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Ciclo Jules Verne (el domingo)... Marked Woman (ayer)... Dos comentarios en tres días.:dsmayo No hace falta decir más. :digno:kietoCita:
Iniciado por Alcaudón
En todo caso, caro amigo, tanto por lo que respecta a Bogart como a Renoir (espero entre viernes y sábado publicar el comentario de The River), abro un paréntesis de Semana Santa, o sea que no volveré a la carga hasta 22 o 23. Eso sí, después seguiré, si el cuerpo aguanta, a comentario semanal.:cortina
En mi caso la procesión va por dentro. :cuniao
En el mío, van por el jardín :cuniaoCita:
Iniciado por Alcaudón
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Todo está preparado para un jueves vacacional con una doble sesión con "The River" y la que toca aquí, y oigan me ha salido otra sesión disfrutona, dos películas punteras y tan diferentes. Edición libro de periódico, con aceptable -pero no excepcional- calidad de imagen, menos claridad en los planes generales que en los primeros o cercanos planos. Extras audiovisuales pelaos, nos tenemos que conformar con el libreto, y eso si, con subtítulos, que en "un momento dado" puse a Bogart doblado, y como cambia la cosa!!!!!.
El film va como un tiro, y aunque en el propio Hemingway afirma que es una de sus peores obras, con la reformulación por parte de Faulkner en el guión, dicha debilidad no se ve por ninguna parte, siendo un film redondo, o casi (vinagre al final). Tenemos a Bogart haciendo de él, insolente y borde, con unas lineas de diálogo excelentes, pero que ocurre cuando se junta con una aún más insolente que él, y encima extremadamente sexy, con esa voz ronca y grave, no se si por exceso de tabaquismo, no creo, era aún muy joven para estar cascada como su futurible en el film, fuere lo que fuere, Bacall lo borda en un papel, que coquetea entre la zona del secundario y el principal, siendo la única estrella nuestro "jamfri" Bogart, eso sí rodeado siempre de excelente secundarios del amigo borrachuzo al jefe obeso de la gestapo, y Bacall, colóquenla donde quieran, pero su presencia es imprescindible y eleva el film a, no quizá en lo más alto, pero si arriba.
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El film ha sido muy placentero en su visionado, pero que le impide, en mi opinión natürlich, ponerla como obra total, pues simplemente que parece Casablanca 2, es muy difícil no asociarla con la obra maestra descubierta por mi hace unas pocas semanas, y aunque hay diferencias, esa esencia, ese tufillo casablanquiano, está y no se va. Y sabiendo que en esa época la pela era la pela y los productores abanderados por la Warner, me imagino una de las primeras frases de los Hnos Warner, no a Hawks, ya que entiendo que el director ya tenía un caché importante y no se le podía salir diciendo: "Howard, hazme otra Casablanca" (o quizá si), sino que supongo que los brothers lo comentaban en su círculo de trabajo. No se, lo dicho, todos son hipótesis, sería interesante saber quien es el "culpable", ya sea el primer guionista, o el segundo (este tiene más números), el propio director o los productores, o todos estuvieron de acuerdo de que con la suma de cositas sútiles (o no tanto) al final hay el regusto de Casablanca. Pero oigan, si dicho films con tufillo a clásicos anteriores, salen con el resultado como el de Tener y no tener pues bendito sea.
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Se me olvidó preguntar por la calidad de imagen del dvd de warner España: "Pasaje para Marsella"...
Gracias.
Yo tengo una copia en HD cortesía de :mago
Correcta, sin más, con un cierto aroma "impulsado", aunque la edición parece ser exclusiva de Warner.Cita:
Iniciado por cinefilototal
Yo creo que era inevitable (estaba puesta a huevo) seguir un poquito la estela de la fama adquirida por Casablanca. Bogart ya hace de Bogart, sin tener que hacer piruetas, porque todo el mundo lo conoce y lo ama (o lo detesta, que hay alguno rarillo por ahí). Pero esta vez, tiene ese tono picarón que aporta el nuevo descubrimiento que llegaría para quedarse, sobre todo en casa de Bogart. :ceja
Al mal tiempo buena cara
o
En busca del tiempo perdido…
10. PASSAGE TO MARSEILLE (1944, PASAJE PARA MARSELLA)
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Director: Michael Curtiz.
Producción y distribución: Warner Bros. Pictures, Inc.
Productor: Hal B. Wallis.
Guion: Casey Robinson y Jack Moffitt, basado en la novela “Men without Country” (Boston, 1942) de Charles Nordhoff y James Norman Hall.
Fotografía: James Wong Howe, en blanco y negro (1.37:1).
Dirección artística: Carl Jules Weyl.
Decorados: George James Hopkins.
Música: Max Steiner.
Montaje: Owen Marks.
Reparto: Humphrey Bogart (Jean Matrac), Claude Rains (Capitán Freycinet), Michèle Morgan (Paula Matrac), Philip Dorn (Renault), Sydney Greenstreet (Comandante Duval), Peter Lorre (Marius), George Tobias (Petit), Helmut Dantine (Garou), John Loder (Manning, corresponsal de guerra), Victor Francen (Capitán Patain Malo), Vladimir Sokoloff (“El abuelo”), Eduardo Ciannelli (Ingeniero jefe) y Corinna Mura (Cantante).
Rodaje: de finales de julio a principios de noviembre de 1943.
Duración: 1 h 49 m 06 s.
Estreno: 11 de marzo de 1944.
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Dicen las malas lenguas que rectificar es de sabios.
Por ello entono el mea culpa al admitir que el recuerdo que tenía de la cinta hoy comentada se ha visto notablemente empañado cuando la visioné el pasado martes (cómo pasa el tiempo… :sudor).
De hecho, creo que llegué a comentarla en “el otro rincón” long time ago aunque no tengo ni el tiempo ni las ganas de buscar el mismo en mis desordenados archivos del Pentágono.
Ciertamente el comentario laudatorio que entonces escribí sobre la misma no lo firmaría hoy en día.
A pesar de que PASAJE PARA MARSELLA siempre se ha visto como un exploit de CASABLANCA, lo cierto es que ambas propuestas son (casi) diametralmente opuestas.
Sí, es verdad que comparten buena parte del reparto y del equipo técnico, pero lo cierto es que el profundo romanticismo que envolvía a CASABLANCA está prácticamente ausente en PASAJE PARA MARSELLA.
Curiosamente nadie parece haberse percatado de que además de lo arriba expuesto ambas películas comparten dos palabras clave: Marsella y Marsellesa.
Recordemos que en CASABLANCA Ilsa (Bergman) no acudía a la estación en la que esperaban Rick (Bogart) y Sam (Wilson) para coger el tren hacia Marsella.
Dicha escena era capital para entender la actitud de Rick en su exilio en Casablanca.
En PASAJE PARA MARSELLA la mencionada ciudad es el destino del carguero “Ville de Nancy” en el que viajan los protagonistas pero al que nunca llegarán debido a la bochornosa actitud del gobierno francés en su animo de apaciguar a los invasores germanos.
Y si en CASABLANCA el himno francés protagoniza una de las escenas más emocionantes y recordadas de la película, el mismo se escuchará reiteradamente a lo largo de PASAJE PARA MARSELLA.
La mayor baza con la que cuenta la película es la extraordinaria fotografía del gran James Wong Howe y que, al contrario que en la igualmente excelente de Arthur Edeson para CASABLANCA, se decanta por las sombras antes que por las luces.
A ese respecto es capital su trabajo en el mejor segmento de toda la película, el que acontece en la Guayana Francesa.
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En cambio el guion es un claro reflejo de las mayores virtudes y de los mayores defectos de la cinta.
Aunque al parecer la narración a base de flashbacks ya se daba en la novela...
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... que le sirve de base dicha (des)estructuración de la misma es una de sus mejores bazas.
Por otra parte fue obra de Jack Moffitt idear el personaje de Paula (Morgan), ausente en la novela.
Y Casey Robinson, segundo guionista encubierto de CASABLANCA a tenor de sus emolumentos recibidos, potenció igualmente los ingredientes románticos de la trama, aunque me temo que en este caso sin alcanzar ni de lejos los logros de la primera.
PASAJE PARA MARSELLA transcurre en tres marcos temporales (1938, 1940 y 1942) y en cuatro espaciales (Inglaterra (1942), el carguero “Ville de Nancy” (1940), el penal de la Guayana Francesa (1940) y París (1938)).
El intrincado juego de narraciones dentro de narraciones, algo ciertamente inusual al menos en el cine de Hollywood de la época, me gustó entonces y me sigue gustando ahora.
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Paradójicamente serán sólo dos los narradores de dichos flashbacks, tres en total, el primero en boca del capitán Freycinet (Rains) y los otros dos (uno de ellos encajado en el otro) por obra de Renault (Dorn).
Ciertamente es discutible la verosimilitud del segundo a cargo de Reanult y que tiene como interlocutor al “Abuelo” (Sokoloff, al que acabamos de ver en el rincón Lang en la excelente PERVERSIDAD (1945)) y que acontece en el penal de la Isla del Diablo...
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... puesto que hace referencia a momentos muy íntimos de la vida de Matrac y su esposa, Paula, dado el carácter notablemente hermético y escasamente comunicativo del protagonista.
Tampoco están bien trabajados los principales personajes de la trama a excepción del capitán Freycinet (un espléndido, como siempre Claude Rains), Renault (un sobrio Philip Dorn) y del “Abuelo” (Vladimir Sokoloff, sin duda lo mejor de la función, junto al mencionado Rains).
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No deja de ser paradójico que Bogart rodara en contra de su voluntad RETORNO AL ABISMO (1943/1945) para poder participar así en PASAJE PARA MARSELLA, como bien decía el sabio mad dog earle, uno de los papeles más antipáticos de su carrera.
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- De hecho, tal vez la revisión de la mencionada RETORNO AL ABISMO nos pueda proporcionar alguna agradable sorpresa… :cortina -
El mejor ejemplo al respecto es la escena en la que Matrac ametralla a los supervivientes del avión alemán que habían atacado previamente al carguero y provocado la muerte de su amigo Marius (Lorre) y del pequeño grumete...
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... , algo ciertamente inusitado incluso en un film de propaganda… si podemos llamarlo así…
Y desde luego no existe ni de lejos la misma química entre Bogart y Morgan, a pesar de ser esta una excelente actriz y una mujer muy bella.
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Seguramente los problemas conyugales de Bogie, aparte de su afán desmedido por la botella, le acabaron por pasar factura durante el rodaje de la película, algo de lamentar teniendo en cuenta, como decía, lo que tuvo que tragar (bueno, ya veremos…) para poder protagonizarla.
Lo que sí aúna a la perfección CASABLANCA y PASAJE PARA MARSELLA es una actitud ciertamente crítica o más bien decididamente hostil hacia el país invadido (parcialmente) por los alemanes en 1940.
Hay un poso notablemente amargo en ambas, aunque más acentuado en PASAJE PARA MARSELLA donde el protagonista, el artillero Matrac, perecerá antes de entrar su última carta de amor a su esposa y a su hijo.
PASAJE PARA MARSELLA es una obra irregular, pero a la que su intrincada narrativa le proporciona alguna de sus mayores virtudes.
Y una cinta que lo mismo podría pertenecer al cine de aventuras (véase al respecto “Diccionario del cine de aventuras” (1994), de Javier Coma) o al bélico (de nuevo Coma, “Aquella guerra desde aquel Hollywood: 100 películas memorables sobre la Segunda Guerra Mundial” (1998)).
Buenas tardes y, buena suerte.
Y gracias a todos l@s compañer@s del foro por… estar ahí…
:abrazo
Algunos bonitos lobby cards originales para darle un pequeño toque artístico a la reseña...
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Se me olvidó comentar que uno de los villanos de la función, el traidor radiotelegrafista del carguero, está encarnado por Hans Conried (1917-1982) y que hizo lo propio en el personaje del Dr. Terwilliker en la extravagante LOS 5.000 DEDOS DEL DR. T (1953), una producción de Stanley Kramer dirigida por Roy Rowland.
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Editada en DVD en 2010 por L'Atelier 13 Pictures (LA 058).
:cafe
Hans Conried puso voz al Capitán Garfio (Captain Hook) en la animación clásica de Disney de 1953. :)
12. Retorno al abismo (Conflict, 1945), de Curtis Bernhardt
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Conflict es una película que llegó a las pantallas a destiempo. Rodada dos años antes, con la expresa desaprobación de Bogart, que no quería hacerla, la Warner la dejó en un cajón, dando salido antes de su estreno a dos films, Passage to Marseille y To Have and Have Not, en los que Bogie perfilaba dos personajes de antihéroe, pero capaces de sacrificios heroicos en tiempos de guerra. En cambio, en un evidente retroceso dentro de su carrera, en Conflict volvía a ser el malvado de la función, un marido harto de su matrimonio, enamorado de su cuñada (una bella, aunque un tanto insulsa, Alexis Smith),
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que no duda en planear eliminar a su esposa (la elegante y sofisticada Rose Hobart) mediante un crimen tan tortuoso (y bastante inverosímil) como el trazado de la carretera de montaña donde tienen lugar los hechos.
El guion, de Arthur T. Horman y Dwight Taylor, que desarrolla una historia de Robert Siodmak y Alfred Neumann, explota el recurso a las referencias pseudoanalíticas, tan habituales en el cine negro de los años 40. De hecho, la película, dirigida por uno de los numerosos directores alemanes exiliados en Hollywood, Curtis Bernhardt, hubiera podido ser perfectamente un film de Siodmak, que quizá le hubiera podido dar algo más de lustre y evitar la sensación de trillado que el film acaba ofreciendo.
Quizá lo más atractivo del film, y en el fondo poco desarrollado, es el triángulo supuestamente amoroso que se establece entre Richard Mason (Bogart), un frío ingeniero, su mujer Kathryn, y su joven cuñada, Evelyn (que, en ningún momento, lo corresponde en su enamoramiento, más bien todo lo contrario).
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Richard, después de cinco años de matrimonio (ni siquiera espera al “seven year itch” de rigor), planea deshacerse de su mujer mediante una rocambolesca estratagema, aprovechando la cojera que padece como consecuencia de un accidente de coche (y que refuerza confinándose previsoramente en una silla de ruedas). Se prepara una coartada que lo aleje de toda sospecha y comete el crimen, pero, como es natural, hay un pequeño detalle que no consigue prever, con lo que la película será una lenta caza del gato al ratón en la que participara, de manera imperceptible para él, un amigo de la familia, el psicoanalista Dr. Hamilton (Sydney Greenstreet).
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Diferentes pistas hacen dudar a Richard de si su esposa realmente ha muerto, hasta el punto de que sus posibles remordimientos (algo que nos hacen pensar en Dostoyevski) le hacen ver e incluso oler a su mujer.
Como el espectador ya sabe que él es culpable, el enigma del film se reduce a despejar la duda que tiene Richard sobre la posible (pero inverosímil) supervivencia de Kathryn y a esperar que la trampa cace al ratón, todo ello rodado con discreción e interpretado con oficio, pero poco más. Si acaso, la fotografía de Merritt B. Gerstad y la música de Friedrich Hollaender arropan con corrección el producto final, que se ve con cierta indiferencia.
La próxima entrega nos devolverá un Bogart en plenitud de facultades, en un emocionante duelo con Lauren Bacall, en The Big Sleep. Propongo un programa doble con la adaptación que Michael Winner rodó en los 70 de la novela de Raymond Chandler, y comprobar si adivinamos “quién mató a quién”, y quién da más el tipo de Marlowe, si Bogie o Bob Mitchum.
Entre esta noche y mañana me pondré con los visionados consecutivos de TENER Y NO TENER y RETORNO AL ABISMO y así recuperar el tiempo perdido (En busca del tiempo perdido... parece que se ha convertido estos días en mi libro de cabecera...).
Creo que haré un comentario doble aunque como ya he dicho en reiteradas ocasiones la película de Hawks es no sólo la mejor de la pareja Bacall/Bogart sino también una de las (grandes) obras maestras de su director.
:agradable
Algo que, como he dicho reiteradamente, no comparto, no porque crea que no es una buena película, que en mi opinión lo es, sino porque me parece inferior a otras suyas, e incluso a otras de la pareja Bacall/Bogart. :dignoCita:
Iniciado por Alcaudón
Por cierto, espero publicar el comentario de The Big Sleep este viernes, máximo el sábado, en programa doble con el remake de Winner. Lo que no haré es comentar la otra versión del film de Hawks, ya que solo tengo la edición más conocida. He esperado a comentarlas a releer la novela de Chandler, cosa que he hecho estos días. Sobre el famoso "quién mató al chofer de los Sternwood", hay que decir que en la novela se da una explicación nada enrevesada, aunque un tanto ambigua.
Yo creo que llegué a comentar en... la versión de 1945 que ya he dicho en reiteradas ocasiones que es notablemente inferior a la de 1946, por lo que en este caso me veré esta última.
Ayer me vi RETORNO AL ABISMO y espero comentarla junto a TENER Y NO TENER esta misma noche aunque las m... rodillas no me dan tregua.
De hecho, acabo de estar en el reumatólogo este mediodía y me ha infiltrado ambas rodillas. :sudor
Bueno, pero dentro de lo malo, estás para jugar la segunda parte :cortinaCita:
Iniciado por Alcaudón
Sí, pero me temo que esta noche no pondré con el doble comentario porque... no siento las piernas... :cuniao
Maese Alcaudón te marcaste un buen Michael Jordan por privado, anunciando que colgabas las botas y dos días después vuelves con más caña que nunca....control antidoping ya!!!!!!Cita:
Iniciado por Alcaudón
:atope
:sudor
Hoy me veré EL SUEÑO ETERNO y de esta forma haré un programa triple, aunque eso sí, mucho más reducido y además mantengo de esta forma la cronología real de las películas:
RETORNO AL ABISMO > PASAJE PARA MARSELLA > TENER Y NO TENER > EL SUEÑO ETERNO
:agradable
Ya sé que resulta inútil insistir en ello, porque eres como aquel personaje de una célebre película española que le decía a un tren: "chufla, chufla, que como no te apartes tú". Pero es que eso de la "cronología real"... Pero, en fin, genio y figura. :fiu
Me sonaba a algo. Miguel Ligero en Nobleza baturra, de 1935. :)
:cuniao
Cuando veo este emoticono, es sinónimo de que le duelen menos las piernas. Bien. :agradableCita:
Iniciado por Alcaudón
O de que ha de ir al dentista con urgencia. :cortina
:juas
Una vez Roy Earle inserte su comentario doble (¿o triple?) sobre EL SUEÑO ETERNO espero ponerme yo con él el sábado.
Después de la doble infiltración de ayer en las dos rodillas las tengo muy doloridas. A ver si para ese día me puedo embarcar en el programa triple que tengo por delante (RETORNO AL ABISMO, TENER Y NO TENER y EL SUEÑO ETERNO).
Aprovecharé que hoy me voy pronto a la cama para iniciar la lectura de la novela de Chandler aunque no me va a dar tiempo más que a leer unos pocos capítulos antes de la cita del sábado.
:agradable
Doble, doble, solo tengo la edición de la película de Hawks de 1946. Y el de la película de Winner será breve, porque no merece más. :dignoCita:
Iniciado por Alcaudón
Yo podría volver a ver la versión de 1945 pero me da mucha pereza y porque además es muy inferior a la de 1946 y la calidad de imagen también lo es.
En las pelis vistas en casa comenté https://www.imdb.com/title/tt0037611/
merecía más y mejor la peli,la vi junto a otras que comentaban en https://m.media-amazon.com/images/P/...ZZZ_SX500_.jpg
Mi chico dice que pruebe con esta
https://www.imdb.com/title/tt0042593/
In a Lonely Place llegará dentro de unas semanas. En su día la comentamos Alcaudón y yo en la revisión que dedicamos a Ray, lo que quizá me ahorrará ahora hacer un nuevo comentario completo. Probablemente, tanto en este caso como en el de Knock on Any Door, lo que haga es completar lo dicho en su día con alguna nueva aportación.Cita:
Iniciado por hannaben
Tu chico tiene buen gusto, hannaben. En un lugar solitario es de lo mejor de Nicholas Ray. Los compañeros aquí fueron muy exhaustivos revisando la filmografía de este director.
13. El sueño eterno (The Big Sleep, 1946), de Howard Hawks
https://upload.wikimedia.org/wikiped.../Bigsleep2.JPG
Las circunstancias del rodaje y postproducción de The Big Sleep darían para otra película o, mejor incluso, para un serial televisivo. Los ingredientes son diversos, centrándose en: las tensiones matrimoniales de Bogart con su esposa, Mayo Methot (con la que se acaba divorciando finalmente en 1945), que provocaban retrasos en la llegada de Bogie al plató, algo inhabitual en un actor siempre muy profesional; su afer amoroso cada vez más público y notorio con Lauren Bacall, con la que se casa el mes de mayo del mismo año; los celos de Hawks, que creía que había una alianza entre Bogie y Bettie contra él; y los vaivenes de la taquilla y el estrellato hollywoodiense, toda vez que Bacall, que había entrado por la puerta grande con To Have and Have Not, había recibido malas críticas por sus participación en Confidential Agent, generando dudas sobre sus capacidades como actriz.
Todo ello justifica que haya dos versiones de la adaptación de la novela de Chandler, ya que se decidió rodar nuevas secuencias y eliminar o modificar otras. Se dice que fueron seis días adicionales de rodaje en enero de 1946, en un contexto convulso en Hollywood, donde en octubre había habido una huelga de decoradores, mientras Jack Warner giraba hacia la derecha, como una premonición de lo que pronto llegaría: las audiencias del HUAC.
Al margen de estas consideraciones de carácter histórico y biográfico, y yendo a lo personal, confieso que The Big Sleep es una de las películas que siempre me han gustado más de Bogart, de esas que dan forma a un mito (el del detective con gabardina en un ambiente social sórdido, depravado y ponzoñoso), de las que generan afición al género “noir”, tanto en la novela como en el cine. Además, aunque quizá no salten tantas chispas (o no sean tan evidentes) como en To Have and Have Not, el duelo Bogie-Bacall me parece excepcional, convirtiéndose, en resumen, en mi película preferida de la pareja.
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Hasta tres nombres aparecen acreditados como autores del guion del film, entre ellos ni más ni menos que William Faulkner, junto a Jules Furthman (que ya trabajó con Faulkner en la anterior To Have and Have Not) y Leigh Brackett (autora de obras de ciencia ficción, que siguió colaborando con Hawks en varios films y participó en el guion de la segunda entrega, según la “cronología real” :cortina, de la saga "Star Wars", o sea The Empire Strikes Back). Y todo ello para conseguir trasladar en imágenes la, según muchos, indescifrable novela de Raymond Chandler del mismo título, la primera protagonizada por el personaje de Philip Marlowe (1939), aunque se basaba en varios relatos publicados anteriormente.
En paralelo a la revisión, por enésima vez, del film, he releído la novela de Chandler. Aunque el argumento, como es habitual en el género, es enrevesado, si uno la lee con atención, todo está explicado con cierta claridad, de ahí que la famosa anécdota de que los guionistas no sabían quién mató a quién (en especial, quién mató al chofer de los Sternwood), duda, se dice, que ni siquiera el propio autor supo despejar, me parece más una leyenda de Hollywood, una más, una nota de color, que no algo que se justifique con la lectura y el visionado del film (menos aún, como comentaré después, si uno empieza viendo la adaptación de Michael Winner).
En todo caso, más allá del quién mató a quién, algo que no es esencial (The Big Sleep no es un whodunit a la manera de Agatha Christie), la película destaca por su ambientación, oscura como la boca de un lobo, negra como la noche. Con la primera y larga secuencia del film, la visita de Marlowe al general Sternwood (perfecta elección de casting la de Charles Waldron)
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ya queda definido el tono que mantendrá toda la película, además de presentarnos las inquietantes hermanas Sternwood: la insinuante y alocada Carmen (una deliciosamente perversa Martha Vickers)
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y la sensual y sofisticada Vivian Ruthledge (Bacall).
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Por cierto, se suele poner mucho énfasis en lo del “quién mató a quién”, pero se suele pasar por alto que en la película Vivian es una mujer casada con un tal Ruthledge que ha desaparecido de su vida sin dejar rastro ni sin que parezca importarle a nadie, mientras que en la novela su marido es Rusty Regan, el equivalente al Shawn Regan que en el film se nos cuenta que era un amigo del general, al que estimaba y encuentra a faltar, y que actúa como MacGuffin de la trama argumental. El porqué Mrs. Regan se convierte en la película en Mrs. Ruthledge es algo que no me acabo de explicar. Quizá se creía que era excesivo que Vivian ocultara el asesinato de su marido, y se consideraba más “apto para todos los públicos” que lo hiciera con el de un amigo de su padre.
Sea como sea, con la caprichosa Carmen intentándose sentar en la falda de Marlowe estando este de pie; la humedad, el sudor y el olor putrefacto de las orquídeas del invernadero donde vive como un vegetal el general; la chispa de frases geniales como ese “in a glass”, que es como quiere beber el coñac nuestro héroe (¿o sería antihéroe?); o el dibujo que se perfila de Vivian (bellísima Bacall) en su primera aparición, una auténtica arpía, uno ya carga las pilas para lo que viene a continuación.
Y lo que sigue mantiene el nivel de sordidez, de humor (es un film repleto de momentos que invitan a la sonrisa e incluso a la risa franca) y de intriga. No reproduciré la trama, ni las idas y venidas a la casa de Geiger, al apartamento de Joe Brody, al casino de Eddie Mars (John Ridgely), o a la casa donde está escondida Mona Mars, bajo la atenta vigilancia del inquietante Canino (Bob Steele), sin olvidar dos personajes menores, pero que ayudan a dar forma al conjunto: el pequeño Harry Jones (el siempre excelente Elisha Cook Jr.) y la bella y taimada Agnes (Sonia Darren).
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O la presencia ocasional, pero inolvidable, de una jovencísima Dorothy Malone (a quien las gafas le sientan de maravilla) como la dependienta de la librería Acme (una de las muchas bellas y decididas mujeres que pueblan el film).
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Es evidente, algo que nuevamente quedará más explicado (que no mejor) en la versión de Winner, que se pasa de puntillas sobre el tema de la pornografía a la que se dedica Geiger o a la desnudez de Carmen (Hawks nos la viste de la cabeza a los pies),
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tanto en la casa del pornógrafo homosexual como en su visita inesperada al apartamento de Marlowe. Hollywood en los 40 tenía sus límites.
Quizá la última escena, en casa de Geiger, que es la que más se distancia de la novela, sea algo precipitada: hay que resumir la trama y explicarla y, de paso, cerrar la película con Vivian en brazos de Marlowe y añadir el detalle hard boiled de la muerte de Mars a manos de sus propios sicarios (algo que no aparece en la novela). Un pequeño borrón en un film magnífico.
En todo caso, un film cautivador que espero revisar más veces antes de que el inevitable “big sleep” me fuerce a cerrar los ojos para siempre.
Detective privado (The Big Sleep, 1978)
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La versión del británico Michael Winner, director y guionista, se apuntó a la moda de los 70 de la recuperación de los clásicos del cine y la novela negra, a menudo reproduciendo la ambientación de los años 30 y 40. Quizá lo más elogioso que se puede decir del film de Winner es que renuncia a la estética asociada a esa moda, situando la trama argumental en la Inglaterra de los 70 en lugar de Los Angeles de los 30 o 40, aunque sea al precio de servirse de la temible estética de la década y arropar las imágenes con la banda sonora de Jerry Fielding (un habitual de la obra de Peckinpah).
Un buen detalle es la estructura circular del film: se abre con un largo travelling frontal, desde la parte delantera del vehículo de Marlowe, que sigue el trazado de una estrecha carretera que lleva a la mansión de los Sternwood. De la misma manera, pero en sentido contrario, la película se cierra con Marlowe abandonando la mansión volviendo por la misma carretera.
Entre medio, Winner se dedica a resumir e ilustrar, incluso de forma excesiva e innecesaria la trama argumental (recurriendo además a la voz en off de Marlowe, aunque este detalle coincide con la narración en primera persona de la novela). Si alguien tiene dudas sobre el “quién mató a quién”, Winner nos lo cuenta (y enseña con imágenes) mucho más detalladamente, no solo que Hawks, sino que el mismo Chandler. ¿Es eso una virtud? En absoluto, al contrario, para mí es uno de los muchos defectos de un film muy mediocre (siendo benévolo), donde toda la ambientación corrupta y depravada de la película de Hawks se desvanece, a pesar de lo explícito, aquí sí, de la dedicación a la pornografía de Geiger, de su homosexualidad, y de la desnudez de la enloquecida (hasta extremos patéticos) Carmen Sternwood, para la ocasión rebautizado como Camilla (horrorosamente interpretada por Candy Clark).
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También Vivian pasa por la pila bautismal, para pasar a llamarse Charlotte (encarnada por una sobreactuada Sarah Miles), aunque, eso sí, aquí es Mrs. Regan, olvidándonos del enigmático Mr. Ruthledge.
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El resto del reparto, uno a uno, pierde por goleada en la comparación con el film de Hawks, salvo quizá la esforzada presencia de James Stewart como el general Sternwood (aunque el personaje me parece mejor resuelto con el concurso del citado Waldron).
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Winner echa mano de un amplio repertorio de actores británicos, de Oliver Reed como Mars a Colin Blakely como Harry Jones, pasando por Joan Collins como Agnes, Edward Fox como Brody, o John Mills como el inspector Carson (personaje que modifica el equivalente norteamericano), casi todos ellos demasiado afectados, cuando no directamente ridículos.
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Además de Stewart y Candy Clark, Winner también recurre a otro norteamericano, Richard Boone, para el papel de Canino, que luce una sorprendente pierna escayolada (de hecho, se había fracturado un pie antes del rodaje).
¿Y Marlowe? Winner no lleva su relectura de Chandler tan lejos como para convertirlo en un detective británico. Echa mano de un veterano (en horas bajas, y con demasiado alcohol en las venas) Robert Mitchum para justificar la presencia de un norteamericano instalado en Inglaterra donde se dedica a trabajar de investigador privado. Mitchum aporta presencia y mito, pero ni por edad (era sesentón) ni por prestaciones nos hace olvidar, ni por un momento, a Bogie.
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La comparación puede resultar odiosa, como la que se puede hacer con el film de Hawks. De hecho, Mitchum ya había encarnado a Marlowe poco tiempo antes, en Farewell, My Lovely, adaptación de la novela del mismo título de Chandler, dirigida por Dick Richards, que en su caso sí mantuvo la ambientación de época.
En resumen, la versión de Winner es solo para completistas o estudiosos de las adaptaciones de Chandler a la pantalla grande. Mucho mejor invertir el tiempo en revisar una vez más el film de Hawks o releer la obra original.
En la próxima entrega, Dead Reckoning, discreto film de John Cromwell, veremos a Bogie compartiendo cartel con una joven actriz que parecía una réplica de Lauren Bacall, Lizabeth Scott, pero que quedó lejos de alcanzar las mieles del estrellato.
Muy buena review, con esa comparativa, mad dog :agradable Y una muestra más de que los clásicos, en un gran porcentaje, hay que dejarlos sin tocar.
Aun siendo excelente yo la considero la "peor" de las cuatro colaboraciones entre la pareja.
EL SUEÑO ETERNO tuvo una larga gestación pues se acabó de rodar en enero de 1945, se volvieron a rodar nuevas escenas en enero de 1946 - como bien indica mad dog earle - y no se estrenó hasta agosto de 1946.
Coincido plenamente contigo, caro amigo, en el hecho de que la película bien podría ser un cruce entre el cine negro y la comedia y es que el Philip Marlowe encarnado por Bogie parece un imán para las mujeres, todas ellas preciosas, por cierto. Espero poner una pequeña galería de imágenes como muestra.
Por cierto, una de las escenas más deliciosas de la cinta, la de la librería con una bellísima Dorothy Malone, no existe en la novela, la cual he empezado a leer esta noche, aunque no me dará tiempo para completarla para cuando encare el comentario, que espero sea mañana por la tarde, aunque tengo todavía las rodillas muy doloridas por las infiltraciones.
Ah, y juraría que esa segunda foto que has puesto de Bogart / Bacall pertenece a la primera versión (la de 1945) dado que ella, si mi memoria no falla, no lleva el pelo recogido en ningún momento de la película.
:)
Dos precisiones: la escena con Dorothy Malone sí está en la novela (capítulo 5), aunque algo diferente, sin la carga erótica de la película, pero con buena parte de los diálogos.
Respecto a la foto, ciertamente, debe pertenecer a la versión de 1945 (lo supongo, porque nunca la he visto), pero me ha parecido curioso ese aspecto extraño de la Bacall, aunque, si he de ser sincero, me gusta más su aspecto de 1946, pero no he encontrado ninguna foto adecuada.
Uno de los motivos por los que me gusta más TENER Y NO TENER que EL SUEÑO ETERNO es que la primera es más una película de Bogart y Bacall y en cambio la segunda me parece más una sólo del primero.
Y a mí me gusta más The Big Sleep que To Have and Have Not, porque esta última parece solo una película de Bogart y Bacall, mientras que la primera es mucho más completa, y los personajes más atractivos.
:cuniao