Tema: Carl Theodor Dreyer: revisando sus películas

Iniciado por mad dog earle

A mí, no. Demasiada tela para cortar. Sí que haré un programa doble con Häxan, de Benjamin Christensen, película que viene como anillo al dedo para combinar con la de Dreyer.

Una película que humildemente reconozco no haber visto jamás, aunque la fama la precede.

Te la recomiendo. Versus la editó en DVD con un disco de extras que incluía una versión, algo reducida, con la voz en off de William Burroughs.

Tengo MUCHAS películas de Versus pero no TODAS...

Punto nº 1.

A Contracorriente anuncia la salida de LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO (1928), imagino que usando el material aportado por la norteamericana Criterion, como hizo en el caso de ROMA, aunque la británica Eureka! acaba de sacar una magnífica pero que, desgraciadamente, no pude adquirir a tiempo...

Punto nº 2.

Como a partir del viernes tengo vacaciones y aunque tengo numeros frentes abiertos espero ir poniéndome poco a poco al día en los distintos hilos.

En este en concreto aprovecharé para verme de seguido PÁGINAS y LA VIUDA DEL PASTOR, aunque no sé si como un programa doble o seguramente más bien por separado, dependiendo del material gráfico que pueda aportar.

Iniciado por Alcaudón

A Contracorriente anuncia la salida de LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO (1928), imagino que usando el material aportado por la norteamericana Criterion, como hizo en el caso de ROMA, aunque la británica Eureka! acaba de sacar una magnífica pero que, desgraciadamente, no pude adquirir a tiempo...

Yo tengo un BD de Eureka, pero no acabado de salir, sino con unos años encima. De hecho, la comenté brevemente en el "otro rincón".

Respecto a los visionados, mañana espero publicar el comentario de Blade af Satans bog (y su complemento, Häxan, de Christensen), y ya tengo revisadas las dos siguientes. Como tanto Die Gezeichneten como Der var engang ya las comenté hace tiempo en un hilo de corta vida y poco frecuentado, Cine mudo alemán a descubrir, probablemente reproduzca esos comentarios con alguna actualización. Ahora mismo me apetece más ver películas que redactar comentarios muy extensos, aunque eso depende a veces del momento concreto.

A mí sencillamente, tal y como tengo el panorama personal/profesional, prefiero ver películas (y series) antes que comentarlas.

Además soy incapaz de hacer una reseña si no es a mi manera.

No puedo evitar ser un (maniático) perfeccionista.

03. Blade af Satans bog (1920)



Dreyer porfío con la Nordisk Film para tirar adelante un proyecto ambicioso, que se inspiraba en la obra magna de D.W. Griffith, Intolerance (1916). La pretensión del director era conseguir “una película que pueda citarse como modélica”, que sirviera para que el cine danés, al que consideraba claramente inferior al sueco, pudiera competir con el estadounidense o el alemán.

Para ello encontró un tema relevante, como el de la intolerancia en Griffith, en un guion de Edgard Høyer que había quedado aparcado, inspirado en algunas obras de la novelista británica Marie Corelli, en el que introdujo algunos cambios, sobre todo en el episodio final (que, según Dreyer, era su preferido). Para hacer realidad el proyecto, Dreyer defendió a capa y espada ante la Nordisk que necesitaba un presupuesto de 230.000 coronas, pero se tuvo que conformar con 150.000, decepción que le llevó a romper sus relaciones con la empresa danesa y, como comentamos la semana pasada, acordar con una empresa sueca el rodaje de Prästänkan.

Como en el film de Griffith, el tema a desarrollar, la presencia del mal en la Tierra, simbolizado por la figura de Satán, se estructura en cuatro episodios correspondientes a otras tantas épocas históricas. Pero, a diferencia del film estadounidense, Dreyer yuxtapone los episodios, de forma cronológica, prescindiendo del entrecruzamiento narrativo de Griffith, uno de los mayores atractivos de la película de 1916.

Blade af Satans bog se abre con unos rótulos que enmarcan el contexto del tema: Satán es un ángel caído que, por sus pecados, ha sido condenado por Dios a hacer el mal en la Tierra. La maldición divina le impone la obligación de extender el mal entre los seres humanos, estableciendo un curioso cómputo de penas: por cada tentación que triunfe, su condena se alarga 100 años más, mientras que, si fracasa, se restan 1.000 años. Pero la condena, como se recuerda al final, es eterna, por lo que en el fondo poco importa si Satán sale vencedor o no a la hora de tentar a los humanos, porque inevitablemente siempre seguirá teniendo que cumplir el mandato divino de “sigue haciendo el mal”, lo cual otorga al diablo un cierto carácter trágico, un personaje del que casi llegamos a apiadarnos, algo que los luteranos consideraron una ofensa teológica, una blasfemia.

Satán se nos muestra (interpretado en todas las épocas por Helge Nissen) ejerciendo el mal en cuatro períodos: la Judea del siglo I d.C.; la Sevilla del S.XVI; la Revolución francesa; y la guerra civil finlandesa de 1918, entre “blancos” y “rojos”.

Como suele pasar en este tipo de películas, no todos los episodios tienen el mismo interés, al menos para mí, aunque todos ellos están resueltos con oficio, pero, desde luego, sin llegar a la espectacularidad de Griffith. El primero desarrolla el tema de la detención de Jesús en Jerusalén. Satán, bajo la forma de un fariseo, tienta a Judas para que traicione al mesías. Dreyer no sabe (o no quiere) huir de cierta rigidez tópica a la hora de mostrarnos este episodio de los Evangelios. Jesús es un personaje plano, carente de la carnalidad que siempre suelen tener los personajes dreyerianos (a la misma Jeanne d’Arc me remito). Parece como si el peso de la figura de Cristo fuera demasiado para el director, con lo que se acerca en algunos momentos al modelo de las estampas tradicionales, como por ejemplo en la Última Cena, aunque se nota su impronta a la hora de pasear la cámara por los rostros de los apóstoles mediante una panorámica, lo que hace que nos interroguemos sobre cómo hubiera sido ese proyecto, largamente acariciado por Dreyer, de rodar una película sobre Jesús.



Hay un detalle curioso: hay en una escena el plano de un pequeño corral con unos cerdos, lo cual parece un apunte histórico incorrecto, como mínimo chocante, teniendo en cuenta que se trata de judíos (se me escapa si hay alguna intencionalidad oculta, simbólica).

El segundo episodio nos cuenta las andanzas de la Inquisición en la Sevilla del XVI. Satán, que es ahora el gran inquisidor, mueve sus hilos para hacer caer a un monje erudito, Don Fernández (Johannes Meyer), en la tentación de hacer el mal, movido por el deseo carnal que siente por su pupila, Isabel (Ebon Strandin), hija de Don Gómez, un estudioso de la astronomía y la astrología.



Hay un momento especialmente iconográfico, cuando vemos a Don Fernández flagelándose para castigar la debilidad de la carne. En un arrebato místico, fruto del dolor, visualiza a Isabel en un altar. El monje dejará la casa de Don Gómez y jurará fidelidad a la Inquisición.



Cuando el mayordomo de Don Gómez (que actúa como agente de la Inquisición), denuncia a su señor por consultar el horóscopo, el castigo inquisitorial se cierne sobre él y su hija. En la línea de las posteriores La passion de Jeanne d’Arc o Vredens dag (y de la película de Christensen que comento a continuación), la cámara de torturas hace su escalofriante aparición. Hay una cierta delectación por parte de Dreyer por mostrarnos esos ambientes horrendos, donde el ser humano es puesto a prueba, reflejo de una religión del miedo más que del amor. El padre muere y la hija es concedida a Don Fernández por Satán para que sacie sus deseos. Una elipsis nos sugiere que la doncella ha sido violada por el monje, lo que no la va a liberar de la hoguera.



Si el primer y el segundo episodio disgustaron a los luteranos, el tercero y el cuarto fueron muy criticados por los partidos de izquierda, ya que la imagen que da de los revolucionarios, fueran franceses o soviéticos, no se aleja demasiado del tópico antirrevolucionario cultivado en Hollywood o en Alemania por aquellas fechas (recordemos, por ejemplo, Madame Du Barry de Ernst Lubitsch).

Estamos en París, en 1793. El rey Luis XVI ya ha sido ejecutado, mientras que la reina María Antonieta espera seguir la misma suerte. La reina se nos muestra como una mujer digna, que afronta con entereza la muerte, a la que acude poco menos que como una mártir.



A pesar del papel que juega la reina, la acción se centra más en la condesa de Chambord y su hija, Genevive (Jeanne Tramcourt). Será un criado, Joseph (Elith Pio), que ama a Genevive, quien los traicione, incitado por Satán que toma primero la forma de un antiguo sirviente de la familia, Erneste, y de un mendigo sordomudo después. Joseph obra, en buena medida, por despecho, ya que la condesita le rechaza, puesto que su amor, dentro de las condiciones del Ancien Régime es imposible.

La condesa y la hija son juzgadas ante un tribunal de aspecto casi abstracto, que apunta ya la manera de concebir el espacio y el decorado del juicio de Jeanne d’Arc unos años después. Las vidas de las Chambord seguirán el mismo curso que el de la reina, la cual rechaza el plan de huida que le propone Joseph, cuando se entera de que ha sido el criado quien las ha denunciado.

Como hemos destacado en otras ocasiones, Dreyer incluye algunos detalles curiosos, como por ejemplo los niños que capturan un gato al que juzgan, como si de un tribunal popular se tratara, u otro gato que ha cazado una rata, metáfora quizá de la trampa en la que caen la condesa y su hija.

El último episodio nos traslada a la actualidad, 1918, al pueblo de Hirola, en Finlandia, donde se reproducen los enfrentamientos de la llamada Guerra Civil finlandesa. Allí se dirime una doble lucha: por conservar la independencia conseguida el año anterior (Finlandia había pertenecido al Imperio zarista hasta 1917), y por evitar caer en manos de los comunistas, aquí representados por un personaje esperpéntico, Ivan, más parecido a Rasputín que a un comisario soviético (que es, por supuesto, la figura en que se encarna Satán).



Es, pues, una lucha maniqueísta entre “blancos” y “rojos”. Los protagonistas “blancos” son Siri (Clara Pontoppidan) y su marido, Paavo, padres de dos hijos. Con ellos vive un trabajador, Rautamiemi, que desea a Siri. Como es de esperar, será fácil presa de Ivan/Satán, uniéndose a los rojos y ayudando a tomar la casa de Paavo, donde se encuentra el puesto de telégrafo.

Ante la amenaza de matar a sus hijos, Siri prefiere suicidarse antes que traicionar a su patria, momento en que Dreyer introduce unos bellos primeros planos de la actriz que nos remiten al rostro dolorido de Falconetti en La passion de Jeanne d’Arc.



La llegada de los “blancos” frustra la muerte de Paavo y de los niños, pero la mujer se ha sacrificado sin ceder a la tentación. Satán ha fracasado, pero la rebaja de la condena, de 1.000 años, poco va a representar, porque la condena, se nos recuerda, es eterna.

Aunque la película tiene momentos brillantes, en particular, en mi opinión, en el último episodio, el más vibrante (quizá también el más próximo al cine de Griffith), Blade af Satans bog me parece un film más “pesado”, más condicionado por una narrativa historicista, por un cierto decorativismo, que los films anteriores. Se nota que hay mucho más dinero invertido en la producción (actores, figurantes, decorados, vestuario), pero encuentro a faltar cierta agilidad narrativa, que, en cambio, Griffith conseguía en su monumental Intolerence.

Häxan (1922), de Benjamin Christensen



Paralelamente al rodaje de Blade af Satans bog, otro danés, Benjamin Christensen (diez años mayor que Dreyer), dirigió un film de larga gestación (entre 1919 y 1921), Häxan (“La bruja”), en algunos países subtitulado “La brujería a través de los tiempos”. Como en el caso del film de Dreyer, se trata de ver, a lo largo de diferentes épocas, un tema “mayor”, el de la brujería, pero si en Blade af Satans bog de lo que se trataba era de mostrar la presencia del mal (de Satán) a lo largo de la historia, en el de Christensen ese “mal”, más que en los personajes sujetos a estudio, las brujas, lo encontramos en el tratamiento que la sociedad les ha dado.

Christensen mezcla, en un tono que a día de hoy se nos antoja de gran modernidad, elementos propios del documental (textos, grabados, datos históricos) con secuencias en las que se recrea, de modo inequívocamente ficticio, la suerte que corrían las brujas en épocas pretéritas, muchas veces por ser viejas, feas, solitarias o pobres. Christensen no duda en introducir una cierta crítica social que apunta a las brujas como las víctimas propiciatorias de un sistema clasista dominado por una iglesia intolerante.

Para ello se sirve de una imaginería tenebrista, sin dudar en inspirarse en obras clásicas, como por ejemplo los grabados y las pinturas negras de Goya.







Uno de los episodios más extensos (la película se divide en 7 capítulos) se dedica a ilustrar el juicio a una supuesta bruja en la Edad Media, una pobre vieja (Maren Pedersen, una mujer que Christensen encontró en la calle) a la que culpan de la enfermedad de un burgués. El patetismo del juicio y tortura de la anciana nos avanza el de la bruja de la dreyeriana Vredens dag.





Como en el segundo episodio de Blade af Satans bog, pero de forma aún más acentuada, hay una cierta delectación por mostrar los instrumentos de tortura, con lo que se nos transmite la visión de un mundo donde impera el horror, donde resulta difícil creer en una religión que dice basarse en el amor cristiano.



Para ello Christensen no ahorra detalles, incluso jocosos, como las apariciones del mismísimo diablo, al cual interpreta el propio director.





Un último capítulo viene a actualizar el discurso generado por la sociedad cristiana alrededor de las tristes figuras de las brujas. Ahora, esos personajes se ven desde una perspectiva “laica”, pero los resultados tienen algo de siniestramente parecido. Las “brujas” son las ancianas pobres de las residencias, las viejas con malformaciones o extrañas enfermedades o, en última instancia, las “histéricas”, mujeres necesitadas de tratamiento psiquiátrico o de internamiento en sórdidos manicomios. Christensen se sirve, para ilustrarlo, del caso de una mujer, de apariencia acomodada, que sufre de cleptomanía.

Al margen del discurso crítico que incluye la película, el film tiene una dimensión iconográfica de gran espectacularidad y belleza. A reseñar que el DVD de Versus incluye como extra una versión, algo más corta, y sin los tintados de la copia original, con una banda sonora jazzística (uno de los músicos es el célebre violinista Jean-Luc Ponty), en que la voz en off del poeta William Burroughs va narrando la evolución de la brujería a lo largo de los tiempos, sirviéndose en buena medida de los textos contenidos en los intertítulos originales, leídos con la peculiar dicción del autor de “The Naked Lunch”. Recomendables ambas versiones.

En la próxima entrega, Dreyer se desplazará a Berlín para rodar Die Gezeichneten, un sorprendente film por la claridad con que expone un pogromo en la Rusia de 1905. Uno de los films con una dimensión más espectacular dentro de la obra del danés.

No he visto HAXAN aún, pero creo que el programa perfecto también podrías ser la ya vista y de muy alto nivel las tres luces de Lang, y el film que toca, que como bien dice Mad, estos films episódicos son siempre irregulares, y destacan unos más que otros, yo a bote pronte los ordeno no de mejor a peor, sino del que más me gusta al que no tanto: 4,1,2,3 o 4,1,3,2.

Empezaré por el dvd de a contracorriente: calidad de imagen, supongo que es la que es, la editora no está nunca bajo sospecho y entiendo que han dado o mejor de ellos, por lo tanto, partimos de que el material original no estaba en perfecto estado, por lo tanto, la dejaré en una calidad de imagen correcta y no se si mejorable. Los extras, pues pocos, sólo un libretillo realizado por Jesús Palacios y que aún no he leído. En resumen, por el precio pagado (richtig precio Fletcher) no habrá queja alguna.

Estos films episódicos unidos por un elemento que yo digo que está bajo sospecha, o más bien, impostado, me dejan una sensación ambigua; por una parte pienso que es ir a lo más fácil, juntar 4 mediometrajes tan diferentes, atemporales unidos todos por un hilo muy fino. Por otra banda, dicha imposición, en un primer visionado, es muy disfrutable, el factor sorpresa es la mar de interesante y un punto a destacar. Eso si, tengo la sensación, quizá errada, que el film primero se hizo por partes y después se unieron para compactarlo, coño.....creo que no me explico bien. Tengo la impresión, repito quizá errada, que Dreyer quería hacer un film histórico sobre Jesucristo, la inquisición y la revolución francesa (el cuarto episodio quizá es el menos Mainstream para nosotros y más local, por cercanía para Dreyer), y después se pensó como unirlos, cosa que sino juegas con las cartas teológicas eran muy difícil de unir. Claro, al usar la carta de lo celestial y lo infernal, me pasa lo mismo con el género de fantasmas, que todo vale, y las reglas se hacen sobre la marcha, no hay manual como la de los Vampiros, zombis etc.....en lo teólogico al igual que el género de fantasmas, posesiones y similares, no hay reglas, y todo lo que sucede puede ser porque si, porque le da la gana al director. En resumen primero fue el contenido y después vino el continente.....uff vaya paja mental me ha salido!!!!!! Sigo con la paja mental y un ejemplo del que todo vale, para mi una de las mejores escenas de la parte 3, cuando Satanas desaparece de la escena por arte de magia, claro es Satanas, todo vale, cuando es acechado por un "pintamonas". Y ya paro.


La parte de Jesucristo, que no superstar (ya saben, musical, pues problamente Fletcher no la habrá visto aún y no tendrá muchas ganas tampoco), sinceramente me esperaba una recreación de los de siempre, la última cena, juicio y "Crucifixión" y Resurrection, pues no, y es de agradecer, se centra sólo en los momentos previos y posteriores de la traición de Judas; visualmente muy elaborado, muchos exteriores, cosa que por ahora había visto mucho interior (no es una crítica sino una apreciación), y momentos de climax muy interesantes, como el famoso beso. Conociendo la historia, la he encontrado visualmente potente, acompañado de una música muy adecuada (Gott sei Dank hay música!!!!).



La segunda historia, las primeras escenas me dejan en xoc, cuando se ve a una persona colgada desde detras de una portal sin puerta, al igual que la escena hammeriana del film de Lang que se ha comentado en otro lugar, me ha causado aunténtico pavor, y me ha provocado muchas espectativas de lo que vendría. Pero después no lo he encontrado tan interesante como esperaba, quizá empezó desde muy arriva para transformarse diesel hasta el final de éste. No voy ha hacer el chiste recurrente de los Monty Python cuando sale el tema de la Spanish Inquisition, pero voy a poner un video en spoiler

Spoiler:

La de Maria Antonietta, quizá al venir de la revisión de Renoir, y los films que tocan el tema no me llenaron lo esperado, me dio algo de pereza al saber el tema que vendría. No obstante, también a nivel visual es potente pero a nivel de ritmo, se me ha hecho bastante lenta, quizá apareciendo en mi los primeros signos de cansancio, ehh que dura 160 minutos!!!!!



Y todo lo contrario con la última, "tu si tienes gitmmo", de pasar a estar viendo filmes dramáticos históricos, pausados, más contemplativos, pasamos a la acción, claro, dicho ritmo y ese giro a otros géneros, sorprende, positivamente, con el amigo Rasputín de abanderado y me preguntaba, será que Lang grabó este segmento?. Por cierto, seré yo, pero cuando en los intertítulos aparecía lo de "Rojos", sin haber voz, sólo con la escritura, parecían tan despectivos!!!!! y será nuestro costumbrismo folclórico?. En resumen el mejor episodio, todos a un gran nivel visual, pero encima este le da un ritmo vertiginoso.....(hablando de Lang...me viene a la cabeza "los Nibelungos", y las escenas de las batallas......IMPRESIONANTE!!!!)

La semana que viene comentaré la de la viuda del pastor que me ha parecido harto bizarra,me ha gustado.

La estructura remite a Intolerance de Griffith. O sea, entiendo que desde el principio el proyecto incluía una sucesión de episodios de épocas distintas. La diferencia con Griffith, notable diferencia, es que el norteamericano mezcla la acción de las cuatro épocas y Dreyer, en cambio, las yuxtapone, una detrás de la otra, por orden cronológico.
Lo de "rojos" y "blancos" responde a una denominación utilizada a la hora de identificar los bandos enfrentados en la guerra civil finlandesa de 1918. Los "rojos", obviamente, son los revolucionarios comunistas.

Iniciado por hannaben

La semana que viene comentaré la de la viuda del pastor que me ha parecido harto bizarra,me ha gustado.

Para mí, es la mejor de las tres comentadas hasta ahora, y una de las mejores de la etapa muda de Dreyer.

Iniciado por mad dog earle

Para mí, es la mejor de las tres comentadas hasta ahora, y una de las mejores de la etapa muda de Dreyer.

La calidad de imagen es "apustuflant".

Por cierto Mad, por curiosidad, puedes hacer la gradación en cifras de mayor a menor de las 4 mediometrajes del film?

En mi opinión, por orden de gusto personal, 4, 2, 3 y 1, aunque todos tienen detalles atractivos. Pero el último es el más ágil, el que tiene más ritno, y eso después de 2 horas se agradece. También es el más dinámico en la composición de los planos, el que "respira" más, y el más "griffithiano".

Creo que tengo una copia de HÄXAN en HD por algún lado...

Por cierto, me leeré vuestros comentarios tan pronto me ponga al día con mi propio rincón, dado además que jamás he visto ninguna de las dos (o de las tres, si contamos la de Christensen).

Para mi, la mejor del ciclo Dreyer hasta ahora, aunque sea una cara B, será porque sea acerca mucho y se instala en mi género preferido. Yo creo que esta vez para la opinión del film, valdría de sobras con el estilo Hannaben, mucha foto y poco texto, ya que el poderío visual de Haxan es total y creo que es, hasta indiscutible, señores estamos hablando de un film de principios de los años 20, que quizá a día de hoy no pueda parecer light, pero escenas de desnudos dorsales de mujeres coqueteando con el diablo, pues me imagino que en esa época no haría mucha gracia, y a Franco tampoco, desconozco si estuvo prohibida en España durante X tiempo, pero no me extrañaría nada.

El film hace un recorrido a la definición y tipología de la bruja más que interesante y didáctico, mira que lo de la bruja con la escoba lo asociaba a Disney. Brujería, posesiones, grand guignol, hay de todo un poco, y me haré pesado, con un poderío visual inaudito, y que te puede dejar KO en su visionado: imágenes de terror puro que ya quisieran muchas pelis del terror moderno, que por cierto, ya falta menos de una semana, para cumplir uno de mis sueños, no de adolescente, si no ya de adulto de cuerpo (idiota de cabeza), la de asistir al festivalde Sitges de principio a fin.....pues bueno, será un sueño casi cumplido, me pierdo el jueves 6 y parte del viernes 7.....pero haremos la vista gorda no?....siempre dicen que el dinero no da la felicidad, cosa que nunca he estado de acuerdo con ello, SI que la da, y ayuda a cumplir esos microsueños que no parecen mucho pero muy valorables a nivel particular y personal, y claro, sin Don dinero, no sería posible.

Me he vuelto a ir por las ramas. A nivel personal, a parte de lo Guignolesco, mis historietas preferidas son las dos últimas con la aparición de las monjas, que han tenido un momento de Sister Act (que mala es por cierto), que me han asustado (negativamente), pero esas escenas con la monja y el cuchillo, me ha parecido terroríficas y un modelo a seguir para futuras generaciones del cine, claro en esa época, que todo acababa de empezar todo era un modelo a seguir, porque no habían más . Lo dicho, dejo la palabrería barata y sin sentido, para llenar el cupo con los fuerte del film:

Estas filmos cortitas molan,ademas la proxima ya la comenté en pelis vistas en la tele


https://64.media.tumblr.com/56b91d8e...c96b335f70.jpg


En un pueblo noruego del siglo XVII, el nuevo párroco debe, según la tradición, casarse con la viuda de su predecesor.
Esta segunda película, basada en un cuento de K Janson, es bastante
inusual en la filmo de Dreyer ya que se trata de una tragicomedia, un género que no practicó muy a menudo.

Si bien la historia es seria, de religión, amor, engaño y muerte, Dreyer logra entrelazarla con momentos divertidos,
algunos de ellos caricaturescos, por ejemplo, la congregación en la iglesia o los candidatos-párroco de
Copenhague... en particular los intentos desesperados de Söfren de estar a
solas con su prometida Mari pero encontrando en su lugar a la anciana sirvienta, o la escena en la que se disfraza
de diablo para asustar a Margarete pero es traicionado por sus zapatillas.



Como en sus películas posteriores, Dreyer demuestra su capacidad para reconstruir la atmósfera
de una pequeña comunidad, gracias al rodaje en un museo al aire libre utilizando actores con rostros muy típicos a menudo filmados en primer plano, y reconstituyendo momentos tipicos de la Comunidad.
La película también incluye un toque nacionalista al contrastar a los aldeanos noruegos simples con los pedantes de
Copenhague: en el momento de la historia, Noruega estaba en unión con Dinamarca y toda la vida
administrativa y cultural se llevaba en Copenhague, un período de 436 años que los nacionalistas noruegos en el
siglo XIX etiquetarían como "la noche de los 400 años".
Dreyer también muestra aquí, como en su primera peli su dominio del lenguaje cinematográfico
con panorámica de cámara, tomas de corta duración, tomas de iris para concentrarse en una parte específica de la
imagen y una hermosa composición fotográfica.

Me hubiera gustado que todo fuera tragicómico sin llegar al sentimiento del final,con la anciana prota ya muy enferma en la vida real también.

7.7/10

Anteayer me vi PÁGINAS DEL LIBRO DE SATÁN (ayer me vi PRINCIPIOS DE VERANO (1951), de Yasujiro Ozu, espléndida cinta, aunque no tan buena como la maravillosa PRIMAVERA TARDÍA (1949) y que no sé si me atreveré a comentar en "el otro rincón"... ) y hoy intentaré hacer lo propio con LA VIUDA DEL PASTOR para a continuación comentarlas una detrás de la otra, no sé si en un programa doble o cada una por separado.

Dado que la primera ha sido reseñada junto a la cinta de Christensen mi intención original era haber hecho lo propio con la cinta que toma como base, la monumental INTOLERANCIA (1916), de David W. Griffith, pero la empresa me parecía demasiado ambiciosa y al final me resistí a la tentación.

Por cierto, con tanta revisión al final a uno no le da tiempo casi de disfrutar de las películas que son objeto de las mismas.

En mi caso estoy hasta las trancas con (por orden alfabético) Bogart, Davis, Dreyer, Fisher (o Hammer) o Lang y empiezo ya agobiarme porque me resulta imposible no sólo participar en todas sino siquiera leerme vuestros comentarios.

Y eso que estoy de vacaciones y tengo bastante tiempo libre...

... más o menos...

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, con tanta revisión al final a uno no le da tiempo casi de disfrutar de las películas que son objeto de las mismas.

Es que, como dicta la llamada sabiduría popular, "el que mucho abarca, poco aprieta". Por ello soy partidario de ciclos más ordenados, con frecuencias regulares y predecibles, que permiten distribuir mejor las cargas "de trabajo", porque ver las películas es un placer, pero redactar los comentarios, sobre todo si son tan extensos como suelen ser los tuyos, puede ser una labor un tanto esclavizante. Por eso mismo, mi intención es no compaginar más de dos revisiones "comentadas" a la vez (ahora, en mi caso, aún son tres, porque la de Lang se ha prolongado mucho más de lo previsto, pero no lo repitiré), aunque puede que en privado me programe otras revisiones más rápidas, pero sin comentar (lo he hecho así en agosto con la filmografía de Murnau, o en abril con Kubrick, y lo pienso hacer próximamente con Jean-Pierre Melville).

De hecho, estoy a dos semanas de jubilarme y tendré mucho más tiempo para los visionados... pero no solo de cine vive el hombre/la mujer, incluso el cinéfilo/a. Eso sí, creo que ya puedo avanzar que, una vez acabados los ciclos de Lang y Bogart, ya he pactado con Alex un ciclo, para variar, de un director vivo: Aki Kaurismäki.

+

Iniciado por hannaben

Blade af Satans bog




Primera película muda ambiciosa de Dreyer, gran producción de "Nordisk" que representa un desafío entre Satanás y Dios en distintas épocas.

Cuatro episodios:
Jesus,Inquisición española,Revolución francesa y Guerra civil finlandesa. Con ecos de Griffith.."Intolerancia (1916) fue una gran influencia para Dreyer en términos de construcción y narrativa aunque Dreyer muestra más interés en la ética que en la pomposidad.

El director danés desarrolla cuidadosamente la lucha entre el mal y el bien: Satanás disfrazado de fariseo,inquisidor,jacobino y monje bolchevique, debe tentar a sus víctimas apelando a sus debilidades humanas internas. En el trasfondo de esta lucha está la religión, la traición, la ambición y el poder. El ángel caído sabe cómo persuadir a los hombres para sus fines malvados, pero es consciente de que finalmente no hay consuelo real en sus actos crueles.Dreyer aprovecha los recursos técnicos a su disposición.

G Schnéevoigt hace un excelente trabajo en la fotografía momentos como Jesús en Getsemaní,la atmósfera oscura de la Inquisición...

La película tuvo serios problemas con la censura, ya que produjo reacciones airadas de la Iglesia Luterana por convertir en espectáculo la figura de Jesús; de la izquierda proletaria, por presentar a los revolucionarios franceses y a las Guardias Rojas como fanaticos seguidores de Satán....

En Suecia y Finlandia se cortó el cuarto episodio. En los países latinos se suprimió el segundo (sobre la Inquisición). Y en Noruega la proyección se ofreció a una velocidad mayor a la normal.
Le sobra metraje,ideologicamente en fin..
Combo total:

6.7/10

En mi caso para mí siempre es un placer, entrar a un foro a estresarme como que no

HÄXAN no sé si la revisionaré hace mil que la vi.

Iniciado por hannaben

En mi caso para mí siempre es un placer, entrar a un foro a estresarme como que no

HÄXAN no sé si la revisionaré hace mil que la vi.

Para mí es un visionado de los placenteros. Si tienes la edición de Versus, puedes optar por el montaje de los 60, con la voz en off de Burroughs y la música jazzística.

Iniciado por mad dog earle

Para mí es un visionado de los placenteros. Si tienes la edición de Versus, puedes optar por el montaje de los 60, con la voz en off de Burroughs y la música jazzística.

La de Criterion también

Una crítica en cuatro fotogramas

o

02. Blade af Satans bog (1920, Páginas del libro de Satán)

Director: Carl Theodor Dreyer.

Producción y distribución: Nordisk Films Kompagni.

Guion: Carl Theodor Dreyer, a partir de la adaptación de Edgar Høyer de la novela “The Sorrows of Satan” de Marie Corelli (Londres, 1895).

Fotografía: George Schnéevoigt, en blanco y negro (1.33:1).

Dirección artística: Alex Bruun, Carl Theodor Dreyer y Jens G. Lind.

Música: -

Montaje: -

Reparto: Helge Nissen (Satanás, en sus distintas encarnaciones)

- Verdugos: Jacob Texière (Judas); Johannes Meyer (Don Fernández); Elith Pio (Joseph); Carl Hllebrandt (Rautaniemi).

- Víctimas: Halvar Hoff (Jesús); Ebon Strandin (Isabel Gómez de Castro); Jeanne Tramcourt (Lady Geneviève de Chambord); Clara Wieth (Siri).

Rodaje: durante el verano de 1919 en Kagerup, Dinamarca.

Duración: 2.375 metros con intertítulos daneses / 2:37:02

Estreno: 17 de noviembre de 1920 (Oslo); 24 de enero de 1921 (Copenhage).



…

Acto primero (01:52) Palestina / 30 años después de él mismo

Acto segundo (32:47) Sevilla / Siglo XVI

Acto tercero (1:02:53) París / 1793

Acto cuarto (1:57:43) Finlandia / 1918

…

Antes de empezar con el blablablá que tanto le encanta a la querida (y admirada e inasequible al desaliento) hannaben me gustaría mencionar que me resulta del todo incomprensible que en el dossier en dos partes que la revista “Dirigido por…” dedicó a las “Obras maestras del cine mudo” (n.º 419 y 420, febrero y marzo de 2012) de todas las (grandes) películas del periodo mudo de su director fuese seleccionada la cinta hoy comentada.

Como yo digo en muchas ocasiones, para gustos, los colores, pero no puedo más que estar en desacuerdo con semejante elección.

Vamos, de hecho, EL PRESIDENTE me pareció muy superior.

Pero vayamos al grano.

PÁGINAS fue el segundo largometraje de Dreyer según fecha de rodaje… y según fecha de estreno en su país de origen puesto que se estrenó en Copenhage el 24 de enero de 1921 mientras que su siguiente obra, LA VIUDA DEL PASTOR, lo haría el 26 de abril del mismo año.

Sin embargo y como bien apunta el Gran Hermano (léase el temible mad dog earle ) la segunda se estrenó previamente en Estocolmo el 4 de octubre de 1920 y PÁGINAS lo hizo el 17 de noviembre de dicho año en Oslo y de ahí la indexación establecida por el querido compañero.

Ya hemos mencionado en varias ocasiones el hecho de que Dreyer fuese, al menos en sus primeros años, un auténtico trotamundos.

Aunque tanto EL PRESIDENTE como PÁGINAS fueron producidas por la (por entonces) poderosa compañía danesa Nordisk (en un tiempo en el que el cine nórdico – sueco y danés – estaba en su máximo apogeo y era referente en toda Europa… e incluso en los EUA) sólo la segunda se rodó en Dinamarca.

Para rizar el rizo su tercer largometraje (y considerado por muchos como su primera obra maestra), LA VIUDA DEL PASTOR, fue producido por una compañía sueca (y estrenado por primera vez en Estocolmo) pero rodado en Noruega.

No deja de ser curioso cómo tras esa aparente pátina de cine reposado y reflexivo de Dreyer se oculte el alma de un impenitente viajero.

Aunque es evidente que PÁGINAS (como otras muchas películas coetáneas) toma como referencia la monumental INTOLERANCIA (1916), de David W. Griffith, lo cierto es que sus logros distan (y mucho) de la inmortal cinta norteamericana.

Como bien indicaba el compañero Alex Fletcher tan sólo un año después Fritz Lang realizó la excelente LA MUERTE CANSADA (1921) con unos resultados infinitamente superiores.

Y es que sus más de dos horas de duración se hacen dolorosamente lentas en ciertos momentos, aunque es de agradecer (o más bien de alabar, dado el carácter (anti)religioso de la cinta) que se haya preservado en un estado de conservación francamente notable… teniendo en cuenta que estamos hablando de una película que tiene la friolera de 103 años…

Eso sí, una lástima que no se hayan conservado los virados de color originales como fue el caso de la primera entrega del coleccionable.

Aunque no se menciona en los (escuetos) títulos de crédito de la película esta se basaba (libremente, todo sea dicho) en una novela de la popular novelista británica Mary Mackay (1855-1924), “The Sorrows of Satan” (1895), escrita bajo el pseudónimo de Marie Corelli.



- Cubierta de la primera edición, Methuen and Co., Londres, 1895 -

Por su parte, el prestigioso dramaturgo danés Edgar Høyer (1859-1942) se encargaría de la adaptación del libro a la gran pantalla, aunque el libreto definitivo fue obra exclusivamente de Dreyer, para disgusto del primero… y al parecer también de la propia Corelli.

A pesar de la indudable influencia de Griffith en Dreyer INTOLERANCIA y PÁGINAS se parecen más en la forma que en el fondo.

Y no sólo por la (abismal) diferencia de presupuesto entre ambas.

La obra maestra de Griffith, que algunos (aunque no es mi caso) la consideran como una expiación de los pecados cometidos en la extremista EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN (1915), tiene como tema central el que se indica en su propio título.

Sin embargo, en PÁGINAS más que de la intolerancia se habla de la persistencia de la maldad a través de los tiempos y que Dreyer nos muestra a través de la (triste) mirada del que fue el ojito derecho de Dios Todopoderoso antes de que las cosas se complicaran por un quítame allá esas pajas.

De hecho, la película tiene poco de edificante y de ahí, seguramente, el desprecio de Marie Corelli hacia ella y eso a pesar de la importancia que la religión siempre ha tenido en la obra del cineasta danés y que tendrá sus máximos exponentes en obras del calado de LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO, DIES IRAE o LA PALABRA.

En cuanto a la estructura cronológica en cuatro bloques no me parece mal pero estoy completamente de acuerdo que la calidad de los mismos es bien dispar.

Por cierto, uno de los motivos para comentar las películas según fecha de rodaje puede apreciarse en el hecho de que Dreyer volvió a contar en esta obra con alguno de los protagonistas de la cinta anterior, como es el caso de Halvar Hoff, el presidente del tribunal y que aquí encarna a Jesucristo o de Elith Pio, que allí ejercía de padre de este (y el que le transfiere la maldición de la familia) y que aquí hace de Joseph, el criado de la Condesa (y de la hija) de Chambord.

Creo que todos estamos de acuerdo en que el primer segmento es el peor… o el menos bueno, dado que estamos hablando de uno de los mejores directores de la Historia del Cine…

En cuanto a la ordenación de los otros yo me inclinaría sin duda por el segundo, el que acontece en la Sevilla del siglo XVI y que tiene un toque buñueliano altamente suculento.

De cualquier forma Dreyer no quedó satisfecho con los resultados artísticos de la película (desconozco los económicos) y por ello su siguiente obra, la mencionada LA VIUDA DEL PASTOR (o cualquiera de los otros títulos por los que se la conoce), fue rodada, como ya decía, con capital sueco y además en la vecina Noruega.

Creo que lo más destacable de la película no es la reconstrucción histórica de cada uno de los episodios que se narran en ella sino la visión ciertamente fatalista que se desprende de la misma y donde llama la atención especialmente el “cariño” que Dreyer pone en el personaje de Satanás interpretado en sus sucesivas encarnaciones por el danés Hans Nissen y su infructuosa lucha contra un Dios que juega con las cartas marcadas y que parece deleitarse en poner a prueba no tanto a los seres humanos como al que antes había sido su mano derecha.

Y como se indica al principio de mi crónica ahí van los cuatro fotogramas que me parecen más significativos, cada uno de ellos perteneciente a un segmento diferente.



- La mirada resignada de Satanás -



- La lasciva visión de Isabel a los pies de la Cruz -



- El instructivo juego de la guillotina en manos de los niños -



- El anteponer el bien común a la propia vida -

Y para finalizar sólo (¿sólo?) desearos una feliz noche y, mucha (pero mucha) buena suerte.



P.D. Se me olvidaba este otro fotograma altamente sen/xual del primer segmento...

04. Die Gezeichneten (1922)



Dreyer continuó con su peregrinaje cinematográfico para su siguiente película, trasladándose a Berlín para rodar Die Gezeichneten, una producción de Primus-Film. En esta ocasión, adapta una novela de 1912, “Elsker Hverandre”, de Aage Madelung, escritor danés de origen alemán, nacido en Suecia, que había vivido bastantes años en Rusia y se había casado con una judía. Dreyer tuvo que comprimir la historia original en su guion, ya que se trataba de una obra muy extensa.

A la extrañeza que podía suponer para Dreyer rodar en Alemania, en alemán, un argumento que sitúa la acción en la Rusia de 1905, se une el hecho de que el reparto era de lo más diverso, con un elenco formado por alemanes, daneses y rusos mezclados, entre los cuales cabe destacar la presencia de Richard Boleslawski, como Fedja, nacido en la actual Polonia, y que desarrolló una interesante carrera como director de cine en Hollywood, con films tan notables (cito los que he visto) como Rasputin and the Empress (1932, que comenté en el otro rincón), a mayor gloria de los hermanos Barrymore; Men in White (1934), con Clark Gable y Myrna Loy; Operator 13 (1934), con Gary Cooper y Marion Davies; o The Last of Mrs. Cheyney (1937), con Joan Crawford y William Powell, su última película, que no pudo acabar porque murió antes de finalizar el rodaje.



Como ya comenté este film hace un tiempo, en un hilo de corta vida y escasa participación, Cine mudo alemán a descubrir (en el cual también hablé de otros dos films de Dreyer, Praesidenten y Glomdalsbruden), reproduzco el texto que publiqué en su día (¡hace ya casi cuatro años!), que suscribo en su totalidad, y le añado algunas observaciones adicionales.

Iniciado por mad dog earle

Refloto este hilo sobre el cine mudo alemán para comentar brevemente un film que tuve ocasión de ver ayer en la Filmoteca. Se trata de Die Gezeichneten (se traduce como “Los estigmatizados”, aunque otras traducciones son posibles, menos connotadas, como “los marcados”, “los señalados”, etc.) de Carl Theodor Dreyer. Dreyer rodó este film en Alemania, con actores de diversas procedencias: rusos, alemanes, escandinavos. La copia que he visto, restaurada hace unos años, lleva rótulos bilingües modernos, en danés e inglés, pero no en alemán.

Al parecer fue un film problemático en su día debido a la temática: la acción principal transcurre en 1905 en Rusia. Los protagonistas son: una joven judía, Hanne-Liebe, perteneciente a una comunidad situada en un pueblo cercano a San Petersburgo; Jakow, su hermano, convertido al cristianismo, rechazado por la familia, e instalado como próspero abogado en la ciudad; Sascha, un joven idealista revolucionario; Rylowitsch, un agente de la policía secreta zarista, que primero se hace pasar por revolucionario para hacer caer en una trampa a los militantes que preparan un atentado, y luego por monje para soliviantar al pueblo contra los judíos; Suchowerski, un campesino ruso, cristiano, atraído por Hanne-Liebe, y que se pondrá al frente del pogromo. El conflicto argumental se va a desarrollar conjuntando distintos elementos temáticos: la preparación de la revolución de 1905 en San Petersburgo, simbolizada en un grupo de idealistas (manipulados por el espía zarista); las dificultades, la discriminación, de los judíos entre campesinos rusos; y finalmente el odio inoculado por un agente infiltrado para desviar la atención del pueblo hacia el enemigo tradicional, los judíos, en beneficio de la política zarista.

La primera parte del film tarda en arrancar y se mueve en un contexto dramático un tanto costumbrista. Hanne-Liebe, injustamente expulsada de la escuela, viaja a la capital donde coincide con Sascha, un amigo del pueblo, convertido en revolucionario. Luego, tras la caída de Sascha y sus camaradas, Hanne-Liebe se ve obligada a volver con su familia. Su hermano, Jakow, también regresa al pueblo con motivo de la enfermedad de la madre, a la que llegará a ver antes de su fallecimiento (hay una secuencia onírica en que Jakow se desdobla y ve una figura que simboliza la muerte). Durante su estancia en el gueto, estalla la agitación de los campesinos contra los judíos. El film termina de forma trepidante con un pogromo de enorme violencia. Temática poco habitual para la época, que además se remite a hechos pasados recientemente (el film es de 1922; la acción transcurre en 1905), y que sorprende por la crudeza de las imágenes (asesinato de judíos, quema de una sinagoga, masas que han de huir del pueblo) y por el hecho que los personajes positivos sean precisamente una muchacha judía y un joven revolucionario. Dreyer ofrece un bello canto a la vida y contra la intolerancia y el fanatismo religioso, elementos que volverán a estar presentes en otras de sus obras. Film a recuperar sin duda.









Añado un detalle interesante para abundar en un debate que tuvimos en otro hilo. Como en La carreta fantasma de Sjöström (o en Broken Blossoms de Griffith), pero un año después, también aquí hay un momento en que un hombre armado de un hacha (Suchowersky) destroza una puerta para poder acceder a una mujer, Hanne-Liebe, que empuña un enorme cuchillo (como la Wendy de The Shining). ¿Préstamo?

Aquí la imagen de la puerta. No, no es Jack Nicholson:



A lo expuesto en su día, añado algunas cuestiones. Una respecto a la copia visionada. A diferencia de la que vi en la Filmoteca de Catalunya, esta (vista en YouTube), de calidad más que notable, una restauración del Danske Filminstitut, incorpora los intertítulos en alemán, aunque no son los originales (un rótulo nos advierte que no se conservan los materiales originales de la versión en alemán). La película no conserva los tintados, en el supuesto que originalmente los tuviera, y se acompaña de una banda sonora orquestada.

La película se inicia con una referencia al campesinado ruso: es como una roca, lento y gris como la tierra, pero temible cuando se alza. Otro rótulo nos advierte de la presencia de millones de judíos que han de convivir con los campesinos rusos, todos ellos bajo el yugo del imperio zarista.

El personaje central es una muchacha judía, Hanne-Liebe (Polina Piekowskaja), a la que vemos primero en su niñez y después en su juventud. A su alrededor se mueven el resto de personajes (entre los que se encuentra Fedja, interpretado por Boleslawski, hijo del campesino rico, Suchowersky). La película nos va describiendo la inestabilidad de la sociedad rural rusa, en la que late un antisemitismo que acabará siendo destructivo.

Si el film se inicia en la infancia de Hanne-Leibe, un salto temporal nos sitúa en 1905, durante la cual se gesta un primer intento de revolución, precedente de la exitosa de 1917. Entra en escena Sasha (Thorleif Reiss), un amigo de Hanne-Liebe, ruso y a pesar de ello amigo íntimo de la judía, que marchará a San Petersburgo para participar en el movimiento revolucionario. Como ya resalté en su día, es curioso que los personajes positivos del film sean, precisamente, dos jóvenes enamorados, él un revolucionario, ella una judía.

A pesar de la gravedad del film, Dreyer incluye una serie de secuencias divertidas, como los intentos de la familia de Hanne-Liebe de casarla con un judío, para lo cual recurren al concurso de una casamentera. Abraham, marido de la hermana de la muchacha, inventor aficionado, aporta algunos momentos de alivio cómico.

Aunque Dreyer no hace un uso tan intensivo del flashback como en Praesidenten, también aquí se sirve de este recurso narrativo para contarnos los recuerdos de Jakow (Vladimir Gajdarov) de la muerte del padre, y de la maldición que le lanzó por haber renunciado a su religión y haberse convertido al cristianismo.

Sasha se moverá en los círculos revolucionarios, algunos con aire burgués, donde hará su aparición Rylowitsch (Johannes Meyer, actor al que vimos como Don Fernández, en Blade af Satans bog), sórdido agente zarista, que parece escapado de un film de Lang, y que pasará de ser un falso revolucionario a enfundarse el hábito de monje para agitar a los campesinos contra los judíos.





Si la etapa en San Petersburgo parece tender a un cierto cine de intriga, el antisemitismo que estimula Rylowitsch va a dar paso en el último tercio del film a los mejores momentos del film, quizá los más espectaculares de toda la obra de Dreyer: el pogromo.

Sorprende la meridiana claridad con que se nos muestra las humillaciones contra los judíos (el simpático Abraham será una de las primeras víctimas) y, en un crescendo escalofriante, el asalto a las viviendas del barrio judío, la muerte y la destrucción, con Fedja a la cabeza. La muchedumbre enloquecida quema la sinagoga, imágenes que resultan tenebrosamente premonitorias de lo que pasaría algunos años después en la misma Berlín donde se rodó la película. Si la película, de 1922, describía un pogromo en Rusia 17 años antes, en 1905, 16 años después del film, en 1938, Berlín y muchas otras ciudades alemanas vivirían la infame “noche de los cristales rotos” (Kristallnacht).

Como pasaba en el episodio finlandés de Blade af Satans bog, también aquí Dreyer cierra la película con un final “a la Griffith”, con la llegada de Sasha justo a tiempo de salvar a Hanne-Liebe de las garras de Fedja. Pero la suerte de los judíos está echada: su única esperanza es la huida de Rusia, el éxodo hacia Centroeuropa… dónde les esperaba un futuro aún peor.

Impresiona ver, aún hoy, la larga secuencia del pogromo, como en otro orden de cosas nos impresionará la tortura de Jeanne d’Arc o de la bruja de Vredens dag. Quizá por eso mismo resulta tan difícil de integrar en la filmografía del danés el film que veremos la semana que viene, Der var engang, un cuento moral, de resonancias shakespearianas.