comentas, a parte de que no es demasiado frecuente resulta en realidad mucho más difícil de llevar a cabo de lo que parece, y por ello tiene tu respeto. Curiosamente en mi opinión, y quizá por afinidad estilística del propio compositor, el lirismo y el romanticismo siempre se acaban imponiendo y robando el protagonismo (en sentido de predominancia musical), a los bloques más movidos, cómo ocurre por ejemplo en Dead Again, Indochina (que puede ser cumbre de la vertiente lírica del escocés), o Carlito´s Way. Ya me dirás que opinas sobre esto.


Por ultimo, no se muy bien que quieres decir con esto:


la música de ambas (aunque muy diferentes entre sí) es sensacional, auténticas rara avis incluso en su momento que parecen mejorar a cada nueva escucha, algo que debemos agradecer a sus directores.


En los 90 aún existía cómo norma el predominio de gran orquesta y desarrollo temático en Hollywood, si bien combinado con mayor o menor cantidad de electrónica -algo ausente en ambas, por cierto-. ¿Te refieres a esto último o a que su nivel de clasicismo y complejidad en su escritura, fruto de la ilustre tradición sinfónica europea -escuela polaca uno, británica el otro-, bajo la cual se formaron durante sus estudios musicales, y alejados tremendamente de los compositores norteamericanos, ya eran bastante anticuadas -en el buen sentido- en aquella época ?.



PD: Tu que tienes buen oído para la instrumentación; ¿te has fijado en el uso tan característico que hace Doyle de la pandereta , durante las secuencias de acción?. No es muy común, y sin embargo ocurre en Henry V, Shipwrecked, Dead Again, Indochina (creo), Mucho Ruido y Pocas Nueces, Carlitos´ Way... y esta que nos ocupa (de nuevo, creo, tendría que revisar).

Yo he entendido que tanto el score de Drácula como el de Franken se salen un poco dentro de lo que es habitual en el cine de terror. De hecho, aciertos y errores aparte, creo que el planteamiento de ambas películas es muy poco terrorífico, muy poco típico, dentro de lo que suele ser esta clase de cine. No sé si me explico . Drácula no está planteada como la típica lucha de buenos contra malos, sino, en última instancia, como la historia de un amante maldito e infortunado. Incluso Frankenstein, como libro, leído hoy, tiene muy poco terrorífico. Momentos puntuales aparte, es básicamente una novela epistolar en la tradición dieciochesca (es muy significativo que una de las novelas leídas por el Monstruo sea precisamente Werther, y de hecho, yo siempre me lo he imaginado -no sé por qué, exactamente - no tanto como un monstruo lleno de cicatrices, como un personaje con traje de época vagando por un cementerio a la luz de la luna; algo que se podría haber sacado de una pintura de Friedrich). Eso sí estaba muy presente tanto en el Franken de Quinito (la naturaleza, esos paisajes fríos y despoblados...), y me pareció de lo poco en que la película acertaba realmente, como en el de Suárez (que también me parece una película interesante en varios aspectos, pero en última instancia también fallida). Los parajes desolados y melancólicos, los glaciares, los pinares, las abadías en ruinas. En la película de Suárez, además, recuerdo que los paisajes, que al principio de la historia eran soleados y alegres, se volvían cada vez más oscuros y tormentosos... Es curioso, porque cada vez que releo Frankenstein no vienen a mi mente imágenes de científicos locos o laboratorios, sino de paisajes de Friedrich o interiores de Kersting:

















O éso, o gente melancólica leyendo en cuartos oscuros y buhardillas...












Incluso si tienes una imaginación desbocada (como una servidora ) los puedes identificar con personajes o situaciones del libro: el barco encallado en el polo norte, Victor ante el mar de hielo, Victor y Clerval mirando la luna, Victor y Elizabeth paseando en barca por un lago, el Monstruo vagando por una playa, Elizabeth escribe a Victor, Victor meditabundo en una buhardilla...

Y volviendo al tema de la música...pues yo creo que el Drácula de Kylar (el Franken de Doyle no lo oigo, tendría que volver a él) es bastante atípico también... ese piano, ese coro, esos metales disonantes, la manera global en cómo suena la música...muy poco clásica...

MIK, se me pasó esto. Vale, creo que ya sé a que te refieres:


algo que debemos agradecer a sus directores (no quiero ni imaginarme que habrían pasado si el estudio hubiera rechazado a ambos compositores...)


El sonido suntuoso y clasicista, elegante y lírico de las islas británicas no hubiese tenido cabida en grandes producciones en el Hollywood de los 90 de modo alguno, de no ser porque Doyle tuvo la suerte de trabajar con directores auteurs y muy personales, además de labrarse paralelamente una carrera en Europa, principalmente en la filmografía francesa, amén de tener no uno, sino dos directores fetiche desde casi el principio de su carrera , algo verdaderamente inusual. Evidentemente, Kenneth Branagh y Regis Wargnier están muy lejos del típico asalariado de estudio, tanto en su concepción cinematográfica cómo musical. De Palma, amigos cómo Mike Newell, Emma Thompson...


Kilar es más marciano todavía a Hollywood, claro. Evidentemente, no creo que nadie se esperase verle jamás en blockbusters A+, y de hecho, su filmografía USA es escasísima, Coppola y Polanski mediante, principalmente. El 99% de su carrera cinematográfica se desarrolló en su país natal, Polonia, donde se labró un prestigio inmenso también con sus obras clásicas (de hecho, Coppola le propuso componer la música de Dracula cuando asistio a un concierto suyo en Francia)



Y hay un ejemplo que me pusisteis tú y Otto+en su día; Jerry Goldsmith. Ya hubiese querido Goldsmith, adicto confeso al trabajo, tener dos aliados cómo Wargnier o Branagh, en los 90-00. Los tuvo décadas atrás, claro. Reconocido por el mismo, tuvo que simplificar considerablemente su música a partir de Instinto Básico, aumentando considerablemente la percusión y contundencia, y simplificando las orquestaciones y la elaboración de la electrónica. ¿Por que?. Porque si no le hubiese pasado cómo a John Barry, que se negó a hacer concesiones o a adaptar su estilo en los últimos años de su carrera, y los pasó entre partituras rechazadas y el paro (el teléfono no suena).

¿Tienen las partituras de Goldsmith de su ultima etapa la misma calidad artística que las de los 60-80?. No. ¿Por que, aún así, son buenos trabajos la mayoría?. Talento. El que es buen músico y sabe escribir con calidad lo es más o menos siempre.

Así, mira tu por donde, de repente, de la nada, a Kenneth Branagh le da por dirigir Thor. Las grandes producciones en las que había participado antes era de la mano de amigos que le dejaban hacer (Mike Newell, Regis Wargnier, Emma Thompson el propio Branagh ...) Y claro, este último llama a Doyle, que entre adaptación Shakespiriana y otras que no lo son pero lo parecen , se encontró con algo distinto a lo de toda la carrera de su amigo .

Y es que, ¡oh, sopresa!, resulta que aquí Branagh ya no vuela libre y no puede hacer lo que considere, tampoco Doyle. Le piden un sonido moderno (aka factoría Zimmer), con electrónica para las partes terrestres, y obedece. Aún así, el jodío gana a Zimmer y CIA en su propio juego, básicamente porque la formación de Doyle y el talento está a años luz de esa cuadrilla. La partitura está mucho mejor orquestada y estructurada que cualquiera de RC. (Remote Control, la empresa-estudio musical de Zimmer)

Sorprendentemente, su voz se deja oír, y de nuevo el lirismo y el romanticismo brillan en Thor, si bien, todo, especialmente la secuencias de acción, tienen un aire convencional y rudimentario, aunque son disfrutables . Es Doyle, pero coartado, lo mismo que pasa con Branagh y la cinta.


En los simios, el director contrató a Doyle emocionado porque era fan, y el compositor se afanó. Resultado, score rechazado, y Doyle casi despedido del proyecto. Re-escribió todo de nuevo en 3 días. Así las cosas, demasiado bien salió, de nuevo, su personal voz lucha contra el estilo imperante hoy en día. Sensibilidad presente pese a todo, y de nuevo, mucho mejor orquestado que la mayoría, aunque el espíritu de las secuencias de acción parezca el de Ramin Djwadi, pero ejecutado con un gusto y savoir faire que ya le gustaría al compositor de Juego de Tronos.


Brave de Pixar, de nuevo gracias a su amiga Emma Thompson, es oropel intrascendente. Muy bonita y pulcra, pero no narra nada, solo ambienta. Aún así, nos libramos del sonido sintético y solo eso ya es de agradecer.


Jack Ryan, Doyle, a merced de Branagh tuvo 7 meses para componer la partitura, pero Paramount pidió desde el principio un score mayormente electrónico y rítmico. Temas sencillos y acción rutinaria pero con elaboración fuera de lo común en las cadencias y ritmos electrónicos, sorprendentemente orgánicos, que de nuevo destaca por la orquestación y y sus temas principales (no suena recargado ni cutre cómo lo hubiese hecho en manos de los sospechosos habituales), y la combinación con la LSO aporta clase y categoría al conjunto. Inesperadamente disfrutable con algún momento brillante.


Pero si te preguntabas si el autor que deslumbró con Enrique V había sido, pese a todo, lobotomizado, Cenicienta nos devuelve al mejor Doyle (junto con el mejor Branagh), llena de bellísimas , líricas, románticas y luminosas melodías, de exquisita orquestación y desarrollo, que no solo ambienta, sino que explican la historia. Potente tema principal. Por lo visto Disney si deja hacer a quienes contrata.


Ya A United Kingdom y Whisky Galore! (esta última recupera los sonidos celtas y escoceses cómo Brave, pero haciéndolo bien), confirman que parece que hemos recuperado al Doyle de antaño.

Mira, hasta el propio compositor lo reconoció:

Even Doyle reportedly found himself initially outside of his comfort zone when approaching Thor, recognizing that the rhythmic loops, string ostinato's, and slammed percussion of today's blockbuster sound, one defined by Hans Zimmer's minions at Remote Control, was not in his musical vocabular

En efecto, la banda sonora, al igual que la película, se centra en los aspectos humanistas de la historia, lo que proporciona una visión más rica y compleja a la partitura.

La imprevisibilidad es, ciertamente, una de las grandes virtudes de Doyle, lo que hace que los pequeños matices y detalles que pueden pasar desapercibidos en una partitura como la que nos ocupa en su primera escucha, vayan adquiriendo mayor relieve en progresivas audiciones.

Respecto a mi comentario describiendo a ambas bandas sonoras como rara avis, me refiero justo a eso; en el caso de Frankenstein (como muy bien habéis comentado tú y Jane) su desarrollo lírico por encima del efectismo (más sugerente que evidente), así como usar una partitura plenamente orquestal junto a la formación clásica del compositor la alejan (y la hacen distinguible) del sonido que pudiera haberle dado un compositor norteamericano.

El caso del Drácula de Kilar, es aún más acusado, puesto que el sonido vanguardista (en ocasiones abstracto y disonante) lo alejan aún más de lo que pudiera esperarse dentro de una gran producción hollywoodiense de la época (con alguna salvedad, como Kubrick, pocas eran las películas que contaran con este tipo de sonido hostil y desafiante), pese a que el tema de Annie Lennox me sobra tanto aquí como en la película y me parece una inclusión forzada de cara a la comercialización de la película.

PD: Respecto a la pandereta, creo que se escucha en determinadas secciones de percusión en la partitura que nos ocupa, aunque no es muy evidente. Sí tengo más presente su uso en Henry V y en Much Ado About Nothing, aunque tu comentario acerca de su uso me intriga...

PD 2:

Spoiler:

¿A qué mente privilegiada se le ocurrió cometer este acto de vandalismo?





Diseñador de la galleta del cd de Sony Records que estaba... inspirado : Pues me parece obvio, como es una película de Frankenstein... ¡lo ponemos verde!

¿Estaría en el lavabo cuando presentaban TODOS los diseños de marketing destacando el azul y el negro? ...

Saludos.

No lo recordaba, buscaré el CD cuando vuelva a casa esta noche. Dios santo, ya no es el verde (verde lima chillón, encima), es la tipografía y distribución de los títulos de las pistas, la falta de simetría con respecto a los logos.


Cielo santo... .

El caso es que esta es la caja (y el poster, y la mayoría del vestuario, y...), y luego lo abres y... que depresivo todo, démosle una nota de color.

Cerrado:




Abierto:

Sí, es un súmmum de despropósitos de diseño... (si lo aprietan, más igual les caben las notas del compositor)

¿Estarían pensando en el tono verduzco del maquillaje clásico para la criatura? Y lo más importante, ¿brillará en la oscuridad?

Referente a tu magnífico comentario, muy de acuerdo. Actualmente, cuanto mayor es el presupuesto, menos libertad artística dejan a los compositores de formación clásica (salvo excepciones como Williams), exigiéndoles adoptar sonoridades electrónicas sin apenas melodías, que (en general, aunque con ligeras excepciones) actúan como sonido diegético o f/x sonoro, para imponer al espectador/oyente en un estado de ánimo determinado.

No quiero imaginar lo que deben aguantar compositores de este calibre cuando los productores de turno les sugieren el sonido que buscan...

Saludos.

MIK, sobre Jack Ryan, me meo:

The fact that you’d think JACK RYAN‘s composer was a young techno-geek Turk with a studio full of gear and a knack for combining them with orchestral energy says much about how Patrick Doyle has re-invented himself for the Hollywood blockbuster business that’s killed most of his peers’ careers deader than a KGB assassin. Like the hero of Tom Clancy’s franchise, there’s no stopping the different personages that Doyle can assume, especially in the continued company of his greatest collaborator over the course of numerous, ever-escalating films.

Qué narices, hagamos la prueba. Escucha esto si tienes narices y dime que tal:





Dios, es un tragedia...



Edito, si es que no parece ni la misma persona que hizo esto:

Espantoso