Tema: Fritz Lang: revisando sus películas

Iniciado por hannaben

Ay el Alex me preguntó algo de CALIGARI y el cine mudo hace porrón....y no le contesté.

Si mi memoria no me falla, era que quería saber si habían sacado nuevo disco...

Iniciado por hannaben

Ay el Alex me preguntó algo de CALIGARI y el cine mudo hace porrón....y no le contesté.

No pasa nada, sólo estuve llorando una semana por el desplante, ahora estoy mucho mejor, hoy me he podido levantar de la cama.

Mañana, sin falta (), el (pequeño ) comentario de LA MUERTE CANSADA o LAS TRES LUCES o DESTINO.



Y dado que no puedo salir de mi municipio me veré (y comentaré ) la entrega de esta semana del rincón de Mackendrick.

E intentaré ponerme al día con los comentarios del foro Visconti, que lo tengo últimamente un tanto dejado de la mano de Dios (aunque por circunstancias ajenas a mi voluntadad) y, al menos, ver y comentar EL LEOPARDO (), mi película favorita de su director...

... a pesar de las escenas de batallas.

Iniciado por tomaszapa

Si mi memoria no me falla, era que quería saber si habían sacado nuevo disco...

LOL.

Noo era algo de que CALIGARI molaba peero pongo por delante el Nosferatu de Murnau,Körkarlen de Sjöström etc etc

Iniciado por Alex Fletcher

No pasa nada, sólo estuve llorando una semana por el desplante, ahora estoy mucho mejor, hoy me he podido levantar de la cama.

Iniciado por alcaudón

mañana, sin falta (), el (pequeño ) comentario de la muerte cansada o las tres luces o destino.



y dado que no puedo salir de mi municipio me veré (y comentaré ) la entrega de esta semana del rincón de mackendrick.

E intentaré ponerme al día con los comenterios del foro visconti, que lo tengo últimamente un tanto dejado de la mano de dios (aunque por circunstancias ajenas a mi voluntadad) y, al menos, ver y comentar el leopardo (), mi película favorita de su director...

... A pesar de las escenas de batallas.

y Rocco?¿

Es que no me gusta el porno...

No, lo cierto es que tengo serios problemas de salud que me impiden llevar una continuidad en los distintos foros.

Alcaudón, no te juntes con Alex Fletcher y tomaszapa, que son dos salidos de cuidado

Finiquitado (¡por fin!) el comentario de LA MUERTE CANSADA.

EL ALCAUDÓN CANSADO se dedicará después de comer al tema de las capturas de pantalla y tendréis listo el mismo a media tarde.

Espero que la espera haya merecido la pena.

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE FRITZ LANG (1890-1976) / PARTE VII:

8. DER MÜDE TOD: EIN DEUTSCHES VOLKSLIED IN SECHS VERSEN (1921, LA MUERTE CANSADA: UNA CANCIÓN POPULAR ALEMANA EN SEIS VERSOS o LAS TRES LUCES o DESTINO).



Director: Fritz Lang.

Estudio: Decla-Bioscop A.-G.

Productor: Eric Pommer.

Guion: Thea von Harbou y Fritz Lang.

Dirección artística: Walter Röhrig (Alemania, a excepción de la colina de los sauces), Hermann Warm (Bagdad y Venecia, el palacio imperial y la colina de los sauces) y Robert Herlth (China, a excepción del palacio imperial).

Fotografía: Erich Nitzschmann y Herrmann Saalfrank (Alemania), Fritz Arno Wagner (Bagdad, Venecia y China), en blanco y negro con virados en color (1.33:1).

Música: Peter Schirmann.

Reparto: Bernhard Goetzke (La Muerte), Lil Dagover (La novia), Walter Janssen (El novio).

Duración: 2.311 metros / 1 h 36 m 19 s.

Rodaje: 9 semanas.

Estreno: 7 de octubre de 1921 (Berlín).



Aunque cuando mad dog earle y un servidor establecimos el índice de películas a visionar en la presente revisión el título elegido de común acuerdo entre ambos para la presente cinta fue el de LAS TRES LUCES (como se podrá comprobar fácilmente en el primer comentario con que la misma se inició) siempre me gustó más el de LA MUERTE CANSADA, que también se utilizó en el estreno y/o reestreno, así como también el de DESTINO, que es como se conoce en los países anglosajones.

Además de ser un título más hermoso y más acorde, en mi modesta opinión, con el argumento de la película, ello me permite enlazar esta bella película del director austríaco con otro clásico del cine norteamericano, esta vez sonoro, como es LA MUERTE DE VACACIONES (1934), de Mitchell Leisen y con el gran Fredric March encarnando el mismo papel que el igualmente grande Bernhard Goetzke, o sea, la Muerte (con Mayúsculas).



Película muy admirada por Alfred Hitchcock y, especialmente, por Luis Buñuel (no es de extrañar, por tanto, que otra de sus películas favoritas fuese JENNIE (1948), de William Dieterle, igualmente una historia de amor más allá del espacio y del tiempo), LA MUERTE CANSADA bebe directamente de las fuentes de otro clásico intemporal como es INTOLERANCIA (1916), de D(avid) W(ark) Griffith, como lo hacen también PÁGINAS DEL LIBRO DE SATÁN (1921), de Carl Theodor Dreyer, LOS DIEZ MANDAMIENTOS (1923), de Cecil B. DeMille o TRES EDADES (1923), de Buster Keaton y Eddie Cline.

Todas ellas, sean homenajes o parodias (en el caso de Keaton), se estructuran en base a historias que discurren en distintas épocas y lugares y sirven de alegoría del tema central de las mismas.

Aparte de esa estructura mencionada, la película de Lang se divide en seis partes (o versos, como indica el subtítulo de la misma (por cierto, me gustaría recordar que EL GABINETE DEL DR. CALIGARI tenía la apostilla de UNA PELÍCULA EN SEIS ACTOS...)).



Y será en los versos centrales de la misma (tercero, cuarto y quinto) – los más celebrados (aunque no necesariamente los mejores, en mi modesta opinión – donde el director vienés dé rienda suelta a su fantasía y donde demuestre (¿por fin?) que estamos ante de uno de los mejores directores no sólo del cine alemán sino del mundial.

Esos tres versos centrales que cuentan la historia de cada una de las Tres Luces (luego hablaremos sobre ellas) transcurren, como decía, en escenarios (y en tiempos) distintos.

La primera, en Bagdad, durante el ramadán.

La segunda, en Venecia, durante los carnavales.

La tercera, en China, durante el cumpleaños del emperador.

A pesar de lo que se suele indicar en distintas fuentes no es cierto que los tres protagonistas (Goetzke, Dagover y Janssen) aparezcan en las cuatro historias (no nos olvidemos de la que transcurre en el tiempo actual – para la película – en Alemania), puesto que el primero no lo hace en la que acontece en Venecia.

Igualmente el más que emergente Rudolf Klein-Rogge (al que veremos dentro de un par de semanas – ya lo siento, pero hay un desvío en medio… - encarnando al villano favorito de Lang, el hombre de las mil caras, más conocido como el doctor Mabuse) – quien, por cierto, seguía casado con la guionista (y amante del director) Thea von Harbou – y que parece ser la némesis de la joven pareja de enamorados tampoco hace acto de aparición en los segmentos alemán y chino.

De igual forma el director contó con distintos directores artísticos y de fotografía con el fin de lograr que cada una de las historias tuviese un aspecto visual diferente.

Curiosamente y como ya avancé en un comentario previo, a pesar de que serán esas tres historias centrales las más aplaudidas por la crítica y por el público, en mi caso particular tengo especial devoción por la que todo el mundo parece ignorar (salvo el citado Luis Buñuel), o sea, la que inicia y la que finaliza la película. Es decir, la que transcurre en Alemania.

Para comentar la película usaré el mismo sistema que cuando reseñé EL GABINETE DEL DR. CALIGARI, es decir, desglosar la película en las seis partes (o versos, recordemos) de que consta y de esta forma agilizar (o al menos en mi caso, simplificar) el comentario.

Entremos en materia.

PRIMER VERSO (de 1:03 a 16:01):

La historia principal, la que transcurre en Alemania, ocupa los versos primero, segundo y sexto.

Una historia que Lang inicia de una manera muy hermosa (diría que poética) como es la aparición, en mitad de un cruce de caminos, como por arte de magia (nunca mejor dicho), de una figura de aspecto grave, vestida completamente de negro, sombrero de ala ancha de igual color y fino bastón en la mano.



Pronto sabremos que dicha figura es la personificación de la Muerte (con Mayúsculas), magníficamente encarnada por el gran Bernhard Goetzke (1884-1964), al que volveremos a ver a continuación en las dos próximas (y prestigiosas) películas de su director, EL DR. MABUSE, EL ESPIA (1922) y LOS NIBELUNGOS (1924)…

… y en LA TUMBA INDIA (1921)…

Como si del mismísimo Ringo Kid (John Wayne) en la fordiana LA DILIGENCIA (1939) se tratara, la Muerte hará parar la diligencia en la que viajan la pareja de enamorados encarnados por Lil Dagover (1887-1980) (en su tercera – y última – colaboración con el director vienés) y Walter Janssen (1887-1976), que en este segmento – el más importante aunque el menos famoso, como antes indicaba – carecen de nombre propio.







Formidable esa imagen de la Muerte, apoyado en el bastón y bajo los rasgos del adusto rostro del mencionado Goetzke.



- Y donde, además, observamos una de las opciones estilísticas más usadas por el director a lo largo de la película, como es el recorte de la imagen en diferentes formatos para destacar lo que a él le interesa mostrar. -

No deja de ser irónico (y un rasgo de humor un tanto extraño dado que el protagonista de la historia es la Muerte, aunque Lang lo use en distintos tramos de la historia) el gesto de la anciana que acompaña en su viaje a la pareja de salir por patas (permítaseme la expresión) cuando intuye que la Parca tiene intención de subir a la diligencia.



Al igual que la pareja de enamorados, la pequeña ciudad a la que se dirigen y en la que transcurrirá la acción principal de la película tampoco tiene nombre.



Como antes indicaba, Lang incluye aquí y allá toques de humor, como es la presentación de las autoridades locales (el alcalde, el sacerdote, el médico, el notario, el maestro) que se reúnen a la hora del crepúsculo en la taberna local para hablar de lo humano y de lo divino (otra expresión que me viene al pelo).

Aquí de nuevo Lang insertará una imagen, la del notario reajustando una de las tres velas que hay en el candelabro que cuelga sobre su cabeza para evitar que caiga sobre él la cera que desprenden, que es un avance del nudo gordiano de la trama: la historia de las Tres Luces.



Y el director usará un pequeño flashback en el que los comensales narran la llegada de un peculiar extraño a su pequeña ciudad.

En él vemos a ese extraño (o sea, a la Muerte) charlando primero con el enterrador (quién mejor sino, dado su oficio) al que inquiere por la titularidad de los terrenos adyacentes al cementerio.



La intención de Aquella es construir en el solar un jardín en el que descansar de su ingrato (como veremos) trabajo.

De nuevo el tono irónico (yo diría que ácido) del director en esa parodia de La Última Cena que es la reunión de los notables de la ciudad, a los que la Muerte hará acallar sus inquietudes cuando deposite sobre la mesa una sustanciosa cantidad de dinero, moneda a moneda. La mirada que les dirige la Muerte es harto elocuente.





Sin embargo, pronto tendrán ocasión de lamentarse dichos ciudadanos cuando la Muerte erija alrededor de su jardín un Muro de enormes proporciones (a semejanza del colosal muro de Babilonia de la mencionada INTOLERANCIA de Griffith).

Un Muro sin puertas ni ventanas.







Sin duda, una de las imágenes más bellas y poderosas de la película es ese acercamiento a la figura de la Muerte que con su fino bastón traza en la arena del suelo las letras griegas Alfa y Omega, el Principio y el Fin, según el Apocalipsis bíblico.

Volvemos al presente.

La Muerte, muy educada, se sentará en la misma mesa que la pareja de enamorados, a pesar de la aprensión que estos sienten por su presencia.



Otra imagen icónica, esa esbelta jarra de cerveza que se convierte en un reloj de arena y la sombra de la Muerte (en forma de esqueleto) cuando ella desvía la mirada de su amado.





La Muerte aprovechará el momento en el que ella se dirija a la cocina para limpiar las manchas del vino vertido por el (lógico) susto que le producen ambas imágenes para llevarse consigo a su pareja.

De nuevo Lang contrapondrá imágenes de vida (la escena de ella con los cachorros) y de muerte (la inesperada desaparición de su prometido), ese Alfa y ese Omega al que hacía referencia.

La búsqueda de este hará que ella se tope primero con un mendigo (Georg John, un habitual en las primeras películas del director), al que al final de la película volveremos a ver y que tendrá importancia en el desenlace de la trama.



SEGUNDO VERSO (de 16:01 a 29:24):

Mientras la joven busca desesperadamente a su amado, el sereno señala las diez de la noche y Lang establece otra vez un divertido paralelismo entre las exhortaciones de este y el escaso eco que las mismas tienen entre los citados notables de la ciudad, borrachos como cubas.

El director nos presentará a continuación al viejo boticario (una especie de remedo – al menos en el vestir, chistera incluida – del mismísimo Dr. Caligari) dado que su personaje será clave en la historia, como pronto podremos comprobar.



Y de nuevo esa formidable imagen que contrapone el inexpugnable Muro y la fragilidad de la joven.



Lang nos regalará con la segunda de las escenas (la primera era la aparición de la cansada Muerte) con un marcado toque fantástico que van a ser la norma a partir de ahora: el ejército de muertos de toda condición que se dirige hacia el recinto amurallado.





Y entre ellos se encuentra al de su amado, al que ruega en vano para que vuelva con ella.



En su regreso a casa el boticario se encontrará el cuerpo desfallecido de la joven a los pies del Muro.



- Al igual que el mendigo, la figura del boticario también tendrá importancia al final de la historia. -

Y aquí Lang nos plantea un dilema cuando a la protagonista le vence el cansancio y se queda adormilada.



O bien lo que acontece a continuación es real o bien todo ello no es más que una ensoñación, como veíamos en EL GABINETE DEL DR. CALIGARI o como veremos en LA MUJER DEL CUADRO (1944).

Al volver en sí la joven leerá en la Biblia el pasaje del Cantar de Cantares de Salomón en el que se dice que “el amor es fuerte como la muerte”.



Mientras el sereno señala las once de la noche la joven (aparentemente) se tomará una de las mixturas del boticario y de esta forma, al morir, podrá reencontrarse con su amado.

Lang deja en el limbo de la ambigüedad, como antes decía, si en verdad la joven se suicida o si todo lo que viene a continuación no es más que una ensoñación de ella.

Aceptemos, al menos momentáneamente, que la joven ha muerto.

El igual que antes lo hiciera el ejército de muertos ahora ella será capaz, por fin, de atravesar ese Muro infranqueable y de poder volver a ver a su enamorado.



De nuevo otra portentosa escena cuando ella asciende las escaleras del inmenso Muro, acentuada por la forma que tiene Lang a lo largo de la película de plasmar las imágenes en distintos formatos oscureciendo para ello los fotogramas tanto por arriba y por abajo (a semejanza del futuro CinemaScope) como por los laterales.

Aunque no lo hemos mencionado todavía destacar el sobresaliente trabajo de los distintos directores artísticos y de fotografía que intervinieron en cada uno de los segmentos.

Las escaleras, como el Muro (o los muros), serán elementos que sirvan de nexo de unión entre los distintos episodios en los que el director ha estructurado la película.

Ese ascenso (literal) al reino de la Muerte nos conducirá a otras de las escenas más bellas de la película: la inmensa estancia con las velas que simbolizan la esperanza de vida de cada uno de los habitantes del planeta.





- Como decía al principio del comentario, toda la parte que transcurre en la pequeña ciudad germana me parece, con diferencia, la más hermosa de toda la película.

Sin embargo, justo es de reconocer la variedad de registros que el director emplea en cada uno de los episodios y, especialmente, el despliegue imaginativo del que acontece en China.

Será por cierto este y no el que transcurre en Bagdad el que la estrella norteamericana Douglas Fairbanks tome como referencia para su gran (super)producción EL LADRÓN DE BAGDAD (1924), de Raoul Walsh. -



Nunca sabremos por qué a un hombre joven como es el prometido de la protagonista le ha llegado su hora.

Ni siquiera la Muerte, que no es más que un siervo de Dios, cuestiona las decisiones de este. Y tampoco lo hará la joven aunque sí apelará a la primera para poder volver a los brazos de su amado.



Como hemos aceptado en un principio que la joven está efectivamente muerta, no deja de ser paradójico que ella no pueda reencontrarse con él en la otra vida, aunque habría que recordar que el suicidio es un pecado mortal desde el punto de vista de la iglesia (sea cual sea).

Otra imagen para el recuerdo y que además será clave en la resolución del dilema que la Muerte le plantee a la joven: ese recién nacido, sin culpa ni pecado, arrebatado por la Parca a su joven madre.





- Imagen 1 -

Dado el gusto del director por las imágenes especulares, la misma tendrá su reflejo en el tramo final cuando ella acepte al final que es injusto que se cambie una vida por otra puesto que todas son igual de preciosas (como expresan con vehemencia incluso aquellos que dicen estar cansados de ella).

Y muy hermoso el diálogo que mantiene la Muerte con la joven acerca de lo hastiada que se siente, odiada y temida por todos, no siendo más que un mero sirviente de alguien superior.

Y es que si los seres humanos no pueden escapar a su destino tampoco lo puede hacer la Muerte y de ahí ese título (DESTINO) usado en los países anglosajones, menos bello que el de LA MUERTE CANSADA pero igualmente ajustado al argumento de la película.

De hecho, casi podemos observar como un acto de rebeldía esos puños cerrados de la Muerte contra el mismísimo Dios.



El ofrecimiento que le hace la Muerte de que si logra que alguna de las tres velas (o sea, de las tres vidas) elegidas se salve su amado también lo será no deja de ser, en el fondo, un regalo envenenado puesto que aquella sabe de antemano el destino de todas y cada una de esas velas.

¿O acaso no es así?

TERCER VERSO (de 29:24 a 43:59) o LA HISTORIA DE LA PRIMERA LUZ:

Reparto:

Bernhard Goetzke (El Mot, el jardinero), Lil Dagover (Zobeide, la hermana del califa), Walter Janssen (El infiel), Rudolf Klein-Rogge (El derviche).

Como ya he dicho al principio, los versos tercero, cuarto y quinto englobarán las historias de esas tres velas.

La primera y con toda seguridad la menos interesante, es la que acontece en la capital de la actual Irak durante la festividad del ramadán.

Es, además, la única en la que coinciden los cuatro (si contamos el personaje encarnado por Rudolf Klein-Rogge) protagonistas.

Aquí Lang retomará la vena aventurera del díptico de LAS ARAÑAS y convertirá al protagonista masculino en un emulo de Richard Burton (el explorador, no el actor).



- Por cierto, uno de los debe de la película es la escasa entidad del personaje que encarna al amor de la protagonista.

A Fritz Lang sólo parece interesarle los que encarnan Goetzke y Dagover, lo cual deja un tanto en entredicho la apasionada historia de amor y de sacrificio que ella protagoniza por devolverle a él a la vida. -

El villano encarnado por Klein-Rogge se convertirá en el enemigo a combatir en esta y en la siguiente historia.



Para diferenciar estéticamente cada uno de los episodios igualmente se usará un tipo de rotulación específico, acorde con el periodo en el que transcurre cada uno de ellos.







Y como antes mencionaba también dos conceptos arquitectónicos con los que juega una y otra vez el director: los recintos amurallados y las escaleras.





Y la Muerte encarnada en la figura del jardinero y ya pareciendo intuir cuál será el final del audaz extranjero…



Como iremos viendo no sólo la protagonista, en sus sucesivas encarnaciones, no podrá evitar la muerte de su amado sino que más bien será quien provoque su perdición.

Y esa brutal escena del enterramiento en vida del infiel será homenajeada por nuestro admirado Luis Buñuel en una de sus grandes películas...



No será como decía este el segmento que sirva de inspiración a Douglas Fairbanks, como podría pensarse, sino el que transcurre en China, pues es allí donde Lang dé el do de pecho en cuanto a los trucajes, en especial esa alfombra voladora que sería usada mil y una veces en producciones posteriores.



CUARTO VERSO (de 43:59 a 59:05) o LA HISTORIA DE LA SEGUNDA LUZ:

Reparto:

Lil Dagover (Monna Fiametta), Walter Janssen (Giovanfrancesco), Rudolf Klein-Rogge (Girolamo, su prometido).

Aquí el personaje ausente será el de la propia Muerte aunque en realidad esta se esconda bajo la apariencia de un personaje de color.

Si el primer episodio se nutría de las aportaciones al cine de aventuras, en este caso la inspiración del mismo bien podría venir de uno de esos guiones que escribió antes de convertirse en director. En concreto el titulado DIE PEST IN FLORENZ (1919), de Otto Rippert, permutando Florencia por Venecia.

Si el anterior era bajo mi gusto el peor (o el menos bueno) de los tres episodios este, por contra, tal vez sea el mejor, a pesar de que como ya digo el último sea el más admirado por el espectacular despliegue de pirotecnia visual de que hace gala el director.

Y ya desde el comienzo del mismo una imagen que más tarde sería difícil de atisbar en el cine: el desnudo (parcial) de una de las participantes del carnaval.



Y de nuevo las escaleras (ascendentes o descendentes) y los muros de la ciudad como metáforas del devenir de la historia.





Y magnífico Rudolf Klein-Rogge, demostrando sus dotes de actor y el por qué el director le elegirá para encarnar al villano de los villanos en su siguiente película…



Me encanta el momento en el que él le arrebata el abanico como si fuese la cosa más natural del mundo...





En este segmento es seguramente donde Lang juegue más con el formato de las imágenes.

Así tendremos circulares…



Con la parte de arriba recortada…



Con los laterales recortados haciendo una especie de Scope en vertical…



O abriendo la imagen constreñida a ambos lados…





O adecuándose al propio escenario…



No deja de ser curioso que Monna Fiametta sea capaz de cruzar su acero con el (supuesto) mejor espadachín de la ciudad, Girolamo, lo que la convierte en la menos pasiva de las tres heroínas.



Sin embargo, le saldrá el tiro por la culata y, de nuevo, la Muerte, aun a su pesar, volverá a triunfar.





QUINTO VERSO (de 59:05 a 1:21:21) o LA HISTORIA DE LA TERCERA LUZ:

Reparto:

Bernhard Goetzke (El arquero del emperador), Lil Dagover (Tiao Tsien), Walter Janssen (Liang).

Como se puede apreciar notamos la ausencia en el elenco del que hasta ahora había sido la némesis de la pareja protagonista, el personaje que encarnaba el gran Klein-Rogge.

Este será el segmento más admirado y/o imitado y también el único de los tres en los que Lang incluya más toques de humor que hasta ahora sólo habíamos visto en los versos primero y segundo que transcurren en Alemania.

Aquí también la inspiración del mismo bien podría venir del cuarto largometraje de su director, MADAME BUTTERFLY, cambiando, eso sí, el Japón tradicional por la China milenaria.

A pesar del destino aciago de los protagonistas (en este caso además ella también, en cierta forma, tendrá uno parecido al de su amado) el director insufla a este episodio un hálito más propio del cine de aventuras en su vertiente fantástica (el ejemplo más preclaro es la intemporal EL LADRÓN DE BAGDAD (1940), de Ludwig Berger, Michael Powell y Tim Whelan) y que le aleja un tanto del dramatismo de los dos precedentes.



La (envenenada) “invitación” que el emperador (Károly Huszár) haga al famoso mago A Hi (Paul Biensfeldt) para que sirva de entretenimiento en la celebración de su cumpleaños servirá de marco, como antes decía, para que Lang despliegue todo su talento (y el de sus colaboradores, no lo olvidemos) y nos ofrezca todo un surtido de efectos visuales que hoy seguramente nos parezcan completamente obsoletos pero que en su época fueron toda una (refrescante) novedad.



Será también en este segmento donde Lang use algunos decorados de corte expresionista, aunque algo del mismo ya habíamos intuido en el segmento inicial que transcurren en la pequeña ciudad alemana (como cuando la protagonista pasa por el cementerio).



Lil Davoger encarnará a la hija (y ayudante) del mago, Tiao Tsien y Walter Janssen a Liang, su novio.

Genial la escena en la que la pareja se besa acompasadamente…



Con su varita mágica el anciano A Hi será capaz primero (luego veremos muchos más trucos, a cada cual más elaborado) de poner firme al enorme pergamino enviado por el emperador hasta hacerlo desaparecer en el cielo.



Sin embargo, será el truco de la alfombra voladora (el mismo por el que pagaría Fairbanks para utilizarlo en su próxima película) el más renombrado.



En la corte del emperador la figura del arquero (un recuperado Bernhard Goetzke) será quien tome el relevo a los dos personajes antes encarnados por Rudolf Klein-Rogge.



Aquí, por tanto, será la Muerte en persona la que tome un papel activo en lugar de ser un mero espectador pasivo.

¿Tal vez, en el fondo, la Muerte tenga miedo de perder la apuesta? Pero, ¿eso no iría en contra de sus quejas acerca del ingrato trabajo que le ha sido encomendado por el Hacedor Supremo?

El emperador empezará a ponerse nervioso por la tardanza en presentarse A Hi. Pero claro, este no lo hará por tierra, ni por agua sino…



Ya he dicho que pese a que como los anteriores este episodio finalizará en tragedia es en el que el director introduce más elementos de humor, seguramente debido a ese toque netamente fantástico que impregna toda la propuesta y que será imitado hasta la saciedad en producciones posteriores a este y al otro lado del Atlántico.

A partir de este momento las maravillas se sucederán una detrás de otra.

El ejercito en miniatura que sale de la caja mágica y pasa entre las piernas del mago (una idea retomada en la ya mencionada – y maravillosa – EL LADRÓN DE BAGDAD).



O el pequeño caballo de madera que se convierte en uno real y además volador (otra idea aprovechada en la película de Sir Alexander Korda).

Por cierto, el mago usará un tipo de caligrafía a semejanza de aquellos rótulos que acosaban la mente atormentada del Dr. Caligari.



Tiao Tsien, convertida en objeto de deseo del emperador (quien parece un emulo del mismísimo conde Orlok que está por venir con esas uñas largas como garras)…



… usará la varita mágica de su padre para tratar de salvar la vida de su amado, aunque antes el primero se transformará en cactus cuando ella rompa en dos su instrumento de trabajo al intentar convencerla de la inutilidad de oponerse al deseos del emperador.



De esta forma los guardianes que vigilan la estancia en la que se encuentra la joven y que comen como cerdos se convertirán en…



O el pequeño edificio en el que está encerrado Liang transformado en un elefante y su guía (como vemos Lang no olvida su devoción por la India y su proyecto frustrado y que será objeto – dolor mediante – de las dos próximas entregas del coleccionable -).



Aquí tenemos un claro uso del preCinemaScope…



Y, por cierto, no deja de tener su lógica que el trozo roto de la varita mágica de A Hi se vaya haciendo más y más pequeño a medida que Tiao Tsien la vaya usando (una aplicación práctica de las leyes de la física al mundo de la magia).

La invocación de los demonios de fuego para detener a los ejércitos del emperador.



El último uso de lo que le queda de la varita convertirá a ella en una estatua y a él en un tigre (de nuevo la referencia a la abortada película sobre su país soñado).



La muerte de Liang a manos del arquero del emperador parece un antecedente de la mucho más famosa de Sigfrido en LOS NIBELUNGOS, dado que ambas se producen al lado de un río, aunque la primera será de frente y la segunda por la espalda.





Y esa imagen de la estatua llorando que nos recuerda a aquella de La Virgen en la Nieve…



El final de este episodio es el más ambiguo puesto que la Muerte es el agente directo de la muerte del joven y, al contrario que en los dos casos anteriores, no parece sentir remordimiento o pesar por la misma.



SEXTO VERSO (de 1:21:21 a 1:36:19):

A pesar de que la Muerte ha ganado la puesta (aunque sea haciendo trampas, todo sea dicho, algo que como digo contradice en buena medida su puesto hastío por un trabajo tan ingrato como el suyo) al ser ella incapaz de salvar una de las tres vidas en juego se apiadará de ella y le dará una última oportunidad.



Bueno, en realidad, dos oportunidades.

En la primera, la exhorta a volver al mundo de los vivos puesto que todavía no ha llegado su hora, lo que podría poner en entredicho el que todo no sea más que un sueño de ella. ¿O tal vez no?

En la segunda y definitiva la Muerte accederá a su deseo si es capaz de encontrar en una hora – antes de que den las doce de la noche – alguna persona que voluntariamente acceda a morir y de esta forma reestablecer el balance vida/muerte.

El (¿regreso?) al mundo de los vivos nos llevará al momento justo en el que ella está a punto de tomar el veneno.



O sea que tal vez la segunda hipótesis, la del sueño, sea finalmente la más acertada. ¿O acaso no?

Lo que viene a continuación no deja de ser brutalmente cruel puesto que ella pondrá por encima de la vida de los demás la de su amado y requerirá de aquellas personas ancianas y que están próximas a morir o de los desahuciados de la sociedad que intercambien sus vidas por la de él.





Como pronto veremos incluso aquellos a los que la Muerte está pronta a visitar no tienen la menor intención de abandonar este mundo a pesar de las quejas que expresan.

En verdad que el egoísmo de que hace gala la heroína hacen de ella un personaje ciertamente antipático.

Será en el hospital, donde la protagonista reciba una bienvenido igual de hostil que la recibida por los anteriores donde ella encuentre, por fin, el único modo de volver a los brazos de su amado.

No deja de ser paradójico que la joven se acaba convirtiendo en una especie de parodia de la Muerte, sólo que actuando de una forma absolutamente egoísta y en beneficio propio, al contrario que la primera para quien todas las vidas son exactamente iguales.

La precipitada huida de una de las ancianas provocará que la vela (otra vela) que porta provoque un incendio en el hospital y que permitirá al director cerrar la historia con un broche de oro.

Es curioso que sea siempre el fuego (uno de los cuatro elementos de la Naturaleza) el que actúa como catársis de muchas películas de corte fantástico (y no fantástico).

El impulso egoísta de ella de salvar del fuego al niño recién nacido y de esta forma intercambiarlo por el de su amante será, afortunadamente, contrarrestado por la bondad innata de la joven.



- Imagen 2 -







De esta forma será ella finalmente, la Cuarta Luz, la que con su sacrificio logre por fin reencontrarse en la otra vida con su amado.



Y aunque la Muerte ha vuelto a ganar esta vez al menos su misión le ha aliviado, siquiera momentáneamente, de su sufrimiento.

Ende.

A pesar de la irregularidad de los episodios centrales de la película estamos ciertamente ante la primera gran cinta de su director.

Ignorada por el público y por la crítica en su estreno en Alemania, sería el posterior éxito en Francia el que la convertiría en una de las películas más alabadas del momento.

Y no fueron sólo Hitchcock o Buñuel quienes quedaron impresionados por el despliegue visual y la historia de la película sino que directores posteriores de la talla de Ingmar Bergman tomarían buena nota de la misma como se puede apreciar en la magistral EL SÉPTIMO SELLO (1957).





Feliz tarde a tod@s y, de nuevo, perdonad el retraso.

Y, si todo va bien, la próxima entrega (en dos partes) será el gran proyecto frustrado del director (y de su guionista), LA TUMBA INDIA (1921), de Joe May.

Pero, tiempo al tiempo…

Por cierto, por si no os habéis percatado el grueso de la historia transcurre en tan sólo dos horas, las que van de las 22.00 a las 00.00...

Agur.

Obra muy compleja, dividida en 6 actos, donde los dos primeros y el último me han causado una fascinación extrema, el quinto (China) acto un divertimento puro, el tercero (Bagdad) curioso y el cuarto (Venecia) el más flojo.

Mi fascinación por los dos primeros actos (y el último) es simplemente por la temática sobre la muerte y el fuerte impacto visual que produce, ya que el tema que rigen los capítulos, el amor hasta la muerte, es un tema ya visto mil veces y de mil maneras, que sólo disfrute cuando se les añade los toques fantásticos del quinto acto que hace que pase por encima como un ciclón de los dos otros actos de amor hasta la muerte, 3 y 4, lo más flojo del film. Film donde los actores tienen multipapeles, claro el formato de tener historias independientes ayuda, aunque a veces ver la misma cara en historias independientes me descoloca.



1,2 y 6 acto, lo mejor del film sin duda, y todo lo que hace referencia al desarrollo de la historia del guardián de la muerte es de un interés continuo, el victimismo del señor de la muerte diciendo que es un mandado del señor, y que no puede hacer nada, sino que observar la decisión del señor, cae en balde, ya que realmente si que puede decidir cosas como ente individual, como bien se ve cuando le ofrece el juego de las tres velas y encima le da una oportunidad más, claro los de la religión profunda, esgrimirían que dicha decisión viene de las oficinas de arriba. Fascinación me produce también el muro sin puerta, y como se labra el origen de dicho muro, donde el politiqueo es sobornado con dinero (la moda sigue), y de repente cuando dan el OK, el muro ya ha sido construido; hubiera pagado de mi bolsillo para no elipsisear tanto y mostrarnos como se construyó, ya se por ley divina o con esclavos; seguramente Trump se vió el film y fue inspirado por Lang para su vergüenza aplaudida por la América profunda de su muro…..bueno, Trump será un genio de los negocios, pero no le veo viendo un film silente.



Todo la fuerza, misterio y ganas de seguir viendo más, es por la ambigüedad de la propuesta, por dicho poderío visual (sobre dicho poderío temático-visual, Bergman tomó nota) y sobretodo la excelente interpretación y desarrollo del personaje de Bernhard Goetzke, su rostro, su expresión, sus movimientos faltos de histronismo tan poco habituales en el cine mudo, hace de ello una perturbación y fascinación constante con el personaje.



Actos 3 y 4: aventurillas de ir por casa, se ve con interés pero dista mucho de lo visto, todo muy masticado, simplista, con muchas carreras y poca chicha….bueno corrijo lo de chicha, me ha sorprendido al ver un pecho femenino descubierto en la escena inicial del carnaval de Venecia, que salvo eso, es lo peor del film, o lo dejo como lo menos bueno.

El quinto acto, es también una delicia, donde John Carpenter tomó notas del film, con esa petardeo de acción y magia china que tanto nos ofrece Lang aquí como en Golpe en la pequeña China Carpenter. Ese atrezzo, sobretodo de diseño de vestuario y personajes suman y suman, y si bien también es un correcalles, el factor fantástico ayuda y la convierte en el mejor de los tres luces.



Me gustaría seguir escribiendo porque el film lo vale, pero ya me cansé (yo no se como se lo hace Alcaudón para hacer sus reseñas quilométricas sin aburrisre de si mismo, como me pasa a mi), así que le doy un cierre: sin duda la mejor de Lang hasta ahora, ya que el Gabinete está fuera de concurso, y a pesar de que dos actos de ésta son algo flojos, pero no afectan mucho al global del film.

Por cierto la edición en BD de divisa está muy bien en calidad de imagen (no he tenido tiempo con los extras, bueno, la verdad, es que no se si hay), me gustaría saber sobre la edición de Eureka, ya que si mejor a la Divisa, es un film que me gustaría tener su mejor edición, el film lo vale.

Los extras de Divisa son breves: básicamente son dos pequeños cortos sobre la restauración y las decisiones que tomaron para establecer el color de los virados, ya que el material conservado era en blanco y negro.
Además se incluye cinco fragmentos de distintas opciones musicales para la banda sonora, compuestos en 2015.
Espero publicar mi comentario mañana, aunque no sé si habré leído antes el de Alcaudón, porque para hacerlo necesito unas cuantas horas.

Iniciado por mad dog earle

Los extras de Divisa son breves: básicamente son dos pequeños cortos sobre la restauración y las decisiones que tomaron para establecer el color de los virados, ya que el material conservado era en blanco y negro.
Además se incluye cinco fragmentos de distintas opciones musicales para la banda sonora, compuestos en 2015.
Espero publicar mi comentario mañana, aunque no sé si habré leído antes el de Alcaudón, porque para hacerlo necesito unas cuantas horas.

Estos extras no son nada atractivos a priori.

Yo ayer en el trabajo les dije que me tenía que ir 2 horas antes del trabajo para poder leer al maestro

He estado con un metro de modista midiendo el post de Alcaudón. Me ha faltado cinta! Iré llamando a los del Guinness (el record, no la cerveza)

Víctima de sus propios encantos...

¡¡Qué pasada de reseña, madre mía, Alcaudón!!...

¡Qué no escribirás cuando se llegue a sus títulos punteros como "La mujer del cuadro" o "Los sobornados"!...

He contratado a varios "negros" para que me vayan preparando el terreno...

Las tres luces (Der müde Tod, 1921)



Como Alcaudón ya ha comentado con detalle y exhaustividad la trama, me limitaré a comentar algunos aspectos concretos de un film sobre el que se han escrito ríos de tinta, para lo cual seguiré la estructura de la película (y me serviré, de paso, de alguna de sus numerosísimas capturas: ventajas de ir a rueda de nuestro jefe de filas ).

Empiezo por el título del film: por un lado, yo también prefiero el original, Der müde Tod, me parece que esa Muerte cansada, espléndidamente interpretada por Bernhard Goetzke, es uno de los mayores aciertos de un guion brillante, aunque algo irregular. Guion que, al parecer, surgió básicamente en su contenido y estructura de la mente de Thea von Harbou (al menos así lo indica Méndez-Leite en su monografía), aunque luego Lang participó a la hora de darle forma visual. Se trata, como indica el subtítulo, de “una canción popular alemana” (“ein deutsches Volkslied”), lo que nos remite a la rica tradición romántica germana, tan preocupada por recoger y fijar cuentos y canciones populares (recordemos, entre otros, a los famosos hermanos Grimm). Tampoco me parece un mal título el de “Las tres luces”, ya que apela a esas tres vidas que intentará salvar la joven protagonista, en una analogía, nuevamente muy presente en la tradición alemana, entre “luz” y “vida”, y que será tema central en más de un film del período mudo (por ejemplo, en el mismo Nosferatu de Murnau).

Ese carácter de canción popular justifica que la película se presente como una suerte de balada, en la que se van desgranando los diversos episodios, mediante el uso de unos versos, como años después utilizará Lang en uno de sus mejores films estadounidenses: Rancho Notorious.

Como ya se ha indicado, el primer “verso” contiene algunos de los momentos más divertidos, casi de comedia costumbrista: ese pato que transporta la vieja de la diligencia, que observa descaradamente los besos de la pareja de la que no sabemos su nombre, detalle que acentúa su universalidad: (Lil Dagover y Walter Janssen); los grotescos integrantes de la tertulia en la taberna, fuerzas vivas del municipio; momentos que contrastan con la sombría presencia de la Muerte, el forastero que ha comprado un terreno cercano al cementerio, cerrado a las miradas curiosas por medio de un gigantesco muro, sin ventanas ni puertas ni límite: el encuadre no nos permite ver cuál es la altura real del muro, lo que nos empequeñece, nos hace insignificantes ante tamaña grandeza.



El forastero no engaña: su simbología se evidencia ya en la misma forma del pomo de su bastón, un esqueleto cuya sombra acompañará la visión del reloj de arena, presagio amenazador que nos avanza el destino del joven amante (por cierto: ¿son un joven matrimonio o unos enamorados que todavía no han consolidado su vínculo?).



En el segundo verso se encuentran algunos de los fragmentos que más se suelen asociar con el expresionismo: esas imágenes nocturnas del boticario buscando hierbas a la luz de la luna junto al cementerio o, posteriormente, el aspecto siniestro de su laboratorio, aunque creo que en general Der müde Tod no es un film expresionista, si acaso solo en algunos detalles. La visión de los fantasmas junto al gigantesco muro, entre los cuales el de su amante, provocan el desmayo de la protagonista. En el laboratorio del boticario, donde se recupera, la muchacha lee un verso del Cantar de los Cantares o Cantar de Salomon, 8:6: “… porque el amor es fuerte como la muerte…” (“denn Liebe ist stark wie der Tod”). Sobre este verso bíblico va a girar la dialéctica entre la protagonista y la Muerte: el amor, ¿es tan fuerte como la muerte o, como defenderá ella en la sala de las velas, es más fuerte que la muerte? (“Ich glaube: Liebe ist stärker als der Tod”). Hay un enfrentamiento de la luz, del amor, que representa la muchacha enamorada, contra la oscuridad, la falta de luz, y por tanto de vida, que simboliza la Muerte. Y en esa lucha, paradójicamente, parece como si la Muerte deseará perder, aunque sabe que, en el fondo, está destinada inexorablemente a imponerse.

El reto de salvar una de las vidas que están a punto de expirar podría parecer en cierto modo cruel, puesto que la Muerte sabe de la imposibilidad de ser vencida. Pero quizá esa sea una experiencia que hay que ganar, y a ello se presta la joven. Lang y Von Harbou lo estructuran en tres episodios situados en continentes y épocas distintas, modelo que tiene su origen más prestigioso en Intolerance, de D.W.Griffith, o en la más cercana en el tiempo y en el espacio Blade af Satans bog, de Dreyer. Aunque Lang no alcanza la monumentalidad del director estadounidense, sabe ser sumamente imaginativo a base de una serie de trucos que a mí me han recordado las fantasías de Georges Méliès, evidentemente con la técnica disponible dos décadas después: transparencias, personajes que aparecen y desaparecen, sobreimpresiones, o el recurso a las dimensiones gigantescas del decorado que permiten que un ejército de soldados haga su aparición entre las “piernas” del mago A Hi.

Leyendo a Alcaudón y a Alex he podido apreciar que, como es habitual en estos casos, hay disparidad de opiniones respecto a cuál de los tres episodios es mejor. Para mí los tres son magníficos ejemplos de un determinado tipo de cine frecuente en la época, donde se une recreación histórica (en el caso de Lang, más bien poca), aventura y ciertas dosis de comicidad. Sin duda el más divertido es el tercero, el que se desarrolla en China, gracias especialmente a la figura del mago A Hi (Paul Biensfeldt). También es el que reúne más efectos especiales: desde los soldaditos ya comentados a las diversas transformaciones (el mago en un cactus; los soldados en cerdos; la prisión de Liang en un elefante; el propio Liang en un tigre o Tiao Tsien en una estatua, en una combinación figurativa más propia de la cultura hindú que de la china), pasando por la alfombra mágica o el caballo volador que utilizará el arquero (la Muerte) para perseguir a los enamorados fugitivos. Impresiona sobre todo la caracterización del emperador (Károly Huszár) con sus grotescas uñas.

De la primera luz, quizá la menos atractiva, destaca la cruel forma de dar muerte al joven enamorado: enterrado vivo; o la ceremonia de los derviches giróvagos.



Pero si me tuviera que quedar con uno de los tres, pensando en el aspecto visual, creo que sería el segundo, el que se ambienta en una Venecia casi abstracta, estilizada al máximo, con sus enormes escalinatas, sus puentes “calatravescos”, o las estancias cerradas con pesados cortinajes.



El personaje del perverso Girolamo (Rudolf Klein-Rogge) es uno de esos villanos que tanto abundan en la obra de Lang. En la forma de retratarlo, Lang me ha hecho pensar en algunos cuadros de Piero della Francesca, en particular el de Federico da Montefeltro.





La película se cierra, de vuelta a Alemania, con un brillante episodio. La joven enamorada, contra reloj, intentará cumplir con la última oportunidad que le concede la Muerte. Comprobamos que el amor quizá es tan fuerte como la muerte, pero puede ser también igual de cruel e implacable, puesto que la mujer está dispuesta a arrebatar la vida de cualquiera, hombre, mujer o niño, para conseguir recuperar a su amante. La secuencia del incendio, con la huida en estampida de los viejos y enfermos, escalofriantemente virada en rojo, crea quizá el momento de mayor tensión del film.



Pero el último sacrificio de la mujer por recuperar a su hombre no consistirá finalmente en entregar al niño que parecía destinado a morir quemado, al que salvará,



sino en entregarse ella misma, para poder así gozar de la compañía de su enamorado, pero solo en el territorio que hay más allá de la muerte. Un espacio, una colina con flores, que parece remitirnos a una suerte de paraíso, pero que Lang y Von Harbou tienen el buen gusto de despojar de cualquier simbología cristiana.



En resumen, primer gran film de Lang, una película que conserva su capacidad de fascinar un siglo después (se estrenó en octubre de 1921), y que no dudo que dejaría una huella imborrable en los espectadores de la época, algunos de los cuales bien distinguidos, como es el caso de Luis Buñuel, pero también de nuestro viejo amigo Alfred Hitchcock, que cita la película de Lang precisamente cuando Truffaut, en el célebre libro-entrevista, le pregunta por “algún film que le haya impresionado particularmente”.

Solo unas gotitas de vinagre a la edición de Divisa, que presenta la copia restaurada por la Murnau Stiftung: no me acaba de gustar la banda sonora creada para la restauración por el compositor contemporáneo alemán Cornelius Schwehr. En todo caso, parece ser que no se ha conservado la partitura original: una lástima.

Cuando leí la gran admiración de HItch por esta película de Lang reflexioné un poquito. Si este genio, que tanto admiramos (yo creo que es el director que más me ha sorprendido- para bien- ), tiene esa gran impresión de La muerte cansada, hay que apuntarla con doble subrayado para ver. En cuanto quede una noche libre, tengo que ponerme, porque me pica mucho la curiosidad. Eso, y los tochos que os metéis algunos Y eso que estaba cansada la muerte...pero no vosotros

Iniciado por tomaszapa

Cuando leí la gran admiración de HItch por esta película de Lang reflexioné un poquito. Si este genio, que tanto admiramos (yo creo que es el director que más me ha sorprendido- para bien- ), tiene esa gran impresión de La muerte cansada, hay que apuntarla con doble subrayado para ver. En cuanto quede una noche libre, tengo que ponerme, porque me pica mucho la curiosidad. Eso, y los tochos que os metéis algunos Y eso que estaba cansada la muerte...pero no vosotros

¡Date prisa, que la mecha de la vela no arde eternamente!

Iniciado por mad dog earle

¡Date prisa, que la mecha de la vela no arde eternamente!

No te preocupes, como buen jurista, apelo al antecedente "hannaben" para librarme de toda culpa ética, moral y bla, bla bla! Para cuando Lang la palme en este hilo, ya tendré lista la review. Ya tengo el título del obituario: "la muerte cansada"

Vista esta noche la primera parte (132 minutos) de LA TUMBA INDIA (1921), de Joe May pero con guion de Thea von Harbou y Fritz Lang.

Me pondré tan pronto como pueda con el comentario.

Una pareja de enamorados llega a un pueblo donde pulula una extraña historia que inquieta a los aldeanos...un misterioso personaje (la Muerte) adquiere un terreno alrededor del cementerio y construye un gigantesco muro para descansar de su duro trabajo.
Retornando a los amantes...la chica descubre que la Muerte se ha llevado a su amante.Desolada va a su encuentro y le pide que le libere.La Muerte le muestra un escenario repleto de velas... cada una representa una vida humana, y cuando ésta se apaga... debe llevarse su alma.Si consigue que una de las tres velas se mantenga encendida,le devolverá a su amado.
Así se nos adentra en las historias de cada una de las velas en épocas y escenarios diferentes con el nexo en común de dos amados enfrentados a un destino que les separa. El primero sucede en parajes árabes donde los protas son la hermana de un califa y un occidental. El segundo en Venecia siglo XIV con la chica obligada a casarse con un hombre poderoso y harto desagradable que no dudará en eliminar a su rival. El tercero en China donde un mago entretiene al emperador ayudado por su pareja de ayudantes...decidiendo adueñarse de la joven...de la que se ha encaprichado.

Parábola sobre la muerte,la lucha del amor ante la adversidad y el destino con una historia principal...a la que no le hacía falta, en mi opinión, tanta subtrama


Una de las pelis que más impresionó a Buñuel y Hitchcock...

Aspecto fundamental es la fotografía y ambientación del magnífico Fritz Arno Wagner, el mejor surgido en la Alemania de la época junto al más célebre Karl Freund y un colaborador habitual en futuros films de Lang.

El reparto cuenta con la actriz alemana Lil Dagover como protagonista.Bernhard Goetzke,el mejor como Muerte y Rudolf Klein-Rogge, uno de los rostros más reconocibles del cine alemán de la época y habitual en el cine de Lang.


Me gusta mucho todo el eje principal inicial y desenlace junto con la historia china,las otras tramas hacen que el balance final decaiga.Para mi está bien pero no la encuentro tan estratosferica,porque esos capis,reitero ... restan magnanimidad harto conseguida al inicio y desenlace.

7.7/10

Lil Dagover me recuerda a Imperio Argentina...hay unas cuantas con ese look...
Estrellita Castro,Gloria Swanson...

Iniciado por hannaben

Lil Dagover me recuerda a Imperio Argentina...hay unas cuantas con ese look...
Estrellita Castro,Gloria Swanson...

Opino igual. Yo creo que era el look ideal en aquella época, la moda imperante, que venía de los locos años 20.

Desde luego los cánones de belleza de los años '10/'20 eran bien distintos de los actuales.

A mí en general las heroínas langianas me parecen auténticas matronas aunque ciertamente Lil Dagover era la más atractiva de todas ellas.

Ver a Mía May en LA TUMBA INDIA es todo un...