Tema: El callejón de las películas perdidas

Si logro recuperarme de la ciática me enfundaré el disfraz de abogado del Diablo dado que no comparto muchas de vuestras (atinadas) reflexiones aunque tendré que hacerlo en formato bolsillo porque mis recuerdos cada vez se convierten más rápido en lágrimas bajo la lluvia.

El tren (The Train, 1964), de John Frankenheimer



Estos días hemos estado dándole vueltas en privado a un par de films de John Sturges, uno ya comentado aquí (The Satan Bug, el otro es Ice Station Zebra), que no han sido de mi agrado. Más o menos por las mismas fechas, otro director, más joven, perteneciente a la llamada ”generación de la televisión”, entregaba este brioso film bélico. Frankenheimer fue el director de títulos muy destacados de los sesenta: Birdman of Alcatraz, The Manchurian Candidate, Seven Days in May o Seconds, tanto en Birdman of Alcatraz como en Seven Days in May con el protagonismo de Burt Lancaster, al igual que esta The Train que comento a continuación.

El argumento, inspirado libremente en “Le Front de l’art: défense des collections françaises, 1939-1945”, memorias de Rose Valland, conservadora de museos y miembro de la resistencia, convierte la experiencia histórica de salvaguarda del patrimonio artístico francés durante la ocupación alemana en un vigoroso relato en que la acción y la fisicidad pasan a primer plano.

La acción de los miembros de la Resistencia consiste en impedir que un convoy de vagones abarrotados de pinturas de los grandes maestros (de Renoir a Degas, de Picasso a Miró, de Van Gogh a Toulouse-Lautrec) transporte el tesoro artístico a Alemania, en una operación de rapiña encargada al circunspecto coronel Von Waldheim (encarnado por Paul Scofield). A regañadientes, Paul Labiche (un Burt Lancaster que impone su presencia física), responsable de la movilidad de los trenes en París, con la capital ya convertida en “ciudad abierta”, en plena huida de las tropas germanas, asume la misión de engañar a los alemanes y conservar el cargamento en territorio francés.



Labiche es un miembro de la Resistencia, pero no ve claro que unas obras de arte estén por encima de las personas que arriesgarán sus vidas (y muchos la perderán) en la misión. La película sitúa en primer plano ese dilema moral sin que se incline claramente en un sentido u otro. Con todo, Labiche se implica a fondo, como un combatiente de primera línea, metralleta en mano.



Él tomará el control de la locomotora, cuando el viejo maquinista Papa Boule (encarnado por el gran Michel Simon) sea fusilado al ser descubierto como saboteador de la locomotora.



Más tarde, protagonizará el sabotaje del transporte, poniendo explosivos en las vías y retrasando el convoy, a la espera de la llegada de los aliados. Será también Labiche quien, finalmente, “ejecute” a Von Waldheim, que renuncia a huir con las tropas en retirada y se queda junto al cargamento, que era la misión de su vida (él mismo un enamorado de las obras de arte). Así, el enfrentamiento final pone cara a cara al amante del arte, el alemán que “robaba” a su pesar las obras, con el luchador por la libertad de Francia, que hubiera preferido poner por delante la vida de sus compañeros que los cuadros.



Junto a la acción, generosa, destaca la fisicidad de las imágenes, brillantemente fotografiadas en blanco y negro (se acredita como responsables a Jean Tournier y Walter Wottitz). Se nos muestra con detalle el funcionamiento de la locomotora, las vías, los vagones, los accidentes que sufrirá el tren, todo ello con un excelente ritmo y con efectos especiales creíbles.



Quedará un resquicio para la presencia de un personaje femenino con cierta consistencia, el de Christine (interpretado por Jeanne Moreau), que ayudará a Labiche en su huida, además de mostrar una breve aparición inicial de una tal Mlle Villard (Suzanne Flon), clara referencia a Rose Valland.



Lástima que, como mandaban y siguen mandando los cánones del cine de Hollywood (y no solo del estadounidense), todos los personajes hablen en inglés, da igual que sean alemanes o franceses (solo, de fondo, se oyen de vez en cuando algunos gritos en alemán).

Al parecer hay una versión francesa un poco más larga, pero la que he visto en Movistar es la versión en inglés, en la que algunos actores, como el caso de Michel Simon, están claramente doblados.

Cuando el viento sopla (When the Wind Blows, 1986), de Jimmy T. Murakami



Jimmy T. Murakami, californiano de origen japonés, era un director desconocido hasta ahora para mí, aunque sabía que tenía en su corta filmografía un título, Battle Beyond the Stars, que pasa por ser una adaptación en forma de space opera de una de las grandes obras maestras de Akira Kurosawa (de ahí que, oportunamente, se titulase en castellano Los 7 magníficos del espacio).

Esta When the Wind Blows, de entrada, me remitía a una canción de David Bowie, que sirve de introducción a la película.



Se trata de la adaptación de la novela gráfica del mismo título de Raymond Briggs, de 1982, con guion del propio autor.



Compruebo por medio de la imagen que enlazo que la película respeta notablemente el estilo de los dibujos originales. La historia que nos cuenta es la descripción de los efectos de una explosión nuclear sobre un matrimonio inglés que vive en el campo.



Primero, nos muestra los miedos y las ingenuas precauciones ante la inminencia del estallido de una guerra con la URSS (todavía vivíamos en un mundo bipolar, separado por el Telón de Acero, en que el temor a las bombas atómicas y las radiaciones estaba muy vivo entre la población europea).



Después, la constatación, lenta pero inexorable, que esas precauciones no han servido de nada: faltan la electricidad, el agua, los alimentos, la casa ha quedado maltrecha, el paisaje ensombrecido y emponzoñado, la vida, en definitiva, se ha vuelto imposible.

Quizá la película es un tanto reiterativa, monótona, a lo que ayuda el sonsonete de las voces del matrimonio Bloggs, Jim (John Mills) y Hilda (Peggy Ashcroft), pero esa acumulación de frases triviales mientras el mundo se desintegra acaba produciendo una sensación de pesadez muy deprimente, que sin duda sirve a la denuncia del terror que impone la amenaza de la guerra nuclear (recordemos que aquí eran tiempos de “OTAN no, bases fuera”).



A todo ello ayuda la música de Roger Waters, que cultiva ese tono inquietante que también se desprendía del disco con Pink Floyd “The Wall”:



Original, merece sin duda una revisión, sobre todo en estos tiempos en que se nos incita a tener en casa un “kit de supervivencia”.

Y de la que disponemos de una reciente (y excelente) edición cortesía de Blackie Books...

https://blackiebooks.org/producto/cu...-viento-sopla/

La prisionera (La prisonnière, 1968), de Henri-Georges Clouzot



Clouzot es uno de esos directores al que le deberíamos dedicar un día un “revisando sus películas”, tanto porque su filmografía es corta (13 largos en 35 años), como, muy en especial, porque tiene un puñado de títulos magníficos: Le corbeau, Quai des Orfèvres, Manon, Le salaire de la peur, Les diaboliques o Les espions.

Esta La prisonnière, su canto de cisne, está entre ellos. A partir de un guion propio, escrito con la colaboración de Monique Lange y Marcel Moussy, Clouzot se mueve en un terreno sumamente inquietante que nos remite al Peeping Tom de Michael Powell.



Stanislas Hassler (Laurent Terzieff, un actor cuyo aspecto siempre me ha resultado de lo más perturbador) regenta una galería de arte moderno, donde expone Gilbert (Bernard Fresson).





La mujer de este, Joseé (Élisabeth Wiener), se siente atraída por Hassler, un tipo con un aura de misterio. De visita a su casa, lujosamente decorada, de forma un tanto asfixiante,



ve involuntariamente una foto que Hassler ha hecho a una mujer desnuda y encadenada, descubriéndose así su secreto: contrata a modelos con las que hace fotos que podríamos calificar de sadomasoquistas.

La sensación de poder, combinada con la sumisión de las modelos, que experimenta Josée cuando asiste a una de las sesiones acaba de tentarla, de sacar a la luz su lado oscuro: ahora quiere ser ella la que pose para él.





El juego, que deviene amoroso, tiene una derivación peligrosa que acabará afectando la vida de Josée, especialmente cuando Hassler se niega a cualquier atadura con ella, después de un viaje a la Bretaña.

Clouzot juega con la composición de los encuadres y sobre todo con el color, de manera que la propia película acaba pareciéndose a las obras que se exponen en la galería de Hassler, muy en particular durante los tres minutos antes de los créditos finales en los que Clouzot prescinde de la narratividad y nos ilustra los sueños de una Josée postrada en la cama de un hospital de forma caleidoscópica, jugando con la fragmentación y las imágenes hipnóticas.



Un film muy estimable que confirma un director siempre dispuesto a la experimentación y poco acomodaticio.

I’ll come back for the honey and YOU…

o

PROGRAMA DOBLE ORIGINAL:

IT! THE TERROR FROM BEYOND SPACE (1958)

T.O.: ¡ESO! EL TERROR MÁS ALLÁ DEL ESPACIO



Director: Edward L. Cahn.

Productor ejecutivo: Edward Small.

Productor: Robert E. Kent.

Producción: Vogue Pictures, Inc. / Edward Small Productions, Inc.

Distribución: United Artists Corp.

Guion: Jerome Bixby.

Fotografía: Kenneth Peach, en blanco y negro y formato panorámico (1.85:1).

Dirección artística: William Glasgow.

Decorados: Herman Schoenbrun.

Música: Paul Satwell y Bert Shefter.

Supervisor del montaje: Grant Whytock.

Reparto: Marshall Thompson (Coronel Edward Carruthers), Shawn Smith (Ann Anderson), Kim Spalding (Coronel Van Eusen), Ann Doran (Mary Royce), Dabbs Greer (Eric Royce), Paul Langton (Teniente James Calder), Robert Bice (Mayor John Purdue), Richard Benedict (Bob Finelli), Richard Hervey (Gino Finelli), Thom Carney (Jo Kienholz) y Ray Corrigan (“Eso”).

Rodaje: mediados de enero de 1958.

Duración: 1:09:07 (Copia en DVD editada por L’Atelier 13 Pictures en 2010).

Estreno: 14 de agosto de 1958 (en programa doble junto a CURSE OF THE FACELESS MAN)





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Coordenadas espacio / temporales:

Marte > El espacio / 1973

…

y

CURSE OF THE FACELESS MAN (1958)

T.O.: LA MALDICIÓN DEL HOMBRE SIN ROSTRO



Director: Edward L. Cahn.

Productor ejecutivo: Edward Small.

Productor: Robert E. Kent.

Producción: Vogue Pictures, Inc. / Edward Small Productions, Inc.

Distribución: United Artists Corp.

Guion: Jerome Bixby.

Fotografía: Kenneth Peach, en blanco y negro y formato panorámico (1.85:1).

Dirección artística: William Glasgow.

Decorados: Herman Schoenbrun.

Música: Gerald Fried.

Supervisor del montaje: Grant Whytock.

Reparto: Richard Anderson (Dr. Paul Mallon), Elaine Edwards (Tina Enright/Lucilla), Adele Mara (Maria Fiorillo), Luis van Rooten (Dr. Fiorillo), Gar Moore (Dr. Enricco Ricci), Felix Locher (Dr. Emanuel), Jan Arvan (Inspector Renaldi) y Bob Bryant (Quintillus)

Rodaje: finales de marzo de 1958.

Duración: 1:06:28 (Copia en DVD editada por L’Atelier 13 Pictures en 2009).

Estreno: 14 de agosto de 1958 (en programa doble junto a IT! THE TERROR FROM BEYOND SPACE).



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Coordenadas espacio / temporales:

Golfo de Nápoles (entre Pompeya y Nápoles) / del 3 de junio al 24 de agosto de 1958

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He aquí un auténtico programa doble de la época.

Dos películas del prolífico artesano Edward L. Cahn (1899-1963) que se rodaron de forma consecutiva (bueno, casi, puesto que en medio intercaló el noir HONG KONG CONFIDENTIAL) y que se estrenaron, como acabo de indicar, en forma de programa doble aunque destacando la primera frente a la segunda como se puede comprobar en la cartelería de la época.



- Ejemplo de esa fecundidad a la que hacía referencia es el hecho de que en dicho año (1958) Cahn estrenó 5 películas (JET ATTACK y SUICIDE BATALLION para la AIP y IT! THE TERROR FROM BEYOND SPACE, HONG KONG CONFIDENTIAL y CURSE OF THE FACELESS MAN para Edward Small y la UA). -

Ninguna de las dos cintas supera los 70 minutos de duración lo cual es de agradecer en estos tiempos de elefantiasis fílmica.

Y aunque hoy es mucho más recordada por los aficionados al fantástico IT! THE TERROR FROM BEYOND SPACE por el hecho de ser el precedente (cinematográfico, que no literario) más antiguo de la obra maestra de Ridley Scott, ALIEN (EL OCTAVO PASAJERO) (1979)...



... lo que cierto es que CURSE OF THE FACELESS MAN tiene una atmósfera más conseguida a pesar de que ambas adolezcan de los mismos defectos e igualmente compartan las mismas (escasas, aunque tampoco despreciables) virtudes.



Si alguien se molesta en leer las fichas técnicas que preceden a todos mis comentarios (y que a veces me llevan más tiempo confeccionar que los mismos...) podrá comprobar que ambas cintas comparten al completo el mismo equipo técnico salvo en lo referente al apartado musical.

En cambio ninguno de los actores/actrices repite, ni siquiera el que encarna al Monstruo, ya sea “Eso” o “El hombre sin rostro”.

Dado que tanto los guiones del escritor de ciencia ficción Jerome Bixby (1923-1998)…

- Especialmente recordado por su cuento “It’s a Good Life” (Star Science Fiction Stories N.º 2 [diciembre de 1953]) que sirvió de base para uno de los mejores (y ya es decir) episodios de la mítica serie de Rod Serling “The Twilight Zone” (1959-1964), el titulado “Es una buena vida” (Temporada 3, Episodio 8 [3 de noviembre de 1961]).



… como la dirección de actores de Cahn no eran precisamente como para sentar cátedra (teniendo en cuenta además que se echaba mano de actores/actrices de segunda fila y/o escaso carisma), lo más destacable de ambas producciones son pequeños aciertos en la puesta en escena gracias sobre todo por un lado al buen trabajo del veterano director de fotografía Kenneth Peach (1903-1988)…



-En este sentido me gustaría indicar que las copias editadas en su momento por L’Atelier 13 Pictures no respetan el OAR puesto que este es 1.85:1 y no 1.37:1, aunque yo afortunadamente he podido usar las capturas de pantalla de esta excelente página https://movie-screencaps.com/it-the-...ce-1958/page/1 para la elaboración de la presente reseña. -

… y por otro a las atmosféricas bandas sonoras de Paul Satwell (1906-1971) [LA MOSCA (1958), de Kurt Neumann] / Bert Sheftner (1904-1999) [THE LAST MAN ON EARTH (1964), de Sidney Salkow, la primera (y mejor) adaptación de la (espléndida) novela de Richard Matheson “Soy leyenda” (1954), compuesta al alimón con el anterior] y Gerald Fried (1928-2023) [SENDEROS DE GLORIA (1957), de Stanley Kubrick], respectivamente.

Aquí (como siempre, aunque cueste reconocerlo) el que cortaba el bacalao era el productor, en este caso el independiente Edward Small (1891-1977) – aunque su nombre no aparezca en los títulos de crédito – dado que la pequeña compañía de Robert E. Kent (1911-1984), Vogue Pictures, en realidad era una filial de la Edward Small Productions (fundada en 1938).

- Chiquito pero matón la aportación financiera de Small fue decisiva para que en 1951 Arthur B. Krim y Robert Benjamin se hiciesen con el 50 % de las acciones de la distribuidora United Artists con la que el primero venía trabajando intermitentemente desde los años 30. -

Y ahora dejemos de marear la perdiz.

A nivel argumental tanto “¡ESO!” como “LA MALDICIÓN” – uso el entrecomillado dado que ninguna de las dos se estrenó en salas comerciales en nuestro país – comparten el hecho de que en ambas un narrador, ya sea en primera persona (en el primer caso) u omnisciente (en el segundo), va desgranando la historia aunque especialmente en el caso de “LA MALDICIÓN” no sirve sino para iterar lo que nos muestran las propias imágenes.

En “¡ESO!” la narración corre a cargo del coronel Edward Carruthers (Marshall Thompson), el único superviviente de la primera expedición a Marte, la cual tuvo lugar… en 1973… y al que acusan de haber dado muerte al resto de la tripulación en aras de la supervivencia.



Por su parte, la voz que nos guiará en “LA MALDICIÓN” es la del habitual Morris Ankrum, uno de los protagonistas de la película que supuso el pistoletazo de salida de la Edad de Oro del cine de ciencia ficción, COHETE K-1 (1950), de Kurt Neumann, una cinta por cierto nada desdeñable y que ya comenté hace mucho tiempo en otro rincón de este cajón de sastre que es mundodvd.

Como indicaba al principio el mayor mérito de “¡ESO!” es el de ser la primera de las tres películas que bien pudieron servir de inspiración a los creadores de ALIEN (EL OCTAVO PASAJERO).



- Las otras dos, obviamente, son TERROR EN EL ESPACIO (1965), de Mario Bava y PLANETA SANGRIENTO (1966), de Curtis Harrington, de calidad muy dispareja (la primera supera por goleada a la segunda dado que buena parte de su metraje procede de un par de cintas soviéticas de finales de los 50 / principios de los 60). -

Sin embargo, ni los productores ni el director tuvieron en cuenta la ley Jacques Tourneur que dice que en el cine fantástico (ya sea de terror o no) es mucho más importante sugerir que mostrar.

Y más todavía cuando los presupuestos que se manejan son tan espartanos.

De ahí que como decía al inicio que me guste (algo) más “LA MALDICIÓN” a pesar de que el amenaza que supone para los protagonistas “El hombre sin rostro” sea mucho más risible que la que provoca el antecesor de nuestro xenomorfo favorito.



Y es que difícilmente puede suponer una amenaza un Monstruo que se mueve a velocidad de caracol frente a esa entidad aparentemente indestructible en la que se convierte el polizón marciano.



Lo que es ciertamente incomprensible es que la tripulación se dedique a atacar al alienígena con armas de fuego, granadas, gases lacrimógenos, el calor del motor atómico de la nave e incluso hasta una bazuca...





... sin importar los riesgos para la integridad de la nave y siendo como es una misión de rescate y no punitiva, porque si no ya estaríamos hablando de... ALIENS (EL REGRESO)...

Y aunque ambas son cintas fantásticas la primera está más escorada hacia el terror mientras que la segunda hacia el melodrama.

De hecho, y al contrario de lo que sucede con “¡ESO!”, “LA MALDICIÓN” está claramente inspirada en otra de las joyas del género como es LA MOMIA (1932), de Karl Freund (y sus mucho menos distinguidas secuelas).

Si el marciano va acabando poco a poco con la vida de la tripulación de la nave de rescate capitaneada por el (celoso por las atenciones que le presta su - supuestamente - novia, Anna [Shawn Smith], al atribulado Carruthers)...



... coronel Van Heusen (Kim Spalding) para así poder extraer de sus cuerpos el oxígeno y el agua que su cuerpo necesita para poder sobrevivir (precisamente una de las escenas más impactantes de la película es cuando el mayor Purdue [Robert Bice] encuentra en uno de los conductos de ventilación al todavía vivo Gino [Richard Hervey] que más bien recuerda a un zombi romeriano)...



..., el revivido esclavo etrusco emancipado y convertido en gladiador Quintillus Aurelius (Bob Bryant) hace lo propio (aunque a escala mucho más modesta) pero solo para poder consumar su (frustrada e intemporal) historia de amor con la hija de su antiguo amo, Lucilla Elena > Tina (Elaine Edwards), a la cual no pudo salvar cuando el Vesubio hizo erupción el 24 de agosto del año 79 d. C.



Aquí, lógicamente, el Monstruo no es una momia sino el molde (aparentemente vacío...) del cuerpo de Quintillus, lo cual si bien resta expresividad al mismo también le confiere un carácter más ominoso.

Y es que el enamorado gladiador se llevará por delante a todo aquel que se interponga entre él y su amada, aunque la película no aclara del todo si esta le correspondía o no.



La mayor parte de la acción transcurre en el Museo de Pompeya de Nápoles (o sea, el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, si pretendemos establecer una conexión entre la ficción y la realidad).

Será allí precisamente donde acontece la que para mí es la mejor escena no solo de esta película sino de las dos producciones objeto hoy de la presente reseña.

Me refiero a aquella en la que Tina, artista de profesión y a la que el Monstruo se le aparece en sueños que resultarán ser proféticos y que ella plasma en unos inquietantes lienzos...



... baja una noche a la sala donde está depositado el cuerpo e intenta inútilmente hacer un boceto del mismo puesto que este no hace sino girarse hace ella de forma imperceptible y que logra crear un excelente suspense hasta que finalmente él se alza e intenta acercarse a ella con los brazos extendidos (un apunte ciertamente ingenioso puesto que combina a la perfección la típica pose de todo Monstruo que se precie, el acto de intentar abrazar a la persona amada y también la posición en la que quedaron muchas de las víctimas de la erupción).





En este caso el pétreo rostro de él es mucho mas expresivo que las escasas prestaciones como actriz de la atractiva Elaine Edwards.

Y lo mismo es aplicable a su futuro esposo, Paul (Richard Anderson), ejemplo perfecto de lo que decía al principio, aunque en este caso el demérito cabría atribuirlo más al propio actor que al director.



Lástima que la todavía más hermosa Adele Mara (la hija del director del museo) tenga escasa presencia en pantalla, antigua novia de Paul y ahora del rápidamente despachado Dr. Ricci (Gar Moore).



De hecho, el entramado argumental se sustenta, aparte de en el Monstruo, en las figuras de Fiorillo (Luis van Rooten) y Emanuel (Felix Locher), dado que serán los encargados de resolver el (leve) intríngulis del mismo así como de encontrar la manera de acabar con la amenaza.





En el caso del alienígena el final será ciertamente frustrante dado que perece de forma demasiado rápida cuando la tripulación elimina el oxígeno de la estancia teniendo en cuenta que hasta ahora había sido inmune frente a todo tipo de ataques (incluyendo la electricidad, que antes se me olvidó mencionar, tal vez por distanciarse de su - a su vez - precedente más preclaro, como es el hombre/planta de EL ENIGMA... ¡DE OTRO MUNDO! (1951), de Christian Nyby (¿y Howard Hawks?)).

Pese a todo (y pese a todos) dos cintas francamente agradables y donde se demuestra que con un mínimo (tampoco hay que pasarse en los elogios) de talento y de dinero se pueden obtener un par de horas de sana diversión, sin ínfulas y que nos hacen recordar que para que se hiciese mucho cine grande también había que hacer muchísimo más pequeño.

Y además, en este caso, con el aliciente de poder ver en nuestros modernos televisores el antecesor de una obra tan justamente alabada como es ALIEN (EL OCTAVO PASAJERO)…

Vosotros mismos.

Buenas tardes y, buena suerte.

No tengo buen recuerdo de It! The Terror from Beyond Space, aunque en su descargo diré que hace muchos años que la vi. En su momento comenté en OR dos films de Cahn, también adscribibles a la serie B (por no decir Z): Experiment Alcatraz y Creature with the Atom Brain.

Iniciado por mad dog earle

Experimento Alcatraz (Experiment Alcatraz, 1950)



Otra agradable serie B, en este caso adscribible al género criminal, de escasa duración (no llega a la hora), y dirigida por un especialista del cine B: Edward L. Cahn, del que solo había visto un par de films de ciencia ficción no especialmente distinguidos (entre ellos It! The Terror from Beyond Space, film siempre citado en relación con Alien, y al cual creo que Alcaudón dedicó un comentario hace un tiempo).

Amparado por el ejército, se lleva a cabo un experimento con cinco reclusos del penal de Alcatraz para comprobar el efecto positivo que la radiación puede tener en el tratamiento de enfermedades de la sangre, como la leucemia.



A cambio, tenga o no éxito la prueba, los presos serán puestos en libertad. Uno de ellos, después del tratamiento, reacciona violentamente matando a uno de sus compañeros de cautiverio, atribuyéndose su reacción a la radiación.

El científico impulsor del experimento, el Dr. Williams (John Howard), junto a la enfermera a la que se ha responsabilizado de la muerte por dejar desatendidas unas tijeras, Joan (Joan Dixon), inicia una investigación por su cuenta del preso que ha cometido el homicidio, y que ahora, liberado, regenta un local de juego. Film muy sencillo, pero dirigido con corrección por Cahn (que localiza buena parte de las secuencias en exteriores en la zona de la bahía de San Francisco), ofrece una solución de guion poco habitual: el asesinato del protagonista, el Dr.Williams, al que el espectador seguramente esperaba ver coronar con éxito su investigación (y de paso concretar en una relación romántica su vínculo con Joan). El científico muere, pero el caso se aclara y la experiencia médica se aprueba, lo cual permite un final optimista en relación con la lucha contra las enfermedades de la sangre. En definitiva, un sacrificio heroico.

Iniciado por mad dog earle

La criatura con cerebro atómico (Creature with the Atom Brain, 1955)



Film de Edward L. Cahn, especialista en films de bajo presupuesto, como el que nos ocupa, una serie B… tirando a Z. A pesar de contar con un guion de Curt Siodmak, el film carece de ritmo y mantiene el interés con dificultades, con muchas escenas dialogadas en que se supone que nos explican lo que ocurre (todo ello, por cierto, bastante absurdo), planos reaprovechados en diferentes momentos, y unas interpretaciones de circunstancias (en especial el mad doctor de rigor y su colega gansteril, encerrados en un laboratorio de pacotilla). El argumento es delirante: un científico alemán, en combinación con un gánster que ha regresado de incógnito a Estados Unidos y que quiere llevar a cabo una venganza contra los que provocaron su caída en desgracia, convierten a los muertos en una especie de zombis de movimientos robóticos gracias a la energía atómica. La película se hace eterna a pesar de durar poco más de una hora. Se salva el arranque, una primera secuencia casi brillante, en que una de esas criaturas con cerebro atómico entra en la casa de uno de los hombres a eliminar, rompiendo los cristales y matándolo, partiéndole el espinazo (algo que se muestra mediante una sombra).