Tema: Bandas sonoras

Iniciado por tonk82

Pues mira, ahora que andamos hablando de música de Bond, aprovecho porque creo que es un tema interesante.

Han pasado muchas décadas desde que empezó la franquicia... y creo que a día de hoy es de las pocas películas, que cuando sale una nueva entrega, hay autentica expectación por su tema principal. Nada de estar relegado a los créditos finales, siempre hay expectativas máximas por esos títulos que aparecen tras la secuencia pre-creditos habitual.

Y te sorprendería los rankings que hay de canciones Bondianas. De hecho, hay no pocos fans que han acabado adorando el tema de Cornell, incluso por encima del de Adele. Muy divisivo fue, tan pronto te lo encuentras en la zona alta de la tabla, como en última posición, dependiendo de quien juzgue.

Yo desde luego, juzgando los últimos temas... por encima del de Madonna, Sam Smith y Jack White & Alicia Keyes lo pongo. Cada X años hay cabida para temas mas inusuales, sobre todo desde que tuvimos a Duran Duran yendo a su bola

De la etapa post-Dalton reivindico también bastante el de Garbage para The world is not enough (lo de Tina Turner era un monumento también), que estaba convencido de que no iba a funcionar, y sin embargo me encanta (aunque claro, estaba metido David Arnold componiendo).

Si, cuando escuche el tema cuando vi el filme, me parecio un tema bastante bueno, el de Adele me gusta, pero el de Cornell (desaparecido ya, es una lastima, tan joven)

Y Garbage igual, muy buen tema, el de Tina Turner es ya mitico, gran tema.

EL SUEÑO EN BERLÍN



En octubre de 2018 acudí a Londres para ver un concierto que debía tener a John Williams como director de la London Symphony Orchestra en el Royal Albert Hall. Sin embargo, un problema de salud del maestro impidió que se presenciara, dejando a un servidor con una sensación agridulce tras el concierto, que finalmente se hizo sin él. Más adelante, durante la pandemia que a tanta gente ha afectado, se anunció que Williams dirigiría varios conciertos en el Berliner Philharmoniker, lugar donde el compositor quería mostrar sus grandes bandas sonoras, lo que él mismo admitió durante el concierto. Y yo, tras levantarme a las 9:00 a.m en un pueblo de España perdido de la mano de Dios (donde apenas había cobertura o Wi-Fi), estuve una larga hora intentando conseguir una simple entrada para poder ver a quién es mi compositor favorito desde que entré en este mundo, ya en una muy temprana infancia.

El jueves 14 de Octubre de 2021, en Berlínn y más concretamente en el Berliner Philharmoniker, pude presenciar al maestro en muy buena forma, lo que me alivió sobremanera. Y por segunda vez en mi vida -la primera siendo un breve concierto en Tanglewood, en el que pude intercambiar unas palabras a solas con el mismísimo compositor-, conseguí estar a unos metros de él mientras dirigía sus maravillosas y siempre alabadas obras para el cine. Antes del concierto tenía varias dudas: si finalmente el compositor llegaría o no a realizar el evento tras lo ocurrido en Londres, si podría dirigir las dos partes del concierto, si debía ir o no de etiqueta (evidentemente no! fui con una sudadera negra y una camiseta de John Williams...), etc. De todas maneras, todo salió redondo: John Williams acudió a Berlín y dirigió las dos partes del concierto, con hasta tres bises y levantado durante toda la programación, mostrando un gran carisma, un gran sentido del humor y lo más importante, una pasión por la música y sus obras alentadora.

Tras debatirme entre si comprar o no la programación del evento (3,50€!) y con una acogida por parte del personal del lugar muy encomiable, la orquesta salía a saludar para después, dar paso al gran protagonista de la velada: John Williams, de 89 años de edad, que caminaba lento pero firme y con una sonrisa que propició una ovación muy emotiva. Y para emotiva, la primera parte del concierto, que fue en lo personal una experiencia conmovedora: lloré entre cinco y seis veces, no a moco tendido y no por la música, sino por poder ver al maestro y ser consciente de la edad que tenía y que por desgracia esa podía ser la última vez que lo viera, aunque muy en el fondo ya estoy planeando ir a Milán en verano de 2022 si el compositor realiza el evento.

Al contrario que mi gran sensibilidad, el programa inició con una ampulosa pieza llena de energía y optimismo: Olympic Fanfare and Theme, de casi cinco minutos de duración y con una acústica y potencia espectaculares. La soberbia pieza, con gran protagonismo en la sección de los instrumentos de viento metal, fue una de las partes más alabadas de esta primera mitad de la velada y además, si no voy muy errado, era una pieza poco tocada en los conciertos del maestro por lo que probablemente fue una sorpresa para muchos de los aficionados. El concierto no podía empezar mejor.

El evento continuó con una extensa pieza de Close Encounters of the Third Kind (77), de inicio tétrico y misterioso, con una destacada sección de cuerdas y finalizando con un despliegue orquestal muy emotivo, de gran belleza pero que sin embargo, no tuvo una tan cálida acogida en cuanto a ovación se refiere. Y es que gracias a una observación de Gorka Oteiza, con quién tuve el placer de compartir unos momentos durante la noche, me enteré que el público no parecía estar muy entusiasmado con el concierto, probablemente debido a que la mayor parte de los asistentes eran ya habituales de la filarmónica y no aficionados de la música de cine o al propio John Williams.

Al finalizar la segunda pieza del concierto, el compositor cogió un micrófono y se giró para compartir unas palabras en las que destacó la belleza de Berlín y la ausencia de coches, algo totalmente contrario a lo que estaba acostumbrado a ver en Los Ángeles. Indicó también que pasear por los parques o las limpias calles de Berlín y ver a familias tan unidas y felices, le había hecho reflexionar sobre el importante pasado del país, su vívido presente y el muy probable gran futuro que les espera a los ciudadanos de Berlín. Tras ello, analizó su próxima pieza, explicando el significado que tenían en la película varios de los temas que escucharíamos en la suite que estábamos a punto de presenciar: Far and Away (92), banda sonora a reivindicar y con poca popularidad en los conciertos realizados por el maestro. También destacó la influencia celta de la partitura al igual que los instrumentos protagonistas de las distintas secciones de la suite, como los violoncellos y los contrabajos, que tendrían gran presencia en uno de los momentos más bombásticos de la pieza. La suite fue espectacular: conmovedora, épica, vibrante y con una acústica impresionante. Otra de las sorpresas del concierto, junto a la fanfarria olímpica.

Para la próxima parte del concierto, Williams había escogido tres piezas de la saga Harry Potter, nombre que al salir de su boca causó una gran ovación y muchísimos aplausos. No es algo extraño ver tal recepción por parte del público, algo que él mismo indicó que no fue hasta el momento de participar musicalmente en la saga que supo de la importancia de la franquicia en el mundo entero. Los libros habían sido traducidos a 64 idiomas en aquél entonces, dato que hizo estallar el buen sentido del humor del compositor, pues él mismo aclaraba que no conocía tal cantidad de idiomas. Tras destacar que Harry Potter era la exportación británica más grande de la historia tras los Beatles y con una reflexión sobre la saga, el compositor explicó sobre qué trataba cada tema, dando énfasis en que la pieza Harry's Wondrous World era un tema central que había sido creado para el niño protagonista y sus amigos, Hedwig's Theme para el mundo mágico de la saga y Nimbus 2000 para un ítem mágico que Harry usa en el deporte del Quidditch: a destacar cómo Williams decía de la Nimbus que era un stick (oséase, un palo).

Hasta trece minutos fueron dedicados a la obra del mago más popular del mundo, con dos piezas que en lo personal me maravillan y que sin embargo encontré de las más fallidas de toda la velada. No obstante fue algo muy subjetivo, pues el tempo de la pieza me pareció demasiado ágil y noté como propiciaba a que se diera más caos en la orquesta, algo que dudo fuera deliberado pero que probablemente estaba hecho para reducir la duración de los temas en el concierto. Hay que recalcar lo original de la pieza Nimbus 2000, que a falta de confirmación es una partitura creada para concierto y que nunca había escuchado ni en la película ni en los CD: era una pieza creada para dar protagonismo sobre todo a instrumentos de viento madera como el oboe o los fagots, con una importancia sonora en las lengüetas de los mismos.

Como conclusión de la primera parte, John Williams dirigió el que en mi opinión fue uno de los mayores aciertos del concierto y de esta primera mitad: el tema principal de Jurassic Park (93), saga con la que el maestro bromeaba pues ya habían demasiadas películas (ni recordaba si habían tres o cuatro, cuando en realidad ya van a por la sexta) y que comparaba con Indiana Jones, saga con un gran protagonismo musical en la segunda parte del concierto. Antes de empezar a dirigir la orquesta, explicó en qué parte de la primera película se utilizaba el tema principal de la franquicia, lo que arrancó algunos aplausos del público. Fue un final de primera parte espectacular, épico, glorioso, ampuloso y muy conmovedor: la pieza que hizo que llorara por última vez durante el concierto.

Tras una pausa de aproximadamente veinte minutos en la que asimilaba lo que acababa de presenciar, Williams tomó la batuta sin decir siquiera una palabra y la orquesta inició una bombástica fanfarria que absolutamente todo el Planeta conoce: el tema para superhéroes más popular del mundo, Superman March. La potencia de la sección de los instrumentos de viento metal fue increíble y como ocurría con el tema de las olimpiadas, el público estalló en una gran ovación, si bien es cierto que más de la mitad de los asistentes no hacían ni el esfuerzo de levantarse, algo de lo que tomé más consciencia durante esa segunda parte. No obstante, era difícil ver a alguien quieto mientras sonaba la marcha del superhéroe, pues mucha gente movía la cabeza al son de la pieza.

En una estructura similar a la habida con Harry Potter, John Williams presentaba las siguientes tres piezas para la mítica saga de Indiana Jones, explicando varias cosas interesantes acerca de la franquicia. Para empezar, realizaba una broma similar a la expuesta cuando hablaba de Jurassic Park, con la sorpresa de que hubieran tantas películas para Harrison Ford y más aún con su actual edad. También indicó que en cuanto volviera a Estados Unidos, empezaría a trabajar en la música de la quinta entrega de las aventuras del popular arqueólogo, lo que suscitó los aplausos del público. Pero de esas reflexiones antes de que comenzara a dirigir la orquesta, me quedo con dos momentos estelares: el primero muy jocoso y el segundo, muy interesante, pues dejaba ver alguna queja de Williams hacia la competición sonora entre música y efectos de sonido. Ambos momentos tenían que ver con el Scherzo for Motorcycicle and Orchestra.

Ante esta obra y ante la explicación simple de que es un scherzo, sacaba su lado más humorístico insistiendo en que como todos podíamos ver, no había motocicleta en el escenario, algo que sonsacó las sonrisas y carcajadas de muchos de los asistentes. Y tras este primer momento, Williams se centraba en destacar cómo de mal y sorprendido se sintió la primera vez que vio la película y descubrió que su querida pieza no podía competir contra los efectos de sonido de la escena correspondiente, por lo que si alguna vez tenía la oportunidad de mostrar esta pieza sin esa competición sonora, no desaprovecharía la ocasión. Y así es: el compositor ha presentado ya varias veces su popular scherzo en concierto y en el de Berlín no podía ser menos.

Con gran delicadeza y mucha sensibilidad seguiría con Marion's Theme, el tema de amor de la primera película de Indiana Jones para después finalizar el bloque del arqueólogo con la ya gran reconocida marcha de Indiana Jones, que volvió a hacer que los asistentes exteriorizaran su ritmo musical interno y acompañaran la percusión de la pieza con sus piernas o el movimiento de sus cabezas. Cuando el personaje de Harrison Ford dejó de ser protagonista musical, el relevo lo tomó Bruno Delepelaire y su violoncello, instrumento por el que John Williams siente gran admiración, admitiendo que es uno de sus favoritos en toda la orquesta por su capacidad de evocar sensibilidad y dramatismo a todo lo que acompaña.

Seis minutos fueron dedicados a la Elegy for Violoncello and Orchestra, con una gran sinergía entre director de orquesta y solista de cello. El final de esta delicada y emotiva pieza hizo que casi todo el público se alzara para aplaudir a ambos protagonistas y también a la orquesta. El chelista Bruno demostró una gran pasión por la elegía, que Williams presentó antes de que ésta iniciara, explicando también el profundo significado de la palabra Elegy.

Tras el enternecedor momento de la velada, llegaba el ya mítico, popular y habitual bloque de Star Wars: un bloque que causa amor e indignación a partes iguales, pues aunque son músicas grandiosas y nostálgicas, son demasiado frecuentes y protagonistas en toda la programación de los conciertos de John Williams, no dejando que otras de sus obras olvidadas y gemas perdidas tomen presencia en los eventos. Comprendiendo esas críticas y deseando también que algunas bandas sonoras del maestro tengan lugar en futuras programaciones, no hay que negar que en ocasiones, son necesarias, pues en este bloque el compositor tuvo la mayor ovación de todas y los rostros de absolutamente todos los asistentes mejoraron considerablemente. Porque creedme: ver a John Williams dirigir Star Wars no tiene precio. Para este bloque, el compositor ni siquiera presentó ni dio explicaciones sobre la franquicia: simplemente dijo el nombre de las tres piezas que contenían esta parte y comenzó con la fiesta.

Inició con el tema para The Adventures of Han (en lo personal, me faltó que el compositor mencionara que había escrito solo el tema principal para la película Solo: A Star Wars Story (18), tema que después elaboraría John Powell para dar coherencia a todo el filme), de nuevo con gran protagonismo en la sección de viento metal y percusión. Después, continuó con Yoda's Theme, un momento maravilloso que todos agradecieron después de la bombástica pieza anterior y con gran protagonismo de la sección de cuerdas y el arpa, que sonó extremadamente bien durante todo el concierto. El compositor finalizó el bloque de manera magistral con una de las piezas más grandilocuentes, ampulosas, emotivas y nostálgicas de toda su filmografía: Throne Room and End Titles, que acompaña el final de la primera película de Star Wars, algo que sí dejó claro antes de empezar la parte galáctica. Esa conclusión fue admirada por todo el público, logrando que, esta vez sí, todos se levantaran para alabar al maestro en una segunda parte estructurada de manera que ni el público más acostumbrado a la filarmónica y no al compositor, pidieran aún más.

Por supuesto, tanta ovación y tanto agradecimiento hacia John Williams no era necesaria para que el propio compositor, tras una velada tan especial como aquella, decidiera realizar hasta ¡tres bises!, todos ellos también típicos y conocidos sobremanera pero realmente, necesarios y muy efectivos. El primero fue protagonizado por el impresionante personaje al que daba vida la fallecida actriz Carrie Fisher: Princess Leia's Theme, que ofreció un fabuloso protagonismo a la sección de instrumentos de viento madera y cuerdas, en una magistral interpretación de lo que originariamente era un tema romántico. Y es que así lo admitió el propio John Williams antes del bis: él escribió un tema de amor para Luke y Leia en la primera película, pues obviamente ni George Lucas ni el compositor sabían que habría una o diez películas más sobre la franquicia. Y el Maestro así insistía, bromeando: Le mostré la música a George Lucas y no me dijo absolutamente nada, refiriéndose al cariz romántico que claramente ofrece la partitura. A continuación, sin ninguna palabra que predeciera la siguiente pieza, Flying Theme de E.T the Extraterrestrial (82) comenzó a sonar en el interior del Berliner Philharmoniker. Y sinceramente, no hacía ni falta que esa pieza se presentara: ni el compositor lo consideró necesario ni el público lo necesitaba. El disfrute fue máximo y la emotividad de la grandiosa pieza se palpaba en la sala: solo hacía falta ver las sonrisas de los asistentes del concierto.

Pero no fue hasta que Williams alzara la batuta y la orquesta comenzara a interpretar la imponente, grandilocuente, mastodóntica y brutalmente conocida The Imperial March, que el público se dio cuenta de que ese era el final de la velada. Tan asombroso es ver a Williams dirigir la marcha que hasta al público se le escapó algunos aplausos durante los cinco segundos. Increíble sección de percusión, por cierto. La acústica del lugar y la magnífica (insisto, magnífica) interpretación de la orquesta influyeron sobremanera en la impresionante ovación final del evento, un evento que quedará en mi memoria.

Ante todo he intentado ser objetivo con esta crónica, pues sabía que mi amor absoluto por John Williams haría que todos mis comentarios fueran a favor del evento. Sin embargo, lo cierto es que fue una experiencia irrepetible: ver a John Williams, orgulloso de sus temas y las anécdotas que tenía que contar no tiene precio. Casi más de veinte años viendo entrevistas y conociendo un poco al compositor por su música y aún así, su sentido del humor y su cercanía hacia el público me sorprendió: una faceta que poco conocía de su persona.


Me gustaría destacar también que el compositor tiene ya casi 90 años y aún así se mantuvo todo el concierto con energía, tanta como para salir y entrar del escenario unas seis veces y dirigir toda la orquesta de una manera soberbia. Además de eso, curioso y agradable fue el que realizara algún que otro discurso, aderezado de breves comentarios hacia su obra e incluso con algo de interactividad con la audiencia, preguntando quién era el padre de Indiana Jones en la tercera película del arqueólogo, pues no recordaba el nombre del actor Sean Connery, algo que conmovió a muchos, incluyéndome a mi. Coincidir con el maestro ya es algo que pude cumplir, dirigiéndome a Tanglewood con unas expectativas inferiores a las que obtuve, pues pude hablar y darle la mano a solas pero ver a John Williams dirigir un concierto entero con una orquesta tan espectacular como aquella es otro sueño que se ha hecho realidad: el sueño en Berlín. ¡John Williams, por muchos años más y por muchos conciertos en Europa!

Atli Örvarsson se quedo con la etiqueta de alumno Zimmer, por desgracia (Hollywood debio olvidarse de el demasiado pronto), sin embargo, creo que es uno de esos compositores que desde que entro en su compañia, es que el mejor futuro tenia, porque antes de meterse en grandes blockbusters (muy rescatables son su aportacion a Mortal Instruments o Babylon A.D e incluso Hitman's Wife's Bodyguard), se casco un trabajo muy notable con The Last Confederate, que hay rescatar de vez en cuando para recordar que Örvarsson tiene un talento muy a rescatar, especialmente tras abandonar Hollywood y volver a su Islandia natal para hacer trabajos no cinematograficos y tambien cinematograficos.

Ya se que B/D hablo en su momento sobre Shang-Chi, pero yo quiero entrar mas a trapo

Similarmente a lo que le paso a Mortal Kombat (otro score al que se le achaco de falta tematica -los temas eran obvios, incluso en primera escucha), a Shang-Chi se le tildo de score fallido, pensado mas en las texturas (cierto, pero no del todo) que cualquier desarrollo tematico (de nuevo, ¿es implicitamente necesario que los temas de un score tengan que ser obvios, por narices?) e incluso de ser generico (no me gusta esta palabra, para nada)

Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos, como pelicula no es que sea lo mas memorable o solido del universo Marvel, en cambio, el score de Joel P West (colaborador del director del filme, desde su primer filme) es probablemente uno de los mas ricos en cuanto a estructura se refiere e instrumentalizacion (el elemento asiatico tan predominante en el filme, esta presentando enormemente por una variaedad de instrumentacion china que terminan siendo la estrella de la funcion), pero sobretodo en la complejidad de su escritura, en lo que se refiere a temas.

Primero esta Shang-Chi, su tema se aleja enormemente del convencionalismo del MCU musicalmente, cargado de fanfarrias y temas epicos u heroicos, Shang-Chi no es una excepcion, pero la enorme brillantez del tema del personaje es que su tema es el de un personaje que no es estrictamente un heroe en el inicio de su aventura, es un tema que navega entre el mitisicismo chino (gran trabajo de orquestacion de Mark Graham) y cierto elemento heroico, que no termina de despegar (esta hecho aposta), pero que se ve en esas notas, que el es el heroe, el protagonista de la aventura.




Luego esta el villano del historia, Xenwu, cuyo tema, tiene su miga en cuanto a presentacion se refiere, porque esta construido sobre las mismas seis notas que las del protagonista, pero utilizadas de forma mucho mas oscura o tenebrosa (ligada en varios momentos al padre del personaje protagonista o a la organizacion de los Diez Anillos), alcanzando en muchos momentos un cenit muy potente, especialmente en las secuencias de accion





El otro tema, es la figura materna de Shang-Chi, cuya idea tematica se presenta de una forma (probablemente la mejor escena de toda la pelicula, de largo) calmada, pacifica choca con la idea tematica del personaje del Mandarin y luego a posteriori, el tema en si mismo.





Por ultimo, la hermana de Shang-Chi (cuyo tema no es tan prominente en el score), tiene su propio tema con cello que le da un toque dramatico al personaje.

Basicamente, el score de West esta construido sobre estos temas, ademas de la enorme retalia de temas de accion (como es obvio, el final de la cinta), en los que los combina de una forma cuanto menos inteligente y rica dependiendo del momento (atencion al track Inheritance, es una gozada), ademas de los momentos dedicados a la magica tierra de Tao Lo, donde la instrumentacion asiatica tiene un protagonismo enorme





Y como no, el album termina con dos temas (prominentente es el tema de la madre del personaje principal), de aire triunfalista y dramatico, de una muy destacable escritura.

I love John Williams' Memoirs of a Geisha.


For once it seems like an American film composer for once listened to the actual source music of a different culture and attempted to preserve that tone over to the western ensemble.

Actually, I am not Japanese, I am Korean, but I know Japanese music as well.

One of the things that makes John Williams' score so "authentic" is its avoidance of lush harmonies. East Asian music never had any triadic harmonies as standard in western music, so Mr. Williams avoids its overt usage to not disturb the Japanese aspect of the score.

Mr. Clemmensen correctly points out the score's restrained character. That is the supreme characteristic of all Japanese music, the cool exterior that never lets emotions disturb it. Chinese music is lyrical, Korean music is emotional, but Japanese music is faceless, just like the masks of a Noh play.

However, the one cue that Mr. Clemmensen mentioned as "dissonant" is actually the only cue that contains genuine Japanese music: indeed, that is what authentic Japanese music sounds like. Now you know how much composers change the character of Asian music when they write their faux pas Orientalism! (think Hans Zimmer's score for Kung Fu Panda, which sounds all right for American people but is insufferable for me).

Before listening to this soundtrack, I think people who have true respect for music should go out of their way to listen to authentic Japanese music. After listening, you will see how much John Williams truly respected the music of a completely different culture.

Memorias de una Geisha es obra maestra de John Williams, diamante en bruto que parece que no suele tener el reconocimiento que realmente merece.

Igual que Munich, score pináculo de la carrera de Williams, al igual que La Lista de Schindler ñ.

Vamos con la perla de la semana:

When I read the book I always heard in my imagination something completely different from the 103-minute-long garbage that Zimmer and his friends put out here.
The first sketchbook album was horrible, the second was bad and boring, but this time hearing an oppressive wind pad for over an hour, as if a zimmer had come up with a revolutionary idea of ​​how to describe a desert in musical terms .... is already a kind of self-abuse.
I really like the guy and although he missed it with scores like Widows, Dankirk or Blade Runner 2049 and a few more, most of the time he delivera.
But this time he missed the target completely. When he was signed to score Dune, he claimed that from a young age it is his dream project that has lived for iy all these years, if that is what you take out of your dream project - maybe you should take a break man. Just think what other composers could have done with this source material.
You guys are really all really nice this time.
It can simply be said that this is a mistake and not real music. That zimmer was so in love with this stupid experimental sound design approach that he completely forgot the heart of the story and the characters.
If I could give 0 stars rating - these 3 albums would be the right score to do so.

Joder, no me esperaba esto, joder

Me gusta.

Saludos

Iniciado por Tripley

Me gusta.

Saludos

Escuchando The French Dispatch de Desplat en Apple Music estoy . Divertida, colorista, una fiesta.

Desplat con Anderson se suelta y siempre crea algo tan ligero como exquisito, ahora con regusto a Satie en algún tema.

Saludos

Desplat demostrando porque es de los mejores.

Iniciado por Branagh/Doyle

Escuchando The French Dispatch de Desplat en Apple Music estoy . Divertida, colorista, una fiesta.

Como ya he comentado en el hilo de la película, este temazo de Desplat me hace pensar, por su cadencia y la incorporación de instrumentos, en el Nyman de los 80:




Eso sí, efectivamente, el tono del francés es más festivo (pese al título del tema) que el del británico

Saludos

Hay buena sintonía entre Anderson y Desplat. Se nota. Siempre le salen cosas muy interesantes, ligeras, pero con mucha personalidad y muy bien llevadas. Siempre le veo muy suelto en sus colaboraciones.

Hablando de Desplat... hace poco me comentaron que hizo Largo Winch y que era su "James Bond". No la he escuchado. ¿Que tal es?

A mi me parece un trabajo solvente de Desplat en su mezcla de acción y toques musicales étnicos:



Eso sí, para mí el Bond de Desplat es este:





Saludos

Iniciado por tonk82

Hay buena sintonía entre Anderson y Desplat. Se nota. Siempre le salen cosas muy interesantes, ligeras, pero con mucha personalidad y muy bien llevadas. Siempre le veo muy suelto en sus colaboraciones.

Hablando de Desplat... hace poco me comentaron que hizo Largo Winch y que era su "James Bond". No la he escuchado. ¿Que tal es?

La primera es una joya, una maravilla, una cátedra de cómo escribir música de acción cargada de matices y personalidad. La segunda... es correcta, pero mucho más rutinaria.

¿Conoces Birth?. Es una delicatessen (el trabajo de Desplat y la propia película, a mi juicio).

Birth, The Ghost Writer, The Girl With A Pearl Earring, The Painted Veil, The Golden Compass y Hostage son para mí las cumbres absolutas Desplatianas, un par de peldaños por encima del resto. Por supuesto que tiene un buen puñado más de obras estupendas, hablamos de uno de los grandes actuales, pero esas para mí marcan la diferencia.

De sus obras recientes, Little Women y la última colaboración con Clooney me han gustado mucho (partiendo de la base de que Desplat me gusta mucho en general).

Iniciado por Branagh/Doyle

La primera es una joya, una maravilla, una cátedra de cómo escribir música de acción cargada de matices y personalidad. La segunda... es correcta, pero mucho más rutinaria.

¿Conoces Birth?. Es una delicatessen (el trabajo de Desplat y la propia película, a mi juicio).

Birth, The Ghost Writer, The Girl With A Pearl Earring, The Painted Veil, The Golden Compass y Hostage son para mí las cumbres absolutas Desplatianas, un par de peldaños por encima del resto. Por supuesto que tiene un buen puñado más de obras estupendas, hablamos de uno de los grandes actuales, pero esas para mí marcan la diferencia.

De sus obras recientes, Little Women y la última colaboración con Clooney me han gustado mucho (partiendo de la base de que Desplat me gusta mucho en general).

Me falta saborear a fondo alguna bien valorada, como Birth y Lust Caution, y no he escuchado Little Women todavía.
Del resto, yo diría que mi top es: Cheri, Girl With a Pearl Earring, The Queen, Godzilla, The Imitation Game, The Danish Girl.
Pero como dices, no especialmente lejos de prácticamente todo el resto de su obra, porque menuda media se marca el tío.

El caso de Desplat me desconcierta un poco. Normalmente si se es tan prolífico como el francés lo es actualmente, eso suele conllevar a la larga irregularidad, cansancio o cierta repetición de patrones y esquemas. Pero en su caso, aún habiendose dado esto puntualmente, la media de su obra sigue siendo de un nivel admirable.

Iniciado por Branagh/Doyle

La primera es una joya, una maravilla, una cátedra de cómo escribir música de acción cargada de matices y personalidad. La segunda... es correcta, pero mucho más rutinaria.

Yo creo que ambos trabajos son bastante buenos, una de las demostraciones de que Desplat sabe componer accion

¿Conoces Birth?. Es una delicatessen (el trabajo de Desplat y la propia película, a mi juicio).

Maravilla

Birth, The Ghost Writer, The Girl With A Pearl Earring, The Painted Veil, The Golden Compass y Hostage son para mí las cumbres absolutas Desplatianas, un par de peldaños por encima del resto. Por supuesto que tiene un buen puñado más de obras estupendas, hablamos de uno de los grandes actuales, pero esas para mí marcan la diferencia.

The Ghost Writer y Birth son pepinazos de maestria del frances, The Painted Veil y The Girl With a Pearl Earring son notables (superiores a otros trabajos en indole dramatica) y Golden Compass y Hostage son muestra de calidad de la capacidad de Desplat a la hora de componer accion.

¿Hay algo que Desplat la cage?, yo es que creo que no

De sus obras recientes, Little Women y la última colaboración con Clooney me han gustado mucho (partiendo de la base de que Desplat me gusta mucho en general).

Little Women puede ser un tanto convencional, pero es un Desplat de notable nivel y Midnight Sky es un trabajo notable alto (incluso sabiendo que Desplat lo hizo a distancia y con electronica, pero una excelente electronica y composicion dramatica)

Iniciado por Warren Keffer

Me falta saborear a fondo alguna bien valorada, como Birth y Lust Caution, y no he escuchado Little Women todavía.
Del resto, yo diría que mi top es: Cheri, Girl With a Pearl Earring, The Queen, Godzilla, The Imitation Game, The Danish Girl.
Pero como dices, no especialmente lejos de prácticamente todo el resto de su obra, porque menuda media se marca el tío.

Lust Caution es buena, pero Birth y Little Women me gustaron mas.

The Queen me gusto bastante (diria que la secuela espiritual es The Special Relationship), Cheri me parecio correcto, Godzilla e Imitation Game son notable alto, rozando el sobresaliente (¿que Desplat es frio y que no compone temas?, es una de las sandeces que he escuchado mucho) y The Danish Girl... no esta mal, buen trabajo.

A los títulos mencionados, yo añadiría Un héroe muy discreto, película donde descubrí a Desplat (la vi en un pase de Canal+) y para mí, un gran ejemplo de su vertiente más minimalista que suele cultivar en sus trabajos para Audiard.

Luego llego La joven de la perla que le puso en boca (oídos ) de todos y ya se confirmó con The Queen.

Saludos

Con esta epoca de Haloween que se nos viene encima, me gustaria recomendar a Jason Graves, joven compositor britanico que tiene un variedad de scores en los videojuegos, pero que su carrera despego con Dead Space (y precisamente el terror)

Fue asistente de Jerry Goldsmith y Christopher Young (y tambien Elmer Bernstein), de ahi que mucho de su material en el genero de terror suene en no pocos momentos a ambos compositores, no solo en la trilogia de Dead Space (el tercero esta co-escrito con James Hannigan, quien se encargo de darle algunos toques mas modernos), tambien en la saga de videojuegos de The Dark Pictures.

Tres juegos (el tercero salio el viernes pasado), donde un grupo de personajes deben sobrevivir o no a unas historias de terror (un barco fantasma, un pueblo maldito y un templo sumerio enterrado), en los cuales Graves crea unos trabajos solidisimos, diferentes (cada juego es diferente y las partituras son distintas) para enfatizar el drama o el terror de las situaciones y crear los ambientes necesarios







Y de bonus (aunque ya no esta disponible) Until Dawn, increible

Jason Graves es bastante bueno, es el que se encargó de la primera entrega de Tomb Raider, The order, y el Moss. Bastante variado y solvente.

a primera es una joya, una maravilla, una cátedra de cómo escribir música de acción cargada de matices y personalidad. La segunda... es correcta, pero mucho más rutinaria.

Pues me pondré a escucharla entonces.

¿Conoces Birth?. Es una delicatessen (el trabajo de Desplat y la propia película, a mi juicio).

Birth, The Ghost Writer, The Girl With A Pearl Earring, The Painted Veil, The Golden Compass y Hostage son para mí las cumbres absolutas Desplatianas, un par de peldaños por encima del resto. Por supuesto que tiene un buen puñado más de obras estupendas, hablamos de uno de los grandes actuales, pero esas para mí marcan la diferencia.

De sus obras recientes, Little Women y la última colaboración con Clooney me han gustado mucho (partiendo de la base de que Desplat me gusta mucho en general).

A ver. No he escuchado todo, pero si buena parte de lo que mencionas. Conozco relativamente bien a Desplat de bastantes años... lo que pasa es que nunca me había cruzado con Largo Winch... surgió el tema porque andaba hablando de bandas sonoras de James Bond con unos amigos, y alguien habló de que Largo Winch era un poco Desplat haciendo "una de espcias y acción". Así que vine a preguntar a los expertos