Tema: Bandas sonoras

MIK dijo:

Y sí que se agradece que algunos de éstos trabajos se hayan editado, pero hay casos en los que parece que compositores que durante los años 80-90 estaban en lo más alto, sean ahora relevados a producciones muy por debajo de su talento (pienso ahora en Alan Silvestri, que salvo por su fiel Zemeckis...)



Yo puedo ahondar en el caso de Silvestri. Pese a que llevas razón, y la música de cine cada vez está más dominada por el estilo fast food de samples y librerías de Zimmer y sus acólitos, el caso de Silvestri es algo particular.


Hace años que el buen hombre se toma la música de cine como hobby, y solo trabaja en los proyectos que le interesan, cuando le interesan y en las condiciones que mejor le convengan. ¿El motivo? La industria vinícola, donde Silvestri, al igual que Coppola, ha hecho cantidades obscenas de dinero, que le han permitido dejar de vivir en el agobio constante de quedarse sin trabajo, y desembocar en lo que yo llamo el síndrome Goldsmith, el cual en su ansia por no dejar de trabajar, terminó musicando verdaderos bodrios cercanos a la serie Z.


Ahora Silvestri se dedica a disfrutar de la vida y de la buena comida, tranquilidad a tope y agobios ninguno. Como tiene avión propio y licencia de piloto, si hay que ir a los Angelés a discutir un proyecto pues se va en un momento. A su amigo Bob no le cobra por que no tiene por que, eso no es trabajo, sino pasárselo bien. Una bellísima persona, un cachondo mental, y lo más cercano y campechano que te puedas echar a la cara. Ah! y su vino no está nada mal.




Y hasta aquí puedo leer...





;)

Próximamente...

































;)

Aqui un servidor, que puede que vaya

http://www.backtothefuture.com/news-....pXZ9nhUS.dpbs

Nombre: Pride and Prejudice

Compositor: Marianelli, Dario

Año: 2005

Editado por: Universal Classic & Jazz



Múltiples adaptaciones, en especial para el medio televisivo, ha tenido la obra más conocida de la escritora Jane Austen, “Orgullo y prejuicio”. Su novela, centrada en la lucha entre el amor y los prejuicios de clase tan habituales durante el siglo XVIII pero extrapolables a comportamientos de primeros del siglo pasado (recordemos la obra de Edith Wharton, “La edad de la inocencia”, que se sitúa en 1870), incide en una temática desarrollada a través de sus obras, baste como ejemplo su también afamada novela “Sentido y sensibilidad”.


La película de Joe Wright huye del academicismo y cierto encorsetamiento que aquejaba la por otro lado más que correcta mini serie de la BBC, a través de una virtuosa puesta en escena, con fascinantes travellings, planos secuencia, y sutiles encadenados, sin dejar de aportar a la narración. Ajustadísma dirección de actores, con unos luminosos Knightley y Mcfayden (atención a la expresividad en los ojos de este último) y unos divertidos e irónicos Sutherland y Blethyn.

El guión elimina gran parte de las subtramas sin por ello traicionar el espíritu de la obra, en un ejercicio depurativo de adaptación de lo más estimulante.

En el apartado musical, el compositor pisano afincado en Londres ha tenido muy en cuenta tanto el apego realista a la época de la que es deudora el relato como los aún vigentes componentes de su historia, en un mundo actual donde la igualdad social sigue rigiendo los enlaces matrimoniales de mas alta alcurnia.

Desde una aproximación eminentemente clásica y repleta de referentes, Marianelli entreteje un compendio de piezas diegéticas presentes en la propia escena junto a un subrayado emocional acorde con el romanticismo de la obra, usando como hilo conductor al piano, interpretado por uno de los grandes virtuosos vivos actuales, el francés Jean-Yves Thibaudet.

Las sonatas de Beethoven y el Concierto para Piano de Mozart ejercen de fuente de inspiración cuando el piano construye piezas en solitario (“Dawn”) o bien sirve de introductor de arranques orquestales evocadores (“The Secret Life of Daydreams”) que muestran la inocencia y alegría de su protagonista (“Georgiana”).

Melancolía cercana a los primeros albores del romanticismo que se alterna con el interés de Marianelli por subrayar metafóricamente el pensamiento más liberal de Lizzy con propuestas impresionistas cercanas a Debussy (“Arrival to Netherfield”). Pero el conservadurismo del entorno reclama echar la vista hacia atrás situando al espectador en el encorsetamiento social propio del siglo XVII. Ahí, Marianelli acude al rondeau de Henry Purcell compuesto para su obra “Abdelazar” como punto de partida (“A Postcard to Purcell”).

En cuanto a la diégesis, varias piezas de danza aportan alegría y vivacidad con la introducción de componentes folk. Mientras “Meryton Townhall” está en la línea de la compuesta por Sarde para “Tess”, “Can´t Slow Down” se muestra vertiginosa en su progresión in acelerato. “Another Dance” apuesta por un estilo barroco con su intrínseca ceremoniosidad, mientras la tradicional “marcha de los granaderos” obtiene una grácil versión para piccolo y tambor en “The Militia Marches In”.

De una gran variedad temática, dos son los temas recurrentes sobre los que Marianelli centra su atención para subrayar los encuentros y desencuentros amorosos de los protagonistas. El tema principal es interpretado a piano en “Dawn”, reapareciendo con delicadas variaciones en “Leaving Netherfield” y en la exquisita “Mrs. Darcy”.


El otro motivo de importancia aparece, con solos de clarinete, de manera triste y dramática en “The Living Scultures of Pemberly”, así como arrebatadoramente romántico y frágil durante el bellísimo colofón de la edición, “Credits”. No podemos olvidarnos, dentro de las partes del score mas dominadas por un romanticismo calculado y sobrio (como los amores de estos presos de la corrección social), del magnífico uso de los silencios durante el clímax “Your Hands Are Cold”.



En definitiva, con “Pride and Prejudice”, Marianelli maravilló por la elegancia de sus notas, por su exquisita mirada anacrónica. Una deliciosa bocanada de aire fresco en un actual panorama conservador donde las constantes comerciales, con creaciones de dirección unívoca, dominan la música cinematográfica (¿Me estás escuchando, Hans Zimmer?).



PD: No estaba seguro de como decir esto sin que sonase prepotente, pero esta no es una banda sonora fácilmente dirigible por el aficionado medio, ni siquiera medio/alto. No, se requieren conocimientos avanzados de musicología y musica clásica en general, así como de instrumentación y orquestación de la época, para disfrutarla en su totalidad.



Enorme Marianelli, por no ceder y hacer una musica potita para vender cedecitos (y esta película se prestaba a ello).


When pro mean something.

Nombre: As you like it

Compositor: Doyle, Patrick

Año: 2006

Año de edición: 2007

Editada por: Colosseum Music Entertainment


Adaptación de la comedia de William Shakespeare “Como Gustéis”, el largometraje sirve de pretexto al músico (que incluso tiene un pequeño papel ante la cámara) para ahondar con intensa sensibilidad en otra historia caracterizada por los clichés típicos del genial escritor británico: enredos amorosos, juegos de identidades y la ambigua vida de las clases altas son los temas esta vez tratados en clave humorística. Con la peculiaridad de que, según la estética del filme se halla inspirada en el Japón del siglo XIX. Algo que, como veremos, influye notablemente en el acercamiento musical.

De formas sencillas, curioso exotismo y exquisita sutileza, la partitura de ”As You Like It” se asienta sobre un clasicismo que, de forma similar a la gran “Much Ado About Nothing” (por citar alguna de las geniales obras del tándem Doyle-Branagh), ofrece un poso de fresca y marcada dulzura, como en bastante tiempo no nos regalaba el escocés (ni siquiera en su, por otra parte, excelente contribución a la saga “Harry Potter”). La audición aislada del score adelanta previsiblemente un gran acierto del autor en su intención de crear el preciso envoltorio musical para una comedia del bardo, que como de costumbre se halla impregnada de la vis estética y narrativa de su director, Kenneth Branagh.

Pese a ese arranque dramático con dos cortes entregados a la urgencia (“Kabuki Attack” y “Brothers Fight”), la partitura acaba por asentarse en un motivo melódico de siete notas que ya denota ese pretendido aire oriental. Tan hermoso como imbuido de una fascinante sencillez, su constante aparición parece erigirle en el tema central del score. La emotiva rendición final escuchada en “Violin Romance”, es tan sólo un ejemplo de las enormes posibilidades de este motivo tan simple en apariencia, pero tan certero en su colorido tratamiento a lo largo del álbum.

Doyle además, construye la obra sobre los pilares de la contención orquestal, no exenta sin embargo de una agraciada y florida variedad en las instrumentaciones: el arpa, las flautas y suaves cuerdas, asentadas en un delicado solo de violín con profusa aparición en el score, se fusionan de manera especialmente expresiva, siempre confluyendo en ese tono de sonoridades japonesas con el que el autor propicia un original contraste ante el carácter netamente occidental de la trama. El hecho de que Doyle visionara filmes de Kurosawa como preparación a su trabajo, explicaría la elección de este tono de intenciones casi niponas, el que tiene voz propia algun que otro instrumento exótico como el koto (una especie de cítara de procedencia china).

Como ya viene siendo costumbre en sus colaboraciones con Kenneth Brannagh, Doyle aporta aún más variedad cromática al score mediante la creación de fragmentos vocales de exquisita elegancia. Concretamente, son tres las canciones escritas en base a textos originales de Shakespeare, las dos primeras con voz del propio músico y acompañamiento del mencionado koto: “Under The Greenwood Tree”, “Blow Blow” y la exultante “A Lover And His Lass“, éste último uno de los temas más bellos e inspirados escritos por el escocés en los últimos tiempos. Usando la maravillosa melodía de cierre del “The Forest Of Arden”, el escocés nos deleita con esta alegre pieza vocal, de espléndida progresión, en la que el coro aporta unas dosis impagables de viveza y optimismo, mientras la Sinfonica de Londres ejecuta de manera sublime los deliciosos acordes del tema. Sin lugar a dudas, uno de los auténticos highlights del disco, y me atrevería a decir que de la carrera del artista.


Deliciosa.

A continuación pondre, una serie de reseñas breves de algunas de la que restan, ya que el genio de la coleta y Morricone me van llevar algún tiempo.

Nombre: Dead Again

Compositor: Doyle, Patrick

Año 1991

Editado por: Colosseum VSD (CVS 5339)


La película y su música: Entre una adaptación y otra de la obra de Shakespeare, el director Kenneth Branagh decidió construir un “thriller” a lo Hitchcock para introducirse de una manera más comercial en la industria americana. Partiendo de un rocambolesco guión de Scott Frank (futuro artífice de “Minority Report”, otro guión puramente hitchcockiano), Branagh y su entonces esposa Emma Thompson se adjudicaron los papeles de un detective de Los Ángeles especializado en encontrar a personas desaparecidas y el de una joven mujer que ha perdido la memoria y que todas las noches tiene horribles pesadillas.


Doyle, que interpreta un pequeño doble papel en el filme, resolvió la partitura incidiendo en el suspense de la historia de manera agresiva y trepidante, con continuos agitatos que imprimen un imparable frenesí a la trama y aumentan considerablemente su interés, hasta el punto de que la música, en numerosas secuencias, se convierte en el verdadero motor de la intriga y el elemento que la mantiene.



Aunque puede intuirse una vaga atmósfera herrmanniana en la partitura (derivada de lo hitchcockiano de la película), es evidente que Herrmann nunca hubiese mantenido el aire juguetón que transmite Doyle en su tema principal, por lo que la música, antes que querer remitir al autor de “Vertigo”, guarda un vínculo más directo con aquellas bandas sonoras de la época (como “Final Analysis”, de George Fenton) en las que el compositor, tomando a Herrmann como referente, interioriza su obsesivo mundo y lo hace propio, sin caer en el homenaje (lo que hiciese John Morris en “High Anxiety”) o en el convencimiento de ser el mismísimo Herrmann (lo que hará Alan Silvestri en “What Lies Beneath”).


Como resultado, Doyle consigue una de sus bandas sonoras más excitantes y que mejor contribuyen a elevar la categoría del filme, con un sentido de la exageración que será decisivo en la concepción de “Frankenstein”, y con una melodía romántica (presentada en “Winter 1948”) cuya aparición comenzará a ser “marca de la casa” en sus partituras.

Lo mejor: El excelente equilibrio entre la frenética concepción de la música y la vibrante orquestación de Lawrence Ashmore.


Lo peor: Que la tibia acogida comercial de la película lastrara las posibilidades de Doyle en el Hollywood de aquel momento.


La duración: 31.37.


El tema: “Fate Happens/Death of a Mad Son”, corte donde se concentran la mayoría de motivos de la partitura antes de alcanzar el clímax y donde Doyle introduce unos coros en latín que volverá a retomar, más extensamente, en su próxima cinta de suspense, “Needful Things”.

Nombre: Carlito´s way

Compositor: Doyle, Patrick

Editado por:Colosseum VSD (CVS 5463)

La película y su música: Brian de Palma es uno de los directores contemporáneos que más cuida el aspecto musical de sus películas y eso se nota, aunque en el caso de Patrick Doyle y “Carlito´s Way” el cineasta no hiciese ninguna indicación sobre cómo debía sonar la música. De Palma confió plenamente en el músico escocés y éste ilustró el camino hacia la redención de Carlito Brigante, un traficante de heroína recién salido de la cárcel, incidiendo, como en el cine negro tradicional, en el sentido de fatalidad del personaje y el turbio mundo que le rodea.


Para ello, Doyle comienza y cierra la película con una emocionante elegía (“Carlito´s Way”, “Remember Me”) que sentencia, ya desde el principio, el negro destino de Carlito y cuya melodía le perseguirá con sobriedad y resignación (“The Cafe”, “The Buoy”) para subrayar el drama que atraviesa sin un ápice de esperanza (de hecho, “Where´s My Cheesecake?”, único tema en el que la melodía desprende un aire más optimista y romántico, fue sustituido en el filme por una canción).


El ambiente nocturno de los tugurios que visita Carlito y el desarrollo de “thriller” que toman sus andaduras llevan a Doyle a rellenar la partitura con el sonido jazzístico de esos locales (“Laline”, “Where´s My Cheesecake?”) y a otorgarle una orquestación más bien reducida, donde el piano, las cuerdas y unos pocos instrumentos de percusión lideran los momentos de intriga (“You´re the Man”, “The Buoy”) marcando un deliberado tono de contención hasta que esas cuerdas y percusiones comienzan a presentar (en “There´s an Angle Here”) los motivos que Doyle se reserva para la gran secuencia final en la estación de metro (“Grand Central”), momento en el que estalla toda la maquinaria de la banda sonora y la música, por fin, encuentra su espacio de plenitud.

Lo mejor: Lo bien que Doyle aprovecha la posibilidad de moverse por el cine americano lejos de Branagh y la manera con la que reserva su genio para el tramo final de la narración.

Lo peor: Que el tremendo nivel de sus bandas sonoras en 1993 le impidieran ser, de una vez, candidato al Oscar.

La duración: 41.30.

El tema: “Grand Central”: diez minutos de puro nervio donde la sencilla y directa orquestación de Lawrence Ashmore y la nada ambigua concepción de la música, a base de una obsesiva figura en las cuerdas y sucesivos remansos incidentales, configuran una de las piezas de acción más memorables del cine contemporáneo.

Nombre: Sense and Sensibility

Compositor: Doyle, Patrick

Año: 1995

Editado por: Sony Classical (SK 62258)


La película y su música: El buen momento que atravesaba Doyle y la importancia de su amiga Emma Thompson en el proyecto (nada menos que actriz protagonista y responsable del guión, cuya adaptación de la novela de Jane Austen le reportaría su segundo Oscar) hicieron muy fácil la asignación de “Sense and Sensibility” al músico escocés, especialmente cuando el tándem Merchant/Ivory (artífice por excelencia del melodrama de época) se hallaba al margen de la producción y no era Richard Robbins el compositor elegido.


El elegante estilo de Doyle, más alegre y contagioso que la exquisita rigidez de Robbins, arrinconó lo que hubiese sido una partitura excesivamente formal y clasicista para inyectar al filme una música más viva y eufórica, a medio camino entre la frescura de “Much Ado About Nothing” y el preciosismo de “Une femme française”.


Como mandan los cánones de la Inglaterra decimonónica, Doyle recurre al piano y utiliza abundante cuerda y madera, aunque sabe distinguirse abriendo y cerrando la obra con dos arias tan hermosas como diferentes en aplicación, pues mientras la primera proporciona una de las dos melodías centrales (“Weep You No More Sad Fountains”), la segunda únicamente sonará en los créditos finales (“The Dreame”), una vez las variaciones de los motivos centrales van tomando cuerpo en la medida en que maduran los personajes y sus relaciones sentimentales hasta que la evolución del tema principal (desde que se presenta en “Devonshire” hasta que se expone de manera más dramática en “Leaving London”, “Combe Magna” y “There Is Nothing Lost”) conduce a un final pletórico y más optimista (“Throw the Coins”), tras el cual Doyle ya puede cerrar la película con una pieza tan nueva y diferente como lo son ahora los personajes con los que se había iniciado.

Lo mejor: La suerte que tuvo Doyle de estar en el lugar adecuado y en el momento oportuno: componer para la historia que mejor podría encajar con las cualidades de su música (aunque no se considere su mejor obra, es indudable que “Sense and Sensibility” supone la quintaesencia del “estilo Doyle”) y hacerlo en una película académica y fácilmente candidata a los Oscar, cosa que acabó sucediendo y que le permitió, por fin, colarse entre los nominados a la mejor música de 1995.


Lo peor: Que la maravillosa melodía del aria “Weep You No More Sad Fountains” quede empañada por la frecuente aparición del tema principal y suene sólo en el ecuador de la partitura (los temas “All the Better for Her”, “Felicity” y “Patience”), cuando Doyle la podría haber retomado para la segunda mitad.

La duración: 42’55”.

El tema: La aria “Weep You No More Sad Fountains” y la formidable voz de la soprano inglesa Jane Eaglen.

Y un bonus más por hoy...



;)

Nombre: Henry V

Compositor: Doyle, Patrick

Año:1989

Editado por: EMI (CDC 7 49919-2)

La película y su música: Es difícil imaginar un debut tan espectacular como el que tuvo Patrick Doyle en “Henry V”. Aunque siempre quiso dedicarse al mundo de la interpretación, Doyle estaba destinado a ser el compositor de Kenneth Branagh desde el momento en que ambos se entendían a la perfección adaptando obras de Shakespeare en la compañía Renaissance y Branagh inició su trayectoria cinematográfica meses después de conocerse. Es posible que Doyle no tuviese la experiencia requerida (aunque Branagh tampoco había dirigido nunca una película), pero su labor como actor, compositor y director de orquesta en adaptaciones como “Much Ado About Nothing”, “King Lear” o “Hamlet”, fue más que suficiente para el director al emprender, en 1989, el ambicioso rodaje de “Henry V”.



De hecho, haber trabajado como actor de teatro le proporcionaría una ventaja inusitada a la hora de interpretar los sentimientos y la evolución de los personajes, convirtiendo “Henry V”, más que en la obra de un recién llegado, en una banda sonora de una madurez arrolladora, en la que Doyle camufla la procedencia teatral de la historia no como lo haría cualquier novato (utilizando la orquesta y los coros de manera espectacular y llamativa), sino dosificando su aparición en función de la cantidad de diálogo, de su importancia para la narración o del sentido dramático de las imágenes.


Así, Doyle arranca la partitura con una majestuosa fanfarria de seis notas que resalta el heroísmo del rey británico, presenta incidentalmente el cántico que funcionará como tema principal (“Non Nobis, Domine”) y desarrolla un variado corpus de temas que ya aglutinan todas las virtudes que estarán presentes en la filmografía del autor, como sus hermosas melodías de aire romántico (“The Death of Falstaff” o “The Wooing of Catherine”) o sus grandes pasajes de corte épico, como la célebre secuencia que precede a la batalla de Agincourt y cuyos 14 minutos albergan uno de los crescendos orquestales más memorables del género (“St Crispin´s Day/The Battle of Agincourt”).

Lo mejor: La absoluta coherencia de la composición, la desbordante energía que transmitió a la película de Branagh y la fuerza con la que Doyle irrumpió en el ámbito de la música de cine.

Lo peor: Que, tratándose de un compositor novel y de un prestigioso director de orquesta, el nombre de Simon Rattle aparezca en la edición discográfica por encima del propio Doyle y en una tipografía mayor para acaparar el interés de la compra, cuando ya en 1989 era evidente que el futuro del compositor iría bien grande y en mayúsculas.

La duración: 59.16.


El tema: “Non nobis, Domine”, un cántico que Doyle escribió antes del rodaje del filme y que él mismo, caracterizado de soldado, comienza a entonar durante el plano-secuencia que recoge la devastación de la matanza de Agincourt mientras las voces del resto de soldados se incorporan progresivamente en un espectacular crescendo, que Doyle retomará durante los créditos finales en una versión más corta y donde los instrumentos de la orquesta se suman a los coros hasta alcanzar un clímax apoteósico.

Nombre: Much Ado About Nothing

Compositor: Doyle, Patrick

Año: 1993

Editado por: Epic/Soundtrax (EK 54009)

La película y su música: Si “Indochine” confirmaba, a un nivel maestro, todas las expectativas puestas en el autor de “Henry V”, su partitura para “Much Ado About Nothing” es la consecuencia lógica de tal perfeccionismo.


Doyle ya había trabajado en la obra de Shakespeare junto a Branagh años atrás, por lo que conocía perfectamente el texto y la manera de enfocarlo. Al escribir, por primera vez, para una comedia ligera y escasa en pretensiones, podía introducir muchas ideas que hasta ahora sus películas no le permitían.

Además, el hecho de reunirse con sus colegas de la Renaissance transmitía al proyecto una sensación de camaradería que fácilmente se reflejaría en la música, como así sucedió: Doyle compuso un derroche de melodías cargadas de vitalidad y optimismo que revolucionan las diferentes historias de amor y desamor que cuenta el filme hasta infundir la certera impresión de asistir a un festejo constante.


Una bellísima canción, “Sigh No More Ladies”, se convierte en el hilo conductor de la banda sonora desde que Beatrice (Emma Thompson) la interpreta a modo de poema en el prólogo (“The Picnic”) o el mismísimo Doyle la canta caracterizado de trovador (“Sigh No More Ladies”) hasta que cierra esplendorosamente la historia (“Strike Up Pipers”). Aun así, el músico da prioridad durante la partitura a un segundo tema principal: una melodía romántica que acompaña los tejemanejes amorosos (“Rich She Shall Be”, “It Must Be Requited”, “Contempt Farewell”) y que cobra protagonismo durante la segunda mitad (“Die To Live”, “You Have Killed a Sweet Lady”, “Choose Your Revenge”, “Benedick the Married Man”), volviendo a ser cantada por el propio Doyle en mitad de un hermoso lamento coral, “Pardon, Goddess of the Night”.


Entre tanto, el compositor escribe temas de aire burlesco para los encuentros entre Beatrice y Benedick (“The Gulling of Benedick”, “The Gulling of Beatrice”), una segunda melodía romántica más ligera (“The Sweetest Lady”, “A Star Danced”), un siniestro motivo para los villanos (“The Conspirators”, “The Prince Woos Hero”) y un vibrante tema para ensalzar a los caballeros (“Overture”, “Contempt Farewell”, “Hero´s Wedding”), en una de sus bandas sonoras más lujosas y radiantes.


Lo mejor: La sensación de estar escuchando una partitura en la que no falta nada.

Lo peor: La absurda realidad de que algunos piensen que una banda sonora, por pertenecer al género de comedia, nunca puede estar a la altura de trabajos más serios de un compositor.

La duración: 59.01.

El tema: “Strike Up Pipers”, una pletórica versión coral del “Sigh No More Ladies” a modo de colofón y que acompaña el plano-secuencia en el que Branagh, no queriendo interrumpir su felicidad, sigue a los personajes en una sola toma y recorre las dependencias de la villa hasta que la cámara (subida imperceptiblemente a una grúa) recoge su alegría en una vista aérea.

Esperando estaba compañero,visto tu nick y el lugar de ubicación que pones en el perfil,a que hicieses un análisis de la que para mi gusto es una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine.

No solo en sí misma considerada y escuchada sino lo que es más importante en mi caso tratandose de música para cine,como acompañamiento a las imágenes.

Especialmente memorable el tema de la batalla de Agincourt.
Estoy seguro que la película de Branagh no hubiese sido tan magnifica sin la partitura de Doyle.

Enhorabuena por tu análisis.Muy,muy interesante.

Iniciado por borja81

Esperando estaba compañero,visto tu nick y el lugar de ubicación que pones en el perfil,a que hicieses un análisis de la que para mi gusto es una de las mejores bandas sonoras de la historia del cine.

No solo en sí misma considerada y escuchada sino lo que es más importante en mi caso tratandose de música para cine,como acompañamiento a las imágenes.

Especialmente memorable el tema de la batalla de Agincourt.
Estoy seguro que la película de Branagh no hubiese sido tan magnifica sin la partitura de Doyle.

Enhorabuena por tu análisis.Muy,muy interesante.

Está justo tres mensajes más arriba del tuyo, compañero. Lo he acompañado también con videos por supuesto.



Y si, ni debut ni leches, es una obra maestra, pero es que el Doyle de los 90 era un tsunami, que sacaba los colores a afamados veteranos.

Nombre: Frankenstein de Mary Shelley.

Compositor: Doyle, Patrick.

Año:1994

Editado por: Epic/Soundtrax (EK 66631)

La película y su música: Los continuos problemas que Kenneth Branagh sufrió al alejarse del universo de Shakespeare y adaptar a otra leyenda de la literatura, en particular con los diferentes borradores del guión que le entregaba Frank Darabont, obligaron a que la música de Doyle, más que en cualquier otra de sus colaboraciones, resultara decisiva no ya para el impacto emocional de la historia, sino para alentar y sostener su verosimilitud durante las dos horas de locura infernal que atraviesa un hombre que, obsesionado con la vida eterna y cansado de ver morir a quienes ama, crea a un ser humano vivo a partir de cadáveres sin plantearse el problema moral que supone fabricar a una criatura sin alma.


Doyle eleva a la décima potencia el agresivo frenesí exhibido en “Dead Again” o “Needful Things” y concibe la partitura como una gigantesca ópera orquestal, que enfatiza y exagera a conciencia el tormentoso relato hasta convertir el exceso en su mayor virtud, pues la presencia constante y tremendamente enfática de una música tan arrolladora y contundente acaba consiguiendo que el espectador, acostumbrado a ella, la asuma como una parte esencial del drama narrado, gracias a la cual escenas enormemente delicadas y casi a un paso del ridículo terminan resultando furiosas y espeluznantes.


El modo en que Doyle hace evolucionar el formidable tema de amor para Victor y Elizabeth (desde que acompaña sus momentos de felicidad en el hogar hasta que se desata majestuosamente en la noche de bodas, una vez la criatura “roba” la melodía tocándola en una flauta y anunciando, con su intromisión en una música que hasta ahora pertenecía a la pareja, la trágica ruptura de su amor) y la incontrolada descarga de adrenalina que infunde a la desquiciante historia, en particular en su tramo final (desde el linchamiento de Justine en “Death of Justine/Sea of Ice” hasta la “segunda creación” de Victor en “Elizabeth” y “She´s Beautiful”), rematan la genialidad de uno de los ejercicios de virtuosismo más electrizantes de la historia del cine. Si señor, habéis leído bien.

Lo mejor: La capacidad de Doyle para humanizar el relato e integrar la melodía de Victor y Elizabeth en un conjunto tan terrorífico, haciéndola partícipe del escalofrío.

Lo peor: Que la escucha aislada de la música impida valorar la inmensa contribución de la banda sonora en las imágenes de Branagh.

La duración: 69.52.


El tema: “The Creation”, una apabullante pieza de dos minutos que acompaña la acelerada escena en la que Victor construye a la criatura y el tema que mejor exprime la sobredosis de energía de la composición, merecidamente reivindicado como una de las cumbres del género.

Nombre: Hamlet

Compositor: Doyle, Patrick

Año: 1996

Editado por: Sony Classical (SK 62857)

La película y su música: Es lógico que, tras el estrepitoso fracaso de la incomprendida “Frankenstein” y lo pequeño de un proyecto como “In the Bleak Midwinter”, Kenneth Branagh decidiera hacer la película que, de una vez, le llevara a lo más grande. Quienes le llamaban “el sucesor de Laurence Olivier” tenían más motivos que nunca al enfrentarse a “Hamlet” y quienes le acusaban de “megalómano” y “ambicioso” podían explayarse a gusto ante las cuatro horas del espectáculo, su reparto multiestelar y lo arriesgado de seguir al dedillo el texto original, en lugar, como hiciese Olivier en 1948, de extraer su esencia y convertir el “teatro filmado” de sus antecesores en auténtico “teatro cinematográfico”.


Branagh no es que no estuviese a la altura (la película, de hecho, renueva el texto original, aporta una nueva dimensión a personajes secundarios de la trama y goza de un brillante lenguaje visual, con elegantes planos-secuencia y “travellings” circulares), pero las gigantescas proporciones del proyecto asustaron al público y a los “académicos”, que la obviaron de las categorías principales en los Oscar de 1996.


Por suerte, la música de Patrick Doyle sí logró una nominación, la segunda (y además consecutiva) para un compositor que abordaba Shakespeare con más complejidad que nunca: su partitura es épica y romántica, poética y espiritual, pero demasiado introvertida y formal para muchos seguidores del “estilo Doyle”, que no entendieron bien este giro tan reflexivo y solemne de su música.



No hay más que haber visto la película para darse cuenta del sentido dramático tan coherente que el compositor (que interpretó el personaje de Osric durante largo tiempo y conocía el texto de memoria) extiende sobre una película con tanto diálogo y tan importante, ya sea para expresar la atormentada personalidad de Hamlet en una bellísima melodía (que recorre toda la partitura adoptando múltiples formas, desde que la canta Plácido Domingo en “In Pace” hasta que un coro masculino la despide en “Go Bid the Soldiers Shoot”), para infundir tristeza al amor de Ophelia (“Oh, What a Noble Mind”, “And Will´A Not Come Again?”, “Sweets to the Sweet-Farewell”) o para aplicar sobre Claudius, como personaje conflictivo de la obra, el leit-motiv más difícil y retorcido (“The Ghost”, “Now Could I Drink Hot Blood”), logrando no destacar por encima del texto y, al mismo tiempo, construir una banda sonora poderosa y fiel a su estilo.

Lo mejor: Lo bien que se adapta la música a la película y lo bien que suena fuera de ella, en parte, como siempre, gracias a la magnífica orquestación de Lawrence Ashmore.

Lo peor: Que el exquisito concepto de la partitura (más clásica e introvertida que un “Much Ado About Nothing” o incluso que un “Sense and Sensibility”) no convenciera a los acostumbrados a un Doyle más ligero.

La duración: 76’27”.

El tema: “Sweets to the Sweet-Farewell”, una pieza a modo de elegía en la que las cuerdas vibran esplendorosamente con los temas de Hamlet y Ophelia, entrelazados tal y como requiere la escena.