Tema: Jean Renoir: revisando sus películas

10. La golfa (La chienne, 1931)



Con La chienne llegamos, sin duda, al primer gran título de la filmografía de Renoir. En ella se adapta una novela de Georges de La Fouchardière (1974-1946), publicada el año anterior al estreno. No obstante, según se comenta en la monografía de Cátedra de Ángel Quintana, Renoir se sirvió, más que de la novela, de la adaptación teatral que hizo del texto André Mouézy-Éon, autor de la pieza de vodevil Tire au flanc que Renoir había llevado anteriormente a la pantalla.

A pesar de esa posible filiación vodevilesca, La chienne, al menos en su versión cinematográfica, va mucho más allá. Al inicio, muy renoiriano, unos títeres en un teatrillo de guiñol nos presentan la obra y los tres personajes principales: Maurice Legrand (un espléndido Michel Simon), un cajero apocado, serio, tímido, dominado por una mujer tiránica, y que solo encuentra satisfacción en su afición por la pintura; Lucienne Pelletier, llamada Lulu (Janie Marèse), una joven de “vida alegre”, que imaginamos dedicada a cierta forma de prostitución; y Dédé (Georges Flamant), su chulo, o su amante, según como queramos verlo, aunque la película huye de todo romanticismo.





La historia que se nos va a contar, se nos dice, no es ni una comedia ni un drama, y no contienen moraleja alguna. Y, ciertamente, no es ni una cosa ni otra, o puede que, mejor dicho, sea tanto una comedia como un drama. A lo largo del film tendremos muchas ocasiones de reírnos de las situaciones, sin poder evitar que también nos conmueva el patetismo de Legrand o el desgraciado final de Lulu. En lo que no hay duda es en que Renoir huye del moralismo que suele ir asociado a historias de este tipo, y tampoco entra a hacer “psicologismo”, a buscar motivaciones en las conductas de los personajes, tendencia en el cine que, según cuenta en sus memorias, odiaba.

La trama argumental de La chienne es simple, y puede que nos suene a déjà vu, en especial a los conocedores de la obra del vienés al que estamos revisando en otro hilo, Fritz Lang, puesto que en su etapa hollywoodiense dirigió un remake del film francés: Scarlet Street, con Edward G. Robinson en el papel del cajero aficionado a la pintura, y Joan Bennett como la “chienne”. Cuando analicemos la película de Lang será el momento de establecer las comparaciones pertinentes, pero avanzo que, a la espera de revisar la versión americana, creo recordar que Lang sigue bastante de cerca la película de Renoir, salvo en el final.

Legrand, que es objeto de burlas por parte de sus compañeros de trabajo, conoce accidentalmente a Lulu al final de una cena de celebración con los de su empresa.



Lulu es maltratada por su acompañante, Dédé, borracho como una cuba. Legrand tercia y acerca a Dédé en taxi al hotel donde habita y escolta a Lulu hasta su domicilio, obteniendo de la joven la promesa de volverse a ver. Cuando regresa a su “hogar”, Adèle, su mujer, le suelta una bronca monumental, a la cual el pobre hombre ya parece mostrarse indiferente por habitual.

La película salta en el tiempo, hasta un mes después, una elipsis que elude la relación que durante ese lapso han consolidado Legrand y su objeto oscuro del deseo. Vemos que ha instalado sus pinturas en el piso donde vive Lulu, pagado por él. El objetivo de la muchacha es sacarle el máximo dinero posible a su “amante”, aunque sin pasar por el peaje de acostarse con él. Dédé se dedica a vender los cuadros, que Legrand no firma, con lo que pueden atribuirlos a Lulu, una supuesta pintora norteamericana que responde al nombre de Clara Wood (lo de “pintora norteamericana” está un poco traído por los pelos, porque me temo que la muchacha no da el pego).

A todo esto, Legrand ha empezado a meter mano en la caja de su empresa, para pagar los gastos de Lulu. Y, de repente, en un giro argumental, este sí muy vodevilesco, aparece Alexis, el brigada marido de Adèle, que esta creía muerto durante la Gran Guerra. Legrand se encuentra de golpe y porrazo que ya no es el esposo de Adèle y que, por tanto, puede (y debe, porque está en una situación de bigamia) recobrar su libertad. Para ello, le prepara una ingeniosa trampa al brigada, de manera que este se acabe reencontrando cara a cara con su esposa.

Contento y liberado, Legrand se dirige a casa de Lulu… para encontrársela en la cama con Dédé, al que esta había hecho pasar por su hermano. En principio, se marcha cariacontecido, pero, a la mañana siguiente, volverá.



La película llega aquí a su momento culminante, genialmente resuelto por Renoir. Mientras en la calle se organiza un corrillo de personas alrededor de unos músicos ambulantes y suena una canción, mediante un uso espléndido del fuera de campo Renoir nos cuenta lo que ocurre en el piso de Lulu. Legrand, que ha regresado dispuesto a reclamar de Lulu un trato digno, que obviamente pasa por encamarse. La muchacha le espeta a la cara lo desagradable que le parece y que nunca ha sentido por él ningún afecto ni atracción, que solo ha sido un medio de conseguir dinero para ella y para su hombre, Dédé. Legrand se da cuenta de hasta qué punto ha pecado de ingenuo, la acusa de ser una “chienne” y la mata.



Abandona el edificio y, poco después, llega Dédé, que aparca su coche en medio de la gente que escucha los músicos. Sube, ve el cadáver y deja el edificio con rostro demudado, arranca el vehículo y desaparece de pantalla. Poco después, la portera sube al piso de Lucienne y oímos sus gritos: ha descubierto el cuerpo sin vida. Ni hemos visto cómo Legrand apuñalaba a Lulu con un abrecartas, ni cómo Dédé encontraba el cuerpo de su amante, ni cómo lo hacía la portera, pero toda la escena, prodigiosamente rodada y montada, nos lo explica todo a la perfección, sin necesidad de palabras ni subrayados.

Lo que resta del film da para el despido de Legrand, descubierto sus desfalcos, los interrogatorios sobre el crimen y el juicio a Dédé, con el resultado esperado de una condena a muerte. Y, finalmente, Renoir concluye con un brillante epílogo, que Lang no utilizó en su remake (y que, de hecho, creo que no aparece en la obra de La Fouchardière): un Legrand envejecido, convertido en un pordiosero, se encuentra con Alexis, el brigada, que también es ahora un mendigo, que le cuenta que Adèle hace años que murió.



Mientras conversan animadamente frente a una galería de arte, un chofer transporta hasta el coche un cuadro que representa un retrato: es el autorretrato de Legrand, que un cuadro que hemos visto que pintaba en su casa, ahora una obra de arte apreciada, con la firma de Clara Wood.



Un final de una gran ironía, donde se nota el carácter de Renoir, tan aficionado a este tipo de detalles que salpimientan su obra. Ya puede bajar el telón del teatrillo: la función ha terminado.

Junto a la brillantez del tratamiento argumental, la magnífica planificación del film (en formato casi cuadrado, como el de los primeros films sonoros de Lang), con unos encuadres precisos y un uso de la profundidad de campo que será señal de identidad de su cine, y una cámara que sabe moverse entre personajes y decorados (hay un plano curioso en que parece bailar a la vez que lo hacen Lulu y Dédé), con mención especial a la secuencia del crimen, cabe destacar, una vez más, el uso del sonido por parte de Renoir. El director afirmaba: “no doblé ni un metro de cinta. Cuando rodábamos en la calle, intentábamos filtrar los ruidos de fondo con la ayuda de mantas y colchones". Y se nota en la frescura de los sonidos callejeros. Además, consigue insertar a la perfección toda una serie de sonidos que dan vida a los planos: desde los que llegan del patio de luces (una niña tocando el piano) a la pianola de un bar, pasando por un magnífico encadenado visual y sonoro con unos relojes.

Sin duda, se trata de la primera película de Renoir que podría optar a la categoría de obra maestra. En todo caso, un film excelente, que 80 años después no ha perdido nada de su atractivo, del que además disponemos de una magnífica copia restaurada editada, en BD por Divisa. En cambio, desgraciadamente, de la próxima entrega, La nuit du carrefour, solo he podido localizar una copia bastante lamentable en YouTube (otra, que me ha proporcionado el amigo Alex, no puedo utilizarla por problemas de ordenador). Para paliarlo, espero leer este fin de semana la novela de Georges Simenon que adapta, una más del extenso ciclo dedicado por el escritor belga al comisario Maigret.

Tengo una buena copia de LA GOLFA así que podré volver a participar de nuevo en el foro tras la (obligada) ausencia de las últimas entregas.

Y, como bien dices, la versión de Lang, que recuerdo como magnífica, fue la primera de las dos únicas películas que pudo rodar en EUA como productor independiente.

Vista esta noche espero ponerme en breve con el comentario aunque me gustaría antes entregar otro en "el otro rincón" de un director neozelandés (y que no es Peter Jackson... ) que visioné ayer y que no había vuelto a ver desde su estreno a finales de los '90...

Aunque reconozco que me ha gustado y bastante la película de Renoir me quedo con la de Lang y eso que el primero pudo hacer cosas que el segundo no pudo por el código de (auto)censura de la industria cinematográfica norteamericana.

Uno de los motivos es que Renoir rueda la obra como una comedia mientras que Lang lo hace como un drama y, al menos para mi gusto, la segunda opción me parece más ajustada al relato.

Pero de todas formas ya digo que me ha gustado bastante.

Y excelente trabajo tras las cámaras del alemán Theodor Sparkuhl que también trabajó en el cine norteamericano incluidas las espléndidas SI YO FUERA REY (1938), de Frank Lloyd o el clásico del cine negro LA LLAVE DE CRISTAL (1942), de Stuart Heisler.

Yo creo que tiene tanto de drama como de comedia, no es ni una cosa ni otra. Cuando revisemos la de Lang ya afinaré esa comparación, pero en todo caso lo humorístico en la de Renoir creo que no solo no resta sino que suma.

No lo niego, querido amigo. De hecho, John Ford y Jean Renoir son dos cineastas muy afines y ambos se admiraban mutuamente. El primero siempre solía introducir momentos de comedia incluso en sus películas más dramáticas, como por ejemplo en CENTAUROS DEL DESIERTO (1956).

Una jornada de lo más ajetreada en casa de Jacques Louvigny...su esposa, Marguerite Pierry,deambula angustiada en bata quejándose de que su hijo está estreñido y no quiere purgarse,Michel Simon acude a negociar un contrato para el ejército de miles de orinales...

La primera película sonora de Jean Renoir a partir de una obra teatral de G Feydeau, especialista en satirizar a las clases medias. Hay chismes, desvaríos y cuernos hasta pulula Fernandel entre orinales de porcelana irrompibles que se rompen. Me ha gustado este embrollo JAJAJ

7.5/10

Iniciado por Alcaudón

Vista esta noche espero ponerme en breve con el comentario aunque me gustaría antes entregar otro en "el otro rincón" de un director neozelandés (y que no es Peter Jackson... ) que visioné ayer y que no había vuelto a ver desde su estreno a finales de los '90...

Aunque reconozco que me ha gustado y bastante la película de Renoir me quedo con la de Lang y eso que el primero pudo hacer cosas que el segundo no pudo por el código de (auto)censura de la industria cinematográfica norteamericana.

Uno de los motivos es que Renoir rueda la obra como una comedia mientras que Lang lo hace como un drama y, al menos para mi gusto, la segunda opción me parece más ajustada al relato.

Pero de todas formas ya digo que me ha gustado bastante.

Y excelente trabajo tras las cámaras del alemán Theodor Sparkuhl que también trabajó en el cine norteamericano incluidas las espléndidas SI YO FUERA REY (1938), de Frank Lloyd o el clásico del cine negro LA LLAVE DE CRISTAL (1942), de Stuart Heisler.

Como por ejemplo el título, allí en USA como que el título "the Bitch" no hubiera colado.

Entre ayer y hoy me he visto las dos, la de Renoir y Lang, y no se por cual decantarme, empate técnico, siendo un remake clamoroso, o sea nada de versión libre, tiene cosas diferentes, que ahora empezaré a describir en la siguiente intervención, haciendo ya el 2x1 mencionado.

Para empezar de manera anárquica, que novedad!!!, desde hoy, bueno de ayer, soy por lo menos vicepresidente adjunto del club de fans de Michel Simon, ya que su actuación es candidato, faltando muchos por ver, a chico Renoir, pero a ver quien supera esto, su personaje e interpretación son los que me gustan de verdad, gente de bajo perfil, desgraciado de la vida, utilizado de manera puntual por la chienne y humillado continuamente por su mujer, y parece que ya viene de antes dichas humillaciones, por como las encaja el bueno de Legrand. Y es ahí donde pueden haber los latigazos de comedia que mencionan los compañeros, esa (no) relación marido y mujer, es sin decir nada gracioso, se crea una ambiente de comedia, por como encaja los golpes Legrand. Para acabar con los elogios a Simon, por ahora, decir que gustándome mucho su tocayo en "the Bitch" de Lang, Edward G.Robinson, encuentro la interpretación de Simon superior. No hay maldad en Legrand aunque comete actos aberrantes, a parte de un asesinato, un robo también, pero en su cara, sus andares, su acciones, su lenguaje no verbal, no hay nada de maldad predispuesta, incluso en los momentos climax del film, que como bien dice Mad, no se ve el asesinato en si, sino que por el excelente montaje se sacan conclusiones . En cambio E.G.R, se da un festín con Joan Bennett, tiene una transformación a lo hombre lobo muy salvaje, ya no solo en el momento del asesinato, ya que vemos con una discusión con la mujer de E.G.R como cuchillo en mano hay ganas de asestar un par de puñaladas, allí no hay inocencia en absoluto!!!. Después adorna, dicha no inocencia, con una sonrisa post ejecución, que hace que el título de "Perversidad" no sea sólo para el duo sacapuntas de Bennett/Duryea, que Lang hace suyos los valores USA tan típicos de la venganza es dulce, cosa que en el film de Renoir, y como bien ha dicho mad, no hay posicionamiento moral absoluto por parte del director cosa que no se puede decir del film de Lang. Por ahora dos a cero para Renoir



Vamos a por la golfa, Janie Marese, que arrastra del cine mudo, la fealdad femenina que he ido anunciando (y masculina también) en el cine mudo en este hilo y en el de Lang. Perder la cabeza por esa mujer, mmmm, será que no congenio con las rubias, Grace Kelly aparte, pero por Joan Bennett si que lo haría. También encuentro la interpretación de Marese mejorable, que veo que no hizo mucha carrera (añado y no borro el comentario anterior, leo que dos semanas después de terminar el rodaje murió en un accidente de coche), la he encontrado algo robótica en escenas puntuales, aunque en la escena de la humillación verbal y el despido de la vida, está francamente bien. Que voy a decir de Joan Bennett, magnífica en el film de Lang (Y en Suspiria de Argento también, que la vi hace poco), una femme Fatale de primera linea, con escenas icónicas del cine, como por ejemplo ésta:



Y el tercero en discordia, Flamant vs Duryea. Si Dede (Flamant) sería realmente el villano del film, Renoir, no se como lo hace, pero siéndolo, no se recrea en el personaje a parte de los hechos visibles, ya sea la frialdad como trata a la golfa o las estafas realizadas, se ve un "cabrón", pero no un "puto cabrón", como si lo es Duryea en el Lang, un estafador de poca monta, que aparte de ser un tirillas, incomprensible como la Bennett pierde el seny català por dicho mindundi, porque intentando siendo parcial, que no lo soy, Duryea me parece poco atractivo, un bruto, vestido como un pariguayo (como dicen los dominicanos) y muy poco elegante. Su interpretación, de idiota que va de listo (a su desenlace me remito), la encuentro un poco histriónica. Creo que vamos 3-1 para Renoir.



Y ahora el duelo de directores. Por todo lo que ha comentado Mad, su no posicionamiento moral, el rodaje en exteriores, profundidad de campo.....su introducción con las marionetas con unos diálogos espléndidos (1), su introducción de la historia y los personajes, el desarrollo de esta, y el desenlace no hay ningún pero que dar y si mucho elogio, el desenlace es magnífico, fuera de lo común en lo que sería un supuesto melodrama, que por dichos aspectos no lo es, y siendo ventajista, en boca de él, lo pondría en el género "realismo poético". También como maneja la comedia sin serlo, como dibuja a los personajes, sobretodo LEgrand, donde la sitúa propicio al desarrollo y apología al patetismo, por ejemplo con el subrayado inicial del desprecio laboral que le suma al ambiente bélico en casa. Tan diferente a la presentación de E.G.R en el film de Lang, muy apreciado por su jefe y sus compañeros de trabajo, no es un Loser en el trabajo como si lo es Legrand. La pega que le pongo a Renoir, es un recurso que ha usado mucho en el film, el fundido a negro, Lang, en su "the Bitch", lo usa mucho menos, y cuando lo usa es para elipsear. Pues si, hay mucho fundido a negro en el film, que no me molesta hasta cierto punto, curiosamente si que me ha resultado molesto en una de las mejores escenas del film, el montaje del asesinato, ya que usa otro fundido a negro para cambiar de localización sucediendo en el mismo instante. A parte de eso, y para finiquitar el asunto, es un film excelente, y es de esos, que al finalizar su visionado, su día posterior, el volver a refrescarlo leyendo el excelente comentario de Mad, al escribirlo servidor y recordando detalles de este, hace que me entren muchas ganas de revisionarla pronto, y eso, pienso yo, es el máximo piropo que se le puede dar a un film en su primer visionado.

Y los puntos fuertes de Lang, para empezar decir que es una gran película, pero el tono y las formas, prefiero la de Renoir, Perversidad es puro noir, un trabajo de estudio, decorados, atrezzo que ayudan a crear dicho ambiente noir, y un trío protagonista que están a muy alto nivel, bueno sobretodo, E.G.R y Joan Bennett. Lo que menos me gusta es su desenlace, que no su escena final (fantástico cierre con Cross en solitario en una calle muy concurrida), muy diferentes al de Renoir, en tono y formal.

Pero lo dicho, he disfrutado mucho de este doble programa de fin de semana, ayudado claro está, de dos magníficas ediciones en bluray, siendo unas décimas superior la de A contracorriente, con una nitidez de imagen más allá de la excelencia.



(1) Es sabido por todos, de ser un poco perezoso para la búsqueda de información, solicitando muchas veces a los propios foreros que busquen por mi, pero esta vez, gano a mis debilidades y os transcribo el genial diálogo en la introducción de las marionetas:

"No es un drama ni comedia. No comporta intención moral, y no les demostrará nada. No son héroes ni traidores. Hombres como yo, como ustedes. Tres personajes: él, ella y el otro, como siempre. Es un tipo ya no tan joven con una cierta cultura intelectual y sentimental, superior a la de su medio, de tal suerte que parece imbécil. Ella es una mujercita con un encanto particular y vulgaridad personal. Siempre es sincera, siempre miente. El otro es Dédé y eso es todo. Y ahora, señoras y señores, el espectáculo va a comenzar"

Iniciado por Alex Fletcher

Pues si, hay mucho fundido a negro en el film, que no me molesta hasta cierto punto, curiosamente si que me ha resultado molesto en una de las mejores escenas del film, el montaje del asesinato, ya que usa otro fundido a negro para cambiar de localización sucediendo en el mismo instante. A parte de eso, y para finiquitar el asunto, es un film excelente, y es de esos, que al finalizar su visionado, su día posterior, el volver a refrescarlo leyendo el excelente comentario de Mad, al escribirlo servidor y recordando detalles de este, hace que me entren muchas ganas de revisionarla pronto, y eso, pienso yo, es el máximo piropo que se le puede dar a un film en su primer visionado.

Para dar una muestra más del atractivo del film de Renoir, recuerdo que la vi "de estreno" en Barcelona en 1978 (creo que estaba inédita en nuestras pantallas) y tuvo entonces un gran éxito, con semanas y semanas en cartel. Me pregunto si hoy en día un film de estas características produciría ese efecto entre la cinefilia local. Bien es verdad que en aquel entonces cualquier "retorno del pasado" que viniera a ampliar el horizonte cinéfilo, tan empobrecido durante la dictadura, despertaba mucho interés.

Iniciado por Alex Fletcher

"No es un drama ni comedia. No comporta intención moral, y no les demostrará nada. No son héroes ni traidores. Hombres como yo, como ustedes. Tres personajes: él, ella y el otro, como siempre. Es un tipo ya no tan joven con una cierta cultura intelectual y sentimental, superior a la de su medio, de tal suerte que parece imbécil. Ella es una mujercita con un encanto particular y vulgaridad personal. Siempre es sincera, siempre miente. El otro es Dédé y eso es todo. Y ahora, señoras y señores, el espectáculo va a comenzar"

¡Fantástica presentación! El tono ya nos da a entender que Renoir huirá del moralismo convencional a la hora de presentarnos el suceso criminal que se desarrolla en el film. Me encanta eso de "el otro es Dédé y eso es todo", con el nombre ya queda todo dicho.

Iniciado por mad dog earle

Para dar una muestra más del atractivo del film de Renoir, recuerdo que la vi "de estreno" en Barcelona en 1978 (creo que estaba inédita en nuestras pantallas) y tuvo entonces un gran éxito, con semanas y semanas en cartel. Me pregunto si hoy en día un film de estas características produciría ese efecto entre la cinefilia local. Bien es verdad que en aquel entonces cualquier "retorno del pasado" que viniera a ampliar el horizonte cinéfilo, tan empobrecido durante la dictadura, despertaba mucho interés.



¡Fantástica presentación! El tono ya nos da a entender que Renoir huirá del moralismo convencional a la hora de presentarnos el suceso criminal que se desarrolla en el film. Me encanta eso de "el otro es Dédé y eso es todo", con el nombre ya queda todo dicho.

Es fantástico, a mi también me encanta esa coletilla, quizá autobiográfica:
"Es un tipo ya no tan joven con una cierta cultura intelectual y sentimental, superior a la de su medio, de tal suerte que parece imbécil"
No se porque, automáticamente el personaje de Simon, lo yuxtapongo a Renoir, obviando la parte del asesinato y el robo

Lulu : Y tiene mucho talento. Hace una tremenda imitación de Maurice Chevalier. Pero no tiene conexiones, así que tengo que ayudarlo.
Legrand : ¿ Le ayudas?
Lulu : Sí, hemos estado juntos tres años. Eso es como estar casado, ¿no?

Un empleado de banco de lo más apacible convive sin amor con una bruja, tiene un placer en la vida: pintar. Una noche, un encuentro casual le hace conocer a una mujer mucho más joven, a quien comienza a ayudar económicamente. El la quiere y cree que tienen una relación,sin saber que ella es una prostituta que sigue liada con su chulo, el hombre al que realmente ama. Legrand le entrega algunos de sus cuadros para decorar el apartamento en el que le paga para que viva, que el proxeneta luego vende a un marchante de arte con el pretexto de que son obras de una artista estadounidense imaginaria llamada Clara Wood; pronto se convierten en artículos muy buscados. No pasa mucho tiempo antes de que los acontecimientos se tornen de lo más trágico.

La peli fue controvertida en su día mostraba una justicia de desigualdad de clases en la que un inocente era condenado por el crimen de otro.Y seguro que la gente diria por culpa de la golfa!!!
Nada nuevo.. los personajes teela,el prota asesino,su esposa autoritaria y desagradable, su exmarido un derrochador mentiroso, Lulu utiliza a Legrand sin remordimiento alguno mientras que el novio es un violento abusador macarra. Un ejemplo del tipo de películas sonoras de los primeros tiempos antes de que la moral de Hollywood y compañia se interpusiera en el camino.

7/10

Pensaba haberme puesto esta misma noche con el comentario de LA GOLFA pero lo cierto es que llevo varios días muy cansado y no me ha dado tiempo más que a pergeñar la ficha técnica de la misma, complicada por cierto.

Tal vez el hecho de que dos de mis compañeras de turno (de tarde) han dado positivo en Covid-19 me haya vuelto más susceptible o simplemente es que me estoy haciendo viejo...

De todas formas, mañana y sin falta, aunque sea en formato breve (ya me conocéis...) intentaré ponerme a la tarea.

Ahora me voy a la cama a leer un poco, quizás algo de profundo contenido filosófico...

... como los cómics de Conan, el cimmerio, de la mano del inefable Roy Thomas...

... si es que donde esté un buen mandoble que se quite todo lo demás...

Un consejo. Déjate de comics y busca a "la golfa"

En realidad el título original es más contundente... LA PERRA.

Chien / Perro // Chienne / Perra

Recordad UN CHIEN ANDALOU (1929, UN PERRO ANDALUZ), de Luis Buñuel (y Salvador Dalí)

Jó. Peor me lo pones. Ya había censura por entonces.

11. La nuit du carrefour (1932)



Renoir lleva a la pantalla por primera vez al comisario Maigret, personaje creado por el novelista belga Georges Simenon en 1929. Simenon, escritor prolífico por antonomasia, autor de cientos de obras, había publicado “La nuit du carrefour” (o sea, “la noche del cruce” o “de la encrucijada”, no una referencia a los famosos grandes almacenes franceses ) en 1931. Renoir convenció a Simenon de trasladar la novela (bastante breve, como la mayoría de las de Maigret, al menos de las que conozco) al cine, ocupándose el mismo director del guion. A partir de entonces, mantuvieron una buena amistad que duró toda su vida.

Mi comentario tendrá que ser, esta vez, lamentablemente breve por razones técnicas: solo he podido acceder al film (que vi por primera vez en la Filmoteca de Catalunya en el lejano 1995) a través de una copia casi invisible que se encuentra en YouTube, con subtítulos en inglés (estos, afortunadamente, bastante comprensible, puesto que hay otra copia con subtítulos automáticos en francés completamente delirantes). Por ello, poco puedo valorar de los aspectos visuales del film. En cuanto a los argumentales, para soslayar el problema de un visionado que impide distinguir las caras de los personajes, he optado por la lectura de la novela de Simenon, una agradabilísima sesión de poco más de un par de horas.

Lo que se puede decir de entrada es que Renoir es notablemente fiel al texto. La situación, como corresponde a una buena “novela negra” (en la línea de lo que también se puede encontrar en Chandler o Hammett, aunque con menos acción), es bastante liosa, partiendo de un suceso de lo más extraño: en una encrucijada desolada, una geografía fantasmagórica cercana a París,



aparece el cadáver de Goldberg, un comerciante en diamantes de Amberes, dentro de un coche. Lo más sorprendente es que el moderno coche pertenece al M. Michonnet (Jean Gehret), pero está aparcado en el garaje de su vecino, el danés Carl Andersen (Georges Koudria), mientras que el de este, un cacharro, está en el garaje de Michonnet. Nadie parece conocer al muerto, y Maigret (Pierre Renoir, hermano de Jean) no saca nada en claro en los interrogatorios llevados a cabo en la comisaría de París a Carl (que luce un ominoso monóculo negro que oculta un ojo de cristal) y a Michonnet.



Así que Maigret se desplaza al cruce, conocido como el de las Trois Veuves (de las Tres Viudas), donde se ubican tres edificios: además de los de Andersen y Michonnet, también un garaje, con vivienda adosada, propiedad de Oscar, un tipo con antecedentes criminales. Maigret visita a los Andersen, Carl y su extraña y enfermizamente seductora hermana, Else (interpretada por Winnie Winifried, joven de 17 años que debutaba como actriz y que tuvo una breve carrera ante las cámaras).



Ya en este primer contacto apreciamos lo que más parece interesar a Renoir (y, en mi opinión, también a Simenon), más allá de la trama argumental: la atmósfera. La casa de los Andersen, permanentemente en la penumbra, con escasa luz (no hay luz eléctrica, al menos en la novela), está repleta de objetos acumulados sin mucho sentido estético. Maigret de detiene a tocarlos, a observarlos (un tocadiscos, una caja de música, los cuadros, un gato…), mientras conversa con la etérea Else.



Esa noche llega a la encrucijada la mujer de Goldberg, pero antes de descender del coche es asesinada por un tiro de carabina, como su marido. Seguimos sin tener ninguna pista fiable. Para complicarlo más aún, a la mañana siguiente desaparece Carl. Maigret vuelve a hablar con Else, esta vez en su habitación, donde dice estar encerrada por su hermano. Maigret encuentra en un agujero escondido detrás de un cuadro una llave, una pistola y un bote de veronal. La joven parece insinuarse al maduro comisario, pero Maigret se mantiene impertérrito. Después, cuando el comisario la convence de que coma algo, bebe una cerveza que está envenenada, aunque no le provoca un trastorno grave.



La policía ha localizado a Carl, que está herido, y pone cerco a la zona. Maigret, por su parte, descubre que el garaje es una tapadera para redistribuir objetos robados o drogas, lo cual está a punto de costarle la vida, cuando Oscar y sus compinches intentan matarlo desde un coche.

Todos los personajes se van concentrando en la casa de los Andersen, donde un médico atiende al herido. Las piezas del puzle van encajando, demostrándose que nada era como parecía, empezando por la relación entre Else y Carl. No doy más pistas, por si alguien decide ver la película o, más recomendable aún, leer la novela.

En todo caso, en lo que el film destaca (aunque lo tengo que afirmar con las reservas expuestas anteriormente) es en la creación de la atmósfera, no solo por la negrura en que Renoir sumerge a los personajes, que parece una emanación natural de sus personalidades criminales, sino muy en especial por la sinfonía de sonidos que los envuelve. El lugar es una encrucijada de carreteras muy transitadas, lo cual comporta que durante todo el film el ruido de los vehículos sea constante. Pero además toda otra serie de sonidos se mezclan, incluido un uso muy acertado de la música diegética (no hay música extradiegética). Si valoramos el uso del sonido en La chienne, aquí Renoir consigue una banda sonora brillantísima, muy original. A ella cabría añadir algunas secuencias especialmente logradas y sorprendentes, como, por ejemplo, la manera como marca el paso del tiempo en el interrogatorio parisino de Carl por medio de un plano a ras de suelo en el que vemos los pies de las personas que van comprando las diferentes ediciones del día, mientras un barrendero va limpiando la calle.



Como pasaba en sus dos anteriores films sonoros, Renoir recurre con frecuencia a planos generales, lo que, en este caso, en una copia tan defectuosa, dificulta notablemente apreciar las expresiones de los actores, incluso reconocer sus caras, por lo que se hace difícil valorar su interpretación. En todo caso, uno se queda con la impresión de que Pierre Renoir encarna un Maigret creíble y sobrio, y que Winnie Winifried es, sin duda, la gran atracción del film, gracias a una rareza perturbadora y morbosa que, de hecho, ya se desprende del texto de Simenon.



Algunos comentarios (por ejemplo, en imdb) aluden a la posibilidad de que falten escenas, de que algunas se quedaran sin rodar o se perdieran, aunque personalmente no encuentro a faltar nada esencial respecto a la novela (eso sí, el final es ligeramente distinto, pero en un detalle que no afecta el conjunto), Renoir sigue paso a paso el desarrollo argumental del texto de Simenon.

Lo dejo aquí, por las razones ya aludidas. En todo caso, quedo a la espera de poder ver algún día una copia en condiciones. Mientras tanto, recomiendo encarecidamente la lectura de la novela de Simenon, la que nos ocupa y, ya puestos, cualquiera de sus obras. Simenon quizá no está hoy en día muy de actualidad, pero me parece uno de los mejores autores de novela criminal, incluso de novela a secas.

La semana que viene volvemos a Michel Simon y a la comedia anarquizante con Boudu sauvé des eaux, otro de los títulos mayores dentro de la filmografía de Renoir.

"Breve comentario" y además doblemente subrayado al principio y al final. He tenido que mirar dos veces para ver quien ha escrito el mensaje, tu o maese Alcaudón. En este ciclo es el comentario más largo, comprobado. He contado todas las palabras de todos tus comentarios, y este gana con 975 palabras, segunda posición la golfa con 924.

El estilo Alcaudón es altamente contagioso. Es verdad que quería limitarme a un "breve" comentario, pero luego me he ido animando. Ya vendrá el tuyo para restituir el orden de las cosas.

Te voy a enseñar yo como se hace un comentario breve, sin chispa, sin aportar nada, vaya, lo que decimos los catalanes, fullaraca pura.

Espero ponerme definitivamente mañana con el comentario de LA GOLFA dado que hoy he estado ocupado con una colaboración que tenemos entre manos cinefilototal y un servidor para "el otro rincón".

Por cierto, no acabo de entender esas alusiones a mi persona puesto que mis comentarios son de lo más escuetos como ha quedado bien probado a lo largo de estos años de pandemia que nos ha tocado vivir.

Iniciado por Alcaudón

Espero ponerme definitivamente mañana con el comentario de LA GOLFA dado que hoy he estado ocupado con una colaboración que tenemos entre manos cinefilototal y un servidor para "el otro rincón".

Por cierto, no acabo de entender esas alusiones a mi persona puesto que mis comentarios son de lo más escuetos como ha quedado bien probado a lo largo de estos años de pandemia que nos ha tocado vivir.

Y yo que te lo agradezco. En vez de coger un libro, en las noches de insomnio, me pongo con un post tuyo, del gran Alcaudón, y compruebo cómo se me van destensando los músculos y voy cerrando los ojitos. Mano de santo!

Iniciado por mad dog earle

El estilo Alcaudón es altamente contagioso. Es verdad que quería limitarme a un "breve" comentario, pero luego me he ido animando. Ya vendrá el tuyo para restituir el orden de las cosas.

Esa es la nueva "cepa Alcaudón" que ha llegado a España. Habrá que cerrar fronteras

Vista también una copia regulera, sobretodo en calidad de imágenes, pero con subtítulos en castellano, que, estaban sincronizados, que ya es mucho, y parecía que cuadraba bien con las imágenes. Entendiendo los puntos fuertes del film que enumera Mad en su "corto" comentario, me parecen pocos o de poco peso para considerarla, como mínimo una notable película, quedándose, para mi, en un film de visionado completista, con algunas cosas interesantes y poca cosa más.

Me interesa los personajes presuntamente malotes por desconcertantes, Fritz Lang y Lolita:


La escena del intento de seducción me pareció muy conseguida, dentro de esos interiores muy destacables, como bien indica Mad, allí la cámara se acerca un poco más, pero sin llegar a planos cercanos. Yo no se si entendí mal cuando leí en las primeras páginas de su libro en alemán que leí, pero juraría que declaró amor eterno al primer plano, pues ya son algunas pelis, y esta sobretodo, que hay,entre muy pocos y/o ninguno, el cual me da una frialdad al asunto y un poca atención hacia los personajes, sobretodo el personaje Maigret, que me transmite 0 interés, por rutinario, falta de chispa o de entidad propia, o por lo menos diferencial, vaya, un aburridote, que me den medio Harry Callahan a 5 Maigret de Renoir. Un personaje de estas dimensiones, tienes que amarlo, odiarlo, sufrir con él, pero cuando te sudan die Bälle a lo que le pueda ocurrir en el film, no es buena es señal, también tengo que decir que es el primer Maigret que veo.

Muy interesante eso si, lo que tan bien comenta Mad, sobre el aspecto sonoro del film, no he encontrado a faltar a mi amigo del acordeón. Pero bueno, esto es muy poco para considerarla entre las buenas, y me ha dejado con una sensación de indiferencia y un deja vu argumental de cacao mental a lo the big sleep constante. Que por cierto para mi el sueño eterno, a falta de un segundo visionado que supongo que llegará en el ciclo BOgart que comentó que quiere lanzar Mad, me parece que estaría en mi top10 de clásicos sobrevalorados, es que veo en FA un 8.1. Y después iría un film de Kazan con un actor icónico de poco recorrido. Apa doncs!!!!

08. LA CHIENNE (1931, LA GOLFA)



Director: Jean Renoir.

Estudio: Les Films Jean Renoir y Les Établissements Braunberger-Richebé.

Productores: Jean Renoir, Pierre Braunberger y Roger Richebé.

Guion: Jean Renoir y André Girard, basado en la novela de Georges de La Fouchardière (París, 1930).

Fotografía: Theodor Sparkhul, en blanco y negro (1.19:1).

Dirección artística: Marcel Courmes.

Música: Maurice Alexander.

Montaje: Pál Fejos, Denise Dual, Jean Renoir y Marguerite Renoir.

Reparto: Michel Simon (Maurice Legrand), Janie Marèse (Lucienne Pelletier “Lulu”), Georges Flamant (André Joguin “Dédé”), Magdeleine Bérubet (Adèle Legrand) y Roger Gaillard (Alexis Godard).

Duración: 1 h 36 m 07 s. (Copia en BD editada por Criterion en 2016).

Estreno: 20 de noviembre de 1931.



Lo primero una pequeña rectificación que me permito incluir en mi (breve) comentario.

En realidad LA GOLFA (un título ciertamente impensable en el cine norteamericano de la época, incluso en el de la Pre-Code) debería indexarse con el n.º 8 y no con el 10 puesto que normalmente en la revisión de las filmografías que llevamos haciendo (al menos, que recuerde yo, en la de Alfred Hitchcock) dicha numeración hace referencia a los largometrajes y no así a los cortometrajes, aunque ciertamente está el ejemplo de Federico Fellini y su 8 y medio…

Fruslerías aparte, es una gozada poder disfrutar por fin de una edición a la altura de las circunstancias, dado que por motivos coyunturales que no vienen al caso (aunque el querido compañero mad dog earle los conoce perfectamente) no me ha sido posible visionar los títulos previos.

La copia restaurada en 2014 a partir del negativo de nitrato original es, en líneas generales, magnífica, tanto en cuanto a imagen como a sonido, algo ciertamente de agradecer porque, al menos de las películas de Renoir que voy viendo (menos de las que me gustaría, pero espero ponerme las pilas con los títulos que vendrán a continuación) esta es, sin duda, la mejor.

Aunque el compañero Alex Fletcher, tirando la casa por la ventana en plan Alcaudón (o su nueva encarnación, Otto+) desenfrenado, ha hecho una espléndida comparativa entre esta película y la que Fritz Lang dirigió en 1945, yo y al contrario de lo que pensaba hacer en un principio hablaré únicamente de la primera, aunque seguramente haré también alguna reflexión acerca de la segunda (la cual, lógicamente y en mayor extensión, tendrá lugar cuando le llegue su momento en el rincón Fritz Lang (más en concreto – bonus tracks aparte – en la entrega n.º 28)).

Ya he comentado en alguna ocasión que dos directores aparentemente tan dispares como son el norteamericano John Ford y el francés Jean Renoir – por cierto, grandes amigos y que además se admiraban mutuamente – comparten en el fondo (y, por qué no, en la forma) más elementos de los que uno podría pensar.

Y uno de los principales es el uso del humor, incluso en títulos en los que este, aparentemente, no debería tener cabida.

En el caso de Ford, uno de los ejemplos más preclaros lo tenemos en su magnum opus CENTAUROS DEL DESIERTO (1956), una de mis dos películas favoritas de todos los tiempos (¿adivináis cuál es la otra? ).

La secuencia del regreso de los derrotados Ethan (John Wayne) y Martin (Jeffrey Hunter) al hogar de los Jorgensen cuando está a punto de producirse la boda entre la novia de este último, Laurie (Vera Miles, la que debería haber sido la protagonista de la otra película a la que antes hacía referencia…) y Charlie (Ken Curtis).

Una secuencia que acaba en una batalla campal digna de una pelea tabernaria de cualquier western que se precie y que se inserta en la desesperada búsqueda (de ahí el título original de la película (y de la novela), LOS BUSCADORES) del paradero de Debbie (Lana Wood > Natalie Wood, ambas hermanas en la vida real), sobrina de Ethan, secuestrada por los comanches y que podría haber sido su propia hija si se hubiese casado con el amor de su vida, su cuñada Martha (Dorothy Jordan).

Cuando uno ve la película le extraña ese inserto humorístico en su historia negra como la pez.

Y, sin embargo, funciona y cómo.

Por eso siempre me extrañó que algo que era consustancial con el estilo (y el espíritu) del más grande director norteamericano fuese tomado como una falta de respeto a los indios, en este caso a los cheyennes, en el último western de su director, la hermosa (aunque irregular) EL GRAN COMBATE (1964).

Todo este rollo viene a cuento de que yo, en mi propia miopía, he caído en la misma trampa que aquellos que denostaban (y denostan) esas aparentes salidas de tono (iba a decir de madre, pero Ford no me lo hubiese permitido...) que descoyan en buena parte de sus mejores películas.

Y es que sólo días después de su visionado (que tuvo lugar la noche del 20…) me he dado cuenta por fin de que Renoir, al igual que Ford, usó del humor (a veces bastante negro, por cierto) para poner en imágenes la novela de La Fouchardière, recién salida de la imprenta y que intuyo iba por otros derroteros.

Como decía, no voy a comparar la versión de 1931 con la de 1945, pero ambas son un ejemplo perfecto de cómo dos directores, en esta caso sí, antitéticos, como Renoir y Lang, encontraron la solución perfecta para entregarnos dos excelentes películas y usando en muchos casos los mismos mimbres, algo que es verdaderamente destacable.

Ciertamente la Francia de 1931 no son los EUA de 1945, algo perfectamente asumible porque aunque en ambos países existían organismos censores que velaban por la integridad moral de los espectadores (¿?), en estos últimos el férreo Código de Producción, creado por la propia industria del cine, era mucho más poderoso e inflexible.

Por ello lo que en LA GOLFA es claro y diáfano, o sea, que “Lulu” sea una prostituta, era impensable en PERVERSIDAD (aunque ciertamente ese SCARLET STREET del original es una nada velada alusión a la verdadera profesión de Kitty (Joan Bennett)).

No era mi intención, como decía al principio, hacer una comparativa entre las dos versiones, aunque parece que es imposible escapar a la tentación y porque además creo que tanto Michel Simon como Edward G. Robinson están fantásticos en sus personajes.

En “el otro rincón” el querido amigo cinefilototal y un servidor comentamos ayer alimón un musical, PAL JOEY (1957), de George Sidney, que en estos tiempos de (justo) empoderamiento femenino hubiese acabado ciertamente en la hoguera bradburiana por su visión ciertamente misógina del universo femenino.

Y, pese a ello, la película se disfruta de principio a fin puesto que como allí decía no es posible (ni justo) valorar una obra fuera del contexto en el que fue creada, aunque siempre hay excepciones, lógicamente.

Y es que en LA GOLFA las dos mujeres protagonistas, la prostituta “Lulu” y la esposa de Maurice, Adèle (Magdeleine Bérubet), no son precisamente un ejemplo de mujeres del nuevo siglo XXI.

La primera ejerce “el oficio más antiguo del mundo” por placer y por (com)placer a su chulo (y amado) “Dédé” (Georges Flamant).

La segunda, con su carácter agrio y sus continuas broncas, le niega a su marido lo que este sólo encuentra en “Lulu”.

Y como Renoir deja a las claras desde un principio no sólo la (posible) moraleja de la historia sino cómo va a ser esta desarrollada es imposible achacar al director reproche alguno, más bien todo lo contrario.

Aquí, sin embargo, sí difieren no sólo Lang y Renoir sino también Ford y Renoir puesto que mientras que en el norteamericano los estallidos (que lo son y normalmente muy estruendosos, como buen irlandés…) son puntuales y perfectamente dosificados para aligerar las tramas cuando estas empiezan a tomar un cariz ciertamente lúgubre, en Renoir el humor se extiende a todo el relato y de hecho, es el núcleo del mismo y sin él no sólo no se puede disfrutar de la propuesta sino que puede parecernos, como a mí mismo al principio, un auténtico desacierto.

Y en cuanto a Lang, siempre obsesionado con el destino y la venganza, usó los recursos que a él le eran más determinantes para elaborar una propuesta que fuese por otros caminos bien diferentes pero igualmente atractivos.

Los compañeros ya han diseccionado la película desde todos los puntos de vista y coincido en la mayor parte de ellos.

Desde luego uno de los mayores aciertos de la película es la presencia del aparentemente muerto primer esposo de la irascible Adèle, un delicioso Roger Gaillard, un personaje que no tiene contrapartida con ninguno de la versión de 1945 y que permite a Renoir firmar un final absolutamente magnífico, con los dos ya amigos compartiendo los sinsabores de la vida.

Creo, no obstante, que si se le puede hacer un reproche a la película es el hecho de que es ciertamente improbable, por no decir inverosímil, que una persona de la educación y de los modales de “Lulu” pueda pasar, ni siquiera de lado, como pintora y menos todavía como norteamericana, un personaje mucho mejor trabajado por Lang con la que fue una de sus muchas amantes, la bellísima Joan Bennett, mucho más elegante y enigmática que la escasamente educada (es un decir) “Lulu”.

Como también habéis indicado Renoir, como otros directores europeos de la época (el mismo Lang, por citar un ejemplo reciente, con su excepcional M (1931)), usaron del sonido y de la música extradiegética de una forma mucho más creativa que en el cine norteamericano, salvo clásicos del cine negro firmados por LeRoy, Hawks o Wellman o musicales de la mano de Mamoulian o Vidor.

Resaltar igualmente la magnífica fotografía en blanco y negro y ese ajustadísimo formato 1.19:1 de inicios del cine sonoro de que hizo gala el teutón Theodor Sparkuhl (1894-1946) quien trabajó al otro lado del Atlántico en clásicos como LA LLAVE DE CRISTAL (1942), de Stuart Heisler – segunda de las películas de la pareja Alan Ladd / Veronica Lake – o TILL WE MEET AGAIN (1944), del gran Frank Borzage.

No es la primera vez que la revisión (o la reflexión en este caso) me ha llevado a alterar las sensaciones que me provocó el visionado de una película.

Por ello he disfrutado y mucho del peculiar sentido del humor (y de la vida) del francés lo mismo que disfrutaré de la versión de Lang, aunque por motivos bien diferentes.

¡Qué grande es el cine!

¡Qué bello es vivir!

Así que, cuidaros, vacunaros y no hagáis el tonto.

Dulces sueños.



P.D. Como véis yo también puedo hacer un plato de carne sin patatas de acompañamiento (osease, las fastidiosas (aunque agradecidas) capturas de pantalla).

Por fin lo he superado!!!! ha pasado algo que parecía imposible, he puesto más fotos que el maestro Alcaudón!!!!!! De aquí un mes fijo que hago reseñas de 40 hojas Word.