Tema: Akira Kurosawa: revisando sus películas

AKIRA KUROSAWA (1910 – 1998)



Inicio un nuevo hilo de la serie “revisando sus películas” dedicado esta vez a uno de los grandes del cine clásico japonés. Sin duda, junto a Yasujiro Ozu y Kenji Mizoguchi (con permiso de Mikio Naruse y alguno más), Kurosawa es, ya desde su lejana participación con Rashomon en el Festival de Venecia de 1951, en el que ganó el León de Oro, y la consecución al año siguiente del Oscar, uno de los directores más alabados y populares del cine japonés en Occidente. Incluso creo que podemos decir, sin equivocarnos, que es el más conocido de todos ellos, el que parece conectar mejor con nuestra sensibilidad estética, hasta el punto de que más de una vez nos han llegado comentarios desde el Japón en los que se le considera “demasiado occidental” (algo de lo que se hacía eco hasta el mismísimo Martin Heidegger en una de sus obras).

Interesado desde niño por la pintura (y los caballos, presentes a menudo en sus films), admirador de Cézanne y Van Gogh (algo que se mostrará en, por ejemplo, Los sueños de Akira Kurosawa), nuestro director creció en el seno de una familia numerosa con reminiscencias del mundo de los samuráis: su padre era maestro en una escuela militar. No fue demasiado buen estudiante, pero la experiencia escolar le permitió conocer al que será su amigo y futuro guionista de algunos de sus primeros films: Keinosuke Uesuka.

Crecido todavía en la época del cine mudo, conocerá el mundo de los narradores (los benshi), como su propio hermano, cuatro años mayor (y que se suicidará con solo 27 años), personajes que comentaban de viva voz las películas durante su proyección. Luego, se vinculará a organizaciones de izquierda, como la Liga de Artistas Proletarios (en 1929), aunque poco a poco el Japón fue deslizándose hacia posiciones más conservadores e imperialistas.

Su aprendizaje en el cine empieza, paralelamente a la extensión del cine sonoro, en la PCL (Photo Chemical Laboratory), productora antecesora de la Toho, donde se inicia en labor de ayudante de dirección, en especial bajo la tutela de Kajiro Yamamoto (1902-1974), con el que rodará numerosos films, personaje al que rinde homenaje en su autobiografía considerándolo su gran maestro, aunque no solo trabajará con él, también con Naruse y otros. Kurosawa se dedicará tanto a la dirección de actores o a la elaboración de guiones como al montaje, por lo que cuando ruede su primer film años después habrá acumulado una amplia y variada experiencia.

En plena II Guerra Mundial, y después de ver como se le negaba la posibilidad de dirigir alguno de sus guiones, conseguirá debutar con Sugata Sanshiro, adaptación de una novela que acababa de publicarse.

Con ella empieza nuestro recorrido, inicialmente concentrado en producciones de la Toho, hasta El ángel ebrio, a partir de la cual Kurosawa irá pasando por diferentes productoras: Daiei, Shin Toho o Sochiku, volviendo a la Toho a partir de Vivir. Después de Barbarroja, se produce un cambio importante en su cine: se rompe la relación mantenida durante más de 15 años con Toshiro Mifune, protagonista casi todos sus films de El ángel ebrio a Barbarroja (solo "libra" en Vivir).

Después de una accidentada experiencia con el sistema de producción hollywoodiense en el rodaje de Tora! Tora! Tora!, y del fracaso de Dodes’ka-den (su primera película en color), Kurosawa, con graves problemas financieros y de salud, intenta suicidarse, afortunadamente sin éxito.

Su etapa final es bien conocida: vuelva a ver la luz con un film magistral rodado en la URSS, Dersu Uzala, y luego se vincula definitivamente a Occidente con la producción de films como Kagemusha o Ran, llegando incluso en su etapa final a rodar una película con la presencia de Richard Gere: Rapsodia en agosto, poniendo punto final a su filmografía con la emotiva Madadayo.

El programa de esta revisión lo componen sus 30 largometrajes:

01. La leyenda del gran judo (Sugata Sanshirô, 1943)
02. La más bella (Ichiban utsukushiku, 1944)
03. La nueva leyenda del gran judo (Zoku Sugata Sanshirô, 1945)
04. Los hombres que caminan sobre la cola del tigre (Tora no-o wo fumu otokotachi, 1945)
05. No añoro mi juventud (Waga seishun ni kuinashi, 1946)
06. Un domingo maravilloso (Subarashiki nichiyôbi, 1947)
07. El ángel ebrio (Yoidore tenshi, 1948)
08. Duelo silencioso (Shizukanaru kettô, 1949)
09. El perro rabioso (Nora inu, 1949)
10. Escándalo (Shûbun, 1950)
11. Rashomon (Rashômon, 1950)
12. El idiota (Hakuchi, 1951)
13. Vivir (Ikiru, 1952)
14. Los siete samuráis (Shichinin no samurai, 1954)
15. Crónica de un ser vivo (Ikimono no kiroku, 1955)
16. Trono de sangre (Kimonosu-jô, 1957)
17. Los bajos fondos (Donzoko, 1957)
18. La fortaleza escondida (Kakushi-toride no san-akunin, 1958)
19. Los canallas duermen en paz (Warui yatsu hodo yoku nemuru, 1960)
20. Yojimbo (Yôjinbô, 1961)
21. Sanjuro (Tsubaki Sanjûrô, 1962)
22. El infierno del odio (Tengoku to jigoku,1963)
23. Barbarroja (Akahige, 1965)
24. Dodes'ka-den (Dodesukaden, 1970)
25. Dersu Uzala (Dersu Uzala, 1975)
26. Kagemusha, la sombra del guerrero (Kagemusha, 1980)
27. Ran (Ran, 1985)
28. Los sueños de Akira Kurosawa (Konna Yume Wo Mita, 1990)
29. Rapsodia en agosto (Hachigatsu no rapusodi, 1991)
30. Madadayo (Mâdadayo, 1993)

Queda fuera la película Los que construyen el porvenir (Asu o tsukuru hitobito, 1946), film en el que se vio obligado a participar por imposición de la Toho, en un momento de gran conflictividad laboral justo después de la guerra. Kurosawa no solo no cita esta película en su autobiografía, sino que además declaró repetidas veces a lo largo de su vida que no la consideraba suya. Así por ejemplo se recoge en la monografía de Cátedra de Manuel Vidal Estévez: “No es una película que considere mía. Es una película -¿cómo diría yo?- es una película pedagógica del sindicato de la Toho. Hubo una gran huelga y la Toho y el sindicato nos obligaron a hacerla... ¡en tres semanas! Todavía hoy, cuando oigo un himno sindical, me duermo. La realizamos tres directores: Kajiro Yamamoto [su maestro], Hideo Sekigawa y yo. Cada uno de nosotros rodamos un episodio. Lo hicimos sin una noche de descanso. Es, por lo tanto, una película de encargo. ¡En absoluto la considero mía! Por lo demás, es un buen ejemplo para probar que un didactismo demasiado brutal es ineficaz. No existe otra película que haya tenido menos éxito” [publicado originalmente en Cahiers du Cinema en 1966]. De todas formas, si tengo la oportunidad de verla, cosa difícil por lo que parece, ya que solo se ha proyectado en escasas ocasiones, la comentaré como extra.

Si espero comentar, en cambio, como extra, Uma no uta (1970), el único trabajo para la televisión rodado por Kurosawa, un documental sobre uno de sus temas preferidos: los caballos, He encontrado una copia en la siguiente web: https://rarefilmm.com/2024/05/uma-no-uta-1970/ ).

Para terminar, cito algunos libros que pueden ser de interés para quien quiera documentarse de cara a esta revisión. Por supuesto, es recomendable leer la autobiografía de Kurosawa: “Autobiografía (o algo parecido)”, publicada por Fundamentos. Hay que advertir que solo comenta su vida hasta el éxito internacional de Rashomon (y una brevísima referencia a su siguiente film, El idiota). Un tercio del libro se centra en su infancia y primera juventud, luego habla extensamente de sus años de formación en el mundo del cine, para acabar revisando sus películas una a una.



Disponemos también de la típica monografía de Cátedra, escrita por Manuel Vidal Estévez (aunque al menos la edición que yo tengo, de 1992, solo llega hasta Rapsodia en agosto):



Por último, está editado en castellano un interesante y voluminoso libro de Stuart Galbraith IV (crítico e historiador del cine norteamericano, que puede que hayáis visto en alguno de los extras de las ediciones de A Contracorriente): “La vida y películas de Kurosawa y Mifune. El emperador y el lobo”, de T&B Editores (creo que queda claro quién es el emperador y quién el lobo).



Por supuesto, hay multitud de libros sobre Kurosawa, críticas de sus películas, ensayos y artículos en revistas especializadas, etc. Mucho donde bucear si uno quiere llevar a cabo una inmersión profunda sobre el maestro japonés. En todo caso, aquí intentaremos aportar un granito de arena más, sin ánimo de sentar cátedra, sino más bien de expresar nuestros opiniones, sean fruto de nuevas revisiones (en mi caso ya he visto más de una vez todas las 30 películas) o de primeros visionados. Cuento con la compañía asegurada de Alex (no sé si Alcaudón se dejará caer por aquí, que tiene muchos frentes abiertos ), pero por supuesto estáis invitados a participar si os apetece. La mecánica será la de siempre: para cada película iniciaré el comentario hacia finales de la semana correspondiente y a partir de entonces quien quiera puede publicar sus aportaciones sobre ese film. Intentaré respetar la frecuencia semanal (con alguna interrupción veraniega), pero eso no es impedimento para que se comente cualquier aspecto que se considere de interés sobre la obra de Kurosawa, aunque agradeceré que se mantenga cierto orden secuencial. Empezaremos, pues, con Sugata Sanshiro el jueves o viernes de la próxima semana.

Pues otra más!!!! Muchos BD para el ciclo, gracias a contracorriente, creo que 10, más dos BD de Ran y Los sueños.... Lo demás Filmax en DVD, que a priori, no es una buena noticia.

Muchas ganas del ciclo, era uno que siempre ponía en la mesa de futuribles, y un director que me apetecía mucho ver sus pelis, pero al sufrir el llamado "mal de las revisiones", siempre postponía dichos visionados, me decía mejor me lo dejo para las posibles revisiones, y así estoy con Carpenter, Wilder, Hawks, Ford, etc.... Y al final termino viendo explotations

Si se tratar de hacer "revisiones", no hay problema para ir empezando con "primeros visionados", no hace falta caer en el cine más trash.

En mi caso de las primeras (o sea, antes de RASHOMON) solo tengo EL PERRO RABIOSO (nº 9).

Y de las posRASHOMON básicamente las editadas en BD por A Contracorriente, aunque RAN la tengo en 4K.

A ver cómo me las arreglo con el lío en el que me veo obligado a meterme.

Yo, por mi parte, seguiré con el ciclo Tanaka en su el hilo de cine clásico japonés. Y si todo fuera +/- bien tal vez me atreviera con Ozu del que creo que tengo todo lo que se ha editado. O sea, todo lo que de él ha llegado a nuestros días, aunque muchas de esas películas están en VOSI.

Un libro más, que tengo por cierto:



https://www.amazon.es/CONVERSACIONES-AKIRA-KUROSAWA-Akira-Kurosawa/dp/8494777262

Es un libro de 145 páginas, chiquito, de tres entrevistas realizadas por Donald Richie, Nagisa Oshima y Gabriel García Márquez.

Con los comentarios que aparezcan aquí seguro que podemos elaborar un libro más interesante (y decididamente más gordo ) que cualquiera de los referenciados.

No seré yo el que pretenda competir con un premio Nobel.

01. La leyenda del gran judo (Sugata Sanshirô, 1943)



A finales de 1942, en plena II Guerra Mundial, y gracias a que Kurosawa, declarado no apto para el servicio militar, se pudo mantener alejado del frente durante el conflicto, nuestro director consiguió dirigir su primera película. Llevaba ya varios años dentro de la Toho como ayudante de dirección (tercero, segundo y finalmente ayudante primero), además de adquirir experiencia en el montaje y, sobre todo, en la elaboración de guiones. Para su debut se fija en una novela que ni siquiera se había publicado: “Sugata Sanshirô”, de Tsuneo Tomita, autor de 38 años que era además maestro de judo. Gracias al apoyo de la mujer del escritor consigue que le venda los derechos a la Toho, y luego la productora le encarga a él la dirección a partir de un guion propio.

La película gira alrededor de la aparición del judo, como una variante moderna del jiu-jitsu. Estamos en 1882 y Sanshirô (Susumu Fujita, en su primer papel importante, actor al que veremos varias veces a lo largo de esta revisión) es un joven que quiere entrar en una escuela de artes marciales.



Primero recala en una tradicional de jiu-jitsu, pero cuando sus integrantes deciden darle una paliza a Shogoro Yano (o Jigoro Kano, personaje real, interpretado por Demjiro Okochi), se sorprende al ver que el judoca vence sin dificultad a sus rivales, arrojándolos al río.

Inmediatamente, decide que Yano será su sensei, su maestro, prestándose a llevarlo en el rickshaw en el que viajaba, ya que el conductor ha desaparecido asustado. Para ello abandona su calzado (el tradicional geta), objetos que servirán a Kurosawa para marcar el paso del tiempo en una elipsis magníficamente resuelta.

Pero Sanshirô es un joven pendenciero, que no se controla y que protagoniza, frecuentemente, peleas que van contra el espíritu del judo. Su maestro, Yano, lo amonesta y su reacción es sumergirse en el estanque que hay en la escuela. Allí pasará toda la noche, agarrado a una estaca, hasta que vea cómo se abre una flor de loto, visión que le hace darse cuenta de lo inadecuado de su conducta y la necesidad de cambiar y aceptar los preceptos del sensei.



Sanshirô mejora como alumno y es invitado a un combate contra uno de los luchadores de jiu-jitsu del principio, el maestro Momma (Yoshio Kosigi). Lo vence de tal manera que Momma muere, lo que le comporta el odio de su hija, Osumi, que más adelante intentará apuñalarlo.

El siguiente rival que intentará lavar el honor del jiu-jitsu será un luchador ya mayor, Murai (el gran Takashi Shimura, junto a Toshiro Mifune el actor más representativo del cine de Kurosawa).



Pero, en el marco de una exhibición ante la policía, también lo vence, lo cual le ocasiona un problema sentimental, ya que sin que supieran cuáles eran sus identidades respectivas, Sanshirô ha conocido, y se ha enamorado, de la hija de Murai, Sayo (Yukiko Todoroki).

Kurosawa dedica un par de secuencias modélicas a ese incipiente amor. En la primera Yano y Sanshirô contemplan emocionados cómo Sayo reza en el templo pidiendo protección para su padre. Más adelante, Sanshirô reparará el gata de Sayo con un pedazo de su pañuelo cuando se cruzan en una escalera bajo la lluvia. Sanshirô se muestra tímida, simple, pero tierno.



A pesar de la derrota, Murai no le guarda rencor, por lo que puede seguir viéndose con Sayo. Pero lo peor está por llegar en la figura de Higaki (Ryûnouke Tsukigata), un experto luchador de jiu-jitsu que viste a la manera occidental y que lo reta a un combate a muerte.

La secuencia de combate final, de unos 6 minutos, es probablemente el momento culminante del film. Para su rodaje en exteriores, Kurosawa disponía de tres días, pero era preceptivo disponer de un fuerte viento (el viento será uno de los signos de identidad más habituales de la filmografía de Kurosawa, junto al agua). Después de dos días de tiempo apacible, de forma providencial se desató un vendaval en el tercer día pudiendo así filmar el duelo tal como lo había planeado.



Durante el combate, que se ha de hacer según las normas clásicas del jiu-jitsu, Sanshirô está a punto de ser derrotado, pero el recuerdo de la flor de loto le permite sacar fuerzas de flaqueza y vencer a Higaki (que, no obstante, sobrevive, como veremos en la secuela). La película se cierra con la partida en tren de Sanshirô que promete a Sayo volver pronto (cinematográficamente hablando, se volverán a encontrar dos años después en la segunda parte).

La película fue un éxito de crítica y público, pero antes tuvo que superar la estricta censura japonesa (eran tiempos de guerra y el país estaba dirigido por un gobierno militarista, autoritario). Se acusaba a la película de ser demasiado “británico-americana”, ante la incredulidad de Kurosawa, que tuvo que defenderla ante una suerte de tribunal. Afortunadamente, contó con el apoyo de Yasujiro Ozu, que formaba parte del tribunal y que la alabó públicamente.

A pesar de su éxito, la película sufrió la pérdida de una parte importante del negativo (recordemos que se perdieron muchísimos films japoneses como consecuencia de los bombardeos de la aviación norteamericana). Así, cuando se intentó reconstruirla, en 1952 (en Occidente no se estrenó hasta 1974), faltaban 17 minutos, que no se han podido encontrar. Ello justifica algunos rótulos explicativos que intentan condensar la narración y salvar algunas elipsis. Quizá el personaje de Osumi, la hija del maestro Momma, sea uno de los más perjudicados. Por lo demás, la película me parece, vista hoy en día, un debut notable, con momentos de una sensibilidad que denota un gran director tras la cámara.

Además, Kurosawa se sirve de algunos recursos curiosos, como el barrido vertical para pasar de un plano a otro, o los encadenados con los que sigue de cerca el combate entre Sanshirô y Murai, de manera que casi da la impresión de que vemos a los dos luchadores bailando agarrados. Lástima que la copia en DVD de Filmax tenga una calidad deficiente, con muchas rayas y un blanco y negro un tanto desvaído, pero desconozco si hay nada mejor editado (sé que hay un BD-R que no me ha parecido de fiar).

Veremos si la próxima entrega, La más bella, situada temporalmente en el presente, se mantiene tan bien como esta. Buen inicio de ciclo.

Por cierto, una aclaración: que nadie crea que se va a encontrar con un film de artes marciales a la manera de los de Bruce Lee o similares (afortunadamente, añado). Los combates son muy breves (salvo el último), casi elípticos, y muy poco o nada espectaculares, filmados con suma ligereza.

Ficho y cotilleo
Desvirtuando un poco.

Qué guapos son E Okada y Y Kayama. A la lista van

A Kayama lo veremos en el ciclo Kurosawa, pero a Okada creo que no.

Parece francamente interesante esta ópera prima del maestro japonés.

Igual os hago competencia y me pongo con Ozu.

Es mucho más interesante de lo que puede parecer. La secuela es inferior (creo que la comenté en OR), pero aún así merece un visionado.

¿OR? No me suena.

02. La más bella (Ichiban utsukushiku, 1944)



Japón seguía inmersa en plena II Guerra Mundial. Al igual que pasaba en los otros países implicados en la contienda (como hemos visto cientos de veces en el cine de Hollywood o en el británico en el hilo dedicado recientemente a David Lean), la industria cinematográfica nipona, y la Toho en concreto, contribuyeron al llamado “esfuerzo de guerra” (o, dicho de manera más ruda, a la propaganda) con sus películas. Kurosawa, que había tenido éxito con Sugata Sanshirô, recibió el encargo de rodar un film sobre los aviones de combate Zero y sus pilotos, pero las circunstancias no permitían destinar recursos militares al rodaje, por lo que el proyecto no tiró adelante.

En su lugar, Kurosawa elabora el guion de La más bella, centrada en el esfuerzo que unas operarias se veían obligadas a realizar para conseguir incrementar la producción de lentes y otros materiales ópticos destinados a la industria militar, lentes que habían de formar parte de todo tipo de armas, desde ametralladoras a tanques pasando por aviones, buques o submarinos. La responsabilidad de la calidad del producto, por tanto, es vital, puesto que de su buen funcionamiento dependerá la vida de los soldados y, en definitiva, la victoria de Japón.

Para ello, Kurosawa instala a su equipo de rodaje, actrices y técnicos, en la fábrica Nippon Kogaku (empresa que sigue activa y que nos es conocida por las cámaras fotográficas Nikon), situada en Hiratsuka, población cercana a Tokio. Eso da a la película un marcado carácter documental, al estar filmada en las instalaciones reales, con las chicas laborando en las máquinas de la empresa.



Aunque el film tiene una estructura argumental bastante simple, y las circunstancias de la guerra dificultaban disponer de los medios económicos y materiales necesarios, Kurosawa sale airoso consiguiendo un resultado notable. Cierto es que, vista hoy en día, la película nos interesa más por aspectos históricos que por su fuerza dramática, pero eso no quiere decir que estemos ante un film deficiente, al contrario, hay momentos en que el director alcanza logros destacables a partir de un material tan limitado.

La película se inicia con una reunión de la dirección de la fábrica (el director es Takashi Shimura) en la que se decide que hay que incrementar la producción exigida: un 100% a los hombres y un 50% a las mujeres.



Pero estas, lideradas por Tsuru Watanabe (Yôko Yaguchi), se muestran molestas por la discriminación: quieren contribuir tanto como los hombres. Finalmente, se acepta que incrementarán la producción en 2/3.



Kurosawa nos muestra el entorno militarizado de las operarias, chicas muy jóvenes que viven en la fábrica bajo la vigilancia de una mujer de más edad, que actúa como tutora o maestra, Noriko (Takako Irie). Además de trabajar, practican deportes (el voleibol) y forman parte de una banda que interpreta marchas e himnos patrióticos, en un entorno poblado de todo tipo de consignas que ensalzan al ejército y apelan a la victoria y a la destrucción del enemigo, recordando además a héroes de guerra como el almirante Yamamoto (abatido por la aviación norteamericana en 1943). Además, las chicas, para mantener los lazos con sus familias, han traído un poco de tierra de sus hogares con la que dar forma a un pequeño huerto que les recuerde sus raíces.



La película se centra en pequeñas anécdotas que dificultan la consecución de ese ambicioso objetivo de incremento de producción. Una de ellas, Suzumura, enferma y su padre se la lleva de vuelta a casa, entre llantos. Otra, Yamazaki, cae de la azotea y se rompe una pierna. La líder, la cumplidora Watanabe, recibe una carta de su padre en la que le comunica la grave enfermedad de su madre, pero ella antepone lo colectivo a lo personal y decide quedarse en la fábrica. En ese mismo sentido, oculta que otra de las muchachas, Yamaguchi, tiene fiebre, para que pueda continuar en la cadena de producción.

Pero el ritmo de trabajo empieza a pasar factura: cansancio, crisis nerviosas, irritación, discusiones. Cuando una de las chicas la distrae en su puesto de trabajo para comunicarle una pelea entre dos de sus compañeras, Watanabe pierde una de las lentes, lo cual implica que una lente sin comprobar pueda acabar en una arma ocasionando quizá, por su mal funcionamiento, la muerte de un soldado.

Watanabe se pasa la noche en blanco intentando localizarla sin éxito. Kurosawa mantiene la tensión del momento, marcando con el reloj el paso de las horas y mostrando, con el ritmo cada vez más lento de la canción patriótica que canta para no dormirse, su creciente cansamiento... hasta que finalmente se duerme.



No consigue encontrar la lente, pero ante los ojos de sus compañeras y de la propia dirección aparece como una heroína. Por eso, cuando llega la noticia de la muerte de su madre, le dan todas las facilidades para que viaje hasta su casa. Pero la decisión de Watanabe es firme: se queda trabajando. Kurosawa cierra la película con un plano fijo frontal de Watanabe llorando mientras sigue observando con un microscopio el acabado de las lentes.



De esta forma, Watanabe se convierte en el símbolo del esfuerzo del país que pone el objetivo colectivo, la victoria en la guerra, por encima de las emociones y los vínculos personales, la patria antes que la familia. Tiempo después Kurosawa se desmarcaba del militarismo de la época, pero no hay duda de que fue un fiel ilustrador de este principio por medio de un film como La más bella.

Como curiosidad, la actriz que interpreta a Watanabe, “la más bella”, Yokô Yaguchi, que también actuó en cierto modo como portavoz de las demás actrices en el film, y con la que el director tuvo que discutir a menudo por lo duro de las condiciones de rodaje, se acabó casando con Kurosawa unos meses después del estreno... vínculo que mantuvo hasta su muerte en 1985. Como contrapartida, Yaguchi, madre de los dos hijos de Kurosawa, abandonó su carrera de actriz, reducida a una decena de films en los años 40.

En la próxima entrega, y a pesar de que Kurosawa no quería hacer una secuela de su primer film, veremos La nueva leyenda del gran judo, en la que se recupera el personaje de Sanshirô.

No es que vaya tarde, es que voy tardísimo!!!! Eso sí, vista dos veces en DVD de Filmax, con una calidad visual lamentable hacen lo que pudiera ser interesante lo dejan en momentos incluso en estresante.

Tengo que reconocer que le tengo mucho miedo al cine japonés sólo en un aspecto, la llorera, son unos llorones, dilatando dichas escenas haciendo en mi el efecto contrario buscado, o sea de lo emocional por lo que esté sucediendo al suplicio porque termine dicha escena. Por suerte veo que Akira, en su ópera prima, pasa de esos sentimentalismo dilatados en escenas, con un trato más distante y frío, que agradezco y mucho.

Tiene escenas muy interesantes, como la última, la lucha al aire libre, que me recuerda a algunas escenas de ORDET. La escena del puerto también muy destacable. Ya las escenas de lucha en interior, algunas no me parecen tan buenas, no entiendo ese corre corre estúpido en un combate, eso no era ni judo no nada, parecía una disputa de patio de colegio.

ORDET

A pesar de que noto que es un buen inicio, el lamentable DVD de filmax me priva de verlo de manera más disfrutona. Pero bueno finiquito aquí, y me pongo sofort con la siguiente. En resumen, interesante debut.

Pues si la copia de Filmax es mala, la de la secuela es horrenda.

Iniciado por mad dog earle

Pues si la copia de Filmax es mala, la de la secuela es horrenda.

Dios mío!!! de Filmax también? Ya tengo ganas de empezar con las ediciones de A contracorriente.

Mi DVD es de Mon Inter Comerz, pero tiene toda la pinta de partir del mismo máster que la de Filmax, incluso el menú es muy parecido. La más bella​ está mejor, pero la calidad también es menos que discreta.

Ya tengo en mi poder una copia en HD del primer largometraje de Kurosawa aunque en VOSI y otra en VOSE del segundo. Ahora es ver cuándo tiempo de verlas porque tengo un par de comentarios pendientes.

Pero si esos "HD" parten de las mismas copias, poca mejora tendrán. De hecho esos primeros films se han editado en BD (creo que también por Mon Inter Comerz), pero no me dan garantía. Las copias que hay en Filmin tampoco mejoran la calidad.

Veamos.

Tres capturas de pantalla de su primer largometraje, la primera el título del mismo (aunque es obvio a poco que uno domine el japonés )...







Yo diría que se ven bastante bien teniendo en cuenta las condiciones en las que ha llegado.

Eso sí, he tenido que volver a usar Pinterest porque con imgbox no me las reconocía la presente caja de texto.

El segundo largometraje está en VOSE (con los subtítulos incrustados, o sea, que no se pueden eliminar) y aunque la calidad de la copia no es tan buena yo diría que no están nada mal.









Como veis, la segunda la he escogido a posta porque a pesar de ser bastante oscura (después de todo la protagonista está en interiores) creo que se aprecia relativamente bien su persona.

En casos de películas que van (aproximadamente) de 1.37:1 a 1.85:1 seguiré usando Pinterest porque acepta más formatos de video que imgbox.

Es solo una muestra. Hay que verlas en movimiento. La valoración final depende de si nos ponemos en modo arqueológico o no. Las dos primeras incluso en las copias de Filmax son visibles. La tercera es mala sin paliativos.