Tema: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocido

Iniciado por Alex Fletcher

Yo estoy recopilando los Fassbinder de la Arrow, me compré el vol. 3 y las otras las voy pillando sueltas.

Essen normalmente se traduce como comer, pero se trata de un Trennbare Verb, un verbo separable, aufessen, que declinado en primera persona sería, ich esse auf, la preposición va siempre al final de la frase cuando hay un solo verbo en la frase. La traducción de aufessen sería, comérselo todo -devorar- . Estoy con Mad, creo que está mal declinado, pero con el alemán nunca se sabe. Con mi normalito nivel B2, el título lo escribiría así: Der Angst isst die Seele auf. Para traducciones os recomiendo de.pons.com, el google translate enreda más que ayuda.

Vaya... Es que vives en Alemania?

Iniciado por Alex Fletcher

Essen normalmente se traduce como comer, pero se trata de un Trennbare Verb, un verbo separable, aufessen, que declinado en primera persona sería, ich esse auf, la preposición va siempre al final de la frase cuando hay un solo verbo en la frase. La traducción de aufessen sería, comérselo todo -devorar- . Estoy con Mad, creo que está mal declinado, pero con el alemán nunca se sabe. Con mi normalito nivel B2, el título lo escribiría así: Der Angst isst die Seele auf. Para traducciones os recomiendo de.pons.com, el google translate enreda más que ayuda.

De hecho esa incorrección es intencionada, refleja la manera de hablar de un inmigrante con dificultades con el alemán. Es un poco como aquella tópica manera de hablar de los indios en los westerns.

Iniciado por Alex Fletcher

Yo estoy recopilando los Fassbinder de la Arrow, me compré el vol. 3 y las otras las voy pillando sueltas.

Essen normalmente se traduce como comer, pero se trata de un Trennbare Verb, un verbo separable, aufessen, que declinado en primera persona sería, ich esse auf, la preposición va siempre al final de la frase cuando hay un solo verbo en la frase. La traducción de aufessen sería, comérselo todo -devorar- . Estoy con Mad, creo que está mal declinado, pero con el alemán nunca se sabe. Con mi normalito nivel B2, el título lo escribiría así: Der Angst isst die Seele auf. Para traducciones os recomiendo de.pons.com, el google translate enreda más que ayuda.

Yo compré los tres packs en una oferta y me acabó costando todo unos 80€. Demasiadas películas con magnificas restauraciones como para ignorar la oferta. Aunque por poco ni las huelo porque aduanas me pidió un montón de información para comprobar que todo estuviera en orden y casi no llego al plazo que me dieron. De hecho lo di por perdido hasta que un día sin previo aviso me llegó el envío.

Entiendo entonces que sería más ajustado “El miedo devora el alma” o “Miedo devora alma”.

Iniciado por mad dog earle

De hecho esa incorrección es intencionada, refleja la manera de hablar de un inmigrante con dificultades con el alemán. Es un poco como aquella tópica manera de hablar de los indios en los westerns.

Por cierto, busqué la otra crítica que hiciste de Fassbinder para ver de qué película se trataba. “Las amargas lágrimas de Petra Von Kant”. Muy buena, tanto la crítica como la película. Muy interesante dónde pone la cámara y cómo la mueve cuando lo hace para optimizar recursos, que salta a la vista que no los tenía. Además que lo hace cuidando muchísimo la estética confiriéndole la importancia justa y necesaria para disfrutarla sin perder la atención de las emociones que hay en juego. A su manera me recuerda un poco a lo que hizo Bergman en “Gritos y Susurros”, donde al parecer lo criticaron mucho en su momento por fabricar un cine de carácter burgués por su forma y estética. Aunque dudo que a Fassbinder se le pueda criticar en esta cinta de lo mismo por su contenido y menos en aquella época, donde todo lo que manifiesta podía considerarse sin duda bastante transgresor.

Iniciado por DrxStrangelove

Yo compré los tres packs en una oferta y me acabó costando todo unos 80€. Demasiadas
Entiendo entonces que sería más ajustado “El miedo devora el alma” o “Miedo devora alma".

Sí, pero para reproducir mejor el juego lingüístico yo utilizaría el infinitivo: "devorar". Como la persona que dice la frase no domina el idioma conjuga mal el verbo, en lugar de la tercera persona del singular utiliza la forma en infinitivo "essen" o mejor "essen ... auf".

Desde luego NO estamos en el OR.

Donde me he metido?
El callejón de la gente que habla alemán!!!

Iniciado por jmac1972

Donde me he metido?
El callejón de la gente que habla alemán!!!

99.9 (1997), de Agustí Villaronga



Agustí Villaronga, fallecido en enero del año pasado con 69 años, irrumpió en el mundo del cine, después de algunos cortometrajes, con uno de los films más inquietantes producidos en nuestras latitudes: Tras el cristal (1985), película cuyo visionado supone todavía hoy una experiencia impactante e incómoda. Villaronga tardó un tiempo en consolidar su carrera hasta que, quince años después, estrenó la espléndida El mar (2000), cubriendo el período intermedio con documentales y trabajos para la televisión.

Precisamente para la televisión filmó como episodio piloto de una serie que nunca se llegó a rodar una película de terror que probablemente sea su largometraje más olvidado: 99.9 (evidente guiño al número de la bestia), título que hace referencia a la frecuencia de la emisora de radio donde Lara (María Barranco) conduce un programa nocturno sobre asuntos relacionados con la parapsicología.



Un buen día llega un sobre a la redacción con recortes de periódico y un vídeo que la pone en la pista de la muerte de su amigo Víctor, el padre de su hija, del que hace tiempo que no sabe nada. Con la intención de averiguar lo que ha pasado, se desplazará al pueblecito castellano donde su amigo ha muerto empalado en la reja de un cementerio cuando huía desnudo de alguien o de algo.



Víctor investigaba unas extrañas caras aparecidas en una casa abandonada del pueblo. Ahora será Lara quien intente seguir el hilo de las investigaciones, para lo cual tendrá que moverse entre una serie de personajes extraños, como Simón (Simón Andreu), que regenta la única posada, Lázaro (Ángel de Andrés López), el propietario de la casa, o una pareja de jóvenes amantes, Julia (Ruth Gabriel) y Mauri (Juan Márquez), que ocultan algo. Detrás de ellos, mueve los hilos en la distancia, desde un clínica psiquiátrica, Dolores (espléndida Terele Pávez, tan apabullante como siempre).



Aunque Villaronga no frecuentó el terror, en 99.9 supo elaborar un relato cinematográfico de género que resulta más convincente, aun sin ser nada excepcional y recurrir a numerosos tópicos, que muchas propuestas llegadas del todopoderoso cine norteamericano. Con sencillez, pero con sobriedad y con ese toque especial que mantuvo a lo largo de toda su filmografía, perturbador, inquietante, sabiendo jugar con las atmósferas (potenciadas con un magnífico trabajo de sonido, que nos puede recordar algo a David Lynch), Villaronga entregó un film que cada vez que lo veo me gusta más, con un buen trabajo de Javier Navarrete en el apartado musical y Javier Aguirresarobe en la fotografía. Lástima que se malograra ese proyecto de serie televisiva. Quizá el director mallorquín se hubiera mantenido más activo dentro de un género, el de terror, que creo que se ajustaba perfectamente a su estilo a la hora de plasmar las imágenes de sus narraciones cinematográficas.

Iniciado por jmac1972

Vaya... Es que vives en Alemania?

En la Suiza alemana, Basilea.

Iniciado por mad dog earle

99.9 (1997), de Agustí Villaronga



Agustí Villaronga, fallecido en enero del año pasado con 69 años, irrumpió en el mundo del cine, después de algunos cortometrajes, con uno de los films más inquietantes producidos en nuestras latitudes: Tras el cristal (1985), película cuyo visionado supone todavía hoy una experiencia impactante e incómoda. Villaronga tardó un tiempo en consolidar su carrera hasta que, quince años después, estrenó la espléndida El mar (2000), cubriendo el período intermedio con documentales y trabajos para la televisión.
...

Otro director cuya filmografía quiero ir completando con el tiempo. Esta no la he visto pero parece interesante; además que, en “Tras el cristal”, que me parece buenísima -menuda ópera prima se marcó-, camina por el terror con una elegancia y contundencia que, ya que sabemos que no se trataba de oficio porque fue su primera película, evidencia una facilidad inaudita para expresarse con soltura en el género. Algo parecido a lo que pasó con Amenabar y “Tesis”. Aunque salvando las distancias, porque que Amenabar me perdone, pero aunque me gusta mucho, el film de Villaronga lo considero directamente una de las mejores películas de terror que he visto jamás.

Al lado de Tras el cristal se puede considerar 99.9​ un film menor, de "género", mientras que su debut responde más a lo que llamamos un "film de autor", pero aun así me parece un film estimable. Ahora se está programando en Movistar.

The Gentle Gunman (1952), de Basil Dearden



Creo haber expresado en más de una ocasión que Basil Dearden me parece uno de los directores británicos más interesantes surgidos en la década de los cuarenta. En The Gentle Gunman afronta un reto realmente difícil: reflejar en la pantalla el dilema moral que se les plantea a unos miembros del IRA a la hora de mantener la lucha armada contra el Reino Unido en plena Segunda Guerra Mundial.

Estamos en 1941. Mientras la aviación alemana bombardea Londres, una pareja de “soldados” del IRA, un tanto ridículos (uno de ellos es Jack MacGowran, el inolvidable profesor Abronsius de la polanskiana The Fearless Vampire Killers, que acabó su carrera cinematográfica como víctima de Pazuzu en The Exorcist), se dedican a hacer estallar explosivos en las estaciones de metro, aunque dicen no buscar ocasionar víctimas, sino que lo hacen solo como advertencia para las autoridades británicas. Llega a tiempo de participar en el atentado el joven Matt (Dick Bogarde), que ha viajado hasta Londres para hablar con su hermano mayor, Terry (John Mills).



Inesperadamente, Terry evitará que la bomba pueda ocasionar víctimas y, a continuación, parece ser el responsable de la redada de la policía que acaba con la detención de los dos activistas. Matt consigue huir y regresa a la Irlanda libre (que, recordemos, se mantuvo neutral durante la guerra mundial), con la impresión de que su hermano se ha convertido en un traidor. Allí, el grupo del IRA está bajo el mando de un tipo malcarado, Shinto (Robert Beatty), que decidirá liberar a los dos detenidos cuando se entera de que serán trasladados a una cárcel de Belfast.



Para ello se sirven de la ayuda del jovencito Johnny (James Kenney), que se ha ido a trabajar en el puerto de la capital de Irlanda del Norte, y que quiere participar en la acción, como una forma de vengar la muerte de su padre, abatido por las balas británicas. La operación se saldará, en primer lugar, con la muerte de Johnny y, después, con un rescate fracasado en el mismo puerto.



Tras las idas y venidas atravesando la frontera (el comando de Shinto tiene su santuario en una gasolinera situada en la República de Irlanda), Matt acabará cambiando su actitud frente a la luchar armada y abrazando la posición de Terry (que está a punto de ser asesinado por sus mismos excompañeros de armas), cerrándose el film con la reconciliación de los hermanos.

La película desarrolla un guion del dramaturgo escocés Roger MacDougall, basado en la obra teatral del mismo título, que quizá verbaliza demasiado el conflicto, cayendo en un moralismo un tanto simplista, especialmente en lo que al tratamiento del personaje de Terry se refiere, que parece haberse caído del caballo no se sabe camino de qué Damasco.

A pesar de que no se esconde la violencia del conflicto entre irlandeses y británicos, se contrapone la posibilidad de entendimiento simbolizada por dos amigos, un médico irlandés y un inglés, que están constantemente discutiendo pero que mantienen a pesar de ello un fuerte vínculo amistoso (y que sirven, además, de alivio cómico).



He leído algún comentario en que se reprocha a la producción de la Ealing (una muestra más de que no solo de comedias vivía esta productora) que configurase un reparto en que los papeles principales están interpretados por actores británicos, no por irlandeses, lo cual para un conocedor de la diferencia en los acentos puede resultar chocante. Quizá en su conjunto el film acaba siendo demasiado ingenuo en su tesis política, pero en todo caso Dearden entrega un thriller ágil y tenso. Merece un visionado (está disponible en Netflix).

Vista “The Man from Planet X” (1951).

Como veo que poco tengo que añadir a lo ya comentado por Alcaudón y mad dog earle, completaré mi comentario centrándome sobre todo en comparar ligeramente las tres películas de G. Ulmer que finalmente he visto tras sus recomendaciones; es decir, incluyendo en la sesión “The Black Cat” (1934) y “Detour” (1945). Sin embargo, intentaré hacerlo tratando de explicar por qué me resultan tan atractivas y simpáticas estas pequeñas producciones de serie B que comentaba, pudiéndose extrapolar también en determinados puntos a todo el cine en general.







Si bien es cierto -realmente cierto- que Ulmer hizo maravillas con los recursos que tenía en “The Man From Planet X”, uno tiene que hacer un esfuerzo considerable durante gran parte de la película para concederle credulidad y entrar en ella para ver sus virtudes. De hecho, no sabría decir exactamente si es mejor mantenerse alejado de ella para apreciar dichas virtudes porque resulta difícil experimentarla como un espectador naíf que decide -o más bien, pretende; o, aún sería más preciso decir, espera, ya que no sé hasta que punto tiene la capacidad consciente de decidir sobre su aproximación a la película- entrar en ella siendo manipulado por la historia a través del interés que ésta le pueda despertar o que su gramática consiga introducirlo y dirigirlo por la pantalla sin distracciones, obteniendo así la esperada sugestión que le proporcionan las producciones de actualidad y que, según él -o su subconsciente-, es el primer requisito para empezar siquiera a pensar en poder otorgarle la estimable calificación de “aceptable”. Así que no, no creo que, en general, para poder disfrutar de ésta clase de producciones, o al menos ésta en concreto (serie B, ciencia ficción y de los 50 -creo que aquí es necesario acotar para ser más preciso-), debamos esperar como espectadores dicho poder de sugestión; aunque creo que hay alguna que todavía podría conseguir buenos resultados en este sentido como por ejemplo podría ser “El increíble hombre menguante” (1957), teniendo en cuenta que manejaba presupuestos diferentes y que el despliegue de medios era, obviamente, más completo y elaborado pese a tratarse también de una producción de serie B.



Esta introducción, aunque sé que para algunos resulta una obviedad, no es baladí, ya que me parece importante señalar que, al menos en mi opinión, contextualizar y saber cómo aproximarse al cine también forma parte de la propia experiencia y cultura cinematográfica; dominarla requiere dedicación, observación y rodaje; forma parte del propio deleite de la contemplación: saber “leer” las imágenes más allá del significado pretendido en su momento, diversificando la perspectiva con tal de obtener diferentes lecturas que ayuden a construir una imagen más completa y próxima a la realidad. Conforme más lejos estemos de la obra, en términos de tiempo y/o procedencia, el ejercicio hermenéutico se vuelve más difícil y complejo pero también más interesante y divertido. Y es por eso que, volviendo a Ulmer y homólogos -coetáneos o no-, me parecen tan interesantes, porque me ofrecen la posibilidad de acercarme con mayor o menor exactitud no sólo a una forma de hacer cine, sino también, a una época muy concreta que me ayuda a comprender mejor tanto el pasado como el presente y tener una visión más completa del Todo: me brindan la oportunidad de intentar entender su coyuntura y por tanto, con ella, la mía. Siendo consciente de que la realidad empírica no se podrá reconstruir jamás.

Así que, si pretendemos apreciar las bondades de “The Man From Planet X”, creo que es necesario abstraerse a intervalos para analizar racionalmente lo que estamos viendo, aunque creo que el esfuerzo por mantenerse sumergido en la película es infinitamente superior al de emerger. Al menos en mi caso. Lo que no significa que el placer de verla sea necesariamente inferior. En absoluto. Pero creo que es importante mantener abiertas las dos vertientes para poder analizarla y ubicarla correctamente en el lugar y espacio que le corresponde para hacerle justicia y disfrutarla plenamente.



Seguiría escribiendo centrándome en diferentes particularidades de la película para especificar y describir con más detalle cómo voy interactuando con ella, como por ejemplo podría hacer con la apariencia del extraterrestre y cómo ésta influencia prácticamente todo el carácter de la cinta; para ser más preciso incluso tendría que hacer un mínimo recorrido por la forma que tuvo la ciencia ficción de evolucionar y condicionar la imaginería colectiva, empezando quizás por esas imágenes de carácter esotérico (al menos a ojos de hoy) que nos brindaban las maravillosas producciones de Melies cuando decidió trasladarnos al espacio...





...y siguiendo, quizás, con la influencia de H. G. Wells cuya sombra es extensa, pero me alargaría demasiado y doy por hecho que ya se ha entendido el concepto; al fin y al cabo supongo que todos (o al menos los que estamos por aquí) experimentamos lo mismo cuando nos acercamos a esta clase de películas, sólo que la recreación que hacemos es, para bien o para mal, personal e intransferible. Huelga decir por qué.

Pero bueno, como ahora mismo no tengo más tiempo -estoy escribiendo del tirón en el Ipad y a toda máquina; quizás por eso notaréis que divago bastante- dejo para otro momento mis impresiones sobre “The Black Cat” y “Detour”. Aunque adelanto que me han parecido ambas muy superiores a “The Man From Planet X” llevándome una más que grata sorpresa con “Detour”, que la considero una cinta excelente.

En fin, todo un descubrimiento este Edgar G. Ulmer cuya existencia confieso desconocía completamente. Mis disculpas por finalizar el análisis tan bruscamente pero creo que incluso le vendrá bien continuarlo en un segundo comentario ya que veo que éste me está quedando bastante extenso.

Si todo va bien espero seguir más adelante con las películas citadas y explicar qué me han parecido, que desde luego no tienen desperdicio, aunque ya veremos qué me pide el cuerpo porque la forma de analizarlas y describir el proceso es complejo.

Now it’s time to say good BYE…

o

And in the end

The love you take

Is equal to the love you make…

o

IT CAME FROM OUTER SPACE (1953)

T. O.: LLEGÓ DEL ESPACIO EXTERIOR



Director: Jack Arnold.

Productor: William Alland.

Producción: Universal-International Pictures Co., Inc.

Distribución: Universal Pictures Co., Inc.

Guion: Harry Essex, a partir de un tratamiento de Ray Bradbury basado en una idea de William Alland.

Fotografía: Clifford Stine, en blanco y negro (1.37) y 3-D.

Dirección artística: Bernard Herzbrun y Robert Boyle.

Decorados: Russell A. Gausman y Ruby R. Levitt.

Música: Irving Gertz, Henry Mancini y Herman Stein (no acreditados)

Montaje: Paul Weatherwax.

Reparto: Richard Carlson (John Putnam/Narrador), Barbara Rush (Ellen Fields), Charles Drake (Sheriff Matt Warren), Joe Sawyer (Frank), Russell Johnson (George)

Presupuesto: 750.000 dólares.

Rodaje: 29 días / desde el 4 de febrero al 9 de marzo de 1953.

Duración: 1:20:18 (Copia en BD 3D editada en Reino Unido por Universal en 2016).

Estreno: 27 de mayo de 1953 (Los Angeles, California).

Recaudación: 1.600.000 dólares (Variety, 13 de enero de 1954).



…

Sand Rock, Arizona / 11 de febrero…

…

Cuestión de números.

IT CAME FROM OUTER SPACE – inédita en salas comerciales en nuestro país al igual que las recientemente reseñadas THE MAN FROM PLANET X (1951) e INVADERS FROM MARS (1953) y que yo he traducido (creo que correctamente) como “LLEGÓ DEL ESPACIO EXTERIOR” – fue la segunda película como productor del actor William Alland (1916-1997) – y que protagonizó (siquiera en off) la considerada durante muchos años como la mejor película de la Historia del Cine, o sea, CIUDADANO KANE (1941), de Orson Welles –...



..., la primera de ciencia ficción del gran Jack Arnold (1912-1992) e igualmente la primera de ciencia ficción rodada en 3-D...



No obstante, a pesar de haber sido filmada en el tradicional 1.37:1 cuando se estrenó por primera vez en los cines RKO Hillstreet y Pantages de Los Angeles el 27 de mayo de 1953 se exhibió en formato panorámico (1.85:1) algo que rompía la ya cuidadosa puesta en escena de Arnold al recortar la imagen en la pantalla tanto por arriba como por abajo.



- Igual suerte corrieron títulos del calibre de RAÍCES PROFUNDAS (1953), de George Stevens (1.37:1 > 1.66:1) o BAHÍA NEGRA (1953), de Anthony Mann (1.37:1 > 1.85:1).

Afortunadamente hoy en día podemos disfrutar de las mismas en formato doméstico tal y como fueron concebidas originalmente. -

Arnold fue el director que más películas rodó en 3-D, en concreto cuatro: la cinta hoy comentada, ENSAYO DRAMÁTICO (1953), LA MUJER Y EL MONSTRUO (1954) y REVENGE OF THE CREATURE (1955) – secuela de la anterior -.



- Y detrás de él André De Toth (1913-2002) con tres: LOS CRÍMENES DEL MUSEO DE CERA (1953) – seguramente la más famosa de todas ellas, aunque no la mejor -, RIDING SHOTGUN (1954) – y que además fue la última película de la Warner rodada en 1.37:1 – y THE STRANGER WORE A GUN (1953) – rodada después pero estrenada antes que la anterior -. Todo un mérito teniendo en cuenta que De Toth era tuerto… -

Afortunadamente yo dispongo de dos televisores, uno de 50’ 4K y otro de 42’ 3D, por lo que he podido disfrutar de este (no tan) pequeño – como tampoco lo eran las dos cintas antes mencionadas - clásico de la ciencia ficción tal y cómo se rodó.

Y al contrario de lo que era habitual en la época Arnold no abusa para nada de las evidentes posibilidades que proporcionaba el sistema para epatar al espectador sino que lo usa en contadas ocasiones y siempre – salvo, lógicamente, las impuestas por el productor y/o el estudio – de una forma notablemente creativa.



Arnold era de la escuela de Val Lewton y Jacques Tourneur y prefería sugerir que mostrar...

Si la bellísima y recientemente fallecida Barbara Rush (1927-2024) – que sirva este modesto comentario como tributo a esta deliciosa actriz – ya había participado en uno de los primeros clásicos del género como es la (bíblica) CUANDO LOS MUNDOS CHOCAN (1951), de Rudolph Maté para George Pal (ay, ese ciclo que tenía previsto dedicado al productor austrohúngaro… ) – y segunda (…) en three-color Technicolor tras CON DESTINO A LA LUNA (1950), de Irving Pichel para… George Pal... y que protagoniza la que para mí es la escena más bella de la película, aquella en la que su doble se le aparece a su amado vestida con un sensual y vaporoso traje de noche oscuro, arrebatadora y tentadoramente hermosa...





… para Richard Carlson (1912-1977) esta fue la segunda de las tres películas fantásticas (sean o no de ciencia ficción) que estrenó en 1953. O sea, entre THE MAGNETIC MONSTER (1953), de Curt Siodmak y THE MAZE (1953), de William Cameron Menzies… el director de INVADERS FROM MARS…

Carlson, que igualmente protagonizó la maravillosa y ya mencionada LA MUJER Y EL MONSTRUO, parece que sentía afinidad por el género puesto que su primera película como director fue RIDERS TO THE STARS (1954)…



Partiendo de una idea del propio productor fue cosa de este el que el autor de ciencia ficción más prestigioso de los EUA, Ray Bradbury (1920-2012) – y que por entonces ya había publicado los que yo considero como sus dos mejores obras, “Crónicas marcianas” (1950) y “El hombre ilustrado” (1951) y estaba en ciernes de hacer lo propio con “Las doradas manzanas del Sol” (1953) y “Farenheit 451” (1953), todos ellas, por cierto, colecciones… incluida la última… -, se encargara de escribir el guion.



Por ello y a pesar de que en los genéricos aparezca el nombre de Harry Essex (1910-1997) – y que también intervino en la repetidamente citada LA MUJER Y EL MONSTRUO – en realidad este último parece ser que se limitó básicamente a hacer algunos pequeños retoques, especialmente en los diálogos, dado el característico estilo poético y de difícil traslación a la gran pantalla y que es una de las señas de identidad del gran cuentista norteamericano.

Por mera coincidencia (o tal vez no…) tres de las cuatro últimas películas que he comentado en este rincón – todas ellas pequeñas joyas (al menos desde mi modesto punto de vista) del cine de ciencia ficción de los años 50 – tienen como elemento común la llegada a nuestro planeta de visitantes del espacio exterior.

Unos visitantes que podrían dividirse en tres categorías:

- los beligerantes por naturaleza…

INVADERS FROM MARS

- los beligerantes por necesidad…

THE MAN FROM PLANET X

- los pacíficos que se ven obligados a ser beligerantes por necesidad…

IT CAME FROM OUTER SPACE

O sea, que si ya en THE MAN FROM PLANET X los habitantes del planeta errante querían conquistar la Tierra como mera cuestión de supervivencia al carecer el mismo de una estrella que evite el congelamiento del mismo en su viaje interestelar, en el caso de IT CAME FROM OUTER SPACE la explicación es mucho más jugosa (además de ser una referencia todo lo oblicua que se quiera a la Caza de Brujas que por entonces estaba en su auge) dado que el único motivo de que los alienígenas hayan llegado a nuestro planeta ha sido un simple accidente. Es más, su único deseo es arreglar tan pronto como puedan su nave – aunque pare ello tengan que duplicar (todo un anticipo de lo que acontecería en la celebrada LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS [1956], de Don Siegel) el cuerpo de algunos de los ciudadanos de la pequeña localidad de Sand Rock, en Arizona – y largarse como alma que lleva el diablo de un planeta en el que sus habitantes se muestran hostiles hacia civilizaciones mucho más avanzadas (y empáticas) solo por el hecho de ser diferentes. Y si para los humanos los alienígenas parecen el producto de sus peores pesadillas lo mismo intuyo les sucede a estos, aunque al menos son lo suficientemente educados como para no mostrar su desagrado.



IT CAME FROM OUTER SPACE se hermana, por tanto, con la magistral ULTIMÁTUM A LA TIERRA (1951), de Robert Wise, en su visión francamente pesimista de la especie humana y que las aleja de otras propuestas coetáneas mucho más agresivas.





En ambas (como sucedía también en THE MAN FROM PLANET X) no parece posible una relación de amistad y de intercambio de conocimientos entre los terrestres y los extraterrestres.

Como habéis podido comprobar el cine de ciencia ficción de los 50 es mucho más complejo y variado de que suele pensarse.

Y para terminar me gustaría destacar la banda sonora anónima de Irving Gertz, Henry Mancini (¡!) y Herman Stein amén del uso del característico theremín (usado cuando vemos los acontecimientos desde el punto de vista de los alienígenas) y que se ajusta como un guante a la, como decía, cuidada puesta en escena de Arnold y a la que el uso del 3-D realza todavía más.



Y dado que este puede ser el último comentario que haga en este o en cualquier otro de los hilos en los que participaba (tanto propios como ajenos) debido a cuestiones personales y que no tienen nada que ver ni con el foro ni mucho menos con las personas que participan en él (y a las que considero ya más como amigas que como compañeras) me ha hecho ilusión el hecho de que la única fecha que aparece en la película (y que podemos apreciar en la escena en la que John [Carlson] trata de convencer al sheriff Warren [el habitual Charles Drake] de que las desapariciones de varios conciudadanos se deben a los xenomorfos [se te adelantaron, amigo Scott… ] y que no tienen un carácter hostil pese a lo que – lógicamente – pudiera pensarse) es el 11 de febrero (de vaya usted a saber de que año, no desde luego 1953...)...



… el cumpleaños de mi querida ama y que falleció el pasado 1 de enero…

Un doble homenaje, por tanto, a la persona que más he querido en toda mi vida y a una actriz hoy olvidada pero que trabajó con el mismísimo Douglas Sirk (no recuerdo el nombre del indocumentado que se encargo de revisar su obra…) en títulos como LA PRIMERA LEGIÓN (1951), RAZA DE VIOLENCIA (1954), OBSESIÓN (1954) (¡¡!!) y ORGULLO DE RAZA (1955).



Buenas noches y, buena suerte.

Y ojalá el good BYE del inicio del comentario se convierta en el good NIGHT de la canción homónima y que pertenece al doble LP “The Beatles” (1968), de…

Agur eta ondo pasa.

Hombre, Alcaudón, espero que no sea verdad eso de que es tu última crítica.

Si es porque estás pasando una mala época, ya vendrán tiempos mejores, seguro. Date un respiro y más adelante, cuando estés más animado, vuelves con fuerzas renovadas, que seguro que hablar sobre cine resulta terapéutico para alguien como tú.

Excelente crítica, como siempre.

Yo estoy a medias con un comentario sobre Ulmer. A ver si pronto lo termino y lo publico. Un excelente director que me diste a conocer, así que no creas que tu esfuerzo cae en saco roto, Alcaudón, ni mucho menos. Se aprende mucho con tus análisis y con tu forma de acercarte al cine. Así que ánimos.

Amigo DrxStrangelove, no siempre querer es poder.

De todas formas intentaré hacer siquiera aportaciones puntuales especialmente en los hilos (o subhilos) que he creado pero no garantizo nada dado que las crónicas me llevan demasiado tiempo (por ejemplo, unas 7 horas para este último comentario frente a los 80 minutos que dura la proyección...) y cada vez tengo más problemas musculares amén del cambio de turno laboral que me obliga a madrugar y, por tanto, me impide los visionados nocturnos que estaba llevando a cabo en los últimos años. Además duermo muy pocas horas (entre 5-6 y eso que procuro no acostarme tarde dado que me despierto a las 06:15). De hecho, ahora solo puedo ver películas el viernes (si no me duermo) y el sábado.

Te agradezco de todo corazón tus inmerecidos elogios y te mando un fuerte abrazo.

Iniciado por Alcaudón

Segunda (y demorada... ) entrega del...

PROGRAMA DOBLE: CLÁSICOS (IGNORADOS Y/O DESPRECIADOS) DE LA CIENCIA FICCIÓN DE LOS AÑOS 50

FIVE (1951)

Tremenda reseña de un film que desconocía por completo y que rezuma una esencia de lo más adulta, seguramente por esa aspereza, por ser tan directa en su minimalismo, como bien díce Alcaudón, es que se ve a la legua en las imágenes. Y sí que recuerda a Bergman, como también me recuerda al existencialismo de Rossellini ahí en tierra volcánica también facturado en esa época junto a la sueca de un apellido anteriormente mencionado.

¿Que se va Alcaudón forzado por causas mayores? Mi respuesta es "paren este mundo que me bajo..." y ojo que lo entiendo y demasiado bien. Es el "rodaje", cariño, y Al ha sido por la dedicación a sus citas y su generosidad el Yakima Canutt del foro, stunt man dolorido. Pues es que si te vas por completo (que espero que no porque has dejado una puerta algo abierta...) será como el día que Wilder dijo que ya no habría más pelis de Ernste Lubitsch (obviamente) en 1947, será este comentario como el título de la última película de Raoul Walsh. Alcaudón es y ha sido el Max Steiner o el Erich Wolfgang Korngold del foro de cinefilia. Espero, deseo, que, aunque sea lo mínimo y por los buenos tiempos, que pases a saludar a lgunos veteranos del Vietnam que puedan quedar (y no me incluyo entre ellos ni por antigüedad ni por sabiduría). Sería revivir la marcha de Jane Olsen y de tantos otros de los que a lomejor ni llegué a saber yo. En fin, es un poco ley de vida, pero preferiría escuchar un "hasta pronto o luego" antes que un...adiós.

PD: Mira que me tiro la manta a la cabeza y lanzo un ciclo de John Ford, ¿eh? Soy capaz de patrocinar expediciones millonarias para encontrar el material no disponible de su primera década

Iniciado por rauletito

Te lo agradezco pero te aseguro que soy un tipo de lo más mediocre.

Nunca digas nunca jamás...

A ver no es que vaya a dejar de hacer aportes (de hecho tengo uno casi acabado [Goldstein] y otro empezado [Laughton]) sino que voy a tener que espaciarlos primero porque mis problemas musculares se me han incrementado exponencialmente en los últimos tiempos, segundo porque con el nuevo horario laboral solo puedo ver 1 o 2 películas por semana y tercero porque no sé cómo contener mi verborrea habitual y que me lleva un número de horas delante del ordenador que mi cuerpo ya no aguanta.

Claro que uno es de Bilbao y terco como una mula.

Aprovechando que mañana vamos una temperatura de cuarenta y cuatro (44) grados (Celsius) igual mañana me pongo con una pequeña crónica no sé si de las que tengo medio empezadas/terminadas o una nueva si la temperatura en el interior de la pequeña habitación donde tengo el ordenador no entra en estado de fusión.





Ya veré cómo se presenta el día y que tal ando de mis problemas musculares.

Como os gusta, poco hecho, con mucha carne y pocas patatas

o sea,

Programa doble:

Criaturas de Luz y Tinieblas

o

GOJIRA -1.0 (2023, GODZILLA MINUS ONE)

Producción japonesa.



Estrenada en Japón en los Toho Cinemas del Shinjuku Toho Building el 18 de octubre de 2023 y difusión general a partir del 3 de noviembre coincidiendo con el 69º aniversario de la de la película fundacional de la saga, JAPÓN BAJO EL TERROR DEL MONSTRUO (1954). Disponible en Netflix desde el 1 de agosto de este año.

- Película vista la noche del 9 de agosto -

Copyright 2023 Toho Co., Ltd.

Dirigida y escrita por Yamakazi Takashi.

Fotografiada por Shibasaki Kôzô en color y Scope.

Musicalizada por Satô Naoki.

Protagonizada por Kamiki Ryunosuke (Shikishima Koichi), Munetaka Aoki (Tachibana Sosaku) y Hamabe Minami (Oishi Noriko).



…

Coordenadas espacio / temporales:

La (imaginaria) isla de Odo > Tokio / verano de 1945 > diciembre de 1945 > marzo de 1946 > julio de 1946 > marzo de 1947










…

33ª (y por el momento última…) entrega de la saga (japonesa) dedicada a nuestro gigantesco anfibio antediluviano favorito, GODZILLA MINUS ONE es a la vez una precuela y un remake de la cinta de Honda que la inauguró en 1954.

- Esta última ya la comenté hace un puñado de años en el OR [https://www.mundodvd.com/las-ultimas.../#post4279089] aunque el pasado día 11 la volví a ver para poder apreciar mejor las diferencias entre una y otra, además de volver a gozar de este pequeño clásico del cine fantástico y que tan fértil descendencia ha tenido.



Digo que es una precuela porque la acción se inicia antes de los lanzamientos de las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki, el 6 y el 9 de agosto de 1945, respectivamente.

Por tanto, (el despertar y) el primer ataque de Gojira/Godzilla a la (ficticia) isla de Odo, en el archipiélago japonés, se produce ANTES de los mismos, cosa que no acontecía en la primera entrega de la saga.

- Recordemos que esta se desarrollaba poco tiempo después del uso de las primeras bombas H por parte primero de los EUA (el 1 de noviembre de 1952) y después de la URSS (el 12 de agosto de 1953). -

De esta forma queda notablemente diluido lo que era el nudo gordiano de la película de Honda: una denuncia (todo lo simple que se quiera) del uso de la energía nuclear como forma de resolución de los conflictos entre naciones.

Afortunadamente en la diminuta isla en ese momento solo se encontraba un pequeño grupo de mecánicos del Cuerpo Aéreo Naval de Tsukuba bajo el mando de Tachibana (Munetaka Aoki) y el recién llegado teniente Shikishima (Kamiki Ryunosuke), un kamikaze que ha huido de la batalla en la que se encontraba inmerso.



Después del brutal ataque del coloso y debido (de nuevo) a la inacción del piloto a la hora de disparar la ametralladora de su avión (el único arma que existe en la isla) solo él y Tachibana sobrevivirán al mismo.

En la mejor tradición schraderiana (hiperlativamente hablando...) GODZILLA MINUS ONE es la historia sobre el pecado, la culpa y la expiación de Shikishima, el protagonista de la misma,...



... la cual además está acertadamente acompasada a la conversión de Godzilla en un auténtico ser de pesadilla al desarrollar nuevos poderes acordes a las armas de destrucción masiva utilizadas indiscriminadamente por las dos grandes superpotencias.

Su regreso a Tokio no puede ser más triste puesto que los bombardeos de las tropas aliadas han arrasado con todo, incluido el hogar que compartía con sus padres.

No obstante allí conocerá a otra huérfana de guerra, de nombre Noriko – como el personaje femenino de la maravillosa trilogía del genial Ozu - (Hamabe Minami), quien a su vez se ha hecho cargo de una bebé huérfana al igual que ellos.

Será a partir de entonces cuando Shikishima inicie su largo y tortuoso camino de purificación primero trabajando en un pequeño barco de madera con el fin de destruir los miles de minas (se calcula que unas 60.000) que tanto los japoneses como los norteamericanos diseminaron cerca de las costas de su país y sobre todo gracias a su relación con la joven Oishi y la hija adoptiva de ambos, Akiko.



En contraposición a la saga combinada de Godzilla y el Rey Kong (que además está claramente decantada hacia este último) del llamado MonsterVerse creado al alimón por las norteamericanas Legendary y Warner aquí el protagonismo no recae tanto en la Criatura (después de todo no es un Monstruo en el sentido estricto de la palabra puesto que su despertar ha sido debido a la irreflexiva actividad humana) como en el mencionado kamikaze.

De hecho, las secuencias en las que Godzilla ataca (¿o más bien se defiende?) son contadas aunque están inteligentemente concebidas y convenientemente dosificadas.

Además las mismas están diseñadas de forma que sean tanto un homenaje a la cinta original (con un Godzilla que tiene un aspecto y una manera de moverse muy similar a la que presentaba en esta) como un ejemplo de la perfección a la que se ha llegado en el uso de los antes llamados efectos especiales.



No olvido que al inicio de mi disertación he mencionado el hecho de que además de una (posible) precuela (algo lógico por otra parte dado que la película se titula GODZILLA MINUS ONE) también puede considerarse en cierta forma un remake de la primera entrega de la saga dado por una parte la cercanía del 70º aniversario de la misma como el hecho de que se remedan algunas de sus escenas más antológicas, como aquella en la que Godzilla ataca un tren de pasajeros (aquí además en el mismo viaja Noriko)...





... o especialmente cuando descarga su furia sobre el edificio en el que se encuentra encaramado un equipo de televisión retransmitiendo en vivo y en directo el caos provocado por la Criatura...



Y, por supuesto, el invento del doctor Noda (Yoshioka Hidetaka), que forma parte de la tripulación del barco dragaminas y que será quien idee la única arma que (aparentemente…) pueda acabar con una Criatura surgida de los fuegos infernales de la mente humana. Si en la versión de 1954 teníamos el Destructor de Oxígeno ideado por su homónimo, el tuerto doctor Serizawa (Hirata Akihiko) aquí tenemos el uso del gas freón (un producto, por cierto, altamente dañino para la capa de ozono) de forma que las burbujas del mismo envuelvan al coloso y lo envíen al fondo de la bahía de Tokio para siempre…



Si retrocedemos en el tiempo y volvemos al 5º segmento (aquel que se inicia en julio de 1946) asistiremos al segundo despertar de Godzilla provocado por la detonación de una bomba atómica en el atolón Bikini en la denominada Operación Encrucijada.

La persecución a la que se ve sometido el pequeño dragaminas por parte de Godzilla nos recuerda poderosamente a una muy similar que acontecía en la magistral TIBURÓN (1975), de Steven Spielberg.



Es más, el protagonista utilizará el mismo truco que usaba el jefe de policía Brody (Roy Scheider) para acabar intentar acabar con Godzilla… aunque sin obtener los mismos resultados…

Será además aquí donde seamos partícipes por primera vez de los nuevos poderes que le ha proporcionado la absorción de las enormes energías desatadas por las explosiones que empiezan a trufar la superficie del planeta.



Como mencionaba antes es de agradecer que el director recree en buena medida la fisonomía del Godzilla original lo que lo hace más plausible (en contra de lo que pudiera parecer si recordamos que en la versión de 1954 se usaron tanto muñecos articulados como un actor disfrazado).

La destrucción de Ginza, un distrito de uno de los barrios más señoriales de la capital y donde trabaja Noriko, será el preludio del ataque final de la Criatura y durante la misma asistiremos a las dos secuencias que antes mencionaban y que proceden de la versión de 1954.

Como decía, la correcta dosificación de las apariciones de Godzilla hace la película mucho más atractiva que las homónimas norteamericanas.

Igualmente la misma es un homenaje a KING KONG (1933), de Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper, como podemos apreciar en la secuencia en la que Shikishima ataca con un pequeño caza a Godzilla y que nos recuerda al final cuando Kong es abatido por los biplanos cuando se encuentra en la cima del Empire State Building aunque en este caso sirviendo de señuelo para que la Criatura se aleje de la costa y de esta forma pueda operarse el plan diseñado por el doctor Noda.

¿Cómo se resolverá el conflicto?

¿El (aparente) sacrificio del teniente Shikishima tendrá su recompensa?

¿En verdad es posible acabar con una bestia de tiempos remotos…?

Si tenemos en cuenta que el primer Godzilla quedó literalmente en los huesos después del uso del Destructor de Oxígeno y pese a ello llevamos ya 33 entregas de la saga creo que la segunda pregunta ya ha sido contestada.

Y en cuanto a la primera tendréis que ver la película.

No deja de ser paradójico que Godzilla, tanto en la versión de 1954 como en la de 2023, ataque no a los agresores (o sea, los aliados) sino a los agredidos (o sea, los japoneses) que además son sus propios “paisanos”.

Lo cual nos puede llevar a la paradójica conclusión de que Godzilla no es tanto la respuesta de la Naturaleza frente al uso de las armas atómicas por parte de los aliados como el castigo autoinfligido por la propia sociedad japonesa por las atrocidades cometidas por su ejército en el curso de la SGM (e incluso antes con la invasión de Manchuria en 1931).

O sea, un ángel vengador que sirva para expiar (como le sucedía al protagonista de la historia) un pecado tan enorme como el que asumió libremente el pueblo japonés sobre sus hombros y del que hoy en día todavía no se ha desprendido del todo.

Godzilla es la primera de las dos Criaturas de Luz (la de la energía nuclear que expulsa de su boca) y Tinieblas (dado que vive en el fondo del mar) que dan título a este jugoso programa doble…

y…

CUANDO ACECHA LA MALDAD / WHEN EVIL LURKS (2023)

Coproducción entre Argentina y los EAU.



Estrenada en Canadá en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 13 de septiembre de 2023 y en España en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya el 10 de octubre de 2023.

- Película vista la noche del 10 de agosto -

Copyright 2023 Digital Store LLC

Dirigida y escrita por Demián Rugna.

Fotografiada por Mariano Suárez, en color y Scope.

Musicalizada por Pablo Fuu.

Protagonizada por Ezequiel Rodríguez (Pedro), Demián Salomón (Jimi) y Silvina Sabater (Mirtha).



…

Coordenadas espacio / temporales:

Un lugar de Argentina de cuyo nombre no quiero acordarme / El presente

…

Si como antes decía Godzilla, aunque tremendamente peligrosa, no es una Criatura maligna no puede decirse lo mismo del (esquivo) protagonista de esta espléndida cinta argentina (en coproducción con los EUA) justamente merecedora del galardón a la mejor película en la última edición del Festival de Cine de Sitges.

Y es que aquí estamos hablando simple y llanamente del Mal (con Mayúsculas). O sea, del mismísimo Satanás o de alguno de sus acólitos.

Así como GODZILLA MINUS ONE es un homenaje a JAPÓN BAJO EL TERROR DE LOS MONSTRUOS en el caso de CUANDO ACECHA LA MALDAD las fuentes de las que podría surtirse esta sorprendente y original propuesta son de lo más diverso puesto que van desde clásicos como el segmento “El vurdalak” de LAS TRES CARAS DEL MIEDO (1963), de Mario Bava, EL EXORCISTA (1973), de William Friedkin o LA PROFECÍA (1976), de Richard Donner, pasando por autores más modernos como M. Night Shyamalan (en concreto EL BOSQUE [2004] y LA VISITA [2015], títulos antitéticos pero a las que un elemento esencial de la trama las une e igualmente a la película hoy comentada) hasta llegar a esa corriente del cine (o de la televisión) de terror imperante hoy en día y de la que los zombis son sus principales abanderados, sin menoscabo de la siempre incansable presencia de la fértil descendencia del aristocrático Monstruo surgido de la imaginación del irlandés Bram Stoker.

Dado que la historia trata básicamente del tema de las posesiones diabólicas y de su erradicación lo lógico sería pensar que es EL EXORCISTA la piedra sobre la que el argentino Demián Rugna (1979) edificará su iglesia (léase película).

- Aunque no me gusta repetir la jugada dos veces no deja de ser tentador que si en su momento confeccioné un programa doble con las cintas de Friedkin y Donner usando como excusa el que el nombre del protagonista de ambas era el mismo… Damien…

… no deja de tener sorna el que el nombre del realizador, como acabo de indicar, es… Demián…

Y no solo eso sino que el actor que encarna al hermano del protagonista también se llama de igual forma…

En verdad que el mundo es un pañuelo… lleno de mocos verdosos… -

Sin embargo, en esta película el tema de la posesión es mucho más elaborado y sofisticado puesto que aunque surge (no sabemos cómo) dentro de lo que podríamos llamar un paciente cero (aquí llamado muy acertadamente “embichado” o “encarnado” y no “poseído” como suele ser habitual) se extiende como un plaga y no solo de una persona a otra sino también a través de los animales e incluso de los objetos que portan.

Lo singular es que “el embichado” es un ser pasivo al contrario de lo que ocurre con los vampiros o los zombis.

Y es que el Demonio (o un demonio, como intenté dejar claro en su momento en la reseña de EL EXORCISTA) parasita el cuerpo de su hospedador al igual que hacía cierto xenomorfo que pulula estos días por las pantallas de cine de nuestro país (¡oh, cielos!) y no emerge del mismo hasta que se ha formado por completo.





Por ello es durante ese intervalo de tiempo que media desde su contagio hasta su nacimiento cuando es más vulnerable, lo que no implica ni mucho menos que se encuentre indefenso…

Recordemos que en EL EXORCISTA el demonio Pazuzu solo puede ocupar un cuerpo (en este caso el de la adolescente Regan) y que este solo salía del mismo al intentar hacer lo propio con el más joven de los dos exorcistas, el padre (Damien) Karras, alguien más acorde con las necesidades de la infernal criatura.

Aquí, en cambio, Uriel (de nuevo curiosamente [¿o tal vez no?] el nombre de uno de los Siete Arcángeles) y que viene a ser un cruce entre Jabba el Hutt de LA GUERRA DE LAS GALAXIAS (1977) y el zombi (de nuevo le viene al mismo como anillo al dedo la denominación “paciente cero”) que desencadenaba el Apocalipsis en la injustamente menospreciada NUEVA YORK BAJO EL TERROR DE LOS ZOMBI (1979), de Lucio Fulci,...



... no es por tanto más que la crisálida de la que nacerá, cual mariposa, el Anticristo (o uno de sus más fieles seguidores, que para el caso es el mismo).

El protagonista, Pedro (un excelente Ezequiel Rodríguez), será el involuntario vector del que se valdrá Uriel para que aquel, al igual que el cabeza de familia del segmento “El vurdalak” de LAS TRES CARAS DEL MIEDO, Gorcha (Boris Karloff) – basado a su vez en el excelente cuento “La familia del vurdalak” de Alekséi K. Tolstoi -, vaya masacrando sistemáticamente a su propia familia en una espiral de horror que por momentos alcanza el paroxismo.

No obstante, aunque las (contadas) escenas de extrema violencia son contundentes justo es de reconocer que Rugna las dosifica a la perfección y tampoco se recrea en ella más de lo que la trama requiere.

Sigamos con las otras (posibles) fuentes que también mencionaba al inicio de mi crónica.

De LA PROFECÍA la elección de Satanás (esta vez sí) de la esposa del diplomático Robert Thorn (Gregory Peck), Kathy (Lee Remick), como el receptáculo más idóneo para que nazca su Hijo y se convierta en aquel que abra las puertas del Infierno en la Tierra.

Además la ominosa presencia de los perros desde el rottweiler que hace compañía a Damien (Harvey Stephens) hasta los que atacan a Robert y al fotógrafo Keith (David Warner) en el cementerio donde fue enterrado su verdadero hijo y que le permite a Rugna idear una de las secuencias más espeluznantes y mejor diseñadas como es la de la posesión del perro de la hija de la ex-pareja de Pedro, Vicky (Lucrecia Niron Talazac), a la que destrozará ante la atónita mirada de su hermanastro, el pequeño Santino (Marcelo Michanaux).



Dado que el Mal no se transmite por el aire sino a través del contacto, ya sea con personas, animales o cosas (en el caso anterior las ropas que Pedro se trajo de la casa de la familia del “embichado”) ello nos lleva a la aparentemente disparatada conexión con el cine de Shyamalan y, más específicamente, con las dos cintas señaladas.

Y es que las tres comparten una serie de Reglas que nunca, pero nunca, hay que romper…

En el caso de EL BOSQUE – curiosamente la que yo considero su magnum opus no está editada en BD ni siquiera en los propios EUA (¡!) -…



1. Let the bad color not be seen. It attracts THEM.

2. Never enter the woods. That is where THEY wait.

3. Held the warning bell. For THEY are coming.

En el de LA VISITA – el (glorioso) retorno al mejor Shyamalan en años -…



1. Have a great time.

2. Eat as much as you want.

3. DON’T EVER LEAVE YOUR ROOM AFTER 9:30 PM.

- El uso de las Mayúsculas corre a cargo de este su seguro servidor -

Aquí no serán 3 sino 7 las reglas que hay que cumplir a rajatabla si uno no quiere pasar a mejor vida… o a algo peor…

1. No utilizar luz eléctrica.

2. Mantenerse alejado de los animales.

3. No emplear armas de fuego.

4. No herir a las criaturas (yo diría más bien Monstruos…).

5. Evitar acercar objetos a ellos a los que se adhieran.

6. No menciones al diablo.

7. No temas a la Muerte.

Fácil, ¿verdad?

Pues no dado que, por ejemplo…

… el terrateniente Ruiz (Luis Ziembrowski) mata al cabrón (no es un insulto, es el macho de la cabra) de un tiro entre ceja y ceja…



... lo que provocará que a continuación su esposa embarazada, Jimena (Desireé Salgueiro), la emprenda a hachazos con su cabeza y a continuación con la suya propia en una escena ciertamente escalofriante…



… regla n.º 3…

… la ropa que porta Pedro y que ha tenido contacto con el cuerpo putrefacto de Uriel y de cuya esencia se impregna el olfato del perro de su ex-esposa, Sabrina (Virginia Garófalo) y su nueva pareja, Leo (Federico Liss), cuando intenta llevárselos en su huida desesperada...

… reglas n.º 2 y 5º…

… y así una tras otra…

Pero la película no solo trata de la posesión sino también de uno de los grandes tabúes de la sociedad… el canibalismo…

… un tema, por cierto, que parece que vuelve a estar de moda en el cine de terror moderno…

Así…

… Sabrina, cual Cronos, devora a su propio hijo, Santino, en una escena observada por incredulidad más que con horror por el hermano de Pedro, Jimi (Demián Salomón), quien aparentemente no parece – y digo no parece – participar del horror que gira entorno a su hermano mayor…



… Eduardo, el hermano pequeño de Uriel (ya sabéis el “paciente cero”) y principal implicado junto a Pedro de la expansión del Mal y que primero devora al “limpiador” (o sea, al exorcista)…

- Rugna de una manera harto brillante se carga al exorcista antes siquiera de haber intentado hacer el exorcismo, con lo que la conexión con la película de Friedkin (y antes con la novela de Blatty) desaparece de un plumazo. -

… y más tarde a su propia madre, María Elena (Isabel Quinteros), como el mismo reconoce a su pesar…

… y Jair (Emilio Vodanovich), el hijo mayor de Pedro y Sabrina, hará lo propio con su abuela, Sara (Paula Rubinsztein), la persona que les recuerda a sus hijos, Pedro y Jimi y a su nieto, Santino, las 7 reglas que NUNCA deben ser quebradas…



Aquí no hay, por tanto, un final feliz como en EL EXORCISTA sino uno más próximo al de LA PROFECÍA puesto que el Mal se acaba por imponer al Bien…

… un Bien que, por cierto, jamás hace acto de presencia en las películas de terror, ya sea clásicas o modernas y que nos deja la inquietante reflexión de que como dijo un filósofo alemán de cuyo nombre no quiero acordarme…

… Dios (o el Bien) ha muerto…

Pero si es así, ¿por qué el Mal no es dueño y señor del planeta Tierra?

Aunque en este caso el querido amigo Roy “Mad Dog” Earle no coincida para nada con mi criterio para mí CUANDO ACECHA LA MALDAD es una (otra…) de las mejores películas de terror de los últimos años, algo que el visionado de su obra anterior, la excelente ATERRADOS (2017), no ha hecho sino ratificar.



Buenas noches y, buena suerte.



P. D. Durante la elaboración de este comentario ninguna ente diabólico, persona, animal o xenomorfo (¡ay!) ha resultado dañado.

No podría decir lo mismo del que esto escribe…

Iniciado por Alcaudón

Aunque en este caso el querido amigo Roy “Mad Dog” Earle no coincida para nada con mi criterio para mí CUANDO ACECHA LA MALDAD es una (otra…) de las mejores películas de terror de los últimos años, algo que el visionado de su obra anterior, la excelente ATERRADOS (2017), no ha hecho sino ratificar.

Por alusiones... Pues no, no coincido en absoluto ni contigo ni con multitud de espectadores (entre ellos, ciertos "jovenes adultos" de cuyo nombre no quiero acordarme) que han lanzado las campanas al vuelo con este film argentino, incluida la clientela del festival de Sitges (del que, vista esta prueba, una de sus recientes "joyas", he de procurar mantenerme más alejado que de un "embichado" ), llegando incluso a considerar el film de Rugna como "transgresor" (¡cómo de devaluado está hoy en día este término!). No solo me quedé dormido durante su visionado (lo cual podría ser excusable por los rigurosos calores estivales, especialmente narcóticos durante la digestión), sino que después, con más moral que el Alcoyano (como se solía decir años ha, en tiempos del Pulgarcito), cuando recuperé (en mala hora) la conciencia, me sometí a un nuevo intento que, desgraciadamente, esta vez no me lanzó en brazos de Morfeo, sino más bien en los del aburrimiento.

Ese cóctel de referencias a muertos vivientes con tendencias antropófagas, demonios de paso (de incierta filiación), niños asilvestrados con aviesas intenciones, futuros apocalípticos provocados por los efluvios malignos de extraños seres purulentos, etc., no me supo generar el menor interés. Todo ello material que hace la friolera de 50 años o más ya fueron tratados mucho mejor. Una vez, y van... (ya lo siento), discrepo de esa tendencia a la alabanza hiperbólica del cine de terror de hogaño que profesa nuestro hombre en la ría del Nervión.

En fin, como sé que nuestro pájaro bilbaíno amenaza con pasarse enjaulado el próximo festival de Sitges viendo películas de este pelaje, me temo que cualquier esperanza en la salvación de su alma cinéfila es inútil. ¡Que Flanagan nos coja confesados!

No me tientes que después me vi su anterior largo, ATERRADOS (2017) y también me gustó mucho aunque no tanto como esta espléndida 🤭 que acabo de comentar.

Lo cierto es que no deja de ser paradójico que a mi edad (frisando ya los 59) el género de terror, tanto del punto de vista cinematográfico como literario, se haya convertido en uno de mis favoritos.

Amigo Roy, recuerda que cuando se estrenaron las versiones en color de las Criaturas clásicas de la Universal cortesía de la Hammer (y especialmente de su director estrella, Terence Fisher) todo el mundo las consideró muy inferiores a las de los años 30.

Un intercambio de pareceres que hombres civilizados como nosotros resolvemos siempre con la mejor de las sonrisas...