¿Quieres aportar un plus de dignidad a un film? Tráeme a James Cromwell aunque sea unos minutitos para Yo, Robot... Indispensable intérprete de reparto.Cita:
Iniciado por tomaszapa
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¿Quieres aportar un plus de dignidad a un film? Tráeme a James Cromwell aunque sea unos minutitos para Yo, Robot... Indispensable intérprete de reparto.Cita:
Iniciado por tomaszapa
Eleanor Parker, nacida un 26 de Junio de 1922.... hace 100 años menos un mes. Como en el caso de Gene Tierney y Deborah Kerr, contemplo hacerle un homenaje, aunque esta vez dependerá de qué tal me encuentre yo también. Por algo dije que era importante dormir bien por la noche para sentirse descansado al día siguiente. Acabo derrengado bastantes días y por eso intervengo muy poco y no hago reviews de films.
Mi fotografía suya promocional favorita ha de ser ésta
Spoiler:
o ésta
o ésta
etc.etc.etc. que Roger Moore y Christopher Plummer se enamoraron de ella siendo varios años más jovenes. Y yo, muchas décadas más joven, de forma platónica también.
Está por salir en la filmo de Bogart en muy poco tiempo cronológicamente hablando, aunque la película conjunta no parezca la mejor elección.
Totalmente. Este hombre le da dignidad hasta a un capítulo de Los Roper :cejaCita:
Iniciado por Otto+
De las dos, por de muy buen ver que esté esta actriz. :lengua Pero es que, como dije antes, el elenco de mujeres es fantástico.Cita:
Iniciado por Alex Fletcher
16. La senda tenebrosa (Dark Passage, 1947), de Delmer Daves
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Dark Passage no obtuvo buenos resultados. Aunque coincidía con el momento en que Bogart era el actor mejor pagado (lo fue en 1946), definitivamente convertido en una gran estrella, su imagen pública se vio perjudicada por su activa participación en el Comité de la Primera Enmienda, formado por personalidades del mundo del cine en apoyo de los “diez de Hollywood”, los cuales fueron obligados a comparecer ante el Comité de Actividades Antiamericanas (HUAC) del Congreso en Washington, en octubre de 1947 (la película se había estrenado en setiembre).
A pesar de ese resultado poco satisfactorio, Dark Passage es, en mi opinión, un film mucho más interesante que algunos de los últimos que hemos comentado, ejemplos de un cine negro un tanto estereotipado (Conflict, Dead Reckoning, The Two Mrs. Carrolls). En esta ocasión, el propio director, Delmer Daves, adapta la obra del mismo título de uno de los máximos representantes de la novela negra, David Goodis (ampliamente llevado al cine y la televisión: incluso Truffaut lo adaptó en uno de sus primeros films, Tirez sur le pianiste).
Pero, más allá de cierta ortodoxia argumental de género, alejada del coqueteo con lo gótico de The Two Mrs. Carrolls, si algo atrae de este film es la manera como Daves, con Sid Hickox como director de fotografía, airea la historia, situando la acción en numerosas localizaciones en exteriores. Y, claro, si se habla de exteriores y de cine negro, qué mejor plató al aire libre que las calles de San Francisco. Reconozco que cualquier película que se ambiente en la tortuosa geografía urbana de Frisco para mí ya tiene, de entrada, mucho ganado. Adoro la ciudad californiana, su luz y sus perspectivas, con esa omnipresente Coit Tower de la que tanto hablamos en su día cuando comentamos Vertigo, o, por supuesto, el Golden Gate o el puente de Oakland.
Además de dar un salto hacia el exterior de los estudios, algo que caracterizará el cine negro más interesante de la postguerra, a menudo en producciones de serie B, la película de Daves subvierte los cánones narrativos en otros aspectos. Uno es el recurso, justificado argumentalmente (algo que no pasaba en la fallida Lady in the Lake, de Robert Montgomery), de la cámara subjetiva (aunque con alguna excentricidad, como mantener ese punto de vista cuando Perry se escapa dentro de un bidón que cae rodando por una ladera),
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que nos permite seguir la evasión de Vincent Parry (Bogart) de San Quentin, pero sin mostrarnos el rostro del actor, ya que solo después de someterse a una operación de cirugía estética Parry “será” Bogart. Así, en otra decisión atrevida (y criticada dentro de la propia Warner, que se tuvo que comer el marrón), el rostro de Bogart no aparecerá completo hasta la hora de película. Primero mediante el uso de la cámara subjetiva y luego mediante el rostro vendado, se nos escatima la cara de la estrella, algo realmente poco usual en el cine, y menos en el cine clásico hollywoodiense.
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Y eso, además, cuando el tirón comercial del film se supone que pasaba por emparejar de nuevo a Bogart con su flamante esposa, la bella Lauren Bacall (que aquí está en mi opinión muy bien, además de regalarnos su especial y sensual belleza).
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En estos aspectos radica el interés del film y hace que se mantenga, en mi opinión, más fresco y atractivo que otros que hemos comentado recientemente. La historia que se nos cuenta, en el fondo, es un poco lo de menos. Parry cumple cadena perpetua por el asesinato de su mujer, aunque él siempre se ha declarado inocente. Irene (Bacall) lo rescata y ayuda por simpatía, ya que su padre fue condenado por lo mismo, a consecuencia de lo cual se suicidó en la prisión.
Casualmente (el argumento, hay que reconocerlo, exige unas importantes dosis de suspensión de la incredulidad), Irene tiene como amiga a Madge (espléndida Agnes Moorehead), una auténtica arpía, de la cual Parry sospecha su implicación en la muerte de su mujer.
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Y es que Madge, como se demostrará en una espeluznante secuencia final, no tiene límites a la hora de conseguir lo que quiere, y uno de sus deseos fue el propio Parry, que se negó a mantener con ella una relación amorosa. Descubierta al final, Madge prefiere lanzarse al vacio, con un gesto vibrante que coge desprevenido a Parry y sorprende al espectador, antes de confesarlo todo y liberarlo así de la condena.
Imposibilitado de reivindicarse ante la justicia, y habiendo acumulado por el camino otros cadáveres (el de su amigo George, asesinado también por Madge; el de un chantajista, que muere en una pelea con él junto al Golden Gate; y el de la propia Madge), Parry no tendrá más remedio que huir de San Francisco con destino a un pueblo de la costa peruana donde espera reunirse en el futuro con Irene, como así será, y el feliz encuentro cierra el film sin necesidad de palabras, solo con unas miradas que lo dicen todo, sobre los personajes y sobre los actores que los encarnan.
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Me encanta ver a Parry moviéndose por las calles de San Francisco, subir a los tranvías, huir por los tejados,
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entrar en uno de esos cafés que inmortalizo Edward Hopper. Precisamente, en este local la película introduce lo que se puede interpretar como un guiño cinéfilo, cuando un policía sospecha de Parry porque en una noche lluviosa y húmeda... no viste gabardina. :D
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Como anécdota, en el verano de 1987, de visita turística a la ciudad californiana, subí a un tranvía en el que había una pequeña placa informando que en ese vehículo había viajado Bogie años atrás. ¡Qué ilusión! :agradable
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Única colaboración de Bogart con Daves, Dark Passage supone un refrescante intermedio antes de abordar dos excelentes films dirigidos por John Huston, la extraordinaria The Treasure of the Sierra Madre (para cuya revisión espero poder releer la novela de B. Traven) y Key Largo, la última película de la pareja Bogart-Bacall. O sea, uno de los momentos más dulces de la carrera de nuestro actor.
La semana que viene comentaré https://www.imdb.com/title/tt0039926/
Al parecer el propio jefazo de la Warner, Jack, se quedó a cuadros cuando supo de la no visibilidad del rostro de Bogart hasta bien avanzado el film. Pero ya era demasiado tarde para poder hacer algún cambio, pues la producción estaba bien avanzada.
De Bogie yo solo he visto Casablanca, película simbólica para mí pues empezó mi viaje por el cine clásico en mi adolescencia. Pero tengo pendiente ver más.. Bogie tiene mucho.
Tienes trabajo. :cortina Más de 70 films. Sólo en esta revisión parcial, correspondiente a su edad dorada, 35. No todo es oro, pero hay auténticas joyas del cine.
Tan pronto como finiquite la demorada entrega para el rincón Lang me pondré con esta y con la anterior de Bogie.
A mí SENDA TENEBROSA siempre me pareció un excelente thriller y, como bien dices, mejor resuelto que la mencionada cinta de Montgomery, del que tiempo ha revisé su breve carrera como director en EOR.
Hace algunos meses vi "La senda tenebrosa", aunque ya la conocía de haberla visto varias veces por tv o dvd; aunque vista en bluray es otra cosa, ya que la imagen es muy buena...:agradable
Estoy totalmente de acuerdo con la crítica de mad dog earle, pienso que es una película policíaca clásica donde tenemos la originalidad de no poder ver el rostro de su actor (y estrella) durante bastante rato, aunque para compensar tenemos a la bella y bastante moderna de imagen, vestuario, peinado... Lauren Bacall, que está magnífica, llevando casi todo el peso del relato.
Ya cuando se descubre la cara de Bogart, pues se cambian las tornas, y ahora es él quien lleva el peso de la trama; una historia que bien es cierto que no es compleja, como solían ser estas películas de cine negro, sino un caso simple, como de la vida misma, aunque para mi lo importante es la relación de la pareja protagonista, ya mítica en su época.
No obstante, el papel de la maravillosa actriz Agnes Moorehead, se te queda grabado en la mente, menudo arpía, que horror de bicha...:cuniao
Gracias a la providencia, la parte final no es nada fatalista, como correspondería a un filme así, sino que nos muestra una escena final, sin diálogos, tan romántica y tan inolvidable; para mí una película muy notable.
Por cierto, mad, que suerte montarse en el mismo tranvía que Bogart... será un recuerdo inolvidable. :abrazo
Qué me gustan a mi los carteles de esta película:
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O este otro:
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O estos :D:
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Me hizo mucha ilusión encontrarme con esa placa en el tranvía, de manera completamente inesperada y casual. Toda mi estancia en San Francisco estuvo repleta de referentes cinematográficos. Otro, obvio, es Vertigo. O la visita a Alcatraz. Espero volver algún día, aunque cada vez me da más pereza viajar.
A mi me ocurre igual, pero con NY. Entre otros lugares, visité un sábado al mediodía, a principios de julio, aquel lugar que nos ofrece Erase una vez en America, incluso en su posterCita:
Iniciado por mad dog earle
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Y lo encontré casi por casualidad. Anécdota. Estábamos mi hermana y yo haciendo tiempo hasta la hora de almorzar en una pizzería famosa de Brooklyn, y por la parte de atrás, empezamos a andar en dirección al puente de Brooklyn y de repente, me quedé sin palabras viendo lo que sale en el poster.
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Yo he estado en Canadá pero en EUA.
Si tuviera que decantarme entre NY y SF me quedaría con este última.
Y es que la sombra de Hitchcock es alargada.
:cortina
The Two Mrs. Carrolls
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Un drama discreto pero no exento de cierto interés.
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Durante un viaje a Escocia, el pintor G Carroll (Bogart) se enamora de S Morton (B Stanwyck ).Al descubrir que está casado y tiene una hija pequeña (A Carter). Geoffrey afirma que su esposa es inválida falleciendo poco después. Aproximadamente dos años más tarde, Geoffrey está felizmente?¿ casado con Sally...
Geoffrey pasa un momento de nula inspiración cuando el ex de Sally, C Pennington (P O'Moore) reaparece junto a unas amigas, la Sra. Latham (I Elsom) y su seductora hija Cecily (A Smith)
Geoffrey y Cecily a pesar de una anidmarsevision incial se ven envueltos rápidamente en una aventura.
Rodada en 1945 y lanzada en 1947, The Two Mrs. Carrolls intenta seguir los pasos de Rebecca,Suspicion,Gaslight.....
Con Bogart y Stanwyck en los papeles principales, los elementos están en su lugar para un misterio convincente, hay breves fragmentos interesantes,se ve bien y a otra cosa.
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Como en CONFLICT de nuevo un personaje que no le va a Bogart. Su interpretación a menudo cruza la línea y se torna creepy. En una historia que pide sutileza, Bogart ofrece psicosis de saldo. Stanwyck está un poco mejor pero resulta ingenua en extremo y pone unos caretos...aquí se echa en falta un director más experimentado porque todo se va de madre.
La dirección de P Godfrey es inepta. No puede encontrar ningún hilo de empatía o evolución de matices.
La actriz infantil A Carter es víctima pobreta! de alguno de los diálogos más ridículamente adultos pronunciados en la pantalla por un actor joven. A Smith desaprovechada brinda la única actuación que coincide con el tono previsto del material, su Cecily, una presencia insidiosa que se abre paso para entorpecer a los insoportables Carroll.
Lo del Bogart colgado en la ventana y la Stanwyck con aspavientos provoca vergüenza
ajena JAJJAJAAA vaya tela....
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Y el caso es que no te aburres peero la direccion es regulera.
Combo total:
6/10
Es curioso que esas dos películas que mencionas estuvieran en dique seco un par de años.
Ya vemos que Bogie, pese a ser una estrella, a veces tenía que comulgar con ruedas de molino por mor del jefe de producción de la Warner, Jack L... Warner.
La dupla de Bogart y Huston es de las mejores de la historia. Creo que muy pocos o ningún director supo dirigirle tan bien y en películas muy distintas, pero grandísimas que todos tenemos en mente.
¿No es una patetismo buscado tal vez para su personaje como explicación final, víctima de su propensión a expresarse mediante esos cuadros? Yo no sé si en el libreto original moriría o no al final el personaje de Bogart, qué acordarían al respecto y cuál sería la opinión de cada uno de los implicados, el caso ... es que a mí Bogart en la peli no me cae mal y si hubiese sido un villano en toda regla, supongo que habría sido abatido (a propósito de la última y curiosamente de lo más simpática escena que tan bien describió cinefilototal en su reseña). O sea, ¿me piden que me apiade un poco de su locura porque en realidad no es malo sino que está enfermo?¿sería una venganza por sus actividades contrá el Comité que lideraba la Caza de Brujas el convertirle en un "brujo" locuelo que no sabe lo que hace a modo de pequeña vendetta? Porque el film vio la luz justo en el año en que estalla la convivencia definitivamente .....Cita:
Iniciado por hannaben
Totalmente de acuerdo en la dirección rutinaria y parsimoniosa. Buena y precisa reseña, hannaben, y sobre todo, que se demuestra que atiendes a la dureza que envuelve el mundo del cine y a sus creadores: hasta la fecha no he visto que hayas otorgado menos del psicológico 5 a un film, ni siquiera al más berreante en de la filmografía de Kazan.
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Vista en BD, y estoy con cinéfilototal, fantástica calidad de imagen, luce muy bien, y se agradece también ese cortometraje en la edición de Bugs Bunny con un Bogart animado: Slick Hare.
Poco más que añadir a lo aportado fantásticamente como siempre, tanto Mad como cinéfilototal. Opino más o menos igual pero radicalizando más las sensaciones, o sea lo bueno es fantástico y lo malo resta mucho, claro, siempre hablando de gustos personales, y me explico:
Lo bueno, claro esos treinta y largos minutos de plano subjetivo sorprende y mucho, por originalidad naturalmente, y sobretodo por duración de ello, totalmente justificado, aunque como bien dice Mad, esos momentos que la cámara se aparte para abrir plano y ver lo que pasa, es tramposilla. Y hace trampa doblemente ya por el plano mencionado y cuando rueda por los suelos, una escena muy repetida, hasta en el cine underground de Herschell Gordon Lewis y su 2000 maníacos, la cámara subjetiva se queda en el barril, y nos ofrece un plano inmovil de Bogart saliendo, indemne :descolocao de tales hostiones, con un plano de su dorso alejándose del barril debajo de un puente y a ritmo de las sirenas, una escena muy bella por cierto.
Pues eso de factura muy bella, con actores, los de siempre, fantásticos, y los que no conocía, como la supervillana que mencionáis, así como el cirujano que tan válido podría ser para un film de terror, les da ese toque que toda buena peli necesita, unos secundarios que aporten más allá de su presencia.
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Y lo malo radicalizado, lo suelta Mad con contundencia a la vez que se lo perdona con rápidez, y a mi sin ser nada en particular pero todo en general, la historia es difícil de creer, muy difícil, y la incredulidad reina de manera continua, ya sea desde la justificación sin pruebas de ayudar a un presidario porque mi padre fue acusado injustamente, me parecería bien si hay un desarrollo previo, pero tal y como se presenta en el film, ufff cuesta de creer. Hasta el momento que tanto detesto en los films en el cine negro, y en particular en los Bogart, porque sale de su boquita, y que son en EL SUEÑO ETERNO, aparte de la confusión permanente, los momentos en que BOgart da las explicaciones "del perquè de tot plegat", largas y largas y más largas; pues en DARK PASSAGE igual, Bogart suerta el discursillo en los momentos finales cruciales, que claro sirve para aclarar cosillas y atar cabos sueltos, pero a mi me da un anticlimax a nivel de gatillazo, muy importante. Pero bueno, lo dicho cositas mías.
Naturalmente el film es recomendable, y también estoy de acuerdo que San Francisco luce mucho en el cine, es una de las ciudades top para ello, los actores lo petan, pero visto por la red, las bases de datos de cine, pienso que está sobrevalorada, donde aunque tengan esos puntos fuertes irrefutables ya mencionados, yo que busco la obra perfecta, sin fisuras, no la encuentro aquí, si que lo he encontrado en CASABLANCA (necesité un segundo visionado eso si), y sospecho que la viene de Huston, el cual tengo mucho HYPE, tiene opciones serias para ello, espero que Bogart no me cuente su vida en la escena culminante final:cuniao
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Yo me vi ayer LAS DOS SEÑORAS CARROLL y esta noche intentaré hacer lo propio con LA SENDA TENEBROSA y, de esta forma, el viernes hacerme un programa doble ad hoc y, por tanto, más breve.
A continuación vienen dos excelentes títulos de John Huston, EL TESORO DE SIERRA MADRE y CAYO LARGO.
Abróchense los cinturones que viene lo bueno...
:agradable
En la escena culminante final Bogie... No, no te lo digo, por si no la has visto ni sabes cómo acaba. :ceja:D
Yo, por El tesoro y Cayo Largo, ma-to!. Me parecen dos maravillas. Y seguramente estarían en mi top-20 o top-30 particular.Cita:
Iniciado por Alcaudón
Pues la verdad es que me decepcionado bastante LA SENDA TENEBROSA. Y eso que tenía un buen recuerdo de ella. Al final me ha salido un programa doble de lo más flojito.
Mañana no podré ponerme con la reseña porque tengo tertulia y suelo quedarme luego a cenar con algunos de los componentes.
A ver el sábado que me tienen que venir los de IKEA con unas estanterías en una franja horaria que va desde las 9:00 a las 21:00...:blink
Está bien. Para no pillarse los dedos. :cuniao
¿No serán para guardar mas películas, verdad?... :cuniao :cuniao¡Que ya nos conocemos todos!...:D :abrazoCita:
Iniciado por Alcaudón
:cuniao
Gaudí estaría orgulloso de sus discípulos. Como la Sagrada Familia, se tarda décadas en construír el armazón que sostendrá la colección.Cita:
Iniciado por cinefilototal
Bueno, y lo de tomaszapa, a veces creo que necesitaría, por lo que él es de contundente en sus afirmaciones, el barco del Capitán Garfio para almacenar sus reliquias aun a riesgo de que sobrepase la línea de flotación :cuniao
Empiezo a creer que el Test Fletcher otorga puntos Fletcher que acumulados pueden llevarte a adquirir nuvas estanterías, descuentillos, un peluche de Alcaudón y cosas así :P:D
A la noche visitaré el hilo de Jean Renoir que voy a dejar mi particular reseña sobre "La mujer en la playa" ahora que por fin me he releido en los libros dedicados a Joan Bennett y a Robert Ryan las peripecias del rodaje y lo que significó para ambas estrellas el film.
Qué interesante Otto+... :abrazoCita:
Iniciado por Otto+
Yo adquirí el otro día (y ya he empezado a leer) el magnífico libro de Joseph McBride "Tras la pista de John Ford" (2011; Cult Books, 2021) y, no es broma, ya me está empezando a apetecer la tan demorada revisión (lógicamente parcial) de la filmografía de John Martin Feeney, que es como en realidad se llamaba el director nacido en Maine. :cafe
Y por fin, mientras me estaba preparando la comida (las famosas Leyes de Murphy) y después de tan sólo 6 horas de espera :picocerrado me han llegado un Billy (no precisamente el Niño) para el cuarto del ordenador, un Gersby (que no un Gatsby) para el salón/comedor y dos Gnedby (lo siento, tiré la toalla) para el (enorme :ceja) dormitorio.
Y dado que las habilidades manuales (no esas, amigo Fletcher :cuniao) harían palidecer a las del polifacético MacGyver los muebles estarán montados en un pis pas...
... aunque para ello me tendría que haber traido antes de casa de mi ama un martillo y un par de destornilladores (no de los de beber) porque en realidad servidor es un completo negado para semejantes menesteres...
:cuniao:cuniao:cuniao
Ah, y ya estoy con el programa doble que espero culminar esta misma tarde si nada se tuerce. Y, por lo mismo, luego intentaré verme WINCHESTER '73 (1950), de Anthony Mann, para el rincón Lang y que siempre ha sido una de mis películas favoritas de todos los tiempos.
Sigo con Bogie.
:agradable
¡Fuego el uno!
THE TWO MRS. CARROLLS (1947, LAS DOS SEÑORAS CARROLL)
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Director: Peter Godfrey.
Producción y distribución: Warner Bros. Pictures, Inc.
Productor: Mark Hellinger.
Guion: Thomas Job, basado en la obra teatral de Martin Vale (The Booth Theatre, Nueva York, 3 de agosto de 1943).
Fotografía: Peverell Marley, en blanco y negro (1.37:1).
Dirección artística: Anton Grot.
Decorados: Budd Friend.
Música: Franz Waxman.
Montaje: Frederick Richards.
Reparto: Humphrey Bogart (Geoffrey Carroll), Barbara Stanwyck (Sally Morton Carroll), Alexis Smith (Cecily Latham) + Nigel Bruce (Dr. Tuttle), Isobel Elsom (Señora Latham), Pat O’Moore (Charles “Penny” Pennington), Ann Carter (Beatrice “Bea” Carroll), Anita Bolster (Christine) y Barry Bernard (Horace Blagdon) + Peter Godfrey (Vendedor de apuestas).
Rodaje: de finales de abril a finales de julio de 1945.
Duración: 1 h 38 m 50 s. (Copia en DVD editada por Bang Bang Movies en 2011).
Estreno: 4 de marzo de 1947.
Recaudación: 2.500.000 dólares. (Variety, 7 de enero de 1948).
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…
Londres
…
No deja de ser curioso que tanto JEZABEL (1938), de William Wyler – y que comenté recientemente en el rincón Bette Davis – como LAS DOS SEÑORAS CARROLL estén basadas en obras teatrales de éxito dispar, puesto que si la primera fue un fracaso (tan sólo 32 representaciones) la segunda, por el contrario, fue un completo éxito (585 representaciones, entre el 3 de agosto de 1943 y el 3 de febrero de 1945).
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- Programa de mano original -
Tampoco le fue mal en taquilla a la película puesto que ingresó unos sustanciosos 2.500.000 dólares, aunque 500.000 menos que la que comento a continuación, LA SENDA TENEBROSA.
Martin Vale fue el pseudónimo usado por la actriz y escritora (y sufragista) Margaret Vale (1878-1947), quien llegó a casarse con un sobrino del vigésimo octavo presidente de los EUA, Thomas Woodrow Wilson (1856-1924).
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El británico Peter Godfrey (1899-1970), por su parte, es un director hoy escasamente (re)conocido y cuyas obras a priori más destacadas – a falta de conocer la mayor parte de su filmografía – serían la cinta hoy comentada, CRY WOLF (1947) y LA MUJER DE BLANCO (1948) y donde seguramente lo más atractivo de todas ellas sea la presencia de estrellas de la talla de Bogie, Stanwyck (por partida doble), Errol Flynn y Eleanor Parker, respectivamente.
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Esas dos cintas de 1947 que he mencionado fueron editadas en DVD por la (tristemente) fenecida Bang Bang Movies dentro de su colección “Los esenciales del cine negro” en 2011 (LAS DOS SEÑORAS CARROLL, BB 1021) y 2012 (CRY WOLF, BB 1043).
El propio director tiene un pequeño papel en la película encarnando al vendedor de apuestas que le tima diez chelines al incauto de ex-prometido de Sally (Stanwyck), Penny (Pat O’Moore).
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Cronológicamente, siguiendo la fecha de rodaje y no la de estreno, LAS DOS SEÑORAS CARROLL se situaría entre EL SUEÑO ETERNO y CALLEJÓN SIN SALIDA y sería la segunda de las tres películas que rompería la mencionada secuencia temporal (las otras dos son RETORNO AL ABISMO y HORAS DESESPERADAS).
Estrenada al igual que la mencionada RETORNO AL ABISMO dos años después de su rodaje (allí 1943/1945; aquí, 1945/1947) al parecer y como bien comenta mad dog earle por sus similitudes con la mucho más famosa (y oscarizada) LUZ DE GAS (1944), de George Cukor, tal y cómo se puede leer en el atractivo libreto de 12 páginas que acompaña a la edición de Bang Bang Movies.
Si soy sincero LAS DOS SEÑORAS CARROLL me parece muy inferior a RETORNO AL ABISMO y en buena medida porque la película carece del más mínimo suspense.
Además Bogie funciona mucho mejor como doctor Jekyll que como el señor Hyde.
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Ni siquiera la presencia de la maravillosa Barbara Stanwyck (tal vez la mejor actriz norteamericana que jamás ganó un Oscar) es aliciente suficiente porque su personaje está epidérmicamente desarrollado.
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Tentado he estado de titular el programa doble “Del Conde Drácula… a la Momia (o el Hombre Invisible)” y es que lo más divertido de la función en esta película es la ya mencionada aparición de Geoffrey (Bogart) en el dormitorio de su esposa y esos ademanes dignos del Conde Orlok de NOSFERATU (1922), de F. W. Murnau (un director al que tendremos que dedicar un día de estos un rinconcito dado que además sólo han sobrevivido hasta nuestros días 12 de sus 21 largometrajes).
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En la siguiente reseña hablaré del Bogie Momia/Hombre Invisible. :cuniao
Aunque probablemente subestime el talento de la bella Alexis Smith (1921-1993) – cuyo papel postrero para el cine lo interpretó en la exquisita LA EDAD DE LA INOCENCIA (1993), de Martin Scorsese –...
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... la mejor de la función (y con diferencia) es la irlandesa Anita Bolster (1895-1985), que encarna a la sirvienta de la familia Carroll, Christina y cuyos diálogos son dignos de las mejores comedias norteamericanas de la época.
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Una actriz, por cierto, que intervino en la recientemente comentada PERVERSIDAD (1945), de Fritz Lang.
Y al contrario de lo que opináis a mí me gusta el trabajo de la pequeña Ann Carter (1936-2014) que encarna a la hija del anterior matrimonio de Geoffrey (la primera señora Carroll… suponemos…) y que mantiene una flema británica digna de encomio.
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Y no deja de tener sorna el final con la invitación que hace un enajenado Geoffrey a los policías que han venido a detenerle de que antes de marchar se tomen un vasito de leche…
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Decepcionante, aunque simpática.
Ah, los cuadros que aparecen en la película lógicamente no los pintó Bogie (aunque su madre, Maud Humphrey (1868-1940) fue una conocida artista) sino John Decker (1895-1947), que había hecho lo propio en la mencionada PERVERSIDAD…
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... aunque el mejor de todos es este...
Nos vemos a la vuelta de la esquina...
Sí, yo también pensé en The Invisible Man al ver Dark Passage. :D
Yo me partí de risa al final con la frasecita de marras... Boggie quería dar leche narcotizada a todo el mundo.:P
Había que apoyar a la industria láctea del país... :cuniao
... algo que no sucede en estos tiempos... :digno
A mí sí que convenció sobradamente pese a que sus diálogos pudieran auspiciar en élla un carácter sabihondo. A ver, que sus padres han sido lo que han sido e imagino que élla ha tenido una infancia en la que ante todo ha tenido que ser responsable. Y Ann Carter está increíblemente suelta para ser untérprete infantil en 1945. De hecho, es una de las escasas sorpresas del film.Cita:
Iniciado por cinefilototal
Su filmografía avala su valía. Curse of the Cat People, I Married A Witch, The Virginian, The Two Mrs. Carrolls, The Boy With Green Hair....
y con ello enlazo a una entrevista suya publicada en 2008, seis años antes de su fallecimiento.
https://theeveningclass.blogspot.com...se-of-cat.html
I was so pleased that you came out of retirement to contribute to the Scorsese/Jones documentary. Your comments were so interesting. Can you speak about working on the set for Curse of the Cat People and what the conditions were like?
Carter-Newton: That was a memorable experience because the set was a very happy set for me. I was eight years old. It was 1944. [I was fascinated by] the way they dealt with the sound stage, which they changed from Summer to Fall to Winter.
Curse of the Cat People is unique in that it had two directors: originally Gunther von Fritsch who was then replaced by Robert Wise. Was that odd for you to have two different directors?
Carter-Newton: No, it really wasn't.
Can you speak about what you recall about each of them and differentiate how they each directed you differently, if so?
Carter-Newton: Gunther von Fritsch was more intimidating. He was very nice to me—there was no one on that whole picture that was not extremely kind and nice to me as an eight-year-old—but, he was a little more rigid probably and maybe not as easy for me to communicate with as Robert Wise was. Robert Wise was extremely easy for me to understand and I knew exactly what he wanted. It was more comfortable with him.
Do you remember anything about Bogie?
Carter-Newton: I do. All good things. I remember how funny and nice he was with me. I also remember that—at that time—Lauren Bacall would visit the set often and I remember seeing her.
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La pequeña Carter sufrió la polio a comienzos de los años '50 y detuvo su pregresión en la pantalla
¡Fuego el dos!
DARK PASSAGE (1947, LA SENDA TENEBROSA)
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Director: Delmer Daves.
Producción y distribución: Warner Bros. Pictures, Inc.
Productor: Jerry Wald.
Guion: Delmer Daves, basado en la novela homónima de David Goodis (Nueva York, 1946) [Serializada previamente en la revista “The Saturday Evening Post” del 20 de julio al 7 de septiembre de 1946].
Fotografía: Sid Hickox, en blanco y negro (1.37:1).
Dirección artística: Charles H. Clarke.
Decorados: William Kuehl.
Música: Franz Waxman.
Montaje: David Weisbart.
Reparto: Humphrey Bogart (Vincent Parry/Allan Linnell), Lauren Bacall (Irene Jansen) + Bruce Bennett (Bob), Agnes Moorehead (Madge Rapf), Tom D’Andrea (Taxista (Sam)), Clifton Young (Baker), Douglas Kennedy (Detective), Rory Mallinson (George Fellsinger) y Houseley Stevenson (Dr. Walter Coley).
Rodaje: de finales de octubre de 1946 a finales de enero de 1947.
Duración: 1 h 41 m 50 s. (Copia en DVD editada por Warner en 2003).
Estreno: 27 de septiembre de 1947.
Recaudación: 3.000.000 de dólares (Variety, 7 de enero de 1948).
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…
San Francisco
…
Antes de iniciar el segundo comentario me gustaría indicar que el visionado de la cinta en formato DVD se ha debido a que no me acordaba que la tenía igualmente en BD… :doh
… uno de esos despistes que parecen salpicar últimamente mi día a día… :sudor
… y eso que en su momento comenté en este o en otro rincón que de las cuatro películas en las que trabajaron justos la pareja Bacall / Bogart sólo quedó inédita en BD en nuestro país la que yo considero la mejor de todas ellas…. TENER Y NO TENER… :digno
También fue una pena que la obra de David (Loeb) Goodis (1917-1967) - uno de los grandes de la novela negra norteamericana - no se llegase a publicar en la colección “Black” de Plaza & Janés dirigida por el estudioso Javier Coma y que constó de 23 volúmenes, dos de ellos de su puño y letra (“Fuego en la carne” (1957), n.º 2 y “La calle de los perdidos” (1952), n.º 12).
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- Cubierta original de la primera edición, Julian Messner, Inc., Nueva York, 1946. -
Además en este caso la memoria (¡ay!) ha vuelto a traicionarme puesto que el visionado el pasado jueves me ha supuesto una tal vez no notable pero sí sensible decepción.
Aunque al primero guionista y luego director (como Mankiewicz, Sturges o Wilder) Delmer Daves (1904-1977) se le recuerda especialmente por los excelentes westerns que rodó en los años ‘50 (especialmente FLECHA ROTA (1950), JUBAL (1956), LA LEY DEL TALIÓN (1956), EL TREN DE LAS 3,10 (1957) y EL ÁRBOL DEL AHORCADO (1959)) lo cierto es que ya antes de que esta película llegara a las carteleras había dirigido títulos tan notables como DESTINO TOKIO (1943) – seguramente la mejor película de submarinos para el que esto subscribe – o PRIDE OF THE MARINES (1945), que se adelantó a la mucho más popular (y espléndida, que nadie lo dude) LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA (1946), de William Wyler, en mostrar los estragos que la guerra había ocasionado en los que habían combatido en ella.
Y también me contradigo a mi mismo y al querido compañero mad dog earle puesto que el uso que se hace de la cámara subjetiva me parece menos creativo (o arriesgado) que en la coetánea LA DAMA DEL LAGO dirigida por el también actor Robert Montgomery.
Y digo esto porque en esta última (que llegué a comentar en “el otro rincón” tiempo ha…) la subjetividad se mantiene a lo largo de toda la película salvo cuando el protagonista se refleja en un espejo.
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Sin embargo, en LA SENDA TENEBROSA se da en dos ocasiones, la primera de las cuales me parece lógica, cuando Vincent (Bogart) escapa de la prisión de San Quintín (por cierto, Bogie (co)protagonizó en 1937 la película homónima dirigida por Lloyd Bacon…
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... parece que no aprendió de sus errores…), pero no así la segunda cuando sale del edificio en el que se ha refugiado – el apartamento de Irene (Bacall) – y sube al taxi en el que conocerá al simpático y parlanchín Sam (un igualmente excelente Tom D’Andrea).
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Curiosamente Vincent (luego Allan) primero es ayudado por una mujer (Irene) que le cree inocente del asesinato de su esposa y después por un hombre (Sam) que piensa justo todo lo contrario pero que le apoya de igual forma como se demuestra en una charla entre ambos que hoy sería todo menos políticamente correcta…
Como decía antes, me gustaría haber leído la novela de Goodis para comprobar si un argumento tan rocambolesco procede de la misma o fue cosa del propio Daves, aunque me inclino por la primera opción dado el caché que como guionista se había labrado.
De hecho, el haber confeccionado un (obligado) programa doble con LAS DOS SEÑORAS CARROLL no parece tan descabellado dadas las premisas argumentales de ambas películas, a cual más disparatada.
El único que participa en ambos títulos, por cierto, es el compositor Franz Waxman, aunque los registros musicales son ciertamente dispares.
Eso sí, ambas están supervisadas por dos de los mejores productores de la Warner y ambos prematuramente desaparecidos, Mark Hellinger (1903-1947) – y cuya compañía Mark Hellinger Productions se convertiría a la muerte de este en la Santa Pictures del propio Bogart – y Jerry Wald (1911-1962) – quien ya como independiente produjo la última cinta del actor, MÁS GRANDE SERÁ LA CAÍDA (1956) o el mítico melodrama TÚ Y YO (1957), de Leo McCarey. -
Antes he usado los adjetivos rocambolesco y disparatado y es que el argumento firmado por Goodis y/o Daves roza en algunos momentos lo increíble.
Un conductor que recoge al citado preso y que más tarde sabremos que es un gánster de poca monta que quiere hacer su agosto a costa de la relación que Vincent mantiene con la (al parecer) acaudalada Irene.
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Una mujer que ayuda a un fugado de la justicia acusado de la muerte de su esposa porque su padre fue injustamente encarcelado por el mismo motivo.
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- Por cierto, si en LAS DOS SEÑORAS CARROLL Bogie encarnaba a un pintor, aquí Bacall hará lo propio, aunque en este caso nunca llegaremos a ver en pantalla ninguna de sus obras. -
Un taxista que conoce a un cirujano plástico que sería la envidia del gremio y eso a pesar de haber sido expulsado del mismo por su mala praxis.
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Un metomentodo detective, (in)digno de una cinta de Sir Alfred, que por pura casualidad (¿?) se encuentra en el “Harry’s Wagon” regentado por el simpático (lógicamente) Harry (Tom Fadden, al que ya vimos como uno de los dos matones (¡!) de Eddie Mars (John Ridgely) en EL SUEÑO ETERNO) y que le hace un interrogatorio digno de figurar en el examen de fin de carrera del policía modelo.
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Una mujer despechada, Madge (la siempre excelente Agnes Moorehead, la madre de Charles Foster Kane…), quien con tal de ganarse los favores (se entiende que sexuales) de Vincent, es capaz primero de matar a la esposa de este y después a su mejor amigo, el trompetista George (Rory Mallinson).
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- Tampoco es que el Vincent original fuese un Adonis...
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Por cierto, por si alguien está interesado la secuencia de personajes con los que interacciona Vincent en su devenir es la siguiente:
Baker > Irene > Sam > George > Sam > Dr. Coley > Detective > Baker > Madge > Irene
En el haber de Daves dichas interacciones permiten que todos y cada uno de los personajes estén perfectamente definidos, aunque bien es cierto que a veces los diálogos son un tanto prolijos y más teniendo en cuenta que no existe una base argumental como la que sustentaba (cuasi)obras maestras como EL HALCÓN MALTÉS o EL SUEÑO ETERNO.
Además, pese a que la subjetividad sólo se mantiene en el primer tramo, Daves mantiene la uniformidad en la puesta en escena al usar predominantemente el plano medio o el primer plano.
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Ciertamente fue arriesgada la decisión de que el rostro de Bogie no se muestre hasta que no ha pasado la hora de proyección…
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… pero como decía, se hace difícilmente creíble la habilidad con el bisturí del (clandestino) Dr. Coley…
También debemos dejarnos llevar por la magia del cine para que en los pocos días en los que conviven Vincent e Irene surja entre ellos la llama de un amor digno de una película de Douglas Sirk…
O de que, como antes decía, una mujer como Madge, sea capaz de matar a dos personas, como quien no quiere la cosa, sólo por agenciarse al marido de su (supuesta) mejor amiga.
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O de esas otras dos muertes que parecen salir de la obra maestra de Sir Alfred (¿hace falta decir cuál?), seguramente una solución buscada por el director para salvar el Código de Producción.
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La película además se beneficia del rodaje en exteriores lo que aporta un mayor realismo a la historia.
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Pese a todo y que eso no lo dude nadie, LA SENDA TENEBROSA es una cinta muy superior a LAS DOS SEÑORAS CARROLL pero para mí es la más floja (y con diferencia) de las cuatro colaboraciones entre la pareja Bacall / Bogart.
Ah, y casi se me olvidaba.
Como bien decía mad dog earle, si en la película de Geoffrey el personaje encarnado por Bogie parecía un sosias del mismísimo Conde Drácula (o cualquiera de sus émulos), aquí el actor bien podría ser un cruce entre la Momia (Karloff vs. Lee) y el Hombre Invisible (Rains).
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Afortunadamente, la expresividad de un rostro recae fundamentalmente en la mirada... alguno que hemos podido comprobar a nuestro pesar durante la pandemia...
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Buenas días y, buena suerte.
:digno
Y a descansar (bueno, en mi caso, a coger mi Winchester ‘73) que hoy me he dado un buen tute… :sudor y eso que todavía no he montado los muebles de IKEA… :cortina
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17. El tesoro de Sierra Madre (The Treasure of the Sierra Madre, 1948), de John Huston
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Como en el caso de The Maltese Falcon, Huston asume el reto, como director y como guionista, de llevar a la pantalla una novela destacada. Estos días he estado releyendo la obra del misterioso B. Traven, publicada en 1927, y he confirmado lo que recordaba de una anterior lectura: que se trata de un texto espléndido de un escritor con estilo y sin pelos en la lengua, que lanza unas cargas de profundidad demoledoras contra la sociedad capitalista. Por cierto, la traducción de Esperanza López Mateos otorga al relato un sabor mexicano de lo más oportuno, con un castellano repleto de mexicanismos (la novela está escrita originalmente en alemán).
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Se trata de un proyecto de la Warner que se tuvo que aplazar debido a que Huston se incorporó a filas en 1942. Recuperado Huston una vez licenciado, Bogie ya disponía de la libertad para rechazar guiones y elegir directores, mostrándose interesado en el papel de Dobbs, aunque con él se alejaba de sus personajes habituales (probablemente, por eso mismo le atraía, además de por trabajar de nuevo con su amigo Huston).
Las condiciones de la preparación del guion y del rodaje, en especial la relación de Huston con el enigmático Hal Croves, enviado del inaccesible Traven, y que, en realidad, era según parece el propio escritor, son dignas por sí mismas de una película de intriga. Pero, más allá de la leyenda, y del gusto de Huston por fabular sus aventuras cinematográficas, la película queda como un ejemplo de adaptación literaria. Huston se ciñe rigurosamente al texto, aunque, lógicamente, elimina algunas partes y simplifica otras, pero en esencia estamos ante el mismo relato de Traven. Quizá las diferencias más notables son: el personaje de Lacaud (Cody en la película) no muere, sino que se queda en la zona de la mina, convencido de que hay una veta importante de oro; los bandidos que matan a Dobbs no son Gold Hat y sus compinches, sino otros distintos; además, en la novela queda algo de oro en las alforjas, aunque poco comparado con el que se pierde, mezclado con la tierra y esparcido por el viento.
Por lo demás, la película es fiel a la trama del texto (aunque obvia las diatribas contra la Iglesia y la visión tan descarnada del funcionamiento de la sociedad capitalista), en especial en todo lo relacionado con las aventuras de los tres desafortunados mineros, sus cuitas, sus discusiones, sus miedos y ambiciones. El trío protagonista es excelente: Dobbs (con el que empieza el film y la novela), un Bogie superlativo, en una de sus mejores interpretaciones (a la altura de la del Charlie Allnutt de The African Queen), llena de matices y que, a diferencia de otras ocasiones en que lo he criticado, aquí sabe perfectamente medir sus excesos enloquecidos; Howard, el viejo encarnado prodigiosamente por Walter Huston, un tipo astuto, vigoroso a pesar de su edad, y que actúa en todo momento como la voz de la experiencia (y en cierto modo de la conciencia); y el más joven e inocente Curtin, magnífico también Tim Holt.
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Junto a ellos, Cody/Lacaud (Bruce Bennett, que había sido atleta olímpico en 1928, lanzador de peso) es una presencia no deseada y que, en el film, aporta una posible opción de futuro para Curtin, en forma de carta de su esposa,
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y el peligroso Gold Hat (Alfonso Bedoya), un bandido cruel y malcarado (en la novela, autor de una auténtica masacre en un tren, nada que ver con el breve tiroteo que sufren nuestros protagonistas cuando van camino de Sierra Madre).
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El otro personaje, como el San Francisco de Dark Passage, es el paisaje de la Sierra Madre, esas montañas áridas y desiertas que atesoran en sus entrañas el codiciado oro, pero donde el sol, el calor, la sed o las alimañas (como el lagarto amenazador que encuentran bajo una roca, y que es un añadido de Huston) penden sobre sus cabezas con un hálito de muerte.
La película tiene una atractiva primera parte en la ciudad portuaria de Tampico (en la novela no se identifica), en la que Huston se reserva una divertida aparición como el generoso hombre de blanco que da algunas monedas al insistente Dobbs.
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En la novela se describe un mundo dominado por las prospecciones petrolíferas, donde el dinero es el patrón de todas las cosas, una visión tremendamente crítica de Traven que, además, sitúa la Iglesia católica como fuente de muchos de los males de los nativos, ya desde los tiempos de la conquista española. En ese contexto, la película mantiene el personaje del contratista aprovechado, Pat McCormick (Barton MacLane, al que ya hemos visto numerosas veces compartiendo escena con Bogart en esta revisión).
Howard será el alma del viaje a Sierra Madre, él es el que conoce el mundo de los buscadores de oro, el que sabrá reconocerlo, dando rienda suelta a su alegría en forma de improvisados pasos de baile.
https://www.youtube.com/watch?v=_pWx7N8gSoY
Él será también el cemento que los mantendrá unidos cuando comiencen a surgir las disputas, provocadas sobre todo por un Dobbs cada vez más obsesionado y desconfiado. La desaparición de escena de Howard, cuando unos indios reclaman su ayuda, será el motivo de la desintegración del grupo, y la caída de Dobbs en la vesania, llegando a intentar matar a Curtin.
El reencuentro de Dobbs con Gold Hat y la pérdida del oro (por la estupidez de los bandidos, incapaces de reconocerlo) ponen punto final a la aventura, conclusión celebrada con una risa (que el texto califica de homérica) de Howard, que resuena en nuestros oídos una vez finalizado el film.
https://www.youtube.com/watch?v=RAapNGRfaBI
Un final tragicómico a la desmesura de la ambición que nos recuerda otro de los mejores films de losers de Huston: The Man Who Would Be King (basado en un relato de Rudyard Kipling).
En mi opinión, estamos ante una obra maestra, un film perfectamente equilibrado, en el que cabe destacar junto al guion, la dirección y la interpretación, la fotografía de Ted D. McCord y la música de Max Steiner. La Academia la premió con tres estatuillas, quedándose todas en familia: dos para el hijo (dirección y guion), y una para el padre, la de mejor actor de reparto para el veterano Walter Huston (que se cuenta que rodó sin su dentadura postiza, por petición expresa del director e hijo).
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Como curiosidad, aparece brevemente, como el muchacho que vende lotería, Robert Blake, que a pesar de su aspecto infantil ya llevaba una década haciendo cine.
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En la próxima entrega, de nuevo con dirección de Huston, volvemos a emparejar a Bogie con Lauren Bacall, en la que sería su última colaboración: Key Largo. Y asoma el gran Edward G. Robinson, en su única aparición en este ciclo.
Que es menos arriesgado que en Lady in the Lake es obvio (pocas propuestas más arriesgadas en el uso de la cámara subjetiva que la película de Montgomery), pero ser más arriesgado no quiere decir, necesariamente, ser más creativo, acaso sí más original, pero la originalidad no es sinómino de calidad o de resultado logrado. Y en este sentido considero mucho más logrado el uso de la cámara subjetiva en Dark Passage que en la citada Lady in the Lake, en la que la pirueta formal de Montgomery acaba lastrando el resultado final, cansando al espectador sin que haya ninguna necesidad narrativa para utilizarla. En cambio, Daves sí tiene un motivo narrativo para usarla, y lo hace, a mi modo de ver, notablemente, aunque se deja llevar en algún momento, como cuando coloca la cámara dentro del bidón que cae rodando dando tumbos, uno de esos planos innecesarios que a veces se introducen en las películas como para hacer notar la presencia del director tras la cámara.Cita:
Iniciado por Alcaudón
Respecto a las incongruencias de lo narrado (que ignoro si proceden de Goodis), ciertamente son de alivio, pero insisto en que, al menos en mi opinión, son casi una mera excusa para sacar la cámara a la calle y filmar en exteriores en la maravillosa San Francisco (de la que, por cierto, he vuelto a gozar ayer revisando Bullitt :cortina).
18. Cayo Largo (Key Largo, 1948), de John Huston
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Después de un peliculón como The Treasure of the Sierra Madre qué mejor que embarcarse (nunca mejor dicho) en otro film dirigido por John Huston, con un reparto de campanillas, y con la participación en el guion de otro amigo de Bogie, Richard Brooks.
La película adapta una obra teatral del dramaturgo Maxwell Anderson, estrenada en 1939, aunque al parecer bastante modificada. Se comenta que la película fue impuesta a John Huston por el productor de la Warner, Jerry Wald, y que el director no quería enfrentarse a la obra de un autor al que consideraba un reaccionario. Sea como sea, sin conocer el original, Huston y Brooks le dieron la vuelta al texto, porque la película resulta más bien todo lo contrario, una crítica amarga de la sociedad norteamericana de la postguerra, en la que los valores por los que tantos soldados (el propio Huston) lucharon, muchos a costa de su vida, estaban en peligro. De alguna manera, el gánster Johnny Rocco (dibujado con trazos de Al Capone y Lucky Luciano) simboliza el regreso al pasado, a la época de la corrupción, de la violencia, del dominio de las bandas mafiosas, previas al New Deal de Roosevelt. El guion refuerza la paradoja remarcando que Rocco es un inmigrante italiano al que el gobierno quiere mantener fuera del país (como Capone), cuando precisamente el hijo del propietario del Largo Hotel donde transcurre la acción, James Temple (Lionel Barrymore), ha muerto en combate en Italia, junto a Frank McCloud, el exoficial que interpreta Bogie.
La película mantiene una estructura claramente teatral, con una escapada final en barco que parece ser que es un añadido (desconozco cómo acaba la obra, en la que, por lo que he leído, los gánsters son unos bandidos mexicanos). Teatralidad que se ve reforzada al estar rodada casi íntegramente en estudio (Huston ya había consumido todo el margen posible de localizaciones fuera de Hollywood con su reciente aventura mexicana). Para que funcione esa teatralidad se ha de sustentar en un buen reparto, y a fe que Key Largo lo tiene. Curiosamente, casi podríamos decir que las dos grandes estrellas, probablemente el motivo principal de hacer el film, Bogart y Bacall, se ven oscurecidos por los otros actores principales. Empezando por un magistral Edward G. Robinson en uno de sus mejores papeles, como el odioso, cruel y libidinoso Rocco (su aparición en la bañera casi a la media hora de película es inolvidable).
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El repertorio de gestos, miradas, cambios de humor, del actor es sensacional. Sus insinuantes susurros a la oreja de Nora (Bacall), viscosos. Junto a él, dos “secundarios” de peso: el gran Lionel Barrymore, como el entrañable Temple, confinado en una silla de ruedas (que el actor necesitaba realmente, por graves problemas de artritis),
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y la deslumbrante Claire Trevor, la gran perla oculta del film, como Gaye Dawn (el nombre es toda una ironía), la amante dipsomaníaca (una “lush”) de Rocco,
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que se come la pantalla en cada una de sus apariciones, muy en especial cuando canta, patéticamente, “Moanin’ Low”.
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Trevor ganó un Oscar merecidísimo (si es que esto de los premios competitivos entre actores tiene sentido), compartiendo ese año, casualmente, el podio de mejores actores “de reparto” con Walter Huston, por el film comentado la semana pasada (lo que marca sin duda un punto culminante en la filmografía de Huston).
Tan bien están Robinson, Barrymore y Trevor, que Bogart y sobre todo Bacall quedan un poco en segundo plano (en muchos momentos, literalmente). En especial, la actriz da para poco más que algunas de sus miradas matadoras e irresistibles, especialmente las de menosprecio y asco, que dedica a Rocco, y las de fascinación creciente que dedica a Frank.
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Este, en manos de Bogart, es un personaje un tanto gris que se magnifica por la categoría del actor (que, además, luce un poco habitual atisbo de “pecho lobo”).
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En la obra de Anderson se trataba de un exbrigadista de la Guerra Civil española, pero, acertadamente, Brooks y Huston lo reconvirtieron en un soldado de la II Guerra Mundial, asqueado de lo que ha encontrado a su vuelta a Estados Unidos.
El resto de actores secundarios acabada de proporcionar densidad al film, muy en especial un siempre ajustado Thomas Gomez como Curly,
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junto a los Dan Seymour (el “camarero”, Angel), Harry Lewis (el risueño Toots), William Haade (el malcarado Ralph) o Marc Lawrence (el gánster rival, Ziggy, nombre de resonancias bowiescas). Y los indios seminola, sobre todo la desarmante presencia de la vieja Felipa Gómez.
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Y el personaje invisible: el huracán que sopla insistentemente sobre el Largo Hotel, poniendo de los nervios a Rocco y sus compinches, que se mueven frenéticos como ratas atrapadas.
Con un reparto bien engrasado, unos diálogos chispeantes, arropados por la fotografía de Karl Freund y la música de Max Steiner, Key Largo es una película que va más allá de lo que argumentalmente se podría esperar, una especie de reciclaje de The Petrified Forest.
Esa teatralidad tiene una escapada final a bordo del Santana, el barco de los Temple, nombre que sería también el del yate del propio Bogart y el de su productora, Santana Productions. La conclusión en el Santana remite, sin acreditar, al final de la novela de Hemingway “To Have and Have Not”, en la que, a diferencia de la película de Hawks, el protagonista, Harry Morgan, entablaba un tiroteo con sus pasajeros, unos revolucionarios cubanos. Aquí, Frank acaba con los gánsters,
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dando paso a un final esperanzador que Huston simboliza con Nora abriendo una ventana y dejando que penetre la luz, después de la tormenta.
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Aunque esa luz duró poco tiempo… McCarthy estaba al acecho, entrando en Hollywood con la fuerza de un huracán.
Algunas curiosidades: esta fue la cuarta y última película de la pareja Bogart-Bacall. Poco antes de morir Bogie estaban preparando un quinto film, pero no hubo tiempo para más. Para mí no es la mejor si nos fijamos solo en ellos, pero, en su conjunto, está a un nivel similar a The Big Sleep, por encima (ya lo siento Alcaudón) de To Have and Have Not y Dark Passage. También fue la última en que compartieron pantalla Bogart y Edward G. Robinson (figurando en esta ocasión en igualdad de condiciones en los créditos del film, aunque Robinson aparece en el centro, flanqueado por Bogie y Bacall). Se cuenta que Bogie trató durante todo el rodaje con gran respeto al veterano actor, de forma muy amistosa. Esta vez, aunque fue Bogie quien mata a Robinson en la pantalla, creo que el pequeño actor de origen rumano se llevó la película de calle.
En la próxima entrega subiremos a bordo del Santana bogartiano, para la primera producción de su compañía. Será Knock on Any Door, dirigida por Nicholas Ray. Como es un film que Alcaudón y yo comentamos ampliamente en la revisión que dedicamos a Ray, me permitiréis que, en lugar de repetirme, dedique el comentario a aquellos aspectos que en el nuevo visionado me hayan parecido reseñables. Pero eso será la semana que viene.
Ya está Cayo Largo!!!! Así son las semanas de 5 días de Mad:cuniao
Yo lo entiendo perfectamente. Cuando se vienen peliculones tan seguidos, es más fácil aumentar el ritmo. Por cierto, no veas la chupá que le metía la Felipa al cigarrillo que le enciende Bogart. Natural de Puerto Rico, vivió hasta los 96 tacos.