Tema: TODO sobre Bette Davis, la más grande entre las grandes

Ay qué bonita estampa Fede y Bette!

Curiosa esta peli valga la redundancia..
https://www.filmin.es/pelicula/la-otra-cara-del-bosque

Curiosa precuela del clásico de William Wyler, "La loba". Una adaptación de la obra de Lillian Hellman protagonizada por Fredric March, Edmond O'Brien y Ann Blyth en el papel que inmortalizó Bette Davis.

Iniciado por Alcaudón

Los caprichos de las grandes estrellas.

Hablando de grandes estrellas: un VERDADERO ANÁLISIS sobre los contrates de ser una estrella en los años 30' o 40' con las de hoy. GRAN ARTÍCULO.

Os paso la traducción del enlace original del artículo al castellano mediante Google Translator; habrá errores gramaticales, algunas repeticiones y cosas así.
Enlace original: https://www.newyorker.com/magazine/2...2/fallen-idols


Publicado en la edición impresa del número del 22 de octubre de 2007
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Clark Gable, la estrella de cine masculina más famosa de los años treinta, bebía mucho, salía de gira y se acostaba con prostitutas cuando le apetecía, tenía dentición postiza y mal aliento, engendró un hijo ilegítimo con Loretta Young, tuvo una aventura con Joan Crawford cuando ambos estaban casados ​​y, en al menos dos ocasiones, arrolló su auto contra un árbol. Se tranquilizó un poco cuando se enamoró de Carole Lombard, con quien se casó en 1939, y aparentemente no atropelló a una peatona cuando estaba borracho, como ha insistido el rumor durante mucho tiempo. A lo largo de los años, sin embargo, se metió en muchos problemas, y casi todos se mantuvieron fuera de la prensa o aparecieron en los periódicos de forma confusa y anodina. Louella O. Parsons y Hedda Hopper, en sus columnas periodísticas sindicadas, escribió con benevolencia de las estrellas excepto en aquellas ocasiones en que una estrella se cruzó con una de ellas o los estudios querían castigar públicamente a un actor insubordinado. Hubo romances famosos de Hollywood, por supuesto, como el de Greta Garbo con John Gilbert, y escándalos, como el caso de Fatty Arbuckle, en 1921, y también un subsuelo de chismes fabulosos, pero, en general, los periódicos y las revistas de admiradores publicaron una prosa gentilmente caprichosa sobre romance y vida hogareña en la colonia cinematográfica. Las estrellas, al parecer, estaban los periódicos y las revistas de fans publicaban una prosa suavemente caprichosa sobre el romance y la vida hogareña en la colonia cinematográfica. Las estrellas, al parecer, estaban los periódicos y las revistas de fans publicaban una prosa suavemente caprichosa sobre el romance y la vida hogareña en la colonia cinematográfica. Las estrellas, al parecer, estabanbien. Fueron serviciales, amables, agradecidos por su enorme suerte. Emparejados y vestidos con ropa de etiqueta, iban a clubes como Ciro's o Mocambo, representando relaciones creadas en el estudio, mientras sus vidas privadas, a veces terriblemente malvadas, a veces tranquilas y ordinarias, permanecían mayormente fuera de la vista.

Gable tenía un contrato a largo plazo con MGM, y si estabas en la nómina de MGM y te equivocabas, no llamabas a tu abogado. Llamabas a Howard Strickling, el talentoso jefe de publicidad y reparador integral del estudio, o a su colega Eddie Mannix. Las habilidades de Strickling incluían sobornar a la policía, organizar abortos y enviar a Europa a directores que organizaban demasiadas fiestas orgiásticas. En 1932, cuando el esposo de Jean Harlow, el productor de MGM y bígamo Paul Bern, fue encontrado muerto a tiros en su casa de Benedict Canyon, Strickling llegó al lugar con Louis B. Mayer e Irving Thalberg, y trabajó duro y con éxito para mantener Harlow de hacer una aparición en la corte. En aquellos días previos al Código, MGM pensó que estaba bien tratar a Harlow en la pantalla como una especie de chica sucia y gruñona. pero otra cosa era tenerla teñida de delincuencia en la vida real. (Bern pudo haber recibido un disparo de su primera esposa, pero la muerte fue declarada un suicidio). El invaluable Strickling desempeñó tan bien su papel que se fue a la tumba, en 1982, con todos sus secretos intactos, una afrenta escandalosa para los biógrafos estrella. así como a los meramente curiosos.

Pero considera nuestro pan de cada día en el nuevo siglo. Piense en Angelina y Jen balanceándose en el punto de apoyo de Brad, quien, a lo largo de los años, ha aparecido con uno u otro, yendo de discotecas, asistiendo a ceremonias de entrega de premios, de compras, de vacaciones, por lo general sonriendo levemente o luciendo un poco perdido. Salen, se casan, pelean, se separan, perdonan; dan a luz, adoptan y cargan bebés, a veces en climas polvorientos; ganan demasiado peso, pierden demasiado peso, y así sucesivamente, por los siglos de los siglos. Parte de lo que escuchas sobre ellos puede incluso ser cierto, pero todo estará escrito o hablado en un estilo abusivamente familiar: amable, grosero, conocedor. El tono de los medios de celebridades siempre es de secundaria: “Ella es mi mejor amiga. La odio."

Una de la media docena de revistas idénticas de celebridades, incluye, como una característica habitual, una página de compras y schlep llamada "Estrellas: ¡son como nosotros!", En la que los actores jóvenes son atrapados en la calle cargando al bebé un Snugli o recoger la tintorería. Algunas de las otras "estrellas" son celebridades ficticias, cuyo único trabajo es apedrearse y desmoronarse en público. La función es poco convincente, pero la premisa detrás de ella es esencialmente sarcástica: cada parte de la existencia de una estrella, incluidas las cicatrices quirúrgicas y los depósitos de celulitis, pertenece a los medios y al público. A los paparazzi profesionales se han sumado ávidos aficionados armados con cámaras digitales y videos cargados en la web, esperando que un joven actor se quite la ropa en alguna playa apartada. Muchos de los jóvenes actores, hombres y mujeres, se pueden ver desnudos en Internet. En el pasado,promesa de desnudez. Pero la actualidad de la desnudez nos obliga a elegir entre la lascivia y la mojigatería. Supongo que puedes evitar esto, pero solo si nunca miras televisión, enciendes una computadora, pasas por un puesto de periódicos o hablas con un adolescente.

Para que conste, no creo que los cinéfilos de hace setenta años necesitaran particularmente “la verdad” sobre Gable. Mary Gordon, en su reciente biografía, “Circling My Mother”, cuenta que Anna Gagliano Gordon, nacida en 1908, una mujer trabajadora que mantenía a su familia, “se sentó triunfante como una novia” cuando escuchó que Gary Cooper se había convertido al catolicismo. Anna Gordon hizo del comportamiento de las estrellas un rasgo de su propia vida moral. Otros fanáticos, sin embargo, amaban a las estrellas de una manera más simple, sin orgullo, envidia o disgusto. Las estrellas, como ha dicho John Lahr, eran la prueba de que el sistema de libre empresa funcionaba: algún idiota de la nada llegó a la cima, ¿y no fue genial? Para esos fanáticos, gran parte de la fantasía sobre las estrellas era probablemente un sueño entretenido. ¿Por qué molestarlo? Las imágenes de prensa falsas de la era de Strickling en Hollywood parecen bastante inofensivas. Tampoco es el uso crudo de los medios de comunicación de Brad y Angelina materia de tragedia; es más como una broma que salió mal por la repetición interminable. Aún así, los dos extremos de protección y exposición sugieren cuán completamente se ha desvanecido el aura mágica alrededor de los actores de cine.

El cambio de no saber nada a saberlo todo sobre la vida privada de una estrella nos pone en un estado de ánimo incómodo, ya que es parte de nuestra relación con las estrellas soñar con sus personajes en pantalla y su vida como algo unitario. F. Scott Fitzgerald conoció a William Powell en una fiesta en los años treinta y lo encontró meramente bromista en lugar de ingenioso, pero, incluso si fuera cierto, no queremos escuchar eso, queremos pensar en Powell como la quintaesencia de la suavidad que él estuvo en “The thin man”. Esta unidad imaginada es un elemento que distingue a una estrella de un actor, por muy logrado que sea. Nadie pensó que Gable fuera un gran actor, pero, sin afeitar (en sus primeros papeles), beligerante, gruñón o íntimo, era una presencia notablemente imponente en la pantalla, al igual que Crawford, aunque su egoísmo jactancioso y su sufrimiento peinado pueden parecer absurdos para él. a nosotros.que —gente carismática, indeleblemente idiosincrásica, que trasciende la celebridad y significa algo emocionalmente poderoso para la audiencia? ¿Hay incluso muchas estrellas en el sentido de la industria de una gran fuente de ingresos confiable? Hollywood solía criar estrellas “como visones”, como dijo Pauline Kael, pero es posible que ahora estemos criando un tipo diferente de animal. Y es posible que estemos perdiendo algo del placer ridículo, el anhelo y la adoración desinteresada, que alguna vez estuvo en el corazón de ir al cine.

No hablemos del período de silencio. Las estrellas están demasiado lejos de nosotros, demasiado exóticas en sus joyas, chinchilla y terciopelo, sus furtivos autos largos como botes, su bárbara aura de esplendor de piel de leopardo. Interpretaron vagabundos (Charlie Chaplin), vampiresas (Theda Bara), jeques (Rudolph Valentino), niños abandonados (Lillian Gish), flappers (Clara Bow), piratas y mosqueteros (Douglas Fairbanks) y otros papeles extravagantes, y el silencio les dio la misterio de belleza remota. Como dioses juveniles —la metáfora de trabajo para ellos en ese momento— se casaron entre sí o con miembros de la realeza menor y, en Beverly Hills o Bel Air, construyeron casas enormes en un estilo greco-romano-toscano-español inocentemente promiscuo. Reunidos alrededor de las piscinas de mármol, o en yates o canchas de polo, disfrutaban de una especie de ocio público santificado, descansando y jugando para todos. Era impensable que estas personas tuvieran hijos. Ardieron brillantes y luego se extinguieron; en la imaginación del público, no podían reproducirse. En “Sunset Boulevard” de Billy Wilder, realizada en 1950, el pasado de sable de las estrellas mudas ya era objeto de asombro.

En el período sonoro, las películas se volvieron más realistas, más "psicológicas" y realistas, y recursos renovables como Gable, Cooper, James Stewart, John Wayne, Humphrey Bogart, Crawford, Bette Davis, Katharine Hepburn, Ava Gardner y Rita Hayworth nunca se convirtió en objeto de asombro distante o nostalgia condescendiente; para nosotros, todavía están vivos. En un nuevo y enorme libro sobre la tradición de las estrellas, “La máquina de las estrellas”, Jeanine Basinger, la historiadora de cine y jefa del programa de estudios cinematográficos de Wesleyan durante mucho tiempo, mantiene a las personas nombradas arriba fuera de la vista. Ansiosa por concentrarse en el funcionamiento rutinario de la industria del cine, cuando los resultados pueden haber sido meramente útiles, no inmortales, se concentra en el segundo nivel de estrellas: Tyrone Powers y Loretta Youngs y Greer Garsons. Grandes o más pequeñas, las estrellas formaban parte de una ecología equilibrada en la gran tierra firme del estudio. Basinger traza su génesis y ascenso; ella se enorgullece de su gran poder de permanencia como prueba de la fuerza del sistema, incluso si mucho de lo que aparecían ahora parece mediocre.

Basinger es uno de esos historiadores de cine que están medio enamorados de lo que podría llamarse Studio System como Rational Paradise. Desde la introducción del sonido, en 1927, hasta finales de los años cuarenta, casi todo el mundo estaba bajo contrato con estas gigantescas organizaciones tentaculares. Hubo variaciones, por supuesto, y casos especiales e incluso algunos rebeldes, pero la mayoría de los productores, directores, escritores, actores, escenógrafos, directores de fotografía, compositores, sonidistas y otros eran empleados leales que se presentaban a trabajar regularmente. Las películas generalmente se filmaban rápidamente, en platós de estudio y lotes traseros, y géneros como las películas sobre crímenes urbanos y los musicales florecieron en los tableros reutilizables. Fue, como mucha gente ha dicho, un proceso de fábrica y uno que desperdició mucho menos dinero que Hollywood ahora.

Basinger se acurruca con una comodidad casi deliciosa en los procedimientos íntimos de la fabricación de estrellas. La historia es familiar, pero sigue siendo sorprendente como ejemplo de la industrialización de lo inefable. Inicialmente, los actores procedían de todas partes y de ninguna: del teatro en todas sus variedades (del vodevil y el circo, así como de Broadway y los clubes nocturnos), de trabajos duros y vagabundos, de mostradores de fuentes de refrescos, de las recomendaciones de buscadores de talentos, que asistieron a obras de teatro y concursos de belleza locales. Si tuviera algún tipo de promesa, o simplemente se viera bien y jugara con el cazatalentos, lo invitarían a Los Ángeles, lo fotografiarían, lo probarían y luego, en muchos casos, lo trabajarían: dientes rectos, nariz rehecha, pecas. decolorado, cejas depiladas y redibujadas. Se injertó una máscara de perfección en una buena apariencia natural. Te dieron lecciones de dicción, actuación, equitación, baile, esgrima y modales. En MGM, si eras mujer, tenías que hacer el “Metro walk”, un ejercicio peculiar que, según lo reconstruye Basinger, requería encoger el estómago, cuadrar los hombros y caminar con el pie derecho. El laborioso pero imperioso avance de Crawford por una habitación ofrece la versión definitiva.

Habiendo colocado el ideal joven remodelado en la versión de Culver City o Burbank del Deer Park de Louis XV, el estudio ejerció sus derechos. A los actores se les dieron pequeños papeles, luego papeles secundarios, hasta que la audiencia los "descubrió". La mayoría de los contratos eran por siete años, a una tarifa fija de pago. Se esperaba que los que se convertían en estrellas trabajaran cuarenta semanas y hicieran tres o cuatro películas cada año; también podían ser "prestados" a otros estudios a cambio de favores o pagos que no necesariamente los beneficiaban. Si rechazaban un papel, el tiempo perdido se sumaba al final del período del contrato.

¿Quién logró atravesar el molino? Kael y otros han afirmado que la noción de los estudios de una mujer hermosa (rasgos simétricos y una nariz pequeña) representaba un estereotipo de Wasp, presumiblemente la mujer soñada de los magnates de los estudios inmigrantes judíos que querían asimilarse y que, por lo tanto, pusieron lo que tomaron. ser la perfección estadounidense en la pantalla. Norma Shearer, por ejemplo, la esposa de Irving Thalberg, era ciertamente un ideal tan gentil y gentil. Pero creo que esta interpretación es un poco simplista. Simplemente hay demasiada variedad en la superficie: Joan Crawford era tensa y ambiciosa, con cejas arqueadas y preocupadas; Claudette Colbert tenía rasgos grandes, casi como los de Betty Boop, en una cara pequeña. Hepburn tenía pómulos pronunciados y fosas nasales que se ensanchaban cuando se enfurecía. La nariz de Barbara Stanwyck tenía algo extraño y característico.

Lo que todos compartían eran ojos grandes con un blanco brillante. El video "Mujeres en el cine", en YouTube, transforma los rostros de las estrellas femeninas, desde el período mudo hasta el presente, en una progresión continua, dejando en claro que los ojos pueden estar extrañamente abiertos (Crawford) o medio cerrados coquetamente (Marilyn Monroe), pero deben ser líquidos y voluminosos. Y los labios deben estar llenos, el inferior suavemente en media luna y el superior en un arco perfecto. Las mujeres a menudo se filmaban con la barbilla levantada, mirando a los hombres, por lo que el cuello tenía que ser una línea limpia, los hombros flexibles y flexibles. El cabello de las mujeres en el período del glamour era cortina y follaje, el lujoso motivo del abandono sexual; el cabello de los hombres, ya sea brillante y con raya, como el de Cary Grant, o un remolino sensual, como el de Burt Lancaster, era un campo de fuerza. Una estrella masculina también necesitaba algo contradictorio o sin resolver en su rostro, porque sin eso nunca podría haber sido más que un modelo. Cejas gruesas pero no pobladas y un mentón lleno y moldeado, preferiblemente hendido, a menudo combinado con un toque de suavidad "femenina" en la boca (Cooper) o un pliegue sardónico en los párpados (Bogart). La iluminación, el vestuario y el maquillaje sellaron la máscara de la idealización. Como dijo el sociólogo francés Edgar Morin, Hollywood requería el ideal en medio de lo real: una noción vibrante del carácter estampado en un espléndido emblema físico que casi nunca variaba. En la playa o en el sudoroso Congo, el cabello y el labial de la actriz permanecieron rociados y pintados.

En las películas, las estrellas captan tu atención simplemente por ser lo que son; en su misma existencia ante la cámara expresan una posibilidad humana inmediatamente reconocible, una proyección del poder personal sobre el mundo. Jessica Lange es, desde cualquier punto de vista, mejor actriz que Lana Turner, pero la Cora de Turner, en la versión de 1946 de la novela de James M. Cain "El cartero siempre llama dos veces", es una figura más llamativa que la Cora de Lange en la nueva versión de 1981. Turner es tan decidida con el sexo y el poder que John Garfield, su coprotagonista, apenas puede respirar en su presencia. Turner, una versión anterior de una estrella superada por la celebridad, tenía una desafortunada tendencia a casarse con hombres que apenas conocía (siete de ellos) ya relacionarse con gánsteres. Sus problemas eran demasiado recurrentes y numerosos para mantenerlos fuera de la prensa, pero, como dice Basinger, su imagen de chica mala influyó en sus papeles cinematográficos. Era lo suficientemente astuta como actriz para inspirarse en los sórdidos líos por los que había pasado en su vida. Es posible que haya alcanzado los límites exteriores de su talento al principio de su carrera, pero su fascinación por la pantalla se mantuvo.

Los jóvenes actores de cine ahora dicen a menudo que no quieren ser “encasillados” como lo fueron muchas de las viejas estrellas, pero hay mucho que decir sobre el encasillamiento. Entre otras cosas, hace posible para el público una comunión fácil e involuntaria con una estrella. No todos los actores alcanzan esa identidad inconfundiblemente legible de inmediato. Es notorio que Cary Grant no se convirtió en Cary Grant, ni en Bogart Bogart, hasta que no habían hecho más de veinte películas. Fue necesario el genio demótico de Frank Capra para transformar a la distante Jean Arthur en una mujer profesional escéptica pero apasionada, una galleta inteligente con una voz gorgoteante, de quien el público se enamoró. Sin embargo, en algún momento, la apariencia y el temperamento de un actor se fusionarían con un papel que quizás revelaría una base de humor o amenaza, y el público se daría cuenta, se emocionaría y el actor se convertiría en una estrella. El actor impuso entonces un temperamento unificador a sus personajes; él se convirtió en los personajes, ellos se convirtieron en él, y cualquier actuación dada ofrecía un palimpsesto de sus actuaciones pasadas. Todo lo que había hecho desde que asumió su "tipo" lo seguía como un fantasma. Es ese elemento mítico más grande que el papel lo que distingue a una estrella (Cooper, Clint Eastwood) de alguien que puede ser un actor mucho más grande (Fredric March, Robert De Niro). Valiente como es, De Niro nunca nos ha atraído hacia sí mismo; sigue siendo su propio hombre, no nuestro.

Según los estándares actuales, a las viejas estrellas no se les pagaba mucho: tres, cuatro o siete mil dólares a la semana, y casi nunca recibían una parte de las ganancias de una película. Pero estos esclavos asalariados estaban bien cuidados. El estudio les funcionó como gerente comercial, abogado, publicista, médico; como sala de ejercicios, parque infantil sexual y probablemente mucho más. Hay pocas razones para pensar que las estrellas recogieron muchos cheques. Los inteligentes invirtieron en tierra o en arte y se hicieron ricos. Sin embargo, el sistema de dominación paternalista enfurecía a muchos. En 1938, Hepburn compró su contrato en RKO en lugar de aparecer en una película llamada "Los pollos de Mother Carey" y luego trabajó con MGM. Barbara Stanwyck, en varias etapas de su carrera, tuvo contratos no exclusivos con tres estudios. Cagney abandonó Warners en 1936, formó una empresa con su hermano, fracasó con las imágenes que hizo de forma independiente y volvió al estudio. Bette Davis, a menudo en desacuerdo con Jack Warner, también intentó escapar en 1936. Ella quedó atrapada después de un caso judicial, pero comenzó a trabajar con el director William Wyler, obtuvo papeles mucho mejores y se convirtió en una gran actriz, así como una estrella con películas como "La carta" y "La loba". Por infelices que fueran, las estrellas que soportaron las humillaciones y se mantuvieron en el arnés lograron mucho y dieron a los cinéfilos un enorme placer, y ¿quién puede decir que nuestro placer no importa tanto como su independencia?

El sistema persistió hasta 1944, cuando la aparentemente apacible Olivia de Havilland rechazó un papel y se opuso a la idea de que el tiempo perdido se agregaría al final de su contrato. Su agente, Lew Wasserman, descubrió entonces un oscuro estatuto de California que sostenía que un contrato de más de siete años equivalía a esclavitud. Cuando un tribunal de California falló a favor de De Havilland, el sistema de contratos comenzó a desmoronarse. En 1948, los tribunales obligaron a los estudios a despojarse de sus teatros. Un par de años más tarde, James Stewart (nuevamente con la ayuda de Wasserman) estaba negociando la participación en las ganancias del western “Winchester '73”, y actores como Burt Lancaster y Kirk Douglas estaban comenzando a formar sus propias compañías de producción. La servidumbre había terminado. La era moderna había comenzado.

Si el sistema de estudios, en su mejor momento, era un paraíso racional gobernado por tiranos filisteos pero ocasionalmente benévolos, el sistema actual, en su peor momento, es un mercado libre semi-caótico en el que los actores deben encontrar su camino a través de un laberinto de oportunidades extraordinarias para el honor y la codicia y todas las variaciones intermedias. Algunas estrellas tienen “relaciones” de múltiples imágenes con los estudios, pero la mayoría son operadores independientes que “flotan”, como dice Basinger en su epílogo. Eligen sus propios roles, trabajando tan a menudo o tan poco como quieran; sus agentes negocian los honorarios, que pueden incluir la participación en las ganancias además del salario, y la competencia por ganar la bolsa más grande de la ciudad es feroz. Algunas de las estrellas forman sus propias empresas y desarrollan sus propias propiedades; son igualmente libres de crear películas interesantes, de ceder a sus peores locuras, o hacer esperar a los guionistas y otras personas creativas durante años, solo para cancelar el proyecto al final. Ejercen un control mucho mayor sobre su trabajo, pero cada película, que empieza desde cero, con técnicos y miembros del reparto contratados por separado, tarda mucho más en lanzarse y completarse, y el enorme aumento de los costes de producción (más de sesenta millones de dólares por una gran estudio de cine) se ha incrementado, en parte, por los asombrosos aumentos en lo que las estrellas pueden exigir y recibir.

Sin embargo, no es tan fácil determinar cuánto contribuye realmente una estrella bien pagada al éxito de una película. Desde el punto de vista de la industria, Will Smith es el único actor en Hollywood que tiene la garantía de "abrir" una película, es decir, atraer al menos una taquilla nacional de cuarenta millones de dólares brutos en el primer fin de semana. Smith gana su tarifa de veinte millones de dólares. Un encantador que puede hacer acción ("Independence Day"), comedia ("Men in Black"), romance ("Hitch") y paternidad ("The Pursuit of Happyness"), Will Smith es una estrella por cualquier definición. Pero Reese Witherspoon, quien está recibiendo veintinueve millones de dólares por aparecer en un thriller, puede que no sea más que un fenómeno monetario temporal, y nadie le va a pagar a Chris Tucker los veinticinco millones que recibió por “Rush Hour 3”. El sistema de éxito de taquilla está en el centro de la retención de la rentabilidad de los estudios, sin embargo, resulta que muchas de esas películas no requieren estrellas. Entre las treinta y cinco películas con mayores ganancias de todos los tiempos, medidas por los ingresos brutos de los cines en todo el mundo (sin ajustar por inflación), todas menos dos ("Forrest Gump" y "El código Da Vinci") pueden clasificarse como espectáculo, fantasía o animación. En estas películas, las estrellas se reducen a voces burbujeantes o son empujadas a un lado por criaturas escamosas, convulsiones digitales o columnas mágicas de luz. No hubo estrellas en “ET” y solo menores en el ciclo de “Jurassic Park”. La serie de “Harry Potter” ha estado protagonizada por la tradición teatral británica, en todo su esplendor, no por Hollywood. Harrison Ford no era una estrella cuando apareció en “Star Wars”, en 1977, ni Tobey Maguire en la época del primer “Spider-Man”, en 2002. The “concept” for a big movie, or its special effects, may be the true star.

Pero una franquicia sin duda puede impulsar a un actor al estrellato: Johnny Depp, digamos, después de su coqueto papel con dos barbas y ojos color kohl en la serie "Piratas del Caribe"; o Matt Damon, quien le ha dado a su papel casi sin palabras como Jason Bourne una creciente emoción, y cuyas películas, sgún un reciente estudio de Forbes reveló, gana veintinueve dólares de las ventas de DVD y los ingresos brutos teatrales por cada dólar que le pagan en salario, la proporción más alta para cualquier actor. Estos dos, junto con Tom Hanks, Tom Cruise, George Clooney y Leonardo DiCaprio, ahora pueden hacer algo que era inimaginable en 1935: pueden aparecer en películas de alto presupuesto, pero también en películas pequeñas, intensas y descentradas en las que pueden jugar. adictos al sexo o perdedores o cualquier otra cosa que amplíe sus habilidades y posiblemente les gane premios. Son estrellas que incluso pueden fallar algunas veces (en términos comerciales) sin perder su prestigio. “Es una vida agradable”, me dijo con pesar un alto ejecutivo de un estudio, sonando complacido.

Tom Cruise llegó a este punto a la vieja usanza: tuvo papeles pequeños y secundarios, y luego dio en el blanco en películas como "Top Gun", "Rain Man" y "A Few Good Men", en las que interpretó el mismo papel una y otra vez, un joven inexperto que tiene las cosas, el impulso, pero carece de carácter. En el transcurso de la película, crecería; adquiriría ética. Cruise nunca fue un actor interesante, pero aprovechó la energía pura y un sentido triunfante de sus propios poderes emergentes, recreados en cada película, en el estrellato. Pero para actores jóvenes tan guapos y ambiciosos como Colin Farrell, Josh Hartnett, Ewan McGregor, Jude Law y Orlando Bloom, el camino ahora puede estar bloqueado. Hace setenta años, estos actores habrían sido probados en una variedad de papeles pequeños o en películas B, probados para ver si podían actuar y si la audiencia se animaba cuando aparecían en pantalla. Se les habría permitido crecer lentamente. Ahora se ven envueltos en grandes papeles en películas caras y se ven obligados a sobregirarse antes de que su temperamento haya encontrado la forma adecuada. Todavía no conocen la cámara, y la cámara no siempre encuentra mucho en sus rostros. La belleza de los ojos en blanco en los hombres genera poco más que desprecio en la audiencia. Habiendo fracasado en convertirse en estrellas, han sido destrozados por los medios, pero pueden volver a crearse como actores en películas más pequeñas.

En cualquier período dado, la cultura estadounidense se enamora de ciertos tipos de historias y una variedad de temperamentos brillantes que operan libremente dentro de esas historias. Hace sesenta años, un actor como Clark Gable o Robert Mitchum podía ser descaradamente sexual en la pantalla; ahora el mujeriego implacable aparece sólo en la farsa, como un tonto al que hay que derribar. Pero algunos de los viejos tipos de personajes masculinos todavía están vivos. Johnny Depp en "Piratas" está desabrochando el estilo de Errol Flynn, Matt Damon parece un Steve McQueen más amplio y George Clooney, que está desarrollando un talento para el patetismo moderado, es el heredero obvio del forastero existencial con corazón de Bogart.

Las mujeres, sin embargo, a menudo se adentran en territorio nuevo; tienen que hacerlo, porque el antiguo territorio ha desaparecido y las historias que hacen estrellas son difíciles de encontrar. Considere que Bette Davis, entre otras cosas, hizo lo siguiente: traicionó a su amante y murió ("Of Human Bondage"); tuvo un tumor cerebral, se quedó ciega y murió ("Dark Victory"); usó un vestido rojo en lugar de uno blanco virginal en la Nueva Orleans anterior a la guerra, fue humillada y suplicó el perdón de Henry Fonda antes de morir (“Jezabel”); renunció a su amante y se hizo cargo de su hija ("Now, Voyager"); y crió al bebé de otra mujer ("La Gran Mentira"). El sufrimiento, la renuncia, el castigo y el cambio de bebés jugaron un papel importante en la carrera de Davis. No pretendo burlarme: esos fueron todos papeles jugosos (y "Jezabel", al menos, es una gran película), y Davis les aportó sus ojos brillantes y su voz hirviente, su dominio del movimiento y los detalles emocionales, su voluntad de ser desagradable. ; ella era una actriz de cine verdaderamente grande y atrevida. Pero el movimiento de mujeres y los cambios de gusto en el sentimiento han descartado tales roles; ahora parecen reaccionarios o kitsch vergonzosos. Ya no nos hacen llorar, y solo se pueden hacer en estilo semi-campamento en “Desperate Housewives”. La sensualidad densa y soñadora de Lana Turner o Rita Hayworth puede ofrecerse, en menor escala, en Scarlett Johansson, but when Johansson pouts and flirts her way through a picture she seems like a willing anachronism—a male director’s delectable toy.

En estos días, una mujer puede ser desinteresada pero no abnegada; ella puede estar herida pero no indefensa. Si un hombre la lastima, se venga. Jodie Foster, Ashley Judd y Charlize Theron han interpretado un papel tras otro en los que las empujan demasiado lejos y sacan los cuchillos. La violencia femenina es una especie de paso adelante en la imagen de la mujer en la cultura pop, supongo, pero, para una actriz, negar tantas partes de su temperamento para ser dura todo el tiempo puede no ser una gran ventaja. La antigua dulzura es tabú, pero la nueva dureza puede ser una trampa, una forma de explotación que simplemente alimenta el hambre del público por películas violentas. (Supongo que el público masculino. Eran los hombres, no las mujeres, los que se emocionaron cuando Uma Thurman descuartizó a treinta chiflados en "Kill Bill"). En general, el camino para las mujeres no es fácil: a menudo no juegan más que un papel decorativo en las películas de fantasía que atraen al público joven y familiar y derrotan a la competencia los primeros fines de semana. Las innumerables comedias generales para audiencias jóvenes han creado una serie de bufones estelares (Vince Vaughn, Adam Sandler, Will Ferrell, Ben Stiller, Owen Wilson, Luke Wilson, Jim Carrey, Matthew McConaughey y tal vez la pandilla de Judd Apatow), pero emparejando con ellas, haciendo el papel de chicas buenas, están actrices menores, como Drew Barrymore y Kate Hudson, que no hacen bromas y no pueden convertirse en estrellas. Téa Leoni, por el contrario, tiene potencial de estrella. No es una payasa sino una comediante elegante con el talento y el desenfreno de Carole Lombard; verla tratar de actuar con el Adam Sandler arrastrado y tímido en el desafortunado "Spanglish" fue una experiencia dolorosa. Así que la nueva libertad es limitada. Una actriz maravillosa como Laura Linney, que trabaja en niveles de presupuesto medio, puede interpretar cualquier cosa, pero sus papeles no existen en las películas de gran presupuesto que la convertirían en una estrella. La locura del fin de semana inaugural ha hecho que las mujeres sean menos “financiables” que los hombres.

Julia Roberts, que ahora cumple cuarenta años, es quizás la última estrella femenina pasada de moda que el público quiere ver simplemente por sí misma: por su porte grande y fácil, sus hermosos rasgos de gran tamaño, su enorme sonrisa que da paso a una risa estruendosa. El público la sigue a través de una serie continua de episodios en los que Julia ahora es una prostituta que consigue que un rico hombre de negocios se enamore de ella ("Pretty Woman"), ahora una estudiante de derecho que se une a Denzel Washington para evitar que personas terribles hagan cosas terribles ("The Pelican Brief"), ahora una dura toma de una compañía corrupta de gas y electricidad ("Erin Brockovich"). En todos estos papeles, Roberts se mueve de un punto a otro en la narrativa pública de su vida. Es imponente sin ser majestuosa, y el público podría identificarse con sus pruebas y aspirar a ser como ella. Nicole Kidman, también esbelta y hermosa, con una sonrisa libidinosa y un juego de picardía en los ojos, es una actriz más ambiciosa, pero la carrera de Kidman sugiere las perversas contradicciones de la libertad. Con una generosidad verdaderamente valiente, ha trabajado, por una fracción del precio de una gran película, con una variedad de directores jóvenes, pero su elección de material no ha estado a la altura de su coraje, y ha aparecido en demasiadas películas apestosas.

El éxito de “El diablo viste de Prada” debería haber indicado a Hollywood al menos una forma de crear papeles que puedan interpretar tanto actrices jóvenes como mayores . En el mundo, las mujeres trabajan duro. Tienen peleas con sus rivales, tienen aventuras amorosas en el trabajo, cometen o previenen delitos en las salas de juntas corporativas, son moralmente comprometidos, despedidos o ascendidos. ¿Por qué no desatar a Roberts y Kidman, o Cate Blanchett, con su intensidad de fuego pálido, o Charlize Theron, Kate Winslet o la ávida Rachel McAdams en los mundos moralmente complicados corporativos, financieros y políticos, donde pueden portarse mal o divertirse? y, en el proceso, luchar por su camino hacia un estrellato nuevo o fresco?

Por supuesto, las estrellas de cine todavía existen. ¿Qué es el ingobernable Russell Crowe, sino una estrella? Es como King Kong rompiendo sus cadenas. Pero hay menos estrellas que en el pasado, y han bajado al mundo. Se les paga más pero se les valora menos. Los modales, la vestimenta y el lenguaje han perdido lo que quedaba de la formalidad: lo informal caro es la aspiración de las estrellas y de todos los demás. Sharon Stone fue la última estrella que se mostró grandiosa en público como Crawford, pero no pudo encontrar papeles a la altura de sus pretensiones. Incluso antes de que la máquina de las celebridades hiciera estrellas “igual que nosotros”, muchas de ellas estaban aprendiendo a cultivar la modestia. Henry Fonda y James Stewart se mostraban reservados, incluso dignos, en público. Pero estrellas como Tom Hanks, príncipes del reino democrático, son francamente amigables; no quieren enseñorearse de nosotros para que no los derribemos de su pedestal de poca altura. De alguna manera, las estrellas de cine ahora tienen menos influencia en la imaginación del público que los actores que crean personajes sostenidos en series de televisión o los atletas y raperos que están más cerca de la libertad profana: la libertad total del cuerpo en la violencia o la belleza.

Las estrellas de cine son dioses manchados de tiendas. Sin embargo, es imposible despedirnos de ellos sin despedirnos de una parte de nosotros mismos. Las estrellas figuraron en la vida erótica del poeta urbano Frank O'Hara, quien, sentado en un teatro, insistió en que "la sangre en mis pantalones sube a las estrellas / mientras reflexiono sobre el cuadrado de plata". En el cine, la soledad en la multitud anónima libera la fantasía y el sentido de posesión. La novela de Manuel Puig de 1976 El beso de la mujer araña se convirtió en una película en 1985 en la que el héroe, Molina (William Hurt), un escaparatista gay en una prisión sudamericana, trae consuelo a su compañero de celda, un revolucionario marxista severo (Raúl Julia), al contarle la historia de una película kitsch de los años cuarenta, que luego vemos—Sonia Braga interpreta a una cantante francesa que se enamora de un nazi. El mismo año, Woody Allen realizó “La rosa púrpura de El Cairo, en la que Mia Farrow, una soñadora camarera desempleada y una esposa solitaria en la era de la Depresión en Nueva Jersey, va una y otra vez a la misma película hasta que, finalmente, uno de los personajes (Jeff Daniels) sale del marco y entra en su vida, resulta ser muy dulce. Ambas fábulas, respuestas a sentimientos de atrapamiento, tratan sobre una relación con una estrella de cine tan intensa que los límites entre la pantalla y el espectador se derrumban. Crecer, como lo hizo Puig, en los palos argentinos (donde Hayworth no era solo una mujer hermosa sino un rayo de esperanza) o esperar a que pasara la Depresión estadounidense fue duro. Las películas mantuvieron viva a la gente. Para 1985, una época más próspera, ya estábamos enfrascados en la nostalgia por la nostalgia. Ahora puede parecer que ya es hora de renunciar por completo a la adoración de las estrellas. Ambas fábulas, respuestas a sentimientos de atrapamiento, tratan sobre una relación con una estrella de cine tan intensa que los límites entre la pantalla y el espectador se derrumban.

Ciertamente parecería una renuncia virtuosa. La actuación cinematográfica estadounidense, tanto en películas pequeñas como grandes, nunca ha sido mejor que en el momento actual. Algunos de los jóvenes actores inteligentes parecen dudar en el umbral del estrellato, y su desgana sugiere que el negocio de las celebridades ha convertido sus vidas en un infierno. Para nosotros, sin embargo, la virtud es su propia recompensa en la vida, no en una sala de cine. El culto a las estrellas trasciende la técnica cinematográfica y la destreza como director; trasciende el arte. Es la indulgencia perversa o tonta que una vez hizo que ir al cine fuera un hábito universal. A pesar de todos los desánimos, hay poco que hacer sino esperar como pretendientes con el sombrero en la mano a que las películas produzcan una nueva ronda de estrellas para que podamos volver a ser tontos. ♦

David Denby es escritor del personal de The New Yorker. Es autor de “ Grandes Libros ” y “ Lit Up ”.

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Virgen Santísima, que GRAN TEXTO. Otto+, ¿leiste mi respuesta a tu privado?. Ultimamente la conexión a Internet me va regular y no sé si te llegó o no.

Iniciado por Branagh/Doyle

Virgen Santísima, que GRAN TEXTO. Otto+, ¿leiste mi respuesta a tu privado?. Ultimamente la conexión a Internet me va regular y no sé si te llegó o no.

LO ES, es un texto que te agarra por las pelotas. Y va de menos a más, empezando muy fuerte ya de por sí. Da para abrir una mesa redeonda y entablar tertulia.

Sí, sí que me llegó tu privado pero hoy he tenido un día muy malo, no por cuestión del calor que ha remitido por aquí en gran parte sino por mis asuntos de salud zingzagueantes.

Spoiler:

]Me he acostumbrado a ellos en cierta manera, pero en un mes pueden solaparse días decentes con días nefastos; ¡qué días.... si las verdaderamente nefastas son en relidad las noches y madrugadas! Hoy he dormido fatal por las p*tas pesadillas o sueños tan retorcidos, repetidos a veces para más inri, que tengo y que más vívidos no pueden ser .... no sé si es por la medicación para tratar los acúfenos o porque estos mismos alteran de alguna manera el descanso cerebral durante el sueño, después de todo los acúfenos son la señal de una disfunción o desconexión de las neuronas auditivas de la corteza cerebral a través de los nervios auditivos conectadoa a las células destruidas del oído interno. El caso es que hay días, como hoy, que me despierto molido y de mal humor, por acumulación de estas vivencias. Es casi de ciencia-ficción orientada hacia lo David Lynch o el terror más sofisticado esto de los acúfenos, y con todo, como digo, ya me he acostumbrado, por la cuenta que me trae, a ello tras cinco años y medio en el limbo. Los problemas de salud pueden albergar tal cantidad de variantes.... que es imposible meterse en el pellejo de quién sufre según qué cosas. Po insospechadas.

Y si no me encuentro bien o cómodo, menos foro -o lo justo-, menos reseñas de films que he podido ver (si es que apetece ver películas, que en un día como hoy es imposible), etc. etc. Ya no digamos escuchar música. FORBIDDEN Max Steiner o cuaqluier manifetación musical, si es que fuera fan. En días como hoy, descanso necesario por no tener ganas. Casi no veo la tele, ni pongo el equipo de música, los tengo de adorno, todo pasa por el monitor del PC y, la gran diferencia, sus altavoces no tan eufóricos. Música, cine, ----
Ya ves. Cambios, para todos, y a adaptarse. No queda otra.

Si no he respondido a tu mail, además es porque precisamente no era el día adecuado para lo tratado ayer.

Buena tarde y buena semana para todos.

Esta peli me interesa poco la verdad... por ella y alguna escena con C Rains con el que iniciaría su relacion laboral

Empress Carlota of Mexico was played by Bette Davis in Juarez (1939)

Pues JUAREZ es un excelente biopic del gran William Dieterle aunque a Paul Muni se le va la mano en la caracterización. Por contra, Brian Aherne está espléndido en el papel del emperador Maximiliano. Y Bette Davis está demasiado subordinada a ambos.

Aherne recibió una merecida nominación a mejor actor de reparto por Juarez. Era el año de la "mejor cosecha de Hollywood", y el premio recayó en Thomas MItchell por La diligencia. Estaba soberbio, como todos sabemos, que no sobrio.

Para mi gusto, Bette tiene un papel demasiado secundario, indigno de su estatus de estrella. Por eso "Juárez" no me gusta demasiado.

Iniciado por hannaben

Esta imagen de Juarez (película que no recuerdo haber visto) me ha hecho pensar en la última que he comentado en el hilo de Bogart, Key Largo.

https://64.media.tumblr.com/1c443070...315ded0a1c.jpg

En ese 1939 tan cinefilo valga la redundancia,la Warner produjo "Juarez" acercamiento historico al presidente B Juarez.Tres guionistas fueron contratados para adaptar la novela de B Harding y parte de la obra teatral de F Werfel.Dos debutantes junto a J Huston dos años antes de su debut como director.En la elaboracion del guion hubo encontronazos para variar con los mandamases.Para la direccion se eligió a W Dieterle con el que Bette había trabajado ya.

La mirada jolivú a la historia mexicana siempre ha sido dificil y repleta de imposiciones restando credibilidad,la peli de Dieterle aguanta un pelin mejor que otras no apostando al riesgo..Como cine politico y social me interesa poco lo que se hacía y se hace salvo excepciones muy contadas.La figura de Lincoln presente en la peli pero sin pringarse demasié..

Con un reparto que a mí plin,ya he manifestado otras veces mi opinion de Muni enterrado en su caracterizacion y bla bla bla..
Bette se limita a ir de comparsa y el que más me llama la atencion es un repelente C Rains como Napoleon III.Aún así Bette no desaprovecha unos cuantos momentos en los que alardea con temperamento y en los que la fotografía y direccion se esmeran acompañandola.

Sin olvidar el momento con su esposo Maxi escuchando "La paloma" de S Yradier,letra que conecta metaforicamente con el desenlace de Carlota de Mexico..


6.8/10

Esta noche me he visto AMARGA VICTORIA y espero comentarla tan pronto acabe con el correspondiente al rincón Fritz Lang.

Aunque me sigue gustando bastante ya no me parece tan buena como la recordaba.

Y tenemos a Bogie haciendo de bueno para variar.

Y a la guapísima Geraldine Fitzgerald.

Hoy me están matando las rodillas.

A ver si me dan una tregua ahora que he empezado mis vacaciones...

Y a George Brent, bastante creíble como doctor. Que ya es bastante.

Más creíble que como sufrido esposo...

Tengo que reconocer que donde me gustó mucho es en La escalera de caracol.

Iniciado por tomaszapa

Tengo que reconocer que donde me gustó mucho es en La escalera de caracol.

A mi también me gusta mucho en esa película.

Una de esas películas que mi madre recuerda haber visto de joven en el cine y en la que pasó mucho miedo.

Claro que mi ama también se asustaba cuando salían los nativos en las películas de Tarzan.

Iniciado por Alcaudón

Esta noche me he visto AMARGA VICTORIA

Aunque me sigue gustando bastante ya no me parece tan buena como la recordaba.

Y tenemos a Bogie haciendo de bueno para variar.

Y a la guapísima Geraldine Fitzgerald.

Se le notan los años eh! Almibarada,entiendo que fuera un rol querido por Bette es muy de actriz peero como peli no deja de ser un melodrama topico... con eso sí, un desenlace rodado con una belleza notable y sin cargar tintas.

BETTE y GERALDINE

Desde luego, es un papel muy buscado por Davis. Y además, en mi opinión, con este papel demostraba esa parte de vulnerabilidad que tiene tan maravillosa, y que no explotó tanto como hubiera deseado yo.

Es una pelicula muy buena, a mi tambien me gusto mucho.

Qué genial tuvo que ser el rodaje


https://64.media.tumblr.com/be82d41b...932084d752.jpg

Trabaja de nuevo con el director E Goulding y su amante ocasional G Brent. Una adaptación de
la obra ganadora del premio Pulitzer de Z Akins y la novela de E Wharton, la película marcó la primera vez que Bette tuvo que compartir el mismo tiempo de pantalla con una coprotagonista femenina: Miriam Hopkins interpretó a la hermana que cría a la hija ilegítima del personaje de Bette, que se convierte en "tía Charlotte,la solterona"
“Nunca me enojé por el papel”, dijo Bette más tarde, pero originalmente quería interpretar a ambas hermanas.
La Hopkins estaba resentida con Bette por su premio de la Academia por Jezabel, un papel que Hopkins había originado en Broadway. También estaba molesta por los rumores de que Bette había tenido una aventura con su esposo A Litvak cuando él dirigía a Bette en "The Sisters" (se creía que el romance sería breve, aunque Bette nunca lo confesó).

Bette sabía que se avecinaban problemas cuando Hopkins apareció en el plató con una réplica de uno de los vestidos de Bette en Jezabel.
Más tarde, Hopkins modificó su maquillaje para que pareciera más joven que Bette durante una escena en la que se suponía que ambas eran mayores. Las dos actrices cayeron enfermas...lo que provocó que la producción se retrasara.

“Era obvio que ella quería liquidarme ”, recordó Bette. "Miriam iba a casa todas las noches y les gritaba a todos".
En su reseña en The New York Times, F Nugent escribió que “Miss Davis ha realizado una
actuación conmovedora y sabia, dura y austera en la superficie, pero comunicando a través de ella la profunda ternura, la angustia oculta de la madre desconsolada. ” Hopkins, mientras tanto, entregó “una
caracterización menos acertada de la malignidad que acecha debajo de una manera encantadora”.

No estoy de acuerdo,vista la peli las dos estan estupendas en este dramón de naftalina con acertados momentos filmados "de terror" con las sombras de la amarga Davis.

Combo total:

7/10

Y la proxima review cerrará la temporada hasta ultimos de agosto.



FILMOGRAFIA

Visionadas

Reviews hannaben

BAD SISTER (1931).
Semilla (1931). No se encuentra
EL PUENTE DE WATERLOO (1931).
La estatua vengadora (1932).No se encuentra
CASA CORRECCIONAL (1932).
LA OCULTA PROVIDENCIA (1932).
SO BIG! (1932)
LOS RICOS ESTAN CON NOSOTROS (1932)
THE DARK HORSE (1932)
ESCLAVOS DE LA TIERRA (1932)
TRES VIDAS DE MUJER (1932)
LOS GANGSTERS DEL AIRE (1933)
20.000 AÑOS EN SING SING (1933)
SE NECESITA UN RIVAL (1933)
EX-LADY (1933)
LOS DESAPARECIDOS (1933)
EL ALTAR DE LA MODA (1934)
THE BIG SHAKEDOWN (1934)
A LA CAZA DE HEREDEROS (1934)
FOG OVER FRISCO (1934)
CAUTIVO DEL DESEO (1934)
UNA MUJER DE SU CASA (1934)
BARRERAS INFRANQUEABLES (1935)
LA CHICA DE LA DECIMA AVENIDA (1935)
LA QUE APOSTÓ SU AMOR (1935)
AGENTE ESPECIAL (1935)
PELIGROSA (1935)
EL BOSQUE PETRIFICADO (1936)
THE GOLDEN ARROW (1936)
SATAN MET A LADY (1936)
LA MUJER MARCADA (1937)
KID GALAHAD (1937)
AQUELLA MUJER (1937
ES AMOR LO QUE BUSCO (1937)
JEZABEL (1938)
LAS HERMANAS (1938)
AMARGA VICTORIA (1939)
JUAREZ (1939)
LA SOLTERONA (1939)
Pendientes para ver

Spoiler:

La vuelta al hogar (1932).Se encuentra

La vida privada de Elizabeth y Essex (1939).
El cielo y tú (1940).
La carta (1940).
La loba (1941).
El hombre que vino a cenar (1941).
Como ella sola (1942).
La extraña pasajera (1942).
Alarma en el Rhin (1943).
Thank your lucky stars (1943).
Vieja amistad (1943).
El señor Skeffington (1944).
Hollywood Canteen (1944).
El trigo está verde (1945).
Una vida robada (1946).
Engaño (Deception) (1946)

Encuentro invernal (1948).
La novia de junio (1948).
Más allá del bosque (1949).
La gran mentira (1950).
Eva al desnudo (1950).
Una novia contra reembolso (1950).
La egoísta (1951).
Another's man poison (1952).
Llama un desconocido (1952).
La estrella (1952).
El favorito de la reina (1955).
En el ojo del huracán (1956).
Banquete de bodas (1956).

El capitán Jones (1959).
Donde el círculo termina (1959).
Un gángster para un milagro (1961).
¿Qué fue de Baby Jane? (1962)
Su propia víctima (Dead Ringer) (1964).
The empty canvas (1964).
A donde fue el amor (1964).
Canción de cuna para un cadáver (1964).
A merced del odio (1965).
The Nanny (1965).
The Anniversary (1968).
Conecting rooms (1970).
Bunny O'Hare (1971).
Sembrando ilusiones (1972).
Pesadilla diabólica (1976).
The Dark Secret of Harvest Home (1978).
Los pequeños extraterrestres (1978).
Muerte en el Nilo (1978).
Los hijos de Sánchez (1978).
Watcher in the woods (1980).
Las ballenas de agosto (1987)
La bruja de mi madre (1989).

DARK VICTORY (1939, AMARGA VICTORIA)



Director: Edmund Goulding.

Producción: First National Pictures, Inc. / Warner Bros. Pictures, Inc.

Distribución: Warner Bros. Pictures, Inc.

Productor ejecutivo: Hal B. Wallis,

Productor adjunto: David Lewis.

Guion: Casey Robinson, basado en la obra teatral homónima de George Emerson Brewer, Jr. y Bertram Bloch (Plymouth Theatre, Nueva York, 7 de noviembre de 1934).

Fotografía: Ernie Haller, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: Robert Haas.

Música: Max Steiner.

Montaje: William Holmes.

Reparto: Bette Davis (Judith Traherne), George Brent (Dr. Frederick Steele), Humphrey Bogart (Michael O’Leary), Geraldine Fitzgerald (Ann King), Ronald Reagan (Alec), Henry Travers (Dr. Parsons) y Cora Witherspoon (Carrie).

Rodaje: de principios de octubre a finales de noviembre de 1938.

Duración: 1 h 39 m 51 s. (Copia en DVD editada por Warner en 2005) / 1 h 44 m 13 s. (Copia en BD editada por Warner en 2015).

Estreno: 22 de abril de 1939.



Primera de las cuatro películas que estrenó la actriz en 1939 junto a JUAREZ (William Dieterle), LA SOLTERONA (de nuevo Edmund Goulding) y THE PRIVATE LIVES OF ELIZABETH AND ESSEX (Michael Curtiz), esta última su primer largometraje en Technicolor tricromático.

- No obstante me gustaría recordar que la actriz estuvo a punto de protagonizar en 1936 la que hubiese sido la primera incursión de la Warner en el Technicolor, GOD’S COUNTRY AND THE WOMAN (1937), de William Keighley y con el inefable George Brent de partenaire… -

Como todo el mundo sabe (o debería saber...) 1939 fue “el mejor año de Hollywood”…



De esas cuatro cintas que acabo de mencionar la mejor de todas ellas me parece LA SOLTERONA, película que ya tuve ocasión de comentar aquí https://www.mundodvd.com/las-ultimas...6/#post4622195

AMARGA VICTORIA fue por un lado la segunda de las cuatro películas en las que Bette trabajó a las órdenes (es un decir…) del - en ocasiones excelente - director británico Edmund Goulding (1891-1959) y al que debemos dos espléndidas cintas consecutivas como son EL FILO DE LA NAVAJA (1946) y EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS (1947) – recientemente remakeada por Guillermo del Toro – y por otro lado la octava de las once que coprotagonizó con el imperturbable irlandés (quién lo diría...) George Brent (1904-1979).



Al igual que en la anterior entrega del coleccionable, la sublime JEZABEL (1938), de William Wyler (y John Huston…), AMARGA VICTORIA se basa en una obra teatral que pasó sin pena ni gloria por la cartelera de la época (tan sólo 51 representaciones, entre el 7 de noviembre y el 29 de diciembre de 1934).

No deja de resultar curioso el hecho de que se prefiriese mantener el título original en lugar de uno más esperanzador.

¿No hubiese sido más hermoso uno con un toque digamos sirkiano como por ejemplo... SUBLIME DERROTA?

De esta forma se hubiese reafirmado la regeneración (moral) del personaje encarnado por una (como – casi – siempre) espléndida Bette Davis cuando finalmente muere en una de las escenas más bellas del cine clásico.



AMARGA VICTORIA usufructuó varios de los participantes en la anterior cinta de la actriz, la ya mencionada JEZABEL, como el operador Ernest (aquí simplemente Ernie) Haller, el director artístico Robert Haas o el compositor Max Steiner.

Si a ello sumamos la presencia del productor Hal B. Wallis, el segundo al mando después de Jack L. Warner, ello explicaría a las claras la continuidad estética entre ambas propuestas.

No obstante, AMARGA VICTORIA pese a ser un (cuasi)excelente melodrama no alcanza la grandeza de JEZABEL seguramente porque el pathos está demasiado escorado hacia el melodrama más desaforado por mor de la enfermedad mortal que sufre la protagonista.



Otro de los problemas que adolece la película es un reparto notablemente desequilibrado.

Si bien la también irlandesa Geraldine Fitzgerald (1913-2005) está, como siempre, magnífica y además es una mujer muy bella y elegante (me gustaría recomendar a los compañeros que no la hayan visto la espléndida PESADILLA (1945), de Robert Siodmak, uno de los bonus tracks que trufan el rincón Fritz Lang que lleva un indocumentado de cuyo nombre no quiero acordarme y que fue comentada aquí https://www.mundodvd.com/fritz-lang-...9/#post4729659)...



... no ocurre lo mismo con el, como antes decía, impertérrito George Brent, que si bien resulta relativamente convincente como prestigioso médico naufraga por completo como compungido consorte de la protagonista...



Fitzgerald vs. Brent



Por el contrario, es casi una novedad ver al bueno de Bogie encarnando a un personaje que nada tiene que ver con sus habituales maneras gansteriles hasta el punto de competir con el citado George por las atenciones de la bella y díscola Bette.



Y epidérmicas son las caracterizaciones de actores como Ronald Reagan (que al menos tiene un melodrama de fuste en su filmografía como es el excelente KINGS ROW (1942), de Sam Wood) o Henry Traves (el ángel sin alas de QUÉ BELLO ES VIVIR (1946), de Frank Capra).



Aunque JEZABEL y AMARGA VICTORIA comparten el protagonismo de una mujer aristocrática y de carácter indómito y también el hecho de que la regeneración final de la misma se consiga finalmente en un momento diríamos que epifánico, la primera es una obra mucho más consistente que la segunda.



De hecho, sólo en ese magistral tramo final que es la muerte de Judith (Davis), delicadamente rodada por un brillante Goulding, AMARGA VICTORIA puede equipararse al igualmente deslumbrante final de JEZABEL.



En cualquier caso, un muy buen melodrama aunque sólo sea por la presencia de Bette Davis y Geraldine Fitzgeral, dos espléndidas actrices que se complementan a la perfección.



Excelente calidad de imagen y de sonido la que sacó la Warner primero en DVD (2005) y luego en BD (2015).

Lástima la absurda (o más bien irritante) manía de no subtitular los audiocomentarios.

Siempre nos quedará París…



Dulces sueños.

Gracias por tu aporte compi Alcaudon

La relacion de Bette y Geraldine en la peli está harto conseguida.Me encanta que la catarsis emotiva final la tengan Bette,su amiga del alma,los perros y la asistenta.

Cada plano de la Davis en Amarga victoria me parece sublime. Y desde luego, Geraldine Fitzgerald ayuda enormemente a subir de kilates esta magnífica cinta, en mi opinión. Es un dramón, pero de los muy buenos.

Con "Amarga victoria" se llora muy a gusto.

En 1963 Susan Hayward protagonizó un remake en color de luxe junto a Daniel Craig y Diane Baker, también muy estimable, aunque inferior a la original.




A Susan le iba también el melodrama, que casualidad que al año siguiente coincidió con Bette Davis en "Adonde fue el amor", otro melodrama de los 60: